Las reseñas de Alberto Morate: LO QUE TÚ NOS DEJAS. Por eso te escribo esto.

Alberto Morate se acercó al Teatro del Barrio a vibrar con Inma Cuevas con Lo que tú nos dejas. La intérprete además estrena en breve Lavar, marcar y enterrar el musical como adelantamos en un reciente post.

Creo que mis palabras, lanzadas al aire o escritas en una carta, te llegarán, de algún modo. No entraba en nuestros planes que ya no estuvieras. Y así lo pienso ahora, después del tiempo. Estás ahora y entre nosotros. En mis recuerdos. En el tiempo que se ha quedado detenido para mí, y aunque siga pasando, no importa. Vivo en un otoño perpetuo. Con las hojas de los árboles caídas por el suelo sin posibilidad de que vuelvan a crecer otras. Con las hojas de mis cartas que te escribo y te leo para que sepas de mí, de nosotros.

Fuiste auténtico, vibrabas con el canto de los pájaros y con los charcos de la lluvia. Sí, ahora soy yo la que llueve por dentro, tu madre. Pero mi anhelo es sentirte, real y cotidiano, a pesar de las circunstancias aciagas de tu partida. Los demás iremos cambiando, tú seguirás perpetuamente siendo el que eras, íntegro, sensible, nuestro.

En este monólogo, Inma Cuevas nos recita un poema, un canto de desolación y desasosiego cargado de ternura y nostalgia. Un estremecimiento en forma de palabras, de silencios, de voz quebrada, de pugna entre hundirse o subsistir en un recuerdo entre la soledad o salir adelante, con la conciencia de los sentimientos. No, no está loca por escribir cartas a su hijo, por lanzarlas al viento, de esa manera lucha y, de alguna forma, es capaz de afrontar tanto sufrimiento.

Basado en un texto de Alba R. Santos, la actriz se autodirige e interpreta con toda la sensibilidad demostrada en otros trabajos, que su canto es libre y necesario, terapéutico, sentido, en un vaivén de entre el pasado y lo que sucederá luego.

Lo que tú nos dejas es un texto herido del corazón, son los órganos de un chico joven que servirán para otros, es el amor sin pretenderlo. Palpita vivo este soliloquio, dulcemente triste, luz tenue de sentimientos que vadean noches, olvidos, silencios.

Amor y palabras, voz y escritura, poesía que no busca el éxito, que se aproxima a ti desde la emoción y resurge desde la sombras y la pesadumbre hasta encogerse el corazón, huérfana y errante que busca encontrarse en un sueño de irrealidad que conecte con lo que está viviendo.

No te olvidaré, hijo, por eso te escribo esto. Nos dejaste, pero sabemos que no estamos solos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Lo que tú nos dejas y Lavar, marcar y enterrar el musical: El doblete escénico con el que volveremos a vibrar con Inma Cuevas

Las próximas semanas se presentan muy intensas para una de nuestras intérpretes más queridas. Por un lado, Inma Cuevas retoma su emocionante Lo que tú nos dejas en el Teatro del Barrio entre el 28 de septiembre y el 12 de octubre. Por otro, vuelve a sacar su vena musical en la esperada adaptación al musical de Lavar, marcar y enterrar desde el 21 de octubre en el Teatro Lara.

Lo que tú nos dejas llega con una importante novedad al espacio escénico de la Calle Zurita de Madrid. Así, Cuevas propone una alianza con el público, que podrá dejar sus cartas en un buzón que colocaremos, para la ocasión, en el vestíbulo del teatro. Ojo: la condición es que esas cartas sean manuscritas. Cartas que quedaron pendientes, cartas que jamás nos atreveríamos a enviar, cañeras, tristes, a personajes inventados o a la Agencia Tributaria… Cuando tenga una buena tanda, Inma las leerá en vídeos que se difundirán en las redes sociales del Teatro del Barrio, y se expondrán todas en la Sala de los Balcones.

Sobre el escenario veremos una historia en la que Inma Cuevas comparte protagonismo con la correspondencia que su personaje le ha escrito a su hijo. Quiere sentirlo cerca y es la vía más íntima que ha sabido crear para transmitirle cómo le ha ido en aquello que es esencial: el amor, la amistad, la familia. También cómo ha encarado dificultades como la soledad o el duelo, experiencias que, paradójicamente, la han aferrado más a la vida aun siendo devastadoras. Sincerarse así no le ha resultado fácil: “Pasé años sin un solo libro en la mesilla de noche. Hasta que decidí escribirte a ti”, explica. “Es la única forma que encontré de sentirte menos lejos, de sentir que me escuchas, que aún puedo contarte cosas del pueblo que leerás entre la reunión con aquellos, el negocio con los otros, la boda de unos amigos, mientras llevas a tus niños al parque. Una carta se lee en cualquier parte”. Un texto de Alba R. Santos con el que nos emocionamos en el Teatro Galileo y a buen seguro volverá a ocurrir lo mismo en el Teatro del Barrio.

Tras su exitoso paso por el Teatro Lara como obra de texto, con más de 20.000 espectadores y 6 años en cartel, Lavar, marcar y enterrar tendrá una segunda vida como un musical loco y completamente renovado con la incorporación de nuevos personajes, nuevo formato y un ritmo trepidante apoyado en temas originales de José Masegosa. Por supuesto, uno de los alicientes será contar con el talento de Inma Cuevas en su reparto junto a otros estupendos intérpretes como Jacinto Bobo, Eva María Cortés, Sara Navacerrada, Sergio Campoy -que estuvo durante años brillando en el montaje original de Juanma Pina-, Alberto Sánchez-Diezma y Antonio Villa

Lavar, Marcar y Enterrar, el musical es una comedia disparatada donde secadores de pelo, cuchillas de afeitar, cadáveres y mucha estupidez, se dan de la mano para organizar un secuestro con aroma a desastre.

