Categoría: Teatro musical

La historia interminable: El musical español que SÍ marca la diferencia y el camino a seguir

musicales, Teatro musical

Hace casi una década escribí mi tesina universitaria sobre el teatro musical español entre 1989 (Mar y cielo) y 2012 (El último jinete). Si tuviera que actualizarlo con lo que ha ocurrido en estos casi 10 años una productora ocuparía un hueco de honor: Beon Entertainment. La irrupción de la productora de Dario Regattieri ha cambiado sin duda la forma de hacer musicales en el mercado español. Hasta la irrupción de El médico parecía que los musicales made in spain eran algo anecdótico que solo muy puntualmente -vía modelo jukebox principalmente con éxitos como Hoy no me puedo levantar y por supuesto con la compañía Dagoll Dagom- lograba mirar ‘frente a frente’ al musical anglosajón en nuestros escenarios. Hoy Madrid es ya una de las ciudades con más producciones de teatro musical en el mundo. Quizás por eso es posible que se estrenen criaturas escénicas tan especiales como La historia interminable.

En una temporada poblada por musicales que adaptan musicales muy conocidos principalmente -de todo ello hablaré el viernes en el especial Una temporada a ritmo de musical-, este espectáculo es un soplo de aire fresco en la cartelera. Aunque en el fondo no debería serlo. Simplemente hay lo que debería haber en todos los musicales: CALIDAD. Sí, calidad artística en todos los departamentos desde el elenco y la orquesta al colorista vestuario de Antonio Belart, la escenografía de Antonio S. Cuerda, el diseño de iluminación de Felipe Ramos y Jesús Díaz, los efectos mágicos de Alfred Cobami, la peluquería y caracterización de Aaron Domínguez y sí, las simplemente impresionantes criaturas que poblan Fantasia, así sin acento en la i como el original alemán. Todo ello bajo la estupenda dirección de Federico Barrios.

Cuando se abren las puertas del Teatro Calderón el espectador hace un viaje a ese lugar de ensueño llamado infancia en el que podemos seguir jugando a ser el héroe en la batalla o la princesa en el cuento. Y en ese momento, el adulto pierde sus resortes de ‘raciocinio adulto’ y se deja llevar por la fantasía -ahora sí con acento en la i. Así creemos que todo es posible y vemos a Fujur volar, al caracol de carreras en movimiento, vemos vibrar el patio de butacas -el efecto sonoro es realmente bueno en este musical que cuenta con diseño de sonido de Alejandro Martín que nos trasporta sin duda a todos los parajes de Fantasia- con el impresionante comerocas y el caballo en escena es de lo más bonito y realista que he visto en un escenario en España. De no dar crédito, vaya. Desde luego, los animatronics -inéditos hasta ahora en nuestros escenarios a los que llegan de la mano de la empresa KreatFX- son el gran elemento diferenciador de esta producción. Cada vez que uno entraba en escena el público exhalaba como de no dar crédito. Siempre he pensado que el musical es el mejor territorio para la fantasía y La historia interminable es la constatación de ello.

Por supuesto la música de Iván Macías vuelve a jugar a favor de la historia con momentos de inspirado lirismo y una obertura realmente memorable. Tranquilos que aunque Never ending story tarde en salir, algún guiño musical se cuela a lo largo del espectáculo. Cuando llega el momento les aseguro que desean que fuese simplemente interminable. Pura magia en escena con esas voces que ha pulido María José Santos para que brillen en escena también en los impresionantes números corales.

Y no, no me olvido del elenco. Dando vida y pasión a lo que se ve en escena -incluida la voz de Fujur- está Joseán Moreno que vuelve a demostrar que más allá del innegable talento que tiene le pone corazón a cada proyecto y eso el público lo nota. En esta temporada hiperactiva para niños actores-cantantes, los dos protagonistas infantiles resultan esenciales en esta producción y más con unas partituras tan exigentes como las de Macías que desde luego resuelven con presteza intérpretes como Noelia Rincón y Marcos Sarnago. Vibrante la Xayide de Teresa Ferrer, pura dulzura la Emperatriz Infantil de Teresa Abarca, Nil Carbonell llena de chispa el escenario en un impresionante número de claqué muy bien acompañado del estupendo cuerpo de baile y el Gmork de Álex Forriols protagoniza una de las escenas más interesantes del musical. Pueden consultar el resto del impecable elenco aquí. Va mi aplauso para todos y cada uno de ellos.

