“Priscilla, Reina del Desierto” es ya la Fiesta de las Fiestas en Aste Nagusia 2017

El autobús multicolor más conocido y divertido del cine y el musical hace parada en el Teatro Arriaga de Bilbao desde el pasado miércoles. Desde entonces se repite la imagen de un público entusiasmado con las pegadizas canciones que Bernadette, Tick y Felicia hacen en su travesía por el desierto hacia ese concierto que marcará sus vidas. En ese viaje por lugares insospechados y profundos tendrán que luchar contra las cerradas mentes de los habitantes locales con mucha purpurina, taconazos y melodías pegadizas.

priscilla-246.JPG                                                                               Foto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga

El trío protagonista formado por Bernadette, Tick y Felicia nos regalan algunos de los momentos más divertidos y emocionantes de esta particular fiesta multicolor. Continúan en el reparto dos de los actores que lo estrenaron en Madrid: Jaime Zatarain y Christian Escuredo, cuyos trabajos ya aplaudimos en su día y que volvimos a disfrutar anoche en un Teatro Arriaga entusiasmado con esta propuesta de SOM PRODUCE. Armando Pita se incorpora a la gira del musical como Bernadette, esta particular trans que aún parece anclada en esa gloria pasada cuando el playback era lo más (muy inspirada su recreación del I Will Survive, una de las grandes escenas del mundo). Es fácil caer en los tópicos, en la recreación estereotipada de un personaje bombón que han interpretado grandes nombres del musical en todo el musical. Lo que consigue Armando Pita en escasas funciones (estrenó este miércoles este roll protagonista) se nota que nace de las entrañas, de un trabajo impulsado por dar verdad a este personaje que gracias a su buen hacer en sobre las tablas conecta desde el principio con la emoción del público. Muchos de los bravos de anoche fueron para él gracias a su creación de este bombonazo de personaje.

priscilla-9.JPG Foto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga

Y hablando de emociones, como ya me ocurrió en su día en Madrid, no pude evitar emocionarme con uno de los momentos más mágicos del espectáculo gracias a la voz y el talento del santanderino Jaime Zatarain cuando le canta a su hijo emulando a Elvis Always on my mind.

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Completa este trío protagonista el que sin duda es ya por derecho propio uno de los nombres jóvenes de nuestro teatro musical: Christian Escuredo, un actor de asombrosa versatilidad que dota de una energía electrizante y de emoción a su Felicia. Bob, el entrañable mecánico que se cruza en el camino de esta tres reinonas, está interpretado por José Navar. Sin duda, un lujazo ver sobre las tablas el buen hacer de este actor que forma parte desde el principio del elenco de este espectáculo y que actualmente se asoma cada tarde a nuestras pantallas con Centro Médico. Dignas de mención son también las divas interpretadas por Ana Dachis, Teresa Ferrer y Aminata Sow que con sus espectaculares voces y sus vuelos celestiales llenan de espectacularidad el escenario.

www.morenoesquibel.com Foto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga

En el amplio elenco del espectáculo, todos estupendos, me gustaría destacar otro nombre joven que demuestra que el musical hecho en nuestro país tiene el futuro asegurado. Se trata de Pau Quero que hace un pequeño (y bombón) personaje y que consigue ganarse la sonrisa del publico nada más salir a escena. Se trata del personaje de Jimmy, el divertido y enérgico aborigen que se cruza en el camino de estas tres reinonas. La dirección residente y la adaptación corre a cargo de Miguel Antelo mientras que Alexander Pantchenko se encarga de la dirección musical de este gran espectáculo que continuará en el Arriaga hasta el 10 de septiembre.

www.morenoesquibel.comFoto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga
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Notas desde la Menéndez Pelayo: Cuando el teatro y el cine se dan la mano

La pasada semana la Universidad Internacional Menéndez Pelayo acogió el Seminario Del escenario a la pantalla: teatro y cine en España (1990-2016).