¿Pueden unas paredes esconder melodías de tu pasado?¿Podrás construir tu futuro cometiendo un delito? La peluquería Cortacabeza es el núcleo dónde 4 disparatados personajes y 3 sorpresas inesperadas, se dan cita para redefinir sus vidas, y decidir quizá, si todo va mejor cuando pruebas a ser peor.

La rumba salta a escena hoy de la mano de El Terrat con Litus encabezando el cartel de ¡Chakapum!

Hoy subirá el telón del Gran Teatro CaixaBank Principe Pío de Madrid ¡Chakapum!, un espectáculo que se define como una fusión sin prejuicios de un concierto y una obra de teatro, de rumba, rock y otros estilos musicales, pero ante todo es una celebración de la vida.

¡CHAKAPUM! despliega, a partir de un recuerdo de la infancia de Litus, un caleidoscopio de escenas en las que se realiza un viaje emocional por la vida de su protagonista a la vez que se hace un repaso vivo a la historia de la rumba. Pero es también un “homenaje a los currantes de la música, a la profesión”, en palabras del propio Litus. El público podrá vibrar con versiones de temas que están arraigados en nuestra historia de artistas como El Gato PérezLos Amaya o Peret. La fiesta de la vida y la música traspasará el escenario en un fin de fiesta inesperado. 

Con un elenco de siete actores y actrices camaleónicas llenas de energía y una banda en directo de seis músicos capitaneados por Pablo Novoa, el espectáculo mostrará el “poder de la música como herramienta transformadora de la realidad”, uno de los objetivos de su autor Joan Grau. Para ello, la directora de escena Xénia Reguant ha contado con el escenógrafo Jose Novoa para la creación de un espacio emocional, sentimental, donde se dan cita los recuerdos y la música. También se podrá disfrutar de las proyecciones de la artista Mürfila que incluyen imágenes de grandes referentes de la rumba y otras de la vida real de Litus. Elementos que ayudan a contar este viaje y a potenciar lo icónico que tiene la rumba.

Este montaje es uno de los proyectos más personales de Litus, cantante de La Banda de Late Motiv y uno de los integrantes del exitoso montaje teatral Lehman Trilogy“La rumba tiene que ver con cómo conocí la música. Con mi familia. Con cómo aprendí mi profesión”, explica Litus. “Tengo un recuerdo mágico de las sobremesas de mis padres cuando yo era un niño. Es un recuerdo que, con los años, ha tomado una textura de sueño”.

En palabras de su directora, “En ¡Chakapum!, conoceremos a los grandes fundadores del género, desgranaremos todo lo que compone la rumba catalana, todo lo que compone Litus y lo que nos compone como humanos”. Xènia Reguant da más detalles: “Pasaremos por Cuba, Terrassa, Tossa de Mar. Entre rumba, tiempo, contratiempo, movimiento incesante y pequeños ambientes construidos con dos cubos y una escalera capaces de transformarse en todos los escenarios posibles, llegaremos al ¡Chakapum! Siempre acompañados de una rumba que evolucionará con el espectáculo hasta llegar a una sonoridad moderna y actual”.

El espectáculo pone de manifiesto que la rumba está viva y es eléctrica porque te pone en movimiento. ¡Chakapum! es una experiencia única producida por El Terrat (The Mediapro Studio) y que podrás vivir del 12 de agosto al 4 de septiembre en La Estación Gran Teatro Caixabank Principe Pío.

El humor de Imprebís y Dario Fo de la mano en Santander con DESCARADOS el 12 y 13 de agosto

La veterana compañía valenciana lleva a escena una versión muy española de SANTIAGO SÁNCHEZ de Clacson, trombette e pernacchi, de Dario Fo y Franca Rame como cierre de lujo al ciclo estival de teatro Talía de la capital cántabra. Lo hará los días 12 y 13 de agosto a las 20h en el CASYC de Santander de la mano de Palco Tres Gestión. Como nos tienen acostumbrados en Imprebís el reparto está compuesto por excepcionales intérpretes que ya han trabajado anteriormente con ellos: Juan Gea, al que disfrutamos hace bien poco en Variaciones enigmáticas, Lola Moltó, Marta Chiner, Rafa Alarcón, Carles Montoliu, Carles Castillo y Víctor Lucas -también ayudante de dirección y cocreador de la música de este montaje.

Tras el éxito de Por los pelos, su primera colaboración, L’OM-IMPREBÍS y OLYMPIA METROPOLITANA se unen de nuevo para poner en escena una de las obras más delirantes del Premio Nobel de Literatura Dario Fo. El intento de secuestro de una alta personalidad de la sociedad española y la confusión de la cara de este con la de uno de sus empleados generan todo tipo de malentendidos y situaciones que nos hacen morir de la risa. Una sátira que pone al descubierto los intereses y manejos de la política, los jueces, la policía, las cloacas del Estado, las empresas y hasta de la medicina. Todo con la ironía y el humor del gran maestro italiano de la Comedia del Arte.

