Seguimos Comunicando: El Teatro Sanpol lleva a escena desde este sábado «Los músicos de Bremen» en su 40 cumpleaños que celebra estrenando patio de butacas

Este fin de semana vuelven a levantar el telón las producciones propias del Teatro Sanpol con su compañía La Bicicleta -el viernes lo hará dentro de su campaña escolar. Lo harán con un título con suficientes elementos para atrapar a públicos de todas las edades. Nada menos que Los músicos de bremen, una puesta en escena colorista con la música de todo un referente como Nacho Mañó de Presuntos Implicados. Además, los espectadores podrán disfrutar de la magia de los espectáculos del Sanpol en un nuevo y cómodo patio de butacas con el que no perderse una pizca de ese momento tan especial que supone para los espectadores acudir a un teatro.

Los Músicos de Bremen es un montaje muy moderno y actual con música de Nacho Mañó (Presuntos Implicados) y una escenografía y vestuario muy originales y alegres, por este motivo la hemos pensado para esta ocasión. Con su música pegadiza y su colorido montaje es ideal para levantar el ánimo y hacernos mover los pies y pasar un rato divertido. Se podrá ver en el Sanpol del 8 de octubre al 6 de noviembre. Las entradas ya están a la venta y puedes consultar horarios y fechas de funciones aquí.

Un comienzo de temporada marcado por el 40 aniversario. En palabras de la directora del Teatro Sanpol, Natasha Fischtell: «Nos planteamos este 40 Aniversario de Sanpol con mucha ilusión y nuevas energías, haciendo homenaje a los espectáculos más emblemáticos de Sanpol como Cuento de navidad, Caperucita o La Flauta Mágica y un estreno al que le teníamos muchas ganas desde hace unos años, Mujercitas. Celebraremos este 40 Aniversario de una manera muy especial en el mes de marzo con un Gala conmemorativa junto a toda la Familia del Sanpol».

Juanjo Rivero (SOM Produce): «Cada vez hay más público de musicales en España»

En una temporada frenética para el sector del teatro musical tras Gonzalo Pérez Pastor charlamos con Juanjo Rivero de SOM Produce sobre este momento álgido del género que llevará a su productora a estrenar en Madrid Matilda hace solo unos días y la semana que viene Mamma Mia!

Carlos Rivera: Matilda llega a escena mucho más tarde debido a la pandemia, ¿De qué manera os afectó este retraso?

Juanjo Rivero: Teníamos ya en marcha la formación del elenco infantil y tuvimos que cortarla de raíz. Cuando retomamos la formación casi un año después nos dimos cuenta de que ya no valían para el musical por la estatura. Tuvimos que empezar de 0 en este aspecto, además de temas contractuales por la licencia del musical y temas así.

C.R: El género vive mucho de la preventa que con la situación sanitaria prácticamente desapareció…

J.R: Tenemos ya una situación muy similar a la de 2019. Parece que ya ha pasado lo malo y hay que centrarse en el presente que parece positivo con la misma movilidad turística. Parece que el paréntesis pandémico ya lo hemos superado.

C.R: ¿Cuál es el mayor reto al que os habéis enfrentado con Matilda?

J.R: Cuando arrancamos Matilda no éramos conscientes de la complejidad y del volumen de producción que se nos venía encima. Pensábamos que estaría al nivel de Billy Elliot más o menos. El elenco infantil tiene un peso interpretativo, de canto y coreográfico increíbles.

C.R: ¿Cómo os enfrentáis desde SOM a la competencia feroz de esta temporada?

J.R: Eso es bueno, significa que hay demanda. Nos queremos diferenciar con una producción con una factura impecable, creemos que hay espectadores para todos.

C.R: Mamma Mía!, un título muy conocido por el público español, ¿Qué aporta vuestra producción?

J.R: Lo vas a decir tú cuando lo veas. Es tan diferente que es difícil expresarlo con palabras, es una puesta en escena completamente nueva.

C.R: Mirando hacia el futuro, ¿Veremos más proyectos con jóvenes intérpretes?

J.R: Tenemos ya las licencias para hacer más musicales que haremos públicos cuando se pueda hacer oficialmente. Además tenemos nuestra escuela así que sí, proyectos con artistas revelación seguirán llegando.

C.R: Con el buen sabor de boca que deja En tierra extraña, ¿Os planteáis nuevos musicales de creación?

J.R: Uno de los aspectos importantes es que hay disponibilidad limitada de los espacios escénicos. Tenemos proyectos de creación propia sobre la mesa, pero la cuestión es encontrar el momento y el espacio adecuados para sacarlos adelante.

C.R: Hablamos siempre de la dificultad de grandes espacios para musicales en Madrid…

J.R: Yo creo que el público madrileño y los turistas demandan una cierta cercanía con la propuesta. Un espacio sobredimensionado te lleva la experiencia a otro sitio. Jugar con aforos entre 1000 y 1500 personas juega a favor de la experiencia del espectador. Aunque suena contradictorio, los teatros de grandes aforos tienen que quedarse en ciudades más pequeñas. Así en poco tiempo se puede amortizar un musical en gira al haber aforos más grandes.

C.R: ¿Cómo has visto la evolución del público de musical en España?

J.R: Cada vez hay más público y más espectadores, pero evidentemente los títulos comerciales podrán estar más tiempo en cartel y los que son más para especialistas en el género pues no deja de ser un nicho concreto y puede estar x tiempo en cartel. Pasa también fuera de España, vas a Londres y están en temporada muy limitada ciertos títulos en los que además se suele poner -cosa que no se hace en España- primeras figuras del cine para atraer al público. Acostumbrar a ese tipo de musicales al público español lo hizo muy bien Mario Gas en su etapa en el Español con Follies, Sweeney Todd

C.R: La colaboración teatro público-privado en los musicales ocurre pocas veces. Solo se me viene a la cabeza ahora mismo precisamente En tierra extraña

J.R: Realmente no estoy ahí, por lo que hablo desde una opinión personal. Creo que dentro de todo quieren que el teatro público sea algo ‘rentable’. Si tú haces un gran musical hoy con 50 artistas, 30 técnicos, músicos… No es nada rentable, no le ven sentido a hacerlo.