Durante este curso en un formato de conferencias y mesas redondas se analizó la relación entre el teatro y el cine poniendo su foco en las adaptaciones cinematográficas de  ¡Ay, Carmela!, El perro del hortelano,  El chico de la última fila y  Bodas de Sangre. Cerró el curso  Las furias, la primera cinta de Miguel del Arco.

El lunes fue el turno de la adaptación que Carlos Saura y Rafael Azcona hicieron sobre ¡Ay, Carmela!

En la primera sesión del curso se pudo disfrutar de algunas imágenes de la puesta en escena que protagonizaron un espléndido Santiago Ramos y Verónica Forqué, una actriz muy ligada a este texto de José Sanchis Sinisterra. Tuve la suerte de ver esta producción, dirigida por Miguel Narros, en dos ocasiones, y aún tengo en la cabeza la primera vez que la vi en el Teatro Mira de Pozuelo de Alarcón hace una década.

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Por esas casualidades que se dan a menudo en la Menéndez Pelayo, el autor participó la pasada semana en la actividad de la UIMP, pero en otro curso. Por la tarde, tras ver la versión cinematográfica de este texto teatral, se puso sobre la mesa un tema importante: ¿Traicionó la cinta de Saura el espíritu del texto teatral? Indudable el valor cinematográfico de una cinta que arrasó en los Goya. Ahora bien, ¿Hasta qué punto es fiel a la obra teatral esta cinta? Parece claro que lo justo es valorarlas como dos obras artísticas bien distintas. Sin duda, se le podría criticar a la película la eliminación de ese epílogo que hace tan especial la función teatral, pero no es óbice para valorar la calidad de la cinta.

La actividad cultural de la UIMP tuvo una protagonista de lujo por la noche con Julieta Serrano. Corría el año 1981, cuando la actriz interpretó, junto con Irene Gutiérrez Caba y Amparo Rivelles, el monólogo Antes del desayuno de Eugene O’ Neill, un proyecto dirigido por José Carlos Plaza, que le dejó tan buen recuerdo, que hace una semana volvió a recurrir a él: “O’ Neill me gusta mucho, lo he hecho tres veces, una siendo muy jovencita, que fue cuando conecté con él y me entusiasmé con sus textos”. Por eso, más de treinta años después, la actriz barcelonesa escogió esa misma lectura para su participación en el ciclo Noches de teatro de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) que este año por primera vez se produce en el Campus de Las Llamas y que esta noche tendrá como protagonista a las 22h al actor Israel Elejalde. Serrano acompañó este monólogo con una escena de Largo viaje del día hacia la noche del mismo autor, para dar voz a este dramaturgo que ha fascinado siempre a la veterana actriz que fue acogida con un caluroso aplauso.

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Foto: Esteban Cobo

El martes fue analizada El Perro del Hortelano, la ‘ortodoxa’ adaptación que hizo Pilar Miró junto a Rafael Pérez Sierra que participó en la segunda jornada junto a Germán Vega García-Luengos, Director del Festival de Teatro Clásico de Olmedo, que incidió también en la importancia que ha tenido el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro en la revitalización del teatro clásico en nuestro país. La cinta de Miró fue galardonada con un aluvión de Goyas, pero el extraordinario trabajo de Santiago Ramos en Como un relámpago le ganó la partida a Carmelo Gómez, que parecía el favorito en los Premios de la Academia.  Durante el miércoles se analizó la adaptación de El Chico de la Última Fila que se hizo en la cinta En La Casa, una película cuya presentación cubrimos DESDE MI BUTACA. “Las numerosas traducciones a diferentes idiomas dan fe de una muy buena proyección internacional del texto, y es que, además de los idiomas más comunes como el francés, el inglés, el italiano o el portugués, El chico de la última fila, ha sido traducida a lenguas como el búlgaro, el rumano e incluso el coreano”, resaltó Enrico Di Pastrana, Catedrático de Literatura Española que ha hecho un recorrido por los montajes de la pieza fuera de las fronteras nacionales, convirtiéndose así en uno de los textos españoles contemporáneos más representados en todo el mundo.