Santiago Sánchez dirige de nuevo a la compañía de la excepcional comedia Por los pelos que pondrá en escena a toda esta colección de Descarados de nuestros días que sin duda harán que se les vengan a la cabeza a muchos personajes ‘reales’ de nuestra sociedad a los espectadores de Santander. La compañía- cuyo trabajo también disfrutamos como agencia de comunicación responsable de la Feria de Artes Escénicas de Castilla La Mancha con esa joya escénica que es Herederás la lluvia– llegará al Teatro Alfil de Madrid en unas semanas con Hoy no estrenamos.

Cuando Santander se convirtió en la capital de la escena nacional

«Santiago Ontañón era un hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores a los que él fiel a su modestia llama amistad»

Fernando Fernán Gómez

Este año la Academia de las Artes Escénicas de España ha encontrado un gran aliado en Cantabria. El apoyo incondicional por parte de la vicepresidencia del Gobierno con Pablo Zuloaga a la cabeza, ha hecho que esta cuarta edición de su tradicional escuela de verano haya sido un verdadero éxito. Los alumnos encantados con las actividades y las vivencias vividas en la ‘tierruca’ y los organizadores, felices por lo que ha dado de sí esta experiencia que ha tenido a la figura de Santiago Ontañón como eje central de la misma.

Lluís Pascual y Santiago Ontañón, protagonistas matinales en la primera jornada. El lunes comenzó en la Filmoteca de Cantabria esta Escuela de Verano con dos grandes protagonistas. La inauguración oficial contó con representación de las instituciones participantes como Gema Agudo del Gobierno de Cantabria y el vicerrector de la Universidad de Cantabria, Tomás Mantecón. El acto terminaría en primer lugar con la intervención telemática de Cayetana Guillén-Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, que quiso «dar la bienvenida a todos los que habéis parado vuestras vidas para estar aquí».

Por su parte, César Oliva, vicepresidente segundo de la Academia de las Artes Escénicas, quiso «agradecer a Carlos Troyano su desvelo para conseguir el nivel que entre todos hemos conseguido». Además quiso acabar con «la herencia de teatro comprometido de Ontañón para el que no he encontrado un mejor retrato que el que le hizo Fernando Fernán Gómez».

A continuación, Lluís Pascual fue el primer protagonista en una deliciosa conversación con Anabel Díez, que estos días ultima los preparativos de las emblemáticas Guerras Cántabras de Los Corrales de Buelna (Cantabria). Durante la charla, el director de escena comentó que lo imprescindible es que «el actor no puede prescindir de su pasado. Seguramente ninguno haya visto a José Bódalo haciendo el Don Juan de Montenegro. Eso no se olvida y cuando lo ves dices se puedo llegar hasta aquí y te planteas hasta dónde puedes llegar». Con respecto a Lorca, eje central de la conversación, destacó que «lo he hecho en muchos sitios del mundo y su bálsamo va llegando y eso que se pierde mucho con la traducción, pero es como con Shakespeare que hay tanto que algo queda».

Santiago Ontañón fue el protagonista absoluto en esa primera jornada matinal. El eje central de esta Escuela de Verano centró la ponencia de Esther López Sobrado que dio paso a un interesante coloquio entre Javier Huerta, César Oliva y Patricia Cerca. Uno de los aspectos dentro de la prolífica carrera de Ontañón que tiene más relieve es cómo consiguió que Margarita Xirgu volviese a los escenarios de su mano. Entre las imágenes más curiosas que pudimos ver en esta intensa jornada protagonizada por el que fuera uno de los escenógrafos de La Barraca está sin duda cuando se subió al escenario para interpretar Amor de Don Perlimplín con Belisa en su Jardín de Federico García Lorca.

Sin duda fue una velada muy especial para un espectador que acudió a la cita. Se trata del periodista y productor Fernando de Luis Orueta, familiar de Ontañón, que no dudó un momento en acudir para recordar al tío abuelo de su padre. A la salida de la charla compartió su satisfacción con el equipo de la Escuela de Verano y con sus seguidores en Twitter. La jornada matinal de esta Escuela de Verano fue retransmitida en streaming y se puede recuperar en la cuenta de Youtube de la Academia de las Artes Escénicas de España.

Por la tarde, fue el turno de los talleres de Borja Ortiz de Gondra y de Pepe Viyuela en sendos espacios de la Filmoteca de Cantabria que tuvieron una segunda parte en la tarde del martes. Por momentos, fue inevitable dejarse contagiar por la cascada de risas que se escuchaban procedentes del taller de clown de Pepe Viyuela que les hizo por unas horas despojarse de prejuicios para sacar ese niño interior que lleva todo payaso en su interior. Como cierre de esta intensa primera jornada se pudo disfrutar de El retablillo de don Cristobal bajo la mirada de NAO D’AMORES en un espacio muy especial. Se trata de la sala de talleres del Palacio de Festivales, cuyo responsable de programación, Carlos Troyano, ha sido uno de los impulsores de que esta Escuela de Verano haya sido un éxito en Santander.