Emilio Aragón y el Teatro del Soho de Antonio Banderas presentan el elenco de GODSPELL

Pepe Nufrio, Víctor Ullate, Angy Fernández, Roko, Aaron Cobos, Andro Crespo, Jana Gómez, Raúl Ortiz, Laia Prats, Noemí Gallego, Javier Ariano, Nuria Pérez, Daniel Garod y Mónica Solaun forman el elenco de Godspell, el musical que dirige Emilio Aragón -con el que hablamos el año pasado- este otoño en el Teatro del Soho de Málaga.

Los 14 intérpretes, con amplia experiencia en el mundo del musical y de la televisión, ensayan intensamente el espectáculo estos días para que el próximo 3 de noviembre todo esté a punto en su estreno en el Teatro del Soho CaixaBank.

Godspell, creado por John-Michael Tebelak, con música y letra de Stephen Schwartz, llega de la mano de Antonio Banderas y Emilio Aragón en una nueva versión, donde el clásico de Broadway será transportado a 2022. Estará producido por el Teatro del Soho CaixaBank y Estudio Caribe.


“Y, al final del viaje, cuando sintamos que todo acaba, que la oscuridad lo inunda todo, Godspell nos recuerda que hay esperanza, que todo empieza de nuevo, que ahí afuera, hay una nueva pasión”. Las entradas están ya disponibles en nuestra página web http://www.teatrodelsoho.com, y en todos los puntos de venta de El Corte Inglés.

Víctor Díaz, el avezado intérprete de una familia unida en la creación

Hay historias que parecen predestinadas a repetirse. Nuestro protagonista forma parte de una familia con solera artística. Su hermano Carlos Solano también se dedica al teatro musical, una industria que hace ya unos años también acogió a Adrián Salzedo, actual protagonista de Malinche. Distintos apellidos artísticos con el sueño de compartir un musical juntos. De momento cada uno en un título esta temporada. Víctor Díaz mira la temporada con ilusión al estar en Charlie y la fábrica de chocolate y su mirada torna en emoción infantil cuando nos confiesa que fue su primera lectura. Con la veteranía que dan los años, pero sin perder ni una pizca de la chispa que se necesita para seguir brillando encima de un escenario es siempre un placer charlar con este avezado intérprete, parte indispensable de una familia unida en la creación.

Carlos Rivera: ¿Cuáles son los ingredientes de Charlie y la fábrica de chocolate para atrapar al público?

Víctor Díaz: De los títulos que hay en cartel es el que más me atrae, fue el primer libro que yo leí además con 6 añitos. Me enamoré de la historia, he visto las dos películas y cuando escuché la música del musical me impactó. Toca todos los palos y te mantiene en vilo con un hilo conductor maravilloso. Las melodías son de mucha altura. La verdad es que hacer comedia es muy difícil, pero también muy agradecido. A nivel escenografía que viene de Italia, me encanta, no se come al actor si no que está por delante. A veces el envoltorio es muy importante y aquí lo es. Mis compañeros son estupendos, me siento muy afortunado de estar en este elenco lleno de talento. Es un regalo volver a estar con Edu Soto tras lo que vivimos en Cabaret… juntos tenemos mucho peligro y estamos en el mismo camerino. Ahí lo dejo.

C.R: Se viene una gran cantidad de títulos en Madrid, ¿Hay suficiente público en la capital española?

V.D: La gran incógnita es saber si la gente podrá responder ante esta avalancha de títulos especialmente en Madrid. Todos tenemos un bolsillo agujereado después de pasar por lo que hemos pasado, pero creo que debemos hacer un esfuerzo. La cultura es una medicina para el alma. Cuando vas a ver un musical te olvidas de los problemas y es un momento de vida feliz. Esos momentos merece la pena pagarlos.

C.R: Llevas muchos años en los escenarios y has visto cómo ha evolucionado el teatro musical en España…

V.D: He tenido la suerte de vivir la evolución de los musicales desde que estaban en pañales. Ahora hay escuelas e internet que en mis comienzos ni podíamos soñar con todo eso. En mi época ni había castings. Hacían una red de teléfonos para contactar con los intérpretes. Yo recuerdo que comencé a escuchar musicales gracias a una tienda de la calle del Pez que importaba discos de musicales de Broadway. Aquí solo se había hecho Evita, Jesucristo Superstar, El diluvio que viene y después Los Miserables. Luego llegaría después de Luis Ramírez Stage que sentaría las bases de consolidación del género en España. Ahora, Madrid se ha convertido con tal cantidad de títulos en la capital del género en español. Es alucinante el nivel y el volumen de negocio de una industria muy joven que ya está generando mucho público nuevo.

C.R: Familia de artistas. El último en dar el paso fue Adrián Salzedo que ahora protagoniza Malinche, ¿Era inevitable que él también se dedicase a esto?

V.D: Yo lo vi claro desde que con dos años se subió al escenario a hacer una zarzuela. Tengo las fotos y no quiere que se vean, lo guardo por si necesito sacarlo algún día jejeje. Con 8 añitos estaba ya haciendo La bella y la bestia. Yo me di cuenta en ese momento de que iba a ser su camino. En la adolescencia siguió haciendo cositas, pero la llamada de Ricard Reguant para hacer Willy Fogg fue capital. Yo he pasado de que dijesen que Adrián Salzedo era mi hermano a que ahora todo el mundo me conoce como el hermano de él. Estoy muy orgullo de él.