Era difícil plasmar en escena una historia que permanece en el imaginario colectivo de varias generaciones, pero Beon ha conseguido la imposible con esta producción con adaptación del texto de Félix Amador y es sumergirnos por un momento en nuestros sueños infantiles. La historia interminable es la constatación de que se pueden hacer producciones locales que miren de igual a igual a los gran musicales internacionales. En definitiva es el musical español que SÍ marca la diferencia y el camino a seguir para las futuras producciones hechas en nuestras fronteras.

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La rumba salta a escena hoy de la mano de El Terrat con Litus encabezando el cartel de ¡Chakapum!

Teatro, Teatro musical

Hoy subirá el telón del Gran Teatro CaixaBank Principe Pío de Madrid ¡Chakapum!, un espectáculo que se define como una fusión sin prejuicios de un concierto y una obra de teatro, de rumba, rock y otros estilos musicales, pero ante todo es una celebración de la vida.

¡CHAKAPUM! despliega, a partir de un recuerdo de la infancia de Litus, un caleidoscopio de escenas en las que se realiza un viaje emocional por la vida de su protagonista a la vez que se hace un repaso vivo a la historia de la rumba. Pero es también un “homenaje a los currantes de la música, a la profesión”, en palabras del propio Litus. El público podrá vibrar con versiones de temas que están arraigados en nuestra historia de artistas como El Gato Pérez, Los Amaya o Peret. La fiesta de la vida y la música traspasará el escenario en un fin de fiesta inesperado. 

Con un elenco de siete actores y actrices camaleónicas llenas de energía y una banda en directo de seis músicos capitaneados por Pablo Novoa, el espectáculo mostrará el “poder de la música como herramienta transformadora de la realidad”, uno de los objetivos de su autor Joan Grau. Para ello, la directora de escena Xénia Reguant ha contado con el escenógrafo Jose Novoa para la creación de un espacio emocional, sentimental, donde se dan cita los recuerdos y la música. También se podrá disfrutar de las proyecciones de la artista Mürfila que incluyen imágenes de grandes referentes de la rumba y otras de la vida real de Litus. Elementos que ayudan a contar este viaje y a potenciar lo icónico que tiene la rumba.

Este montaje es uno de los proyectos más personales de Litus, cantante de La Banda de Late Motiv y uno de los integrantes del exitoso montaje teatral Lehman Trilogy. “La rumba tiene que ver con cómo conocí la música. Con mi familia. Con cómo aprendí mi profesión”, explica Litus. “Tengo un recuerdo mágico de las sobremesas de mis padres cuando yo era un niño. Es un recuerdo que, con los años, ha tomado una textura de sueño”.

En palabras de su directora, “En ¡Chakapum!, conoceremos a los grandes fundadores del género, desgranaremos todo lo que compone la rumba catalana, todo lo que compone Litus y lo que nos compone como humanos”. Xènia Reguant da más detalles: “Pasaremos por Cuba, Terrassa, Tossa de Mar. Entre rumba, tiempo, contratiempo, movimiento incesante y pequeños ambientes construidos con dos cubos y una escalera capaces de transformarse en todos los escenarios posibles, llegaremos al ¡Chakapum! Siempre acompañados de una rumba que evolucionará con el espectáculo hasta llegar a una sonoridad moderna y actual”.

El espectáculo pone de manifiesto que la rumba está viva y es eléctrica porque te pone en movimiento. ¡Chakapum! es una experiencia única producida por El Terrat (The Mediapro Studio) y que podrás vivir del 12 de agosto al 4 de septiembre en La Estación Gran Teatro Caixabank Principe Pío.

El Festival Internacional de Santander apuesta hoy por el público familiar con la ópera DESDE EL MAR

lírica, Teatro musical

Hoy el Festival Internacional de Santander acoge una representación muy especial. Como es habitual en su programación -en la que hemos visto joyas como Soñando el carnaval de los animales de Títeres Etcétera de cuya comunicación nos encargamos- no falta la apuesta por el público familiar. Este año lo hará con DESDE EL MAR hoy a las 19h en la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria.

Un universo marino de aventura, un espacio onírico en el que se aprecia el paso del tiempo: naufragios, objetos que los años han alterado, fragmentos y pedazos que tienen historias que contar. Este es el resumen de Desde el mar el espectáculo familiar con el que el Festival Internacional de Santander (FIS) -11 de agosto, 19.00 horas- quiere llegar a un público mucho más amplio, la familia, ofreciendo una novedosa ópera infantil a cargo de los coros infantiles y juveniles Coro Easo y la Escolanía Aila de Laredo.