Borja Ortiz de Gondra planteó un interesante taller sobre autoficción. Foto de Antonio Castro.
Pepe Viyuela durante la primera jornada del taller de clown bajo el objetivo de Antonio Castro

Aún con el buen sabor de boca de la noche anterior con su Retablillo de Don Cristobal, Ana Zamora impartió una ponencia sobre el mismo para comenzar la intensa segunda jornada que tuvo a los jóvenes creadores como protagonistas. En la sesión titulada EL FUTURO QUE VIENE pudimos disfrutar del talento de María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea y Joan Yago que dieron su visión del teatro y leyeron algunos de sus textos bajo la atenta mirada de Carmen Márquez, moderadora del apasionante encuentro que podéis encontrar en la grabación de esta segunda jornada. Completarían el día los talleres de Pepe Viyuela y Borja Ortiz de Gondra y la proyección en la Sala Pereda del Palacio de Festivales de Cantabria del documental de la Academia dedicado a Lola Herrera. Por cierto, otro de los protagonistas de la Escuela, Lluís Pascual, también cuenta con documental de la Academia.

Uno de los momentos del taller de Pepe Viyuela bajo el objetivo de Antonio Castro

Antonio Najarro llenó de ‘duende’ la Filmoteca de Cantabria desde primera hora de la mañana en la jornada del miércoles. Cayetana Guillén Cuervo se incorporó a la Escuela de Verano para presentar una de las sesiones más especiales de estos intensos días. Quiso presentar a este referente de la danza que desde la Academia de las Artes Escénicas de España «siempre está ahí». Najarro hizo una pequeña introducción antes de poner en movimiento a un alumnado al que se incorporó también Pepe Viyuela.

Encuentros mágicos bajo la atenta mirada de Antonio Castro

Queda testimonio de esa sesión a través de la grabación que podéis disfrutar en el Youtube de la Academia, al igual que la interesante sesión de teatro social de Xamfrá que se cerró con una charla moderada por Pilar Jódar. Ya por la tarde, los alumnos pudieron disfrutar de los talleres impartidos por Laila Ripoll y Jordi Forcadas que finalizarían en la siguiente jornada.

A última hora de la tarde, la Escuela de Verano recibió la visita del vicepresidente y consejero de Universidades, Igualdad, Cultura y Deporte de Cantabria, Pablo Zuloaga, que valoró positivamente el desarrollo de la cuarta edición de la Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas de España que ha tenido lugar desde este lunes hasta el jueves en el Palacio de Festivales de Cantabria y en la Filmoteca Mario Camus. Zuloaga además ha compartido en sus redes sociales la satisfacción por esta primera colaboración con la Academia de las Artes Escénicas que todo apunta a que se extenderá en el tiempo. Le acompañaron en el acto Gema Agudo, Carlos Troyano y parte de la Junta Directiva de la Academia encabezada por Cayetana Guillén Cuervo, César Oliva y Eduardo Vasco, director de la Escuela de Verano de este año.

Fotografía cedida por el Gobierno de Cantabria

Como colofón tras esta sesión en la que las publicaciones de la Academia estuvieron presentes como ese En dos trazos de César Oliva en el que una persona se reconoció entre los dibujos con mucha ilusión, tuvimos una visita muy especial por Santander en un autobús turístico que se llenó de risas y buen rollo a lo largo del trayecto.

Fotografías de Antonio Castro de algunos de los momentos de la tercera jornada

Helena Pimenta abrió la jornada final. Después de tres días de intensas vivencias, tocó el turno de cerrar esta interesante IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España. La directora de escena quiso en su apasionante charla compartir su experiencia con las obras de Shakespeare que sirvió para desmentir tópicos como que «la mujer de Shakespeare era una víctima» como se puede comprobar en la grabación de la jornada. Completaría la jornada matinal dos interesantes sesiones sobre los artistas racializados en las artes escénicas. Tras la ponencia de Yeison García López, Cayetana Guillén Cuervo moderó un interesante encuentro entre Ayoub El Hilali, Silvia Albert Sopale y Abdelatif Hwidar. La presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España quiso destacar «que en la Academia abrimos una puerta para que los profesionales racionalizados pudiesen trabajar desde dentro». Guillén Cuervo admite que empezó a ser especialmente sensible al tema a lo largo de las funciones de Puertas abiertas con Ayoub El Hilali, con el que se ha «hermanado». El final de la jornada matinal estuvo marcado por la entrega de diplomas a los entusiasmados alumnos. Toda esta jornada matinal también está recogida en la grabación.

Ya por la tarde, Jordi Forcadas y Laila Ripoll impartieron la sesión de final de sus talleres antes del cierre de lujo de la Escuela. La compañía cántabra La Machina volvió al origen de esta Escuela de 2022, la figura de Santiago Ontañón. Así sobre el escenario de la Sala de Talleres del Palacio de Festivales de Cantabria se pudo disfrutar de la lectura dramatizada de la obra El saboteador dirigida por Francisco Valcarce que nos permitió ver en la tierruca a intérpretes como Agus Ruiz, cántabro habitual en los montajes de directores como Paco Azorín y muy pronto junto a Darío Facal. Al final, una cálida ovación que podríamos hacer extensible a todo el equipo de gestión de la Academia que está detrás de los focos y que con la Escuela ha convertido a Santander en la capital de la escena por una semana. Por supuesto no queremos olvidar a todos los medios como LA RAZÓN, TVE, RNE, EL DIARIO MONTAÑÉS, ONDA CERO, CADENA SER, COPE y un largo etcétera que han dado cobertura a esta campaña de comunicación especial de DESDE MI BUTACA COMUNICA.