C.R: Aún no ha llegado ese musical soñado en que se junten los tres hermanos…

V.D: Estuvimos a punto de juntarnos los tres en la gira de Los Miserables. Yo creo que en el fondo tienen miedo de que si nos contratan a los tres vayamos todos a una. No lo sé. Esa es la razón de que tengamos tres apellidos artísticos diferentes. Todos somos Díaz y tomamos esa decisión para poder coincidir juntos, cosa que solo ha ocurrido en nuestro conciertos. Con Carlos he coincidido en 8 títulos. Me alegro mucho de que tenga ese reto maravilloso con Los puentes de Madison y Adrián está de primera espada en Malinche. Cuando sí pudimos juntarnos fue para vivir una experiencia vital importantísima durante la primera ola trabajando en residencias. Yo creo que por eso ahora estamos valorando aún que los tres vayamos a estrenar musical en esta temporada.

C.R: Por último, cuéntanos si tú fueras un espectador DESDE MI BUTACA, ¿Por qué debería animarse el público a ver Charlie y la fábrica de chocolate en el Espacio Delicias?

V.D: Va a empezar la función y vas a decir pues sí, está bien. A medida que transcurre la obra te preguntarás ¿Cómo están haciendo eso? Hay cosas que vuelan, cambios de ropa de medio segundo que no había visto nunca. La música merece la pena escucharla con esta orquesta maravillosa liderada por Julio Awad, César Belda y Gonzalo Fernández. Los tres son maravillosos. Cuando un musical está avalado por un libro así es un plus. Silvia Montesinos ha hecho una adaptación muy buena en la que las partes cantables están muy bien construidas. El sonido, luces, escenografía... Todo es perfecto en este equipo humano que se ha convertido en una gran familia. Solo necesitamos a nuestro querido público y es que no va a dejar a nadie indiferente.

Edu Soto y Víctor Massán: Dos Willy Wonka que rompen con lo establecido

Willy Wonka al cuadrado. En el Espacio Ibercaja Delicias de Madrid tendremos un doble motivo para ver al menos dos veces Charlie y la fábrica de chocolate. Edu Soto llevará la voz cantante en alternancia con un Víctor Massán que lleva años regalándonos grandes trabajos en el campo del teatro musical. Charlamos con ambos en estos primeros días de vida de esta criatura escénica que estamos seguros hará felices a grandes y pequeños con la brillante partitura de Marc Shaiman con el que charlamos hace solo unos meses.

«¿Cómo voy a rechazar este regalo que me ofrece la vida llamado Willy Wonka?» Edu Soto ha tenido un largo camino hasta llegar a este 15 de septiembre en que por fin el telón se ha levantado. Ya en 2020 justo una semana después del confinamiento fue a Milán a ver el musical. Iba a ser su próximo proyecto, pero la vida tenía otros planes mientras los hermanos Fernández le insistían en que tarde o temprano estrenarían y le querrían en esta aventura. Ante ese parón de nuestras vidas, Soto se lió la manta a la cabeza para contar el confinamiento en un show en el que reunió a su padre y a su mujer. Su Post! en el Príncipe Gran Vía fue un «parche» en forma de agradecido espectáculo que fue el camino a modo de preludio a este feliz estreno como el artesano del chocolate.

Dos visiones que ponen el acento en una buena interpretación. Si en algo coinciden Víctor Massán y Edu Soto es en enfrentarse a su personaje sacando todo lo que si rascas oculta esta inolvidable creación de Roald Dahl. Hasta tal punto ha sido la importancia que Soto ha puesto en la interpretación que en algún ensayo: «he pedido que más allá de la exigencia coreográfica pudiésemos tener más tiempo para la interpretación». Massán confiesa sentirse satisfecho de que por fin en el teatro musical español se apueste por la formación «en interpretación y que no se queden solamente en las clases de canto y baile». A fin de cuentas, el actor de musical es un athleta de las artes escénicas que debe desenvolverse en todos los campos y es que como confiesa un intérprete que viene de fuera del género como Edu Soto: «Lo que se hace en un musical es un ejercicio de malabares tan exigente que respeto mucho a los profesionales del género». Otra cosa es que desde el sector se les valore como merecen a la hora de enfrentarse a otros trabajos de imagen, pero Massán tiene claro que «deberíamos valorar qué falla en nuestro perfil para que no nos llamen fuera del teatro musical y en algunos casos es por la interpretación».

Una visión externa al mundo de los musicales. Edu Soto nos confiesa que no es espectador de musicales como sí lo son la mayoría de sus compañeros del reparto. De alguna forma, siente que este hecho le permite «no tener ideas preconcebidas». Así, se ha podido enfrentar al personaje «con una libertad que sirve para que este personaje funcione». A él lo que le preocupa es «que se entienda la historia, nos haga gracia y nos emocione cuando tiene que hacerlo». Un planteamiento que encaja muy bien con las palabras de Víctor Massán cuando nos confiesa que más allá de la espectacularidad de la propuesta es importante en el teatro musical «ir al fondo de los personajes».

Huyendo del ‘doblajitis’. En algunas ocasiones, se ha tachado a nuestros profesionales de enfrentarse al género «con tonalidades, como si fuera una película doblada». Para Víctor Massán también como espectador «me distancia mucho y es que hay actores a los que les encanta escucharse». Por eso, el otrora MC de Cabaret aboga por hacer un ejercicio de humildad en esta profesión de egos y comenta que «la humildad es una medicina muy amarga». Habla desde la propia experiencia de ese momento en que como intérprete te das cuenta de que suenas «falso» y que tienes que reconvertir tu trabajo en algo verdadero.

«Este musical es como Pixar. Está la mirada del niño que ve lo básico y la del adulto que sabe mirar más allá». En una temporada en que los espectáculos de teatro musical familiar van a ser los reyes de la corona, Massán nos cuenta algunas claves de un título que «podrán venir a venir incluso sin niños». Ingredientes no le faltan a este cóctel escénico en el que nos prometen que incluso nos echaremos alguna lagrimita con estos niños intérpretes con los que parecen estar encantados de trabajar sus Willy Wonka. Y todo con dos actores que como sentencia Edu Soto volverán a buen seguro a brillar sobre el escenario consiguiendo «romper con lo establecido».