Serán niños y niñas los protagonistas de este espectáculo músico-teatral, en versión ópera, una coproducción de la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival Internacional de Santander, sobre la obra “Les chants de la mer” de Roger Calmel. Gorka Miranda, como director de coro y artístico; Samara Oruña, directora de la escolanía y Mafalda Soloio, directora de escena son los responsables de este proyecto, denominado ITSASOTIK, que consigue desarrollar, de manera transversal, las capacidades artísticas de actores y espectadores, creando una obra sostenible en términos medioambientales, creativos y sociales.


La obra original de Calmel (1920-1998) narra la historia de una niña amante del mar que un día es recogida por unos marineros. En medio de una tormenta, la niña cae al agua y es tragada por un pez enorme, que la lleva a una playa; desde allí, unas aves marinas guían a la niña hacia una ciudad gris y sin vida. Allí se encuentra con un niño que repara estrellas, y juntos emprenden la tarea de «cambiar el corazón» de los habitantes de la ciudad.


Los textos originales, de Didier Rimaud, se han adaptado acertadamente a la realidad que existe en nuestros mares, haciendo hincapié en el grave problema que supone la presencia de plásticos en ellos. Una realidad que viven los más pequeños y cuyo cuidado necesita de su implicación. El atractivo de esta obra cuenta con muchas vertientes. Por un lado, son los niños los protagonistas de esta obra, proporcionándolos un espacio como el FIS en el que mostrar sus excelentes capacidades artísticas, poniéndolas en valor ante un público como el del Festival. Tanto la Scola Easo como Escolanía Aila de Laredo muestran la gran capacidad de estos jóvenes artistas.

Por otro lado, esta obra acerca la programación del FIS a un público mucho más joven, los niños, con una propuesta atractiva, realista, con la que pueden identificarse, a través de la música, la principal protagonista. Consigue, así mismo, explotar y expandir la creatividad e imaginación de los niños. No menos importante es lograr la implicación de las familias y agentes sociales, convirtiendo este proyecto en un tema participativo y colaborativo. Y todo ello de una forma sostenible.

EJES SOSTENIBLES

La creatividad es uno de los principales ejes sostenibles de esta obra. Se han minimizado los recursos materiales, como decorados o atrezzo, para lograr maximizar los mecanismos creativos e imaginativos, tanto de actores como de espectadores, pero sin mermar, en ningún caso, la calidad del espectáculo.
Así mismo, las producciones de ópera y teatro suelen contar con recursos de un solo uso, elementos exclusivos para la ocasión. En este caso se trabaja con elementos reciclados, alquilados o de segunda mano, adquiriendo para este espectáculo muy pocos objetos nuevos, lo que minimiza el impacto ambiental. Por último, el soporte escénico de la obra ha sido previsto y gestionado con Emaús Fundación
Social, entidad sin ánimo de lucro, y se elabora en talleres compartidos con personas en exclusión
social.

Las reseñas de Alberto Morate: LA PRINCESA Y LA RANA. Todos los cuentos.

Desde mi butaca comunica, Las reseñas de Alberto Morate, Teatro musical

“Yo no sé muchas cosas, es verdad. Pero me han dormido con todos los cuentos y sé todos los cuentos”. Quien decía esto era un poeta, León Felipe de mis desvelos. Suerte que tenía él, poder conocer todos los cuentos, saber todos los cuentos, subirse al tren de los cuentos, viajar a mundos fantásticos a través de los cuentos, ser hombres y mujeres de bien porque les han contado cuentos.

Eso hace la Compañía La Bicicleta del Teatro Sanpol. Nos cuentan todos los cuentos. Todas las historias, todos los argumentos. Y lo hacen con la delicadeza, la profesionalidad y el sentimiento adecuados.

Grandes escenografías, sin escatimar medios, buenísimo vestuario, sin perder detalle, bailes, músicas, texto cuidados con esmero. Y la historia en sí, nada se les queda en el tintero. Están los hermanos Grimm, Andersen, Perrault, autores fantásticos como Julio Verne, Collodi, James M. Barry, Dickens, Las mil y una noches, si es preciso, también Disney, y personajes como Mary Poppins, La Bella y la Bestia, Los músicos de Bremen, Hansel y Gretel, Caperucita, Rapunzel,… yo qué sé, todos los cuentos.

El mundo adquiere otro color cuando entras en la sala del Teatro Sanpol. Ahí están acumuladas cientos de historias, canciones, musicales, producciones con la categoría Broadway, teatro y cuentos.

Ana Mª Boudeguer nos ofrece esta versión de El príncipe rana. Con la magistral interpretación de Arturo Vázquez, Marina Damer, Esther Santaella, Natalia Jara y el siempre inefable Victor Benedé.