Borja Ortiz de Gondra: «El teatro nos hace conectar directamente con el corazón del público»

A solo unas horas de que levante el telón la IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que comunicaremos en Santander charlamos con uno de sus destacados participantes. El académico Borja Ortiz de Gondra impartirá un taller muy especial y aprovechará su estancia en Santander para presentar libro en Gil. Esta Escuela de verano tan especial llega en colaboración con el Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Siéntense en sus butacas y disfrutan de la autoficción de la familia Gondra.

¿Con qué expectativas te enfrentas a esta Escuela de verano de la Academia?

B.O.D.G: Me enfrento con muchas ganas de ver cuáles son los intereses de las personas que se han apuntado. No son gente que estudian en discursos regulares. Por eso me interesa mucho saber que es lo que les puede interesar de lo que yo les pueda aportar. Es importante también salir del contexto más académico para hacer un taller más participativo. Quiero que podamos intercambiar experiencias y sobre todo comunicarles lo que yo vengo haciendo en los últimos años que es la autoficción.

¿Cómo se va a desarrollar el taller Yo es otro: autoficción y teatro?

B.O.D.G: La idea es hacer una taller adaptado a los alumnos. Como tengo alumnos que son actores, directores o dramaturgos, planteo el taller para que les sea útil a todos ellos. Quiero compartir con ellos una serie de técnicas a las que me he tenido que enfrentar tanto como autor como en la faceta de actor. Pretendo dar herramientas para que en puedan usarlas en su propia autoficción en su campo. También impartiré algo de teoría sobre todos las de Sergio Blanco. Él es quien más y mejor ha teorizado sobre ello.

Dicen que la unión hace la fuerza, ¿Qué crees que aporta al colectivo de las artes escénicas que exista la academia e iniciativas como la Escuela de verano?

B.O.D.G: Es un foro y un lugar donde miembros de diferentes profesiones podemos encontrarnos, reunirnos y debatir. Creo que ha sido muy importante esta unión de la diversidad. Hasta ahora cada uno pertenecíamos a un colegio profesional y además estaba muy separado el teatro de la danza y la música. Esta idea de que podamos compartir espacios hace que presentemos un frente unido. Sobre todo que demos de cara a la sociedad una imagen de algo que es muy importante que es la cultura de este país. Creo que las artes escénicas son uno de los componentes fundamentales de la cultura, que es uno de los integrantes de la marca España.

B.O.D.G: Con respecto a la Escuela de Verano me parece una iniciativa perfecta para dos tipos de público. Por un lado, para personas que no son necesariamente profesionales, pero muy interesados en las artes escénicas. Es una manera de que los profesionales nos pongamos en contacto con ellos y les devolvamos algo a la sociedad. Por otro lado, están algunos que están comenzando su carrera en la profesión y que se acerca para aprender de nosotros y compartir cuál ha sido nuestro camino y nuestra trayectoria. Es algo que yo defiendo mucho lo de pasar el testigo a las siguientes generaciones. El teatro es un camino de memoria, todos venimos de alguien que vino antes de nosotros y tenemos que pasar el testigo al que está detrás de nosotros. Por eso soy muy partidario de estas escuelas y de trabajar con la gente que está empezando.

Además presentas libro, ¿Cómo será la velada en la librería Gil con Guillermo Balbona?

B.O.D.G: Me hace especial ilusión presenta la novela Nunca serás un verdadero Gondra en Santander. La librería Gil es una de las de mayor tradición y solera de España y es una cita obligada para los escritores. Me sentaré con el periodista Guillermo Balbona para charlar sobre la novela, la autoficción y de hasta qué punto esta novela cuenta mi vida y lo que vivimos los vascos de mi generación. También se pondrá sobre la mesa el caso de toda esa gente que como yo nos fuimos por el mundo a buscar nuestra propia identidad, luchar contra esas raíces que le atenazaban. La novela cuenta la vida que llevé en Nueva York cuando trataba de desconectarme de mis orígenes. Charlaremos distendidamente y firmaré libros.

Por último, aquí y ahora ¿Por qué el teatro sigue siendo un gran lugar para contar historias para Borja Ortiz de Gondra?

B.O.D.G: En este punto de mi vida hay historias que nacen para el teatro y otras para la narrativa. El teatro tiene una inmediatez que nos hace conectar directamente con el corazón del público. Lo he comprobado especialmente en las obras recientes, en las que he estado como actor. También exige una concentración absoluta del público, pero también una entrega. Hay algo muy grande e único para mí. Es el hecho de tener cara a cara al público y sentir su respiración, sobre todo para contar historias tan íntimas y dolorosas como las mías. Por otra parte, he sentido que ciertas cosas de los Gondra no podían caber en un escenario. Necesitaban mucho más desarrollo y por eso escribí la novela. En el libro, la aproximación al lector es otra, tiene que crearte un interés más reposado, más poco a poco, pero me he dado cuenta de que el gusto por la literatura, por ser un orfebre de las palabra, es lo que más han destacado los lectores. La novela transmite ese gusto por el lenguaje y eso solo puede ocurrirte con una lectura reposada. La novela y el teatro son complementarios y yo voy a seguir escribiendo historias seguramente de los Gondra y optaré por uno u otro género en función de lo que necesite contar.

César Oliva: «Santiago Ontañón realzó el sentido social del teatro»

Este año, como ya os avanzamos, la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas tendrá lugar del 18 al 21 de julio en Santander de la mano del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Hablamos con el director de escena César Oliva, vicepresidente segundo de la Academia, sobre este evento que convertirá a la capital cántabra en el centro de las artes escénicas de nuestro país durante una semana con la figura del cántabro Santiago Ontañón como eje central. Además, se podrá ver en todo el mundo ya que se retransmitirá en streaming en el Canal de Youtube de la Academia.