Gonzalo Pérez (Vértigo 360): «Hace falta un maridaje entre el sector público y privado en los musicales»

Cuando uno se sienta a charlar con el productor Gonzalo Pérez Pastor sabe que se sienta ante alguien que conoce muy bien al público español. Muchos años de carrera como artífice de musicales que han sido un éxito -con alguna apuesta más especial como Avenue Q– han desembocado en nueva etapa al frente del nuevo Vértigo 360. Vuelve a darle un giro a su espectáculo Cruz de Navajas con primeras paradas en Zaragoza y Barcelona, pero también apuesta desde la distribución por shows españoles como María Callas. Sfogato y Superthings Live. También con la mirada puesta en el futuro Frida, charlamos con este destacado miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España con el que repasamos el panorama del teatro musical en España en una temporada plagada de destacados estrenos.

Carlos Rivera: Nuevas voces dan la alternativa en la nueva etapa de Cruz de Navajas, ¿Cómo ha sido esa búsqueda?

Gonzalo Pérez: Hemos buscado gente con perfiles muy peculiares tanto cantando como hasta físicamente, con mucha personalidad. Una de las cosas importantes era poner el espectáculo al servicio de esos artistas y no al revés. El resultado es muy distinto al de cualquier otro espectáculo.

Lucía Bentabol es una de las protagonistas de Cruz de Navajas

C.R: Mecano conecta con las nuevas generaciones que no habían nacido cuando el grupo se separó, ¿A qué crees que se debe esa conexión?

G.P: Creo que tiene mucho que ver con la respuesta anterior. Si tú pones en el escenario a gente de veintitantos años -que no habían nacido cuando se separó Mecano- pasa un poco como cuando a van a ver ver El fantasma de la ópera y se fascinan por esa música. Cuando tú pones esas notas en manos de gente más joven con unos arreglos más actuales a la gente le encanta. Descubren la música de Mecano que tiene algo que poco a poco enganchan al público.

C.R: En esta reentré del show, ¿Qué papel van a ocupar las proyecciones que tanto gustaron en la etapa de Ifema?

G.P: Van a tener protagonismo por supuesto. La teoría del espectáculo no la hemos cambiado. Vamos a seguir presentando esas canciones que conocemos con esas proyecciones tan bestias y bonitas que casi podríamos presentar a un festival de cortos por lo bien que están realizadas. Hemos cambiado algunas con la misma idea, pero parecido no es lo mismo. Los que lo hayan visto varias veces se darán cuenta que es un poco distinto. Tiene sentido ya que los artistas, los arreglos y los vídeos son diferentes.

C.R: Zaragoza es el comienzo, ¿Tiene esta plaza alguna significación especial para la industria del espectáculo?

G.P: La verdad es que sí. Es una de las ciudades que marca el gusto de las ciudades, te sitúa para saber si lo que estás haciendo va a funcionar. Es junto a Valencia la gran ciudad de muestreo de este país. Tiene que ver con que es un cruce de caminos de gente que viene de lugares como Cataluña y Madrid. El público está muy acostumbrado a los grandes espectáculos desde la época de la Revista. Es la salida de gira.

Un momento del ensayo

C.R: Este año en la “batalla” musicalera Madrid-Barcelona, la capital española parece que se va a llevar el gato al agua muy de largo con un inusitado número de títulos, ¿Hay suficiente público para tal oferta?

G.P: Como persona del espectáculo estoy encantado, nos vamos a poner ‘moraos’ de ver cosas esta temporada. Ojalá me equivoque, pero creo que es excesivo. Me encantaría que todo funcionase y que entremos en una buena dinámica. Madrid está desatada. Ojalá venga público de toda España e incluso de todo el mundo para que todos los musicales puedan tener su público.

C.R: La historia interminable es uno de los espectáculos de creación española que veremos esta temporada, ¿Crees que con el tiempo los musicales made in spain van a ir cogiendo mayor peso en la cartelera?

G.P: Ese espectáculo es precisamente el ejemplo de que se pueden hacer musicales originales de gran formato. Yo creo que van a seguir conviviendo durante muchos tiempos. Quedan aún unos cuantos musicales ‘de franquicia’ que el público aún no ha podido ver como Mary Poppins o Wicked. Son necesarios para que la gente entienda el motivo por el cual a la gente le gustan los musicales.

C.R: Uno de los grandes problemas que “atascan” la llegada de otros grandes musicales es la falta de espacios escénicos de gran aforo en Madrid…

G.P: Desde luego. Siempre he pensado que en la mayoría de ciudades grandes de España hay auditores más grandes y potentes que los teatros de Madrid. El Baluarte o el Euskalduna sería el tipo de espacio que necesitaría la ciudad. El Real no programa musicales y sí sería un buen espacio para hacerlos. El Fever de Sevilla o La Maestranza con aforos de entre 2000 y 3000 espectadores serían ideales para los musicales de gran formato.

C.R: Solamente Mario Gas defendió a ultranza la inclusión de grandes musicales en un teatro público, ¿Por qué crees que no se ha vuelto a repetir?

G.P: Hay un nicho de mercado de musicales que encajarían muy bien en el teatro público que no se está explotando. Hay espacios como el Español o el Canal que tiene un público muy bien educado que podrían apostar perfectamente por el género. Es loable lo que está haciendo Antonio Banderas con el Teatro del Soho. Para los demás es muy complicado apostar por este tipo de espectáculos. En muchas ciudades del mundo hay teatros más pequeños que pueden permitirse traer este tipo de musicales. Lo cierto es que cuando desde la iniciativa privada intentamos traer ciertos títulos es un riesgo absoluto. Yo recuerdo haber traído Avenue Q y me encantaría que se viesen Six, Come from away, Dear Evan Hansen o Everybody is talking about Jamie. Son espectáculos que no tienen que ser precisamente ligeros y divertidos. Yo lo último que vi en Madrid de ese estilo que me pareció una barbaridad es Next to normal y fue complicado desde luego al no tener tanto nombre como otro tipo de musicales. Mario Gas es el único caso en que una persona que venía de la iniciativa privada apostó de lleno por tener musicales en la programación de un teatro público y le tocó capear muchos temporales por ello.