Las músicas nos transportan a un universo idílico y al mismo tiempo peligroso. Para mantener la intriga, el suspense, los malos qué malos son y los buenos, qué ingenuos y qué buenos, valga la redundancia. Estupenda voces, controladísimo movimiento escénico, no dejan nada al azar, todo es un argumento bien estructurado, sin olvidar que se debe ir impregnando de valores a los espectadores más jóvenes. A ver si se conciencian de que ser emocionalmente humano, comprensivo, también es beneficioso para mejorar las relaciones y que no exista tanto odio.

Entro al teatro y me olvido de lo tedioso de fuera, de los ruidos que me producen dolor de cabeza, y atento, contemplo un espectáculo de suma y sigue, de mirada clara, de divertimento y calidad, de sueños y no de animadversión, fobias, desprecios. Se me pasa la hora y media volando. Quiero que siga el cuento. Quiero que coman perdices, y sean felices, o que se alimenten de risas y sentimientos, quiero que mañana me cuenten otro cuento, “Érase una vez” y otro, y otro, para no morir, como Sherezade, para encandilar a los más jóvenes, como yo, porque todos, y que no se nos olvide, siempre llevamos un niño dentro.

No me sé todos los cuentos, pero si me los supiera, quiero que me los cuenten otra vez de esta manera, que me vuelven loco.

«La Jaula de las locas» llenará de color el Arriaga de Bilbao

Teatro musical

El Teatro Arriaga vuelve a apostar por un gran musical este verano y programa La Jaula de las Locas desde el 18 de agosto hasta el 11 de septiembre dentro de la gira de este show. El espectáculo está dirigido por Ángel Llàcer y Manu Guix, y cuenta con un elenco de 24 artistas y músicos en directo, con el propio Llàcer e Ivan Labanda como protagonistas que en este ocasión se alternarán como Zaza. Con ellos hablamos en 2019 cuando estuvieron en el Teatro Rialto de Madrid. Armando Pita se encargará en esta ocasión del personaje de George en un reparto con nombres como los de Ricky Mata, Jorge González, Camila Almeda y José Luis Mosquera.


La Jaula de las Locas es un espectáculo para todos los públicos. El tono divertido e irónico de la trama convierte al musical en una comedia ideal para todos los públicos, que ha sido aplaudida por millones de personas por todo el mundo. El Teatro Arriaga pone hoy mismo a la venta las entradas para las 30 funciones que va a ofrecer entre el 18 de agosto, fecha del estreno, y el 11 de septiembre.


La Jaula de las Locas (La Cage aux folles) es originalmente una pieza teatral escrita y protagonizada por el dramaturgo francés Jean Poiret, estrenada en París en 1973. Como obra de teatro, superó las 2.000 funciones y los 15 años consecutivos en cartel. Esta nueva puesta en escena se basa en la versión musical de gran formato de Jerry Herman y Harvey Fierstein, estrenada en Broadway en 1983 y ganadora de seis premios Tony, y también toma como referencia la versión revival de Broadway de 2010, ganadora de tres Premios Tony y tres Drama Desk Awards. La Jaula de las Locas es un espectáculo especialmente importante en la historia del género, que ha influido de manera decisiva en el estilo y la forma de llevar a escena temas socialmente sensibles de manera abierta y optimista.


La Jaula de las Locas se convirtió en el primer musical en la historia de Broadway en superar las mil funciones -cobrándose por primera vez 47.5 dólares por la entrada de platea, todo un récord-. Tras su éxito en Broadway, La Cage aux folles llegó al West End, así como a Berlín, y desde entonces se ha representado ininterrumpidamente en todo el mundo. Es uno de los musicales más populares de la historia y cuenta con múltiples y exitosas adaptaciones cinematográficas. La versión en castellano del texto es de Roser Batalla y Roger Peña.


La versión de La Jaula de las Locas de Nostromo, Llàcer y Guix, ha estado premiada en varias ocasiones desde su estreno; en los “Premis de la Crítica” el musical recibió 4 nominaciones, ganando en la categoría de Mejor Actor de Musical por la interpretación de Àngel Llàcer. Además, en los “Premis Butaca” se llevó 4 de las 5 nominaciones, en las categorías de Mejor Actor de Musical por el papel de Àngel Llàcer, Mejor Musical, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Caracterización.

El musical llega a Bilbao avalado también por el tremendo éxito de público en Madrid y Barcelona, superando entre ambas ciudades la cifra de 300.000 espectadores. Además, las críticas fueron entusiastas a su paso por Barcelona y Madrid, en las que destacaron que La Jaula de las Locas es “apoteósico” (La Vanguardia) “un chute de optimismo” (El País), “música, glamour y mucha diversión” (Time Out), o “una auténtica fiesta” (El periódico de Catalunya), por citar sólo algunas.