¿Cómo afronta la Escuela de Verano 2022?

César Oliva: Con la ilusión de ser el primer curso de esta nueva Junta Directiva, lo que significa una evolución en los contenidos, de la mano del nuevo director Eduardo Vasco.

Este año se dedica la Escuela a Santiago Ontañón, ¿Cuál fue su mayor aportación a las artes escénicas?

César Oliva: Una de las aportaciones de las que más orgullosos nos sentimos es partir de Ontañon como motivador del curso. Su posición ante el teatro siempre fue de búsqueda de nuevas formas, con contenidos que realzan el sentido social del teatro.

¿Cuáles son los mayores retos a los que se enfrentan las artes escénicas tras la pandemia?

César Oliva: Buscar el sentido del teatro en una sociedad, y una profesión, tan castigada por la pandemia. El sentido y la forma que debe encontrar tras ello. Temas tan complejos merecen que nos planteemos un congreso o encuentro en el que la profesión indague y busque soluciones. Pensamos que 2023 será un buen momento para realizar ese encuentro.

Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro sigue siendo un gran lugar para contar historias para César Oliva?

César Oliva: Esa es la principal misión del teatro, contar historias, junto a que esas historias proporcionen motivos de reflexión. Los antiguos lo llamaban catarsis; hoy nos conformamos con toma de conciencia. Toma de conciencia que pueden tener el drama como género usual, pero también la comedia lo es. Por supuesto.

Santander se convierte en la capital de nuestra escena con la IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas

Del 18 al 21 de julio tendrá lugar en Santander la IV edición de la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que este año llevará por título Santiago Ontañón: La escena social. La organización del curso en la capital cántabra ha sido posible gracias a la inestimable colaboración de la Vicepresidencia del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Desde mi butaca COMUNICA se encargará este año de la campaña de comunicación de la Escuela.

Un año más, la Academia de las Artes Escénicas de España plantea una actividad en su Escuela de Verano. Por cuarta vez, se produce la colaboración entre varias instituciones públicas para ofrecer un programa que une rigor, excelencia y entretenimiento, para que jóvenes de diversas comunidades participen en un proyecto de formación. Este año, Cantabria es la referencia ideal para, a partir de una personalidad tan destacada del mundo de la escena como Santiago Ontañón, considerar, junto a su condición de artista plástico de primer nivel, la actualidad de la escena social en sus formas más destacadas. Todo ello de la mano de un nutrido grupo de experimentados ponentes del sector de las artes escénicas.

En palabras de Cayetana Guillén Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, La Escuela pretenderá un año más ser correa de transmisión del conocimiento entre diferentes generaciones de académicos y artistas. Por ello, es importante señalar el papel de la cultura como «motor para el desarrollo del espíritu crítico y el cambio social». También, Guillén Cuervo ha manifestado recientemente que es muy importante que la actividad de la Academia se extiendan por todos los rincones de España como es el caso de Santander en esta Escuela. Para ella: «Estos actos los hacemos con el objetivo de la descentralización de la Academia». Guillén Cuervo participará de forma activa en la Escuela con una especial mirada en el debato acerca de «Las artes escénicas y la diversidad étnico racial» que tendrá lugar el jueves 21 de julio a las 12 de la mañana. Servirá para poner de manifiesto que «han entrado los primeros profesionales racializados en la Academia». Así, la intérprete aboga por «Un trabajo de cambio social para abordar los estigmas con los que cargan, ¿Por qué a un actor español de origen marroquí sólo se le ofrecen papeles de terrorista o camello?, Él tiene que hacer Hamlet como otro cualquiera». Desde luego, en otros países como Francia «ves actores racializados haciendo de abogados o médicos sin justificar su ascendencia». Por descontado, España «tiene que caminar hacia allí».

La IV Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas se inaugurará el 18 de julio a las 9.00 horas con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, de la Universidad de Cantabria y de la Academia de las Artes Escénicas de España. El programa incluye propuestas del 18 al 21 de julio sobre distintas disciplinas de las artes escénicas como la danza, el teatro y la interpretación como se puede comprobar en el programa que compartimos íntegro a continuación.

Cayetana Guillén Cuervo junto a Pablo Zuloaga, vicepresidente del Gobierno de Cantabria

Programa Escuela de Verano

Lunes 18 de julio

9:00H- 9:30H INAUGURACIÓN

Con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, Universidad de Cantabria y Academia de las Artes Escénicas de España.

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Lluís Pasqual (director de escena, AAEE) “Lorca, recuperado”. Presenta: Anabel Díez (directora de escena, AAEE)

11.30H-12:00H “SANTIAGO ONTAÑÓN, LA BARRACA Y EL EXILIO”. “Las pasiones de Santiago Ontañón”, por Esther López Sobrado (investigadora y biógrafa de Santiago Ontañón)

12:00h-14:00H Mesa redonda. EN TORNO A ONTAÑÓN Y LA BARRACA.

Modera: Patricia Cercas (actriz, Vicepresidenta de ACEPAE, AAEE) Con Javier Huerta (profesor, investigador) y César Oliva (profesor, AAEE).

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”.

2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”.

21:00H Representación El retablillo de don Cristóbal. Compañía NAO D’AMORES. Dir: Ana Zamora. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES

Martes 19 de julio

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Ana Zamora (directora de escena). “El retablillo de don Cristóbal, entre la tradición y la vanguardia”.