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Foto: Juan Manuel Serrano

Precisamente, el autor de la obra original, Juan Mayorga, recibió el Premio La Barraca que la UIMP entrega cada año a una destacada personalidad de las Artes Escénicas, como ya relatamos en las Notas desde la Menéndez Pelayo del verano de 2013.

El jueves fue el turno de la visión que Paula Ortiz hizo de Bodas de Sangre en su película La Novia. Durante la sesión del jueves la tragedia y el mundo lorquiana fueron protagonistas en la jornada de este interesante curso en la UIMP: “La tragedia es un género, desde nuestra perspectiva, imprescindible en este momento” comentó. Es el género de las crisis, grietas y bisagras históricas: “Lorca ahora es más necesario que nunca, contando con las herramientas que tenemos hoy, porque él se asoma a esa grieta, y se hace esas preguntas primeras y últimas de la tragedia” añadió a su paso por la Menéndez Pelayo la directora. Esencial fue en sus comienzos, desde sus primeros cortometrajes, Raúl García Medrano, responsable del Festival de Cine de Comedia de Tarazona.

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Foto: Esteban Cobo

El viernes al colofón final del curso con la presencia de Miguel del Arco con Las Furias unimos, por esas cosas mágicas que ocurren en la Menéndez Pelayo, la participación de Raquel Lobera, una de las integrantes del Gabinete de Prensa de la UIMP, en el curso ¿Una maldición que salva? Escritoras y locura. La periodista participó en la dramatización que el dramaturgo José Sanchis Sinisterra hizo dentro del curso junto a Eva Redondo en uno de los cursos con mayor afluencia del verano, que acogió la lectura con un sonoro aplauso y que se interesaron por cómo habían abordado el texto las intérpretes. En la intervención del autor de la citada ¡Ay, Carmela! destaca su concepción de lanarraturgia’ como un género híbrido que abarca “una frontera cada vez más presente en la escritura dramática contemporánea”. Se trata de una mezcla, ha destacado, de “la forma dramática canónica, interpretada por voces ficcionales, y el material narrativo, donde hay una voz autoral que se hace cargo del desarrollo de los acontecimientos”. Un segmento importante de la escritura dramática de los últimos quince o veinte años, ha explicado: “Se encuentra en esta ‘narraturgia’, donde a veces es difícil discernir que el los propiamente dramático y lo narrativo”.

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Además de su trabajo con Las Furias que, aunque no adapta ninguna obra de teatro tiene ciertas conexiones con el hecho escénico, Del Arco también se refirió en rueda de prensa al Teatro Pavón Kamikaze tras mi pregunta: “Artísticamente ha sido un bombazo, el ruido que hemos hecho ha sido brutal, la recepción del público ha sido fabulosa, y aun así ha sido una ruina gigantesca”, ha reconocido el dramaturgo, guionista, actor y director de escena. “Seguiremos tirando de la cuerda hasta que no podamos más, tampoco me voy a hipotecar la casa o a pagar por hacer teatro”, ha añadido. Con esta segunda temporada, esperan conseguir interés por parte de las administraciones, algo que no ha pasado hasta ahora: “Sobre el papel le gustaba a todo el mundo, pero nadie daba un paso adelante. Creo que eso es un problema de la cultura de este país.”, ha advertido como balance de la primera temporada y avance de una segunda temporada que está dando sus primeros pistoletazos con Antígona que supone el debut teatral de un actor vinculado al propio Palacio de la Magdalena. Se trata de Yon González, que fue el protagonista de Gran Hotel, grabada en este espacio que es sede la UIMP. Fue tras ver Misántropo cuando el conocido actor se interesó por el trabajo de Miguel del Arco. Cuando el director le ofreció un pequeño papel en la función que se ve estos días en el Pavón. Kamikaze lo tuvo claro y no lo dudó. La presencia del actor se siente cada tarde en el teatro con la presencia de multitud de adolescentes esperándole en la puerta, aunque sólo alguna suelta entra a ver la función como admitió el director con una sonrisa. Cantabria ha sido precisamente esencial en su película ya que los paisajes de la tierruca son protagonistas en la cinta: “Decidí que la película tenía que rodarse en el norte para conseguir esa inquietud ancestral que produce la naturaleza”.