Esta nueva puesta en escena propone dos horas y media de diversión, sumadas al glamour de sus grandes decorados y sus 140 cambios de vestuario. La Jaula de las Locas propone 13 canciones que han marcado la historia del género, como “Yo soy lo que soy” (“I am what I am”) o “La vida empieza hoy” (“The best of times”). En definitiva, el espectáculo contiene todos los elementos propios de un gran musical.


TEATRO ARRIAGA – Calendario de actuaciones
AGOSTO
JUEVES 18 19:30 h. ESTRENO OFICIAL
VIERNES 19 17:00 h. y 21:00 h.
DOMINGO 21 18:00 h.
LUNES 22 19:30 h.
MARTES 23 19:30 h.
MIÉRCOLES 24 19:30 h.
JUEVES 25 19:30 h.
VIERNES 26 19:30 h.
SÁBADO 27 17:00 h. y 21:00 h.
DOMINGO 28 18:00 h.
MARTES 30 19:30 h.
MIÉRCOLES 31 19:30 h.
SEPTIEMBRE
JUEVES 1 19:30 h.
VIERNES 2 18:00 h. y 21:30 h.
SÁBADO 3 18:00 h. y 21:30 h.
DOMINGO 4 17:00 h. y 20:30 h.
MARTES 6 19:30 h.
MIÉRCOLES 7 19:30 h.
JUEVES 8 19:30 h.
VIERNES 9 18:00 h. y 21:30 h.
SÁBADO 10 18:00 h. y 21:30 h.
DOMINGO 11 17:00 h. y 20:30 h.

El 27 de abril el Teatro Calderón acoge la vuelta de KINKY BOOTS

Teatro musical

KINKY BOOTS llega al centro de Madrid para presentarse durante 7 únicas semanas, entre el 27 de abril y el 12 de junio, en el Teatro CALDERÓN. KINKY BOOTS celebrará de esta forma el décimo aniversario desde su estreno mundial en Estados Unidos de América.

Estuvimos en su anterior etapa en el Espacio Delicias con Daniel Diges, Angy Fernández y Tiago Barbosa.

Producido por RIMAS Europe, el musical se estrena simultáneamente en Madrid y Buenos Aires.

Aclamado por la crítica, este musical, con texto de Harvey Fierstein y música y letras de Cyndi Lauper, está dirigido por Ricky Pashkus y producido por RIMAS Europe, presentado gracias a un acuerdo con Music Theatre International (Europe) Limited.

Inspirado en hechos reales, KINKY BOOTS cuenta la historia de superación de dos personas que no tienen nada en común… o eso creen.

El musical está basado en la película británica Kinky Boots (2005) de Miramax escrita por Geoff Deane y Tim Firth y dirigida por Julian Jarrold.

Tras su estreno en 2012 en el Bank of America Theatre de Chicago, KINKY BOOTS dio el salto a los escenarios de Broadway, donde fue galardonado en 2013 con 6 Premios Tony (incluidos Mejor Musical y a la Mejor Música Original) y realizó más de 2.500 funciones a lo largo de 6 temporadas.

A partir de entonces KINKY BOOTS no ha parado de representarse a lo largo de todo el mundo y ha sido traducido a multitud de idiomas. Reino Unido, Alemania, Argentina, Australia, Canadá, Irlanda, Italia, Japón o Suecia son solo algunos de los países donde se ha representado este musical.

LA HISTORIA

Charlie Price es el hijo de un zapatero artesano. Su padre confía en que continúe con el negocio que ha dado trabajo a tantas familias durante cuatro generaciones.

Simon ha crecido en una familia de color, con un padre bastante rígido que nunca entendió su afición por el baile, ni su atracción por los zapatos de tacón alto rojo de su madre.

Charlie no se siente atraído por el negocio familiar y marcha a vivir con su novia Nicole a Londres en busca de un futuro juntos, pero la repentina muerte de su padre le obliga a volver y solucionar el tema de la fábrica de calzado. Allí descubre el negocio no es tal negocio y que su padre tenía miles de zapatos guardados por cancelación de pedidos.

Para evitar el cierre, debe reducir costes y comienza despidiendo a 15 trabajadores, hasta que Laura, una trabajadora enamorada de él en secreto, le dice que, si no funciona el negocio, quejarse no es la solución: debe cambiar de objetivo.