C.R En tierra extraña es de los pocos ejemplos de colaboración de empresa privada y pública en un musical español, ¿Por qué se da tan poco esta unión? ¿No lo consideran tan ‘cultural’ como el teatro de texto?

G.P: Así es, tengo la percepción de que lo consideran diversión, entretenimiento. Sinceramente, para mí cultura y diversión van de la mano. Yo no voy a ver algo culturalmente aburrido o feo. No hemos sido capaces de que nos entiendan desde los teatros públicos. Ya te digo que hemos intentado coproducir algún musical y veíais que no se le tiene la misma consideración que a la ópera. A la zarzuela también le ha tocado lidiar con ello. Te das cuenta que las obras con música no son bien vistas por los estamentos públicos a excepción de la ópera. A mi me hubiese encantado hacer una obra maestra incontestable como West Side Story con una orquesta de 60 músicos y eso si hubiésemos colaborado con algún teatro público lo hubiésemos tenido. Me vienen a la cabeza ejemplos de fuera de España realmente significativos de esa colaboración como War Horse.

Lo bueno que tiene la iniciativa privada es que sabe hacer comercial un espectáculo bueno. Hace falta un maridaje entre el sector público y privado en el campo del musical. Sigo reivindicando que el Teatro de la Zarzuela programe musicales.

C.R: Has comenzado una nueva etapa como productor con Vértigo 360, ¿Cuál es el planteamiento que tenéis ahora de cara al futuro?

G.P: Cruz de navajas me dio una serie de claves que vamos a mantener: Espectáculos nuevos con música española, si podemos de nueva creación -lo haremos con Frida. Pretendo hacer producciones de medio y gran formato donde la música española sea la protagonista explotando el talento de nuestros creativos.

C.R: Además de producir, estáis también distribuyendo espectáculos como Superthings live

G.P: Ese proyecto en concreto es una casualidad. Si tienes cerca tuyo a gente con niños te das cuenta que en ese sector – en el que no había trabajado mucho- se pueden hacer cosas con mucha calidad. Si vais a verlo veréis el nivel que tiene de producción con música española y basado en un juguete español. Tiene muchas más capas de lo que aparenta.

C.R: Con respecto a distribución de espectáculos supongo que cuando ves el talento que hay en un espectáculo como María Callas. Sfogato dan ganas de empezar a ‘moverlo’…

G.P: Los que nos hemos metido en esto, eso es lo que nos pierde. Parece que nos creemos el ombligo del mundo pensando lo bueno que es lo que producimos, pero cuando ves algo tan bien hecho como María Callas. Sfogato estoy muy por la labor de ayudar. Si siguen la línea que te decía de que sean producciones españolas, escrito por creativos españoles aunque cuente la historia de un personaje extranjero como la Callas, pueden contar conmigo. Soy incapaz de no dejarme llevar por espectáculos así. Yo estoy seguro de que cuando al espectador le ofreces espectáculos así salen encantados, pero claro primero toca testar con los programadores más relevantes del país.

C.R: ¿Por qué le dirías al público de Zaragoza y Barcelona que no deben perderse Cruz de Navajas?

G.P: Tiene la misma esencia que el espectáculo que presentamos en Madrid con el mismo creador. No es ni un musical ni un concierto, pero es más que las dos cosas. Tiene momentos al más puro estilo musical, tiene momentos de concierto, tiene momentos muy bonitos con unas proyecciones muy potentes. Son como 25 escenas musicales con cada canción. Además hay gente sobre el escenario con un talento extraordinario.

El musical «Sherlock Holmes y el cuadro mágico» sumerge al espectador en una gran aventura en el Teatro Lara desde el 17 de septiembre

Sherlock Holmes y el cuadro mágico llegará el 17 de septiembre a las 12:30h al Teatro Lara de Madrid, donde estará en cartel durante varios meses.

Hace unos años, un lunes algo muermo, poco antes del almuerzo, sonó el teléfono de Sherlock Holmes. La mofletuda Condesa de Nata se había quedado patidifusa ante un medio robo: sí, su cuadro preferido todavía estaba en su sitio, pero los colores se habían esfumado. Sherlock y Watson observaron las huellas, la ventana, los cristales rotos, chuparon un poco la pipa, volvieron a observarlo todo, una vez más, pero con la lupa… y nada. No se enteraron de que estaban ante un cuadro mágico hasta que se pusieron las misteriosas gafas rojas y azules. Con ellas puestas, todo se transformó y pudieron atravesar el lienzo, para entrar en un mundo único. En el interior del cuadro se podía andar por el fondo del mar, cambiar el color de las flores con solo acariciarlas u observar como el faro se situaba en una montaña diferente cada vez que alguien saltaba. Y allí mismo fue dónde conocieron a los personajes clave para resolver el caso: una joven pizpireta que decía ser la hija del pintor que firmaba el cuadro; y un escurridizo profesor Moriarty que pretendía robar el tesoro que se escondía en aquella pintura. La aventura está servida. ¿Conseguirá Sherlock Holmes resolver el caso antes de llegar al blanco y negro? ¿Quién será, en realidad, la niña del cuadro? ¿Le sentará bien la falda a Moriarty cuando se disfrace de la abuela Joroña? Todas las respuestas, en el teatro.