Parece claro que el cine y el teatro, aunque con una relación inestable en el tiempo, seguirán ligados en el futuro con propuestas como una posible adaptación de El Arte de la Entrevista que prepara Paula Ortiz junto al propio Juan Mayorga, autor de la obra teatral. Durante una semana hemos podido disfrutar en primera persona de esa relación teatro-cine gracias al empuje de José Manuel González Herrán, catedrático de Literatura Española y profesor emérito de la Universidad de Santiago de Compostela y el secretario Anxo Abuín, profesor titular de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada de la Universidad de Santiago de Compostela. Confiamos que en el próximo verano podamos seguir analizando la relación del cine y la literatura como ya se hizo también el año pasado en el referido a Mario Camus.

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Del Arco junto a los responsables del curso en una foto de Esteban Cobo

Armando Pita se incorpora al reparto de “Priscilla, Reina del Desierto” en el Teatro Arriaga de Bilbao

Armando Pita se incorpora al reparto de Priscilla, Reina del Desierto como Bernadette. El musical ofrecerá sus representaciones en el Teatro Arriaga Antzokia entre los días 16 de agosto y 10 de septiembre de 2017, para convertirse en la estrella de la programación y en la fiesta de las fiestas en la Aste Nagusia 2017.

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Basado en la película ganadora de un Oscar, PRISCILLA es el musical internacional más espectacular y divertido. Narra las aventuras de tres artistas drag que atraviesan el desierto australiano a bordo del autobús que da nombre al musical, en un viaje cuya banda sonora está formada por “I Will Survive” y las canciones más bailadas de la historia.

Con la extraordinaria puesta en escena original con la que fue estrenado en Londres, incluidos 40 artistas en escena, el exuberante vestuario galardonado con un Oscar, el espectacular autobús que da nombre al musical y una banda sonora que reúne los éxitos más bailados de la historia, PRISCILLA es el musical más espectacular y divertido. PRISCILLA es la Fiesta de las Fiestas como ya demostró en las dos temporadas en Madrud y la posterior gira que ahora recala en Bilbao. En el reparto encontramos también a un electrizante Christian Escuredo y un emotivo Jaime Zatarain. en el momento Elvis. En el reparto también destacan nombres como el de José Navar y Pau Quero.

Como señalamos en su estreno: “La obra tiene una energía enorme, que llega a un patio de butacas que sólo se puede entregar a melodías pegadizas, imborrables en el imaginario colectivo”.

Aclamado por más de 400.000 espectadores y con la más alta valoración de todo tipo de públicos en canales de ventas y redes sociales, PRISCILLA fue premiado por Broadway World Spain y los Premios de Teatro Musical como el Mejor Musical 2015 en Madrid.

Edad recomendada: a partir de 12 años
Duración: 2 horas y media con descanso incluido.

Terele Pávez: El legado de una actriz de raza

Este oficio te hace un regalo cuando tienes delante a una entrevistada del nivel de Terele Pávez. Aún recuerdo la primera imagen congelada que tengo de ella en mi imaginario. Se trata de una escena de El Día de La Bestia, que vi diría que indebidamente demasiado niño. Me quedé fascinado por el universo de esta película y me fijé en esa actriz que decía “El mundo está lleno de hijos de puta”. Desde entonces, asocié a esta actriz al universo de un director, Álex de la Iglesia, que le regaló otra frase que se ha quedado en la memoria de las nuevas generaciones y que está poblando desde ayer las redes sociales: “A mi no me dan miedo las brujas. A mí lo que me dan miedo son los hijos de puta”. Y a Terele, esa conexión con el público joven la encantaba: “Me encanta cuando me dice algún chaval que las películas de Álex les han hecho interesarse por mi trabajo y que por eso han visto películas tan distintas como Los santos inocentes”. 