11:30H-14:00H Mesa redonda. EL FUTURO QUE VIENE. Moderador: Carmen Márquez (profesora, AAEE) participan las creadoras-es: María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea, Joan Yago.

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos y directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”

2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”

21:00H PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL Lola Herrera. Ser actriz. El despertar de una pasión. Dir: Daniel Dicenta. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES

Miércoles 20 de julio

9:30H-11:00H SESIÓN CON Antonio Najarro (coreógrafo, AAEE): “Y LA DANZA CAMBIA EL MUNDO (Interpretar/Bailar)”

11.00H-13:00H JORNADA DE TEATRO SOCIAL CON XANFRÁ. Centro de música y escena del Raval. Las artes escénicas como herramientas para la cohesión social.

TALLER DE CUERPO, PALABRA Y SONIDO.

Cristina Gámiz. Actriz y Pedagoga Teatral. Profesora de Xanfrà

Ester Bonal. Profesora de música, directora de Xanfrà

13:00h-14:00H EXPOSICIÓN Y DEBATE sobre el trabajo en XANFRÀ. Presenta: Pilar Jódar (investigadora, AAEE)

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Teatro del Oprimido. Jordi Forcadas (Forn de teatre Pa’tothom)

2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL para intérpretes, dramaturgos y directores. Laila Ripoll (autora, directora de escena, AAEE): “Teatro y memoria: el acontecimiento y su representación”

21:00H VISITA CULTURAL POR LA CIUDAD DE SANTANDER (Incluye Palacio de Festivales)

Jueves 21 de julio

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Helena Pimenta (directora de escena, AAEE): “Shakespeare: el asombro ante lo diferente “.

11.30H-12:00H ENCUENTROS. “Las artes escénicas y la diversidad étnico racial” Yeison García López (poeta, director del centro cultural ‘Espacio Afro’: Derecho de admisión.

12:00h-14:00H Mesa Redonda. Moderadora: Cayetana Guillén Cuervo (actriz, Presidenta de AAEE) Participantes: Ayoub El Hilali, Silvia Albert, Abdelatif Hwidar.

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Jordi Forcadas

2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL. Laila Ripoll

19:15H EL SABOTEADOR, DE SANTIAGO ONTAÑÓN. LECTURA DRAMATIZADA. Dir. Francisco Valcarce (director de escena, AAEE)

Algunos datos biográficos sobre Santiago Ontañón

Fotograma de El verdugo

1903. Nace en Santander.

1920. Asiste al estreno de El maleficio de la mariposa, de García Lorca. Hace mención en sus memorias de que “fue un desastre”. Inicia su amistad con el poeta granadino.

1923. Hace en París una escenografía para el ballet ruso de Boris Kaniasev.

Es un conocido ilustrador en revistas, como La Esfera, Nuevo Mundo o Revista de Occidente.

1927. De vuelta en Madrid, diseña las escenografías de las zarzuelas Las golondrinas, de Usandizaga y Martínez Sierra, y La Revoltosa, de Chapí y Fernández Shaw-López Silva.

1931. Actor en la película El embrujo de Sevilla, de Benito Perojo.

1933. Escenografía de Bodas de sangre, de García Lorca, por la compañía de Josefina Díaz.

1934. Escenografía de Usted tiene ojos de mujer fatal, de Jardiel Poncela.

En estos años hace el reestreno de El sombrero de tres picos, de Falla; el

decorado de La tierra de Alvargonzález, poema de Antonio Machado para La

Barraca; y colabora con el teatro de guiñol La Tarumba, de Miguel Prieto.

1935. Dirige la película Los Claveles.

1937. Escenografía de Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, de García Lorca, a cargo de Anfístora, grupo animado por Pura Ucelay. Además de los decorados, Ontañón interpretó el protagonista, don Perlimplín.

1938. Escenografía de Numancia, de Cervantes, versión de Alberti, y La tragedia optimista, de Vichnevski, ambas dirigidas por María Teresa León, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Participa en El Mozo Azul, en donde publica Experiencia personal. Para el

Teatro de Urgencia de las Guerrillas del Teatro escribe El saboteador, La guasa y El bulo.

1940. Exilio en Chile. Matrimonio con Nana Bell. Coincide con Margarita Xirgu, a la que acompaña en Uruguay y Argentina.

1944. Escenografía de El adefesio, de Alberti, y La dama del alba, de Casona.

Continúa sus trabajos como ilustrador.

Regresa a España en donde llegará a realizar casi un centenar de escenografías. Interviene como actor en muchas películas, como El verdugo (1963), de Berlanga; De cuerpo presente (1967), de Eceiza; Varietés (1971), de Bardem; Cinco tenedores (1979), de Fernán Gómez, etc. De este tenemos la siguiente descripción de Ontañón: “Hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores, un amor y unos amores a los que él, fiel a su modestia, llama amistad”.

1988. Publica sus memorias, con el título Unos pocos amigos verdaderos.

1989. Fallece en Madrid.

Las reseñas de Alberto Morate: CASTROPONCE

Teoría y praxis para una vanguardia del siglo XXI

El teatro existe

Poética del teatro y la política, si es que existiera la poética, que nadie sabe lo que es. Más que una reseña sobre un espectáculo teatral o un monólogo interpretativo o discursivo con tonos humorísticos, filosóficos, sociales y tintes agrupativos, o corporativos, no sé, que la palabra agrupativo el procesador de texto me la subraya en rojo y puede que esté mal, pero me da lo mismo.