Un musical diferente que traspasa el escenario del Lara

Una propuesta con formato original de Trencadís Produccions galardonada con diferentes premios del Teatro Musical en España e idea123 producida por qelart entertainment, apuesta por una irresistible historia basada en el archiconocido investigador londinense. Con Sherlock Holmes y el cuadro mágico, el público accederá al clásico mundo de misterio y diversión a través de los canales más insólitos: Todo un despliegue de tecnología que junto a una historia de ritmo trepidante y unas canciones creadas expresamente para la ocasión y con voces en directo, harán de esta visita al teatro una experiencia inolvidable.
 

  • Proyecciones en 3D
  • Turbina de olores
  • Cañones de serpentina
  • Cañones de CO2
  • Niebla artificial
  • Pompas de jabón 
  • Efectos pirotécnicos aptos para teatro.

REPARTO
Anthony Senén
Edgar Moreno / Fabio Arrante
Andrea Rodríguez

DIRECCIÓN: MAMEN MENGÓ
TEXTO Y LETRAS: JOSEP MOLLÀ
MÚSICA ORIGINAL: FRANCIS J.
Dirección Musical: Víctor Lucas
Diseño de luces: Doménec Mezquita
Escenografía: Dora Piles Vestuario: Fausto y Farras S.L
Peluquería y caracterización: Anthony Senén
Ilustraciones y proyecciones: Carcoma – Creative Studio Design
Diseño gráfico: Alejandro Rubio
Fotografía y vídeo: Errebeene y Gonza Gallego
RegidurÍa: Alejandro Rubio y Nacho Andrés www.sherlockholmeselmusical.es
Producción: qelart entertainment
Formato original: Trencadís Producciones & Idea123

FECHAS SEPTIEMBRE-DICIEMBRE 2022, TEATRO LARA

17 DE SEPTIEMBRE, 12:30H

2 Y 30 DE OCTUBRE, 12:30H

13 Y 20 DE NOVIEMBRE 12:30H

3 DE DICIEMBRE 12:3OH

Las entradas ya están a la venta 

Limahl interpretará The neverending story en el estreno de LA HISTORIA INTERMINABLE, EL MUSICAL

El cantante de pop inglés Limahl, conocido entre otros éxitos por el tema The NeverEnding story asistirá al estreno del musical La historia interminable el próximo 5 de octubre en el Teatro Calderón de Madrid.

Limahl actuará el día del estreno junto al elenco e interpretará el éxito musical The NeverEnding Story que le llevó a la fama en 1983. Un tema que ha vuelto a resurgir gracias a la serie de Netflix Stranger Things donde se ha recordado este mítico tema.

Los fans de esta década, los nostálgicos de la generación y todos aquellos que fueron niños en los 80, podrán disfrutar de esta actuación especial de Limahl y del estreno del musical a un precio único de 50 euros.

Esta superproducción musical, con una puesta en escena única, trasladará al espectador al mundo de Fantasia junto a los personajes míticos del libro escrito por Michael Ende, al que dará vida un elenco de 33 personas.

El musical, que está producido por Dario Regattieri con la productora beon. Entertainment, está basado en el libro escrito por Michael Ende, considerado como uno de los mejores libros de fantasía de la historia. Cuenta con música de Iván Macías y letra de Félix Amador, mientras que Federico Barrios Fierro se encargará de la dirección artística. La escenografía es obra de Ricardo Sánchez Cuerda, el diseño de la iluminación de Felipe Ramos y Jesús Díaz. Por su parte, Antonio Belart es el diseñador de vestuario. La dirección técnica recae en Pablo Santos, el diseño de sonido en Alejandro Martín y María José Santos es la directora vocal del espectáculo. Asimismo, KREAT FX es la empresa encargada de crear los animatronic, las figuras electrónicas que permitirán recrear los seres fantásticos que forman parte de esta historia. Completa el equipo creativo Aaron Domínguez, como responsable de caracterización.

Para dar vida a los personajes creados por Michael Ende ha sido necesario un exhaustivo casting. El elenco del musical lo encabezan Martina HernándezNoelia Rincón, Alicia Scutelnicu, Karina ScutelnicuRocío Barroso, Claudia de Paz que se alternarán el papel de Bastian, y Marcos Sarnago, David Sarnago, Miguel Sánchez y Alonso Vaquero quienes darán vida a Atreyu. Junto a los protagonistas infantiles de la historia, se encuentran Teresa Abarca y Alba Cuartero que se meten en la piel de la Emperatriz Infantil. Por su parte, Joseán Moreno interpretará a Koreander; Teresa Ferrer a Xayide y Alex Forriols a Gmork. Completan el reparto: Gerard Mínguez, Pablo Badillo, Nil Carbonell, Ernesto Pigueiras, Gustavo Rodríguez, Ernesto Santos, Kristina Alonso, Sheila Paz, Rocío Martín, Ruth Ge, Tamara Suárez, José Guelez, Briel González, Zoe Buccolini, Elena González, Noelia Marlo, Marta Castro y Alex Abad.

Las entradas estarán disponibles en www.lahistoriainterminablemusical.com

Àngel Llàcer: «La terapia del alma y la felicidad está en La Jaula de las Locas»

Charlamos con el protagonista de La Jaula de las locas de camino al Teatro Arriaga de Bilbao donde mañana estrena este musical que ya disfrutamos en Madrid y Barcelona. Dentro de su gira, las fiestas de la ciudad se convierten en un lugar ideal para sacar a relucir este «bálsamo de felicidad y buen humor». El público necesitaba de una historia como esta en este momento y Llácer admite satisfecho que la gente ha repetido en las plazas en las que han estado y que ha recibido muchos mensajes de agradecimiento. Mucho debe tener que ver el hecho de que «hemos venido a pasarlo bien y a que vosotros os lo paséis bien». Eso se transmitirá a buen seguro en el Arriaga hasta el 11 de septiembre gracias al carisma de este intérprete que esta ocasión compartirá personaje con Ivan Labanda con el que hablamos en la temporada en el Rialto de Madrid. Estarán acompañados en escena por intérpretes como Armando Pita y Muntsa Rius. La vida empieza hoy y la disfrutaremos a ritmo de musical DESDE MI BUTACA una temporada más.