Aunque había tenido un breve encuentro con ella anteriormente, la primera vez que pude mirar a los ojos de Terele y charlar con ella fue hace relativamente poco en el Teatro Español, en el 2014, un año especialmente celebrado por los premios que recibió y en el que tuve la suerte de encontrarme con la intérprete en tres ocasiones. La primera vez que nos vimos fue durante las representaciones de El Cojo de Inshmaan y tuve la suerte de acompañarla en su camerino hasta sólo unos minutos antes de subir el telón. Como decía antes, desde niño me cautivó su fuerza en la gran pantalla y ese día pude ver en primera persona que eso no dejaba de ser una extensión de su propia vida. Me acuerdo que era la primera en llegar al teatro, me la encuentro con un café y sólo puedo parafrasear lo que dije en su día: “Ella hechiza en las distancias cortas, te atrapa y te contagia de un pedacito de esa energía de vivir que la caracteriza”. Cuando llegó el momento de la foto descubrí la camiseta que llevaba puesta con su foto y esa frase de Las Brujas de Zugarramurdi que sólo podía ella decir con esa raza. Inevitablemente le apareció una sonrisa de lado a lado que cada vez que nos encontrábamos volvía a aparecer como si nos conociéramos de toda la vida y era entonces cuando me pedía que la diese un beso en la mejilla. Compartí con ella también uno de los reconocimientos más emotivos que recibió por su trabajo en Las Brujas de Zugarramurdi en el Festival Internacional de Cortometrajes de Torrelavega. Su relación reciente con el teatro continuó, de nuevo en el Español, donde volví a tener la suerte de entrevistarla.

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Gracias por tanto, Terele. Nos queda tu inmenso legado en imágenes y esos momentos mágicos que me regalaste en cada encuentro.

Antes de aterrizar en el Bellas Artes llega a Santander “Oleanna”, una de las obras cumbre de David Mamet

Este sábado y domingo a las 21h en el CASYC de Santander se podrá disfrutar de la nueva producción de Oleanna que protagonizan Fernando Guillén Cuervo y Natalia Sánchez. Del 6 de septiembre al 15 de octubre en el Teatro Bellas Artes de Madrid bajo la dirección de Luis Luque.

La obra ha sido representada en varias ocasiones en nuestro país con nombres como los de José Coronado, Irene Escolar, Santiago Ramos y Blanca Portillo.

En el año 1992, el año en que el cuarenta y un presidente de los Estados Unidos, George H. W. Bush, apuraba su único mandato, vio la luz Oleanna, obra del dramaturgo estadounidense David Allan Mamet (Chicago, 1947).

Carol, es una estudiante universitaria que llega al despacho de su profesor a pedir que le suban la nota de una asignatura, a partir de esta sencilla premisa arranca una de las obras más turbadoras de David Mamet.

La función se estrenó coincidiendo con una causa que tenía lugar en los tribunales: la denuncia contra el juez Thomas, candidato al Tribunal Supremo de los Estados Unidos, por acoso sexual a una profesora universitaria. La obra se estrenó con gran polémica, se vivieron episodios vehementes llegando a ver espectadores enfrentados a puñetazos en el vestíbulo del teatro después de la representación. Algunos sectores de la sociedad estadounidense acusaron al autor de oportunista, misógino y machista. Mamet se defendió alegando que él había comenzado a escribir Oleanna muchos meses antes del caso y que como autor dramático no tenía ninguna responsabilidad política: “Soy un artista, escribo obras, no propaganda política. Si buscan soluciones fáciles, enciendan la televisión. Yo no tengo respuestas” Mamet, evidentemente, es un autor que huye de las verdades absolutas, de los dogmas preestablecidos y de lo políticamente correcto, de ahí que se califique al autor, entre otras muchas cosas, de polémico.