En un viaje a Londres para visitar a un antiguo cliente al que trata de vender alguna partida de las almacenadas en la fábrica, Charlie, acude en ayuda de Simon, que ahora es un transformista de nombre artístico Lola, al que están golpeando.

Simon viste unas botas largas de tacón alto, que le llegan casi a las ingles y se queja de que siempre se le rompen los tacones, a él y a su conjunto de ángeles, porque no soportan el peso de un hombre. Charlie recuerda la sugerencia de Laura y decide invitar a Lola a visitar su fábrica para que le muestre exactamente el tipo de botas que no encuentran él y sus amigos.

Con mucha empatía y comprensión mutua, esta peculiar pareja es capaz de abrazar sus diferencias y crear una fabulosa línea de zapatos totalmente revolucionaria. Aunque realmente el mayor de los logros es su amistad.

El espectáculo cuenta con un elenco compuesto por 24 artistas encabezados por Daniel Diges (Charlie), Tiago Barbosa (en el papel de Lola),Angy Fernández (Lauren) yKristina Alonso (Nicola).

A ellos se suman Alberto Sánchez (interpretando a Mr Price), Daniel Huarte (en el papel de Don), Marc Flynn(Harry), Mary Capel (Pat), Malia Conde (Trish), Laia Prats (Marge), Diego Rodríguez (Bailey), Javier Ariano y Clara Lanzini.

La versión española de KINKY BOOTS tiene como “Ángeles” a los artistas Álvaro Cuenca, Danel Xabier Nogales, Jose Gabriel Atienza, José Montero, Sergi Terns y Jordi Díaz.

Como swings Jimena González y Mariano Botindari quien además es el responsable de la reposición coreográfica.

Con música en directo, el espectáculo cuenta con una banda dirigida por Julio Awad. 

Las coreografías son de Gillian Bruce (Dirty Dancing), la adaptación de guion y letras de Silvia Montesinos, el diseño de vestuario de Verónica de la Canal y Alejandra Robotti, el diseño de botas y calzado de Luciano Marra, el diseño de escenografía deJorge Ferrari, el diseño de luces de Valerio Tiber, el diseño de sonido dePoti Marti y el diseño de pelucas y peinados de Jose Sedano.

«Billy Elliot, el musical»echa el telón en Barcelona el 22 de mayo

Teatro, Teatro musical

Billy Elliot El Musical terminará en el Teatro Victoria de Barcelona el 22 de mayo tras once años en Londres, cuatro en Broadway y tres en Madrid. Uno de los mejores musicales vistos en España que solo podemos recomendar DESDE MI BUTACA.

El musical narra la historia del joven Billy, nacido en una ciudad del norte de Inglaterra en la que los hombres practican el boxeo y trabajan en la mina. Ninguno de ellos baila ni alberga ambiciones de presentarse a la Royal Ballet School. Pero Billy es diferente. Criado por un padre viudo, sin el cariño de una madre, a Billy no le gusta el boxeo pero está cautivado por la gracia y la maravilla del ballet. Con férrea determinación luchará para alcanzar sus sueños, devolviendo la unión a su familia y la fe a una comunidad devastada por el convulso final de la industria minera británica.

Dadas las características de su extraordinaria puesta en escena que ya pudimos disfrutar DESDE MI BUTACA a su paso por Madrid, Billy Elliot el musical solo podrá verse en Barcelona, sin posibilidades de ofrecer este espectáculo en gira.

Llega la grabación de A CHORUS LINE con Antonio Banderas

musicales, Teatro musical

La aclamada producción de Antonio Banderas disponible ya en Craft Recordings / Concord Theatricals


El álbum incluye la canción adicional exclusiva “What I did for love” en español, cantada por Antonio Banderas, Laura Benanti (Ganadora del Premio Tony) y la compañía del Teatro del Soho CaixaBank

Craft Recordings / Concord Theatricals ha lanzado hoy el álbum de la aclamada producción española de A Chorus Line, producido por Antonio Banderas, Teatro del Soho CaixaBank y John Breglio. La primera grabación en español del icónico musical está disponible ya en CD en España y en todas las plataformas digitales de música a nivel mundial.


El álbum incluye la canción adicional exclusiva “What I Did For Love” con Laura Benanti, ganadora del Premio Tony, quien protagonizó en 2003 junto a Banderas la reposición del musical Nine que se hizo en Broadway. Benanti la interpreta junto a Antonio Banderas y la compañía del Teatro del Soho CaixaBank, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Málaga (OFM) y bajo la batuta de Arturo Díez-Boscovich, responsable de los arreglos y la orquestación de esta versión. Desde hoy está disponible un nuevo video musical con la actuación “What I Did For Love” y ya lo puedes disfrutar.