En España, ¿cuántos pueden acudir a ver teatro en condiciones? O incluso, en malas condiciones. Es decir, eso de que proliferan por doquier grupos de aficionados teatrales que alimentan sus egos y su necesidad de compañía creando compañías, valga la redundancia, para representar a sus convecinos, no es tan sencillo en ese territorio vaciado, en esa España olvidada hasta por los políticos en sus campañas de propagandas electorales.

Sin embargo, Pablo Rosal, con Castroponce, un municipio vallisoletano perdido de la mano de los que se fueron yendo, utiliza el lugar para ofrecernos un simposio donde se analizará la Teoría y praxis de una vanguardia del siglo XXI. Por cierto, ¿qué es el siglo XXI?

Él mismo y él solito, como no podía ser de otra manera, por el ambiente rural en el que nos hallamos, nos relata con pelos y señales todas las circunstancias de ese congreso donde las mejores versiones de la cultura nos darán su parecer y las circunstancias culturales, teatrales y políticas en las que se desenvuelven.

Es una muy interesante situación de sillas vacías que no lo están, del efecto poético que llega a un rincón del país que casi nadie habita. No obstante, el encuentro y las ponencias, por llamarlas de alguna manera, se llevan a cabo con suficiente calidad intelectual y hasta se dispone de un piano y un músico que también se expresa adecuadamente.

Por lo tanto, no hay tremendismo. A pesar de la supervivencia, hay, como ya hemos dicho, humor, realismo, teatro en sí mismo, ideas, pareceres, causas y efectos.

Lo que hace que en el plano de la política y la teatralidad, se vea claramente que hay técnicas parecidas. Con la seriedad y sistematización de apertura a un mundo que está ahí, en lo oscuro, y nunca saldrá de aquello.

Pablo Rosal nos conciencia de que todas estas ideas son ciertamente universales, y uno nunca debe dejar de renovarse en el campo cultural y artístico. Todo esto me lleva a recordar esa gran película de José Luis Cuerda, “Amanece que no es poco”, donde indefectiblemente cualquier cosa puede suceder en la España oculta.

Después de Castroponce, parece ser que el teatro existe, solo hay que saber descubrirlo.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: LA VENGANZA DE DON MENDO

Alberto Morate nos adentra en LA VENGANZA DE DON MENDO que acaba de estrenarse en el Teatro Reina Victoria de Madrid en unos días muy especiales para DESDE MI BUTACA COMUNICA y es que hemos tenido récord de visitas gracias a la reciente entrevista con Rafael Álvarez, ‘El Brujo’. Siéntense en sus butacas y disfruten de Las Reseñas de Alberto Morate que seguirán acompañándonos en los próximos meses.

Algo tendrá esta comedia para que más de cien años después se siga representando por doquier tanto por compañías profesionales como por grupos de teatro aficionados. Es divertida, tiene ritmo, sátira y, a pesar de estar en escrita en un falso verso, es decir, en ripio, con variedad de matices y rimas, se hace ferviente candidata a formar parte del repertorio de intérpretes con más o menos gracia.

Comedia perfecta, por tanto, podríamos decir, fresca e intemporal, que aunque requiere de diversos espacios, palacio, prisión, campamento militar, cueva con sus escondrijos, no resulta demasiado complicado solventarlo con figurines, paneles, telones pintados a la antigua usanza o, como en este caso, cubos paralelepípedos de cartón con los motivos necesarios para cada ocasión. Al igual que el vestuario, quizás más complicado, pero que con la complicidad del espectador podría pasarse por alto. No es el caso de este montaje, donde la compañía Saga, dirigida por José Saiz, cuida al detalle y pone todo el esmero.

De la misma manera, José Saiz que también la protagoniza, se ha tomado la licencia de añadir unos estrambotes escénicos musicales, es decir, al principio, en las transiciones entre actos y al final, y ¡vive Dios!, que no le quedan mal. Al contrario, aunque avisan que no es musical, efectivamente, no lo es, es un amago de musical, sin serlo, puesto que la función y el texto se desarrollan íntegros, palabra por palabra, dándole vida con el añadido de un mínimo de burbujas de agua bicarbonatada para acercarlo a la tendencia actual de hacer un musical de todo.

Cada representante está bien situado y, lo que más me gusta, es que José Saiz, nuestro Mendo en este momento, no resta protagonismo a los demás, pues no es ni excesivo ni histriónico, no exagera las formas ni recalca ciertos ademanes que ya he visto en otros actores. Es de agradecer ese servicio a la puesta en escena general, al elenco, a la no necesidad de hacer énfasis en la interpretación, pues el texto en sí, ya es suficientemente bueno y con gracia para no tener que exprimirlo hasta dejarlo en paños menores.

Puesta en escena más que meritoria, respetuosa, necesaria para que las nuevas generaciones se adentren en un teatro que no pasa de moda, y las generaciones ya baqueteadas comprueben que no todo son montajes raros, vanguardistas y polémicos.

Por cierto, hablamos de La venganza de don Mendo, de Pedro Muñoz Seca, por si alguien aún no se había enterado, una caricatura de tragedia, un astracán, que lo cortés no quita lo valiente, y aunque aquí no viene al caso, e independientemente de ideologías, la calidad no está reñida con las apreciaciones personales.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.