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Oleanna es una historia sobre la lucha de poder entre dos personas. Eso sí, una encarnizada lucha donde se mezcla el acoso sexual además de cuestionar el sistema académico vigente para sugerirnos que hay algo más de lo que parece a primera vista, queriendo revelar una verdad oculta. Mamet nos cuenta que estos dos personajes están equivocados y que al mismo tiempo llevan razón. La lectura de Oleanna provoca desasosiego e incertidumbre en este mundo donde necesitamos identificar claramente quien es el malo y quien es el bueno y si no llegamos a descubrirlo realmente es porque todos somos esa estudiante y todos somos ese profesor. Todos hemos luchado alguna vez para que nuestra razón impere sobre la razón del otro y todo por no querer asumir sencillamente que lo que no se entiende nos asusta.

Luis Luque

Notas de un verano escénico (III): Propuestas para todos

La cartelera madrileña sigue en plena erupción en pleno verano. Mucho ha cambiado la ciudad con respecto a otros veranos en que en estas fechas los teatros estaban “cerrados por vacaciones”. La multiprogramación del Teatro Lara, por ejemplo, no descansa en verano y los principales teatros privados no cesan su actividad durante estos días.

El Lara, propuestas para todos. Además de La Llamada y Burundanga, espectáculos emblemáticos de la sala sita en la Corredera Baja de San Pablo, se suceden espectáculos de distinto índole. Escogemos 3 espectáculos por diferentes motivos. Con el sonido de su exitoso La Llamada colándose por paredes de la Sala Pequeña del Lara, su productor, Mariano Piñero, ha estrenado La Pilarcita, una obra con aroma a costumbrismo andaluz en la que brillan con luz propia Mona Martínez. Gracias a la voz y el encanto de Álex de Lucas tiene un aroma especial esta correcta función que fue aplaudida con fervor ayer domingo cuando me acerqué a verla. También en el Lara he visto No Soy Dean Marty, una historia de corta duración en la que sobresale el trabajo actoral de los espléndidos Fernando Tielve y Héctor Molina. En La Partida tres amigos se reúnen para jugar su partida y confraternizar entre ellos. Parece que poco tienen en común, pero siguen siendo amigos. Y a medida que avanza la historia vamos descubriendo lo que “se esconde bajo el felpudo”. Sí, muy Arte, aunque la obra transcurra por otros derroteros después. Muchas risas aseguradas en este particular tratado sobre la amistad con tres intérpretes en estado de gracia (cómica).

Risas en pareja y un inmenso Daniel Guzmán en La Latina. Quizás sea Dos + Dos la obra con la que más me he reído esta temporada, si eso es posible medirlo. La culpa: un texto francamente divertido que han adaptado a la realidad española Olga Iglesias, Maite Pérez Astorga  y David Serrano a partir de la cinta original de Daniel Cúparo y Juan Vera. Si algo tiene que tener una buena comedia es ritmo y en esta David Serrano acompañado por Maite Pérez Astorga han sabido imprimir a esta historia eso que hace que una comedia no te deje respiro. Y en el reparto brilla un nombre, sin desmerecer a los otros intépretes que también están estupendos, y ese es sin duda el de Daniel Guzmán. Quizás sea ese ser normal, con el que muchos espectadores se sentirán identificados, pero lo que consigue, esa empatía maravillosa, solo la consiguen los buenos comedias. Y sí, él es un cómico estupendo y un dramático también si se tercia, desde luego.  Puedes escuchar a Serrano en la reciente entrevista que nos concedió en QUICK DESDE MI BUTACA.

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Pablo Carbonell mostró El Mundo de la Tarántula antes de ceder el testigo a Shakespeare en el Bellas Artes. Es interesante seguir la pista de la gira de esta obra que ha dirigido José Troncoso. Este biopic teatral más allá de estar salpicado de divertidas anécdotas y canciones encuentra su punto álgido como homenaje emotivo y sincero a Pedro Reyes cuando emocionado este showman nos regala un Moon River que deja al público sin palabras. Volveré en breve a este teatro a ver La Comedia de los Enredos.