Banderas produjo y codirigió el musical con Baayork Lee e interpretó el papel de Zach en A Chorus Line, que se estrenó en el Teatro del Soho CaixaBank en Málaga, España en 2019. Ahora se está representando en el Teatro Calderón de Madrid hasta el 17 de abril y en el Teatro Tívoli de Barcelona estará desde el 23 de abril hasta el 29 de mayo. La producción fue finalista en la categoría de mejor espectáculo musical en los Premios Max de las Artes Escénicas 2020. Hablamos con Antonio Banderas en la presentación del musical en Madrid.

Banderas comentó: “Los últimos dos años nos han dado una apreciación de las artes más profunda. A Chorus Line celebra la perseverancia de los artistas y la alegría que nos brinda esta forma de arte tan querida. Estoy muy contento de que por fin podamos compartir la música de esta producción con todo el mundo. Es muy significativo tener esta oportunidad de salir con la primera grabación completamente en español de A Chorus Line y espero que todos puedan apreciarla.”


«Estamos muy contentos de presentar este maravilloso álbum de la producción de Antonio”, dijo Sean Patrick Flahaven, el Director Ejecutivo de Obras Teatrales de la empresa Concord. “Escuchar esta icónica música en español con intérpretes tan excelentes y una orquesta sustancial nos recuerda el poder que tiene el teatro musical en su capacidad de trascender barreras”.


Los intérpretes que participan en el álbum de ACL España son Antonio Banderas (y por orden alfabético) Angie Alcázar, Kristina Alonso, Albert Bolea, Anna Coll, Daniel Délyon, Alberto Escobar, Roberto Facchin, Diana Girbau, Cassandra Hlong, Aaron Cobos, Fran Moreno, Beatriz Mur, Ivo Pareja-Obregón, Pablo Puyol, Estibalitz Ruiz, Fran Del Pino, Lorena Santiago, Sarah Schielke, Miguel Ángel Belotto, Juan José Marco, Fernando Mariano, Graciela Monterde, Lucrecia Petraglia, Zuhaitz San Buenaventura, Aida Sánchez, Lucía Castro, Marcela Nava, Pol Galcerá, Luis Ochoa y Elena Rueda. La producción española de A Chorus Line incluye música de Marvin Hamlisch, letra de Edward Kleban y libreto de James Kirkwood y Nicholas Dante, cuenta con la dirección musical es de Arturo Díez-Boscovich, la traducción de la letra al español es de Roser Batalla, y la traducción del texto al español es de Ignacio García May. La orquestación es de Jonathan Tunick, Bill Byers y Hershy Kay. A Chorus Line fue concebido, originalmente dirigido y coreografiado por Michael Bennett.

El álbum ha sido producido por Antonio Banderas y Teatro del Soho CaixaBank, con producción ejecutiva de Marc Montserrat-Drukker. El montaje y la mezcla de sonido fueron realizados por David Ruiz, Daniel Pineda y Francisco Oliva, y masterizado por Oscar Zambrano.


Lista de Canciones:

  1. Espero Conseguirlo (Opening: I Hope I Get It)
  2. La Línea (The Line)
  3. Yo Lo Sé Hacer (I Can Do That)
  4. En El Ballet (At The Ballet)
  5. Cantar (Sing!)
  6. Montaje 1 (Montage Pt. 1) Hola Doce (Hello Twelve, Hello Thirteen, Hello Love)
  7. Montaje 2 (Montage Pt. 2)Nada (Nothing)
  8. Montaje 3 (Montage Pt. 3) Madre (Mother)
  9. Montaje 4 (Montage Pt. 4) Pásamela (Gimme The Ball)
  10. Baile, Diez. Look, Tres (Dance: Ten; Looks: Three)
  11. Música Y Espejos (The Music And The Mirror)
  12. One (Ensayos) (One)
  13. Lo que hice por amor (What I Did For Love)
  14. One (Saludos) (Reprise/Finale)
  15. BONUS: What I Did For Love (featuring Laura Benanti)

Las reseñas de Alberto Morate: Qué! Infierno de Cabaret en los Luchana

Desde mi butaca comunica, musicales, Teatro musical

El fantasma de Dante Alighieri pasaba por allí. El de los nueve círculos, el de la Divina Comedia que no es comedia ni divina, sino infernal, como la vida misma. Por eso hay que “alighierierla” y hablar de la muerte como algo inevitable y no tan trascendental, donde entrar suponga después no querer salir.