C.R: Llegáis al Arriaga en pleno Aste Nagusia que siempre está plagada de color y de una extensa programación, ¿Cuáles son los ingredientes más importantes para ti de este musical para atrapar al público de Bilbao entre tantas propuestas?

A.LL: Yo creo que ‘se venderán la moto’ entre ellos. Si alguna cosa tiene es que como gusta tanto, las personas quieren volver con sus familiares. Nos ha pasado ya en la gira. Lo que hace grande a La Jaula de las locas son las personas que lo ven. Y tú me dirás ¿Qué tiene? Es un bálsamo de felicidad y buen humor. Es también una oda al amor, son dos horas y media de alegrías, de risas, de música… Como salimos de esta temporada tan convulsa salir ahora de golpe y poder reírte es algo que el público agradece ahora más que nunca. He recibido muchos mensajes de “muchas gracias” e incluso “es la primera vez que reía después de una pérdida reciente”… Es como muy terapeútico, la terapia del alma y la felicidad está en La jaula de las locas. Lo bueno es que como estamos un mes pueden ir por ejemplo al concierto de Aitana un día y otro venir a vernos.

C.R: Acompañado por otro referente de la escena como Armando Pita, en esta ocasión te divides las funciones con Iván Labanda, que se ha convertido en uno de los actores con los que más trabajas, ¿Qué has encontrado en la mirada de este estupendo actor que tanto te ha enganchado?

A.LL: Es impecable, es muy trabajador. Es un actor que funciona por retos. Por ejemplo en Cantando bajo la lluvia su reto era bailar muy bien. Aquí el reto es que yo también hago su personaje. Como yo llevo cuatro años haciéndolo, pues él se propone hacerlo mejor y lo ha trabajado súper bien.

C.R: “La vida empieza hoy, la flor de antaño no rebrotará, la vida empieza hoy, mañana solo es un quizás, quizás, quizás”, ¿Cuánto sentido han recobrado letras como estas para Ángel Llácer tras este tiempo oscuro que hemos vivido con la dichosa pandemia?

A.LL: No, para mí no. La vida empieza hoy existe siempre tengamos o no pandemia. Hay que vivir el aquí y el ahora, yo siempre he sido así. Por eso yo creo que nos lo pasamos tan bien haciendo la función. La compañía realmente nos lo pasamos en grande. Hemos venido a pasarlo bien y a que vosotros os lo paséis bien. Cada función la hago y la deshago a diario. El público tiene la sensación de vivir algo único.

C.R: No queda nada así que te tengo que preguntar por Cantando Bajo la lluvia que llega a Madrid en poco más de un mes, ¿Cómo se enfrenta un director a una plaza tan competitiva como esta que nos llevará a tener un gran número de musicales a lo largo de la temporada?

A.LL: Yo lo que intento es hacer todo bien, conseguir que el producto sea bueno. Entonces lo que no pasará es que alguien me diga que está mal hecho. Me puede decir que no le ha gustado, pero no que está mal hecho. Yo creo que la calidad es una garantía por lo menos de que va a gustar al público. Al final funciona el boca a oreja y termina siendo un éxito. Yo no sé cómo estarán el resto de musicales, yo compito conmigo mismo. Soy como esos deportistas que no miran al otro, se miran a sí mismos. Lo que hagan los demás felicidades, pero yo miro con lupa mi propio trabajo.

C.R: Te comentaba que esta temporada va a haber mucha oferta, tú que has tenido la oportunidad de ver la evolución del género primero como actor de títulos como La tienda de los horrores y A little night music, ¿Cómo has visto la evolución del público y de los artistas del género?

A.LL: Con respecto al público, siempre es ‘de verdad’ y ha estado ahí. Lo que sí es verdad es que hay más nivel en los musicales. Hay más escuelas de teatro musical. Antes, los actores estudiaban texto y luego daban clases de canto y baile aparte. Tampoco está mal, pero ahora hay una formación más integral. Ahora hay más actores que saben cantar, pero antes no era tan habitual. Yo tuve la suerte de que sabía cantar y por eso hice musicales. En realidad yo era actor de texto de antes. Yo creo que ahora la industria del teatro musical empieza antes creando actores y actrices de musical con formación en interpretación, danza y canto. Por eso ahora también hay más musicales. Luego también está el hecho de que es un género que conecta más fácilmente con el espectador. La música siempre nos entra en el alma mejor que un texto. Cada melodía te lleva a un lugar. El musical tiene así un consumo más agradable.

C.R: En El llop os habéis acercado al mundo del teatro amateur, ¿Cuál es la mayor enseñanza que ha absorbido Ángel Llácer de estos actores que se dejan la piel en el escenario por el mero hecho de disfrutar con su hobby?

A.LL: Te reconcilia con una parte de tu vocación. Te hace recordar que tu profesión es vocacional. En el fondo esta es una profesión miserable, siempre moviéndote de aquí para allá, con la inestabilidad de hacia dónde iré después. A veces los actores se pierden buscando su carrera y se olvidan de lo demás. Cuando te acercas al teatro amateur recuerdas que no es una carrera que tienes que hacer como actor. Más bien es lo que tú quieres compartir y hacer sentir a la gente. Recuerdas que tu profesión es vocacional. Esto no se trata de ser un vendedor de productos. Se trata de saber qué quiero explicar, cómo y a quién se lo quiero explicar.

C.R: Y aquí y ahora después de este tiempo “raro” que hemos pasado en que muchos “teatreros” se lo han preguntado, ¿Por qué el teatro a pesar de las pantallas que nos rodean sigue siendo ese gran lugar para contar historias?