La Celestina, otro gran trabajo de Atalaya Teatro. Cuando uno va a ver un espectáculo de esta compañía ya sabe que se va a encontrar un espectáculo con una línea muy marcada. Aún en la cabeza con su Madre Coraje disfruté de nuevo del buen hacer de esta compañía, muy especialmente de su protagonista,  Carmen Gallardo, que da peso y entidad a esta puesta en escena que vuelve a huir de alardes escenográficos para centrarse en la palabra con una versión legible y entretenida para el espectador.

Nunca el verso fue tan divertido. En Nave 73 dentro de sus citas con los clásicos veraniega he visto Guateque 69. Esta es la historia de tres amantes, Marcos, Roque y Pablo. Tres amantes de pacotilla liderados por un alcahuete cantamañanas llamado Gibaja, al ataque de Serafina y Matea, hermanas a más señas, amante de todo hombre la segunda, dueña de si misma la primera. ¿Cómo convencerá Serafina a Matea para que no se case? ¿Cómo convencerá Matea a Serafina para que la deje casar? ¿Cómo casará a ambas Gibaja, si sólo tiene a mano a tres cenutrios como tres soles (enormes y luminosos)? ¿Está Matea en celo? ¿Es Serafina lesbiana? ¿Sabe lo que hace Gibaja? ¿Son imbéciles todos los hombres o sólo en grupo? ¿Quién ganará Eurovisión? ¿A qué huelen las nubes? Todo esto y mucho más, en Guateque 69.

El Truco de Olej, la joya oculta de la cartelera estival. Puedo que no hayan reparado en que se puede ver teatro negro en Madrid este verano. Pues sí, el Teatro Fígaro de Smedia ha apostado por una excelente propuesta para toda la familia. Todo lo que han podido soñar que pudiese pasar en un circo pasa en este espectáculo que es un verdadero disfrute para grandes y pequeños.

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Notas de un verano escénico (II): Gabriel Olivares, el debut cinematográfico de un director sin freno

La casualidad ha llevado a que en la última semana un nombre haya sido una constante en mis salidas culturales: Gabriel Olivares. Es la primera vez que se da la insólita circunstancia de que puedo ver en pocos días 2 obras de teatro y el debut en el cine del mismo director. Ahora que lo pienso, no creo que sea casualidad, más bien producto del esfuerzo de un director que se lo curra y mucho.

El otro día caía la cuenta de que quizás sea el director del que más obras he visto en los últimos años. Escojo una de ellas como muestra de un trabajo que llevo ya mucho tiempo aplaudiendo: Our Town, cuyo resultado entendí muy bien tras ver El debut. La primera película de Olivares tiene mucho del teatro que le gusta al director de Burundanga. Nos muestra las entrañas de su TeatroLab con el que ha creado joyas como Cuatro corazones con freno y marcha atrás, que ahora se exhibe con ovaciones diarias en el Galileo. En la cinta, este director que incluso coqueteó con Hollywood participando en Muere otro día, nos presenta a un grupo de actores que se sumergen en un taller de interpretación del que seguro saldrán removidos. El objetivo es crear una futura película y el argumento es la historia de dos toreros que descubren su homosexualidad, ahí es nada. Lo ‘orgánico’ reina en el proceso de creación de un director con su laboratorio de investigación teatral, en el que lo ‘físico’ es esencial como vemos en esta cinta que todo actor debería ver. En Madrid se puede ver en los míticos Cines Renoir Princesa.