Y nada mejor que hacerlo desde el espectáculo. Desde la magia, el teatro, las canciones, los chistes, los Drags Queens, el infierno en llamas de mentira, el calor corporal de los cuerpos exultantes, la voz en off del mismo demonio o de las divas más descaradas de todos los tiempos.

Todo es competición. Hasta para entrar o salir del infierno. Aquí hay que demostrar que tienes valía y si no la tienes, vete aprendiendo. Esto es ¡Qué infierno de cabaret!, luces y plumas, vestuario y magia, risas y algarabía, el infinito hades como escenario obsceno.

Lady Savannah y María Edilia, son dos vedettes de confianza y búsqueda de placer extremo. No titubean, se enfrentan a Lucifer, hacen del negro averno un juego de luces y un divertimento.

Los acompaña, como si nada, nada menos que un mago, Manu Barea, un extraño para ellas, no tan extraño. Comparte con ellas trucos de magia, bailes, y pecados capitales, que es de lo que, supuestamente, estamos tratando, que para eso estamos condenados.

Surge la idea de espectáculo durante el periodo de confinamiento, otro infierno, precisamente por eso. Por la necesidad de volar como pájaros, de salir de nuestra jaulas, de abrazar la noche o a quien haga falta, de desafiar a los rayos.

Alucinando entre pesadillas, malos sueños, deseos lujuriosos, ganas de comer, imaginarios viajes, llegamos hasta el infierno para hacer realidad en forma de teatro, el rompimiento de muros, apagar la caldera aunque sea echando más leña al fuego, rasgar al cielo, que como dijo Lope de Vega, “creer que un cielo en un infierno cabe, dar vida al desengaño, esto es amor,…” esto es Cabaret, alma libre, manicomio sin locura, lágrimas de risa sin llanto, abrazos sin brazos, verdades con mentiras, todo dios disfrutando.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: EL MAGO DE OZ del Teatro Sanpol

Desde mi butaca comunica, Las reseñas de Alberto Morate, musicales, Teatro musical, Teatro Sanpol

Un hogar para sentirse bien, un cerebro para pensar, un corazón (para sentir), valor para afrontar la vida. Porque todos necesitamos estas cosas. Porque siempre nos falla algo y nos encontramos mal. Porque todos tenemos un poco de espantapájaros, un poco de personas oxidadas, un poco de animal no tan fiero como lo pintan, un poco de “en casa como en ningún sitio”.

Y siempre hay alguien que nos quiere amargar la existencia. Mas al final nos daremos cuenta de que por arte de magia no se solucionan los problemas. Ni por lo rezos, ni por el simple hecho de desearlo. Hay que hacerle frente y, sin darle más vueltas, actuar con determinación, aunque nos estrellemos, o no alcancemos el objetivo o tengamos que darnos por vencidos. Pero estará en nuestra satisfacción el haberlo intentado.

Eso es el Mago de Oz. Un cuento de Lyman Frank Baum que se hizo famoso porque llevaron su cuento a una gran película dirigida por Víctor Fleming, con Judy Garland como protagonista, nada menos que en 1939. Ya han pasado años. Pero no su frescura, su mensaje, sus personajes, su crítica y su parodia a ciertos personajes de algunos sectores bien situados de nuestra sociedad.

En esta ocasión, la compañía La Bicicleta, al frente Natalia Jara, con adaptación de Julio Jaime Fischtel, nos presenta un impecable y espectacular montaje sobre este magnífico cuento. Nada es desdeñable, ni las canciones, ni el vestuario, ni una completísima escenografía, ni el ritmo, ni la historia en sí misma, ni, por supuesto, el elenco al completo: Ainhoa Molina, Beatriz Costa, Julio Armesto, Manuel Varela, Víctor Benedé, Blanca Degá y Álex Jiménez junto con el perrito Bruno que interpreta a Totó.

Porque es un deleite venir a ver esta producción fresca y limpia. Porque hay ternura, calidad, teatro hecho con cariño y profesionalidad, que no son incompatibles. Porque nos vuelven a dar la oportunidad de revisitar esta clásica historia con las garantías de que su temática está vigente y es actual, además de divertida. Porque estás viendo el espectáculo y no tienes prisa, y los problemas diarios se quedan para otro día. Porque es un trabajazo enorme y, sin embargo, pareciera que lo interpretan sin esfuerzo y, desde luego, poniendo todo el alma y toda la energía. Porque al final se nos queda una sonrisa, un regusto dulce, un deseo de volver otro día.

Porque es magia (de Oz), poesía, arte (de Talía), canción, comedia, ficción muy bien traída.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.