A.LL: El público lo tienes delante y todo es mucho más directo. Es muy diferente hacer el amor por videollamada que hacerlo en persona. Puedo sentir al público y hasta tocar a las señoras. Parece que a la televisión y el cine se lo comerán las plataformas, pero el teatro es imposible que acabe. El teatro no se puede comparar con nada, se vive únicamente en el lugar en el que estás.

C.R: Todos (y más los que estáis delante de un foco) tenemos una imagen pública un tanto distinta a la del día a día, ¿Cómo es el Ángel Llácer de las distancias cortas cuando cae la máscara y está entre amigos?

A.LL: ¡Tendréis que hacer el amor conmigo para descubrirlo!

C.R: Nada más que añadir jejeje

C.R: ¿Con qué expectativas se enfrenta Ángel Llácer a la nueva temporada de Tu cara me suena?

C.R: Siempre va bien, yo siempre estoy feliz. Es como volver a tu casa de vacaciones. Es mi lugar de bienestar de estos diez años y cada edición es una sorpresa.

C.R: Un último llamamiento para los bilbainos…

A.LL: Si quieren regalar felicidad a sus seres queridos que les compren una entrada. La jaula es una fiesta que se comparte.

LA HISTORIA INTERMINABLE convierte el Teatro Calderón en una autoescuela de Piloto de Dragones

La Historia Interminable el musical te invita a sobrevolar el Reino de Fantasia a lomos de Fújur y formar parte de su club de Piloto de Dragones, a través de una experiencia de realidad virtual 360º, completamente gratuita en el hall principal del Teatro Calderón. Estará abierta al público de martes a domingo de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas.

El teatro Calderón de Madrid, que albergará el estreno mundial del musical La historia interminable el próximo 5 de octubre, se ha convertido en una improvisada autoescuela donde obtener un carné para pilotar dragones. Una nueva activación que pone en marcha este verano la productora del musical, beon. Entertainment, para la promoción del espectáculo.

Todos los fans del bestseller de Michael Ende, amantes de la novela fantástica, familias, nacidos en los 80 o nostálgicos de esta década que se acerquen al hall de este céntrico teatro madrileño, tendrán la oportunidad de obtener el carné de Piloto de Dragones de forma totalmente gratuitaLos aspirantes a pilotos realizarán un viaje a lomos de Fújur, el dragón blanco de la suerte protagonista de esta historia, gracias a un proyecto de animación en el que se utilizan gafas oculus de realidad virtual. De esta manera los pilotos sobrevolarán el Reino de Fantasia, conocerán a los principales protagonistas de esta historia como el Comerrocas o Vetusta Morla y superarán diferentes pruebas hasta llegar a la Torre de Marfil. Solo aquellos que lo consigan obtendrán su carné. Una experiencia única para pertenecer a este selecto club.

El carné ofrecerá ventajas exclusivas a quienes superen la prueba. Además de ser los primeros en enterarse de todas las novedades sobre el espectáculo, tendrán un encuentro exclusivo con los creadores del musical y conocerán todos los secretos que se esconden entre bambalinas. También recibirán un cheque por valor de 10€, adquiriendo allí la entrada del musical, que podrán utilizar para la compra de merchandising. También participarán en sorteos, experiencias y mucho más.

Para conseguir el carné de piloto de dragones solo hay que pasarse por el hall principal del Teatro Calderón (Calle Atocha, 18) a partir del 12 de agosto desde las 17h. y hasta el 15 de septiembre. Esta actividad gratuita estará abierta de martes a domingo de 10h. a 14h. y de 17h. a 21h.

beon. Entertainment, la empresa líder en el sector del entretenimiento, cuenta con producciones destacadas como Antoine, el musical que cuenta la increíble historia de Antoine de Saint-Exupéry, el creador de ‘El Principito’, galardonado con el premio MAX 2021 al ‘Mejor Espectáculo Revelación’; El Médico el musical, basado en el bestseller de Noah Gordon que está de gira en la actualidad por los principales teatros del país o El tiempo entre costuras el musical, inspirado en la exitosa novela de María Dueñas, entre otros.

Las entradas están disponibles en: www.lahistoriainterminablemusical.com

Sobre beon. Entertainment

En la actualidad se encuentra preparando el musical ‘La Historia Interminable’, basado en la novela de Michael Ende cuyo estreno mundial tendrá lugar el 5 de octubre de este año en el Teatro Calderón de Madrid; mientras el musical ‘El Médico’ continúa su gira por España.

Entre los próximos trabajos de la compañía está también el estreno en 2023 de Forever Van Gogh con música de Ara Malikian y coreografías de Chevy Muraday. Un espectáculo en el que, a través de la música, la danza y las nuevas tecnologías descubriremos la vida del pintor a través de sus cuadros que cobrarán vida en escena.

beon. Entertainment ha estrenado también en los últimos meses, con enorme éxito de crítica y público, el musical El Tiempo entre Costuras basado en el libro de María Dueñas; obra que ha podido verse en las ciudades de Madrid, Zaragoza, Sevilla y Valencia. Además, ha realizado la coproducción del musical ¿Quién mató a Sherlock Holmes? dedicado al personaje más famoso de Conan Doyle.

En 2019 produjo el espectáculo ‘500+1′ con artistas de la talla como Rosana, Jorge Drexler, José Mercé entre otros. En plena pandemia puso en marcha el festival cultural bekultura Fest en tres ciudades diferentes: Madrid y dos en Sevilla, dando cobertura a todo tipo de registros. Desde la magia con el Mago Yunke; monologuistas como Alex O’ Dogherty, Martita de Graná o Santi Rodríguez; conciertos como Ryden, Ara Malikian, Miguel Poveda, Coque Malla, M Clan, Fandango, así como La noche de los Musicales, un tributo a las mejores canciones de musicales de la historia interpretados entre otros por Dani Diges, Gerónimo Rauch, Talía del Val, Joseán Moreno y Jana Gómez -acompañados en la dirección musical por Iván Macías- con más de 35 músicos en el escenario.