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Y tras salir del cine me fui al Patio del Teatro Galileo a escuchar la palabra de Jardiel Poncela pasada por el barniz ‘físico’ de Olivares. Hay tantas cosas que uno comprende de su trabajo tras ver El Debut que casi no existe un plan mejor que juntar la experiencia cinematográfica y teatral en la misma tarde, se lo aseguro. Una vez que me olvido de ese inconfundible olor a patatas bravas que cada verano me atornilla en el Patio del Galileo me sumerjo sin contemplaciones en el texto de Jardiel y en la propuesta del TeatroLab de Olivares. Que se represente de nuevo a este autor para mí siempre es un motivo de celebración. Conservar el patrimonio teatral, que no se pierda y, sobre todo, que llegue a los jóvenes espectadores, me parece esencial.

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Nada más satisfactorio que comprobar cómo Olivares con su propuesta ha conseguido que Jardiel Poncela le hable a los espectadores del 2017. A mi lado, un matrimonio con una hija adolescente. Los tres disfrutaron de lo lindo, pero la quinceañera aún más, por sus risas lo se bien. César Camino lleva el ritmo de la función con asombroso tino, pero en este caso quiero nombrar al reparto completo, sin todos y cada uno de ellos no funcionaría igual esta comedia: Patrick Martino, Silvia Acosta, Chusa Barbero, Eduardo Alejandre, Esperanza de la Vega, Pedro Forero, Asier Iturriaga, Guillermo Sanjuán y Mateo Rubinstein. Si por algo se ha caracterizado el trabajo de Olivares es por saber llevar el ritmo de la comedia de una forma impresionante. Aquí, de nuevo el espectador no tiene respiro y las carcajadas se suceden. Y aunque “una eternidad poética es insufrible” escuchar de nuevo la palabra lúcida de Jardiel siempre será un placer. Ya saben que si no les convence lo de la fórmula de la eterna juventud siempre podrán pedir “una muerte a plazo fijo”.

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Hace unos días vi otra propuesta teatral de Olivares. En el Marquina pude disfrutar de Pareja Abierta: El Musical. A partir de la obra original de Dario Fo se ha creado un musical made in spain. La comedia funciona como un tiro bajo la dirección de Olivares con dos intérpretes estupendos: Carmen Conesa -a la que veremos en septiembre en el Galileo con La Duda y en octubre en el Calderón con La Familia Addams- y Víctor Ullate. A esto hay que sumar la música estupenda de Ferrán González que se consolida como autor tras éxitos como Pegados.

Y dejo para el final lo que nos espera a la vuelta de verano con su TeatroLab. Se trata de Gross Indecency que trata el idilio entre Oscar Wilde y Lord Alfred Douglas, alias Bosie, figura con letras de oro en los anales del desorden amatorio. Moisés Kauffman ha reunido los hasta ahora inaccesibles autos del sensacional pleito y construye en torno a ellos un fascinante relato sobre la colisión entre el gran seductor y el mundo al que había seducido con su palabra. El irlandés de la sentencia fulgurante era, por encima de todo, un inigualable conversador que también escribía.

En esta función “oímos” por primera vez su conversación con una fuerza dramática y retórica no atenuada por la literatura. Wilde despliega aquí toda su agudeza sin enredarla en los artificios de la ficción. Gross Indecency es una “tragedia legal” comparable al juicio de Sócrates narrado por Platón. Nada más y nada menos.

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Tras ver el trailer de esta producción que se podrá ver en la Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez del 14 de septiembre al 8 de octubre sólo puedo vaticinar que sin duda será una de las obras de la temporada como ya lo fue Our Town hace varias temporadas, también en la misma sala.

Otro nombre que me gustaría añadir al de Gabriel es el de su mano derecha, Venci D. Kostov, que en su labor de ayudante de dirección de Olivares ha sido una constante en su trayectoria. Destacar su trabajo como director en la espléndida La Velocidad del Otoño que pudo verse en el Teatro Lara con Esperanza Elipe y Javi Martín.

Sin duda en la nueva temporada, Gabriel Olivares será un director sin freno y sin marcha atrás que seguro nos seguirá sorprendiendo con grandes comedias y emocionantes trabajos con su TeatroLab.