Compositores a escena

Coinciden en cartel tres espectáculos de teatro musical en Madrid con compositores españoles, lo que nos da una buena muestra del buen momento del género en nuestro país. En este reportaje ponemos en valor el trabajo de los compositores que dan magia a nuestros escenarios ejemplarizados en Ricardo Llorca, Iván Macías y Jaume Carerras.

RICARDO LLORCA

Inspirado por la música y las tradiciones de las bandas de su Comunidad Valenciana natal, Ricardo Llorca se dio cuenta de que la composición era lo suyo cuando vino a Madrid. Allí descubrió mientras daba clases con una profesora de piano que lo que realmente le gustaba no era tocar música de otros, sino más bien tocar “música propia”. En plena Movida, estudiaba en el Conservatorio donde un profesor le dijo que lo que tocaba en el Rockolla “no era música de verdad”. Era el momento de dar carpetazo a la capital española y poner rumbo a Nueva York.

Era el año 1988 cuando llegó a la ciudad que nunca duerme. En contraste con Madrid donde las cosas estaban muy difíciles para los compositores que se quisieran salir de la línea establecida, se encontró un lugar abierto a todos los estilos musicales. Estaba claro que el artista había encontrado su lugar en el mundo, donde además de componer ha realizado una intensa actividad docente.

Y de repente Mihura vuelve a su cabeza. Fue su representante en Nueva York la que le dijo que sería una buena idea musicalizar una obra del absurdo español. Así, se puso manos a la obra y pensó en obras como El Baile de Neville, pero las dificultades que pusieron los herederos para convertir en ópera La vida en un hilo le hicieron desistir en el intento de ponerse en contacto con ellos. Del genial Jardiel se encontró muchas dificultades en darle vida musical por ser “un tanto barroco con muchas ideas a la vez”. Y de repente tras leer la obra Ni pobre ni rico sino todo lo contrario cayó en la cuenta de toda la musicalidad que se escondía tras las palabras de Miguel Mihura. Así, recordó de golpe todas las tardes de teatro que disfrutó con su familia cuando era solo un niño en Madrid. Entre los títulos que destacaban en aquella época uno de ellos era Tres sombreros de copa. Al revisar este título y ponerse en contacto con sus herederos admite que fue fácil conseguir los derechos: “Mariló Mihura ha sido encantadora”.

Ricardo Llorca (tercero en la foto) durante la presentación de Tres Sombreros de Copa

Las bandas de música, inspiración musical para sus Tres Sombreros de Copa. El compositor lo tiene claro: “Esta obra es un homenaje a la música de las bandas”. Tal es así que este alicantino por casualidad -en aquella época su localidad, Benidorm, no tenía Hospital- viajó al sur de Italia para conocer un poco más esta tradición que entroncaba tanto con sus orígenes valencianos. Allí encontró “unas nanas napolitanos del siglo XVII que usé como base para esta obra”. Y es que el compositor admite: “Todo es plagio. La música de todos los compositores se basa en otras músicas. Lo que pasa es que de esa música tú creas tu propia composición”. Y en ese momento nos enumera varios ejemplos como el de La Petrushka de Stravinsky. En realidad es un cuplé que le dedicaron a Sarah Bernhardt. El compositor lo rehizo y “lo convirtió en la obra de arte que conocemos ahora”.

Un estreno europeo. Como ocurre con muchos compositores españoles, no se puede decir que sea profeta en su tierra. Es por eso que el artista quiere recalcar el interés de esta obra como “una forma de enseñar al público lo que se está haciendo en otros países”. En el escenario del Teatro de la Zarzuela veremos la esencia de la obra de Mihura, pero adaptada a la forma de narrar que tienen los estilos del teatro musical. Así, ha resultado imprescindible para su adaptación a la zarzuela eliminar el segundo acto por la gran proliferación de personajes, pero del primer y el tercer acto se han respetado todos los diálogos hablados. Sin duda, el humor de Mihura estará sabiamente conjugado con la música de Llorca en este espectáculo que estará en cartel en el Teatro de la Zarzuela desde hoy y solo hasta el 29 de noviembre.

JAUME CARRERAS

Cuando Jaume Carreras tenía 8 años, su abuelo -que vivía en la casa contigua a la suya- compró un órgano de dos pisos: “A mí me fascinaba ese instrumento e iba cada día a su casa para intentar sacarle sonidos, tenía tantas combinaciones que me tiraba horas con él”. Así, empezó a esbozar melodías que “para mí tenían sentido”. Por aquel tiempo en su colegio había un piano y compuso con el para la clase de música el primer tema junto a un compañero que tocaba la guitarra. Muchos años después, con ese amigo formó un grupo de rock sinfónico.

Esa primera vez con Los Miserables. El inolvidable musical basado en la novela de Víctor Hugo tuvo mucho que ver en su interés por los musicales: “Me encargaron los arreglos para una versión y sin saber muy bien donde me metía, lo hice y me enamoré de este arte hasta hoy”. Un género que disfruta mucho más trabajando en él incluso que como espectador, aunque admite que ha visto muchos como ese Passion con el que vibró hace 25 años en Nueva York. Desde entonces, Stephen Sondheim ha sido un referente claro: “Por la forma en la que entiende la dramaturgia musical y cómo modula la palabra con la música”. En las composiciones de Carrras también han influido referentes musicales tan dispares como Handel y Beethoven, Puccini y Bellini, Max Richter y Johan Johannsson, o Queen y Brian Eno. De ahí que en cada uno de sus temas, pretenda saltar lo que el público está esperando como lógico. Nos ejemplariza de la siguiente manera: “Imagina que tienes una serie numérica 2, 4, 6, 8. Sabes que el siguiente número va a ser el 10. Entonces yo pongo un 21, un número improbable que rompe la serie. Quien aprecia la música espera ese número raro, esa nota que no debería estar ahí y que lo cambia todo. Entonces el oyente siente algo que no sabe explicar, pero que le proporciona placer. Eso se llama arte. Lo demás es plagio”.

Nuestro Alan Menken ibérico. Durante su carrera, el artista ha llevado a escena algunos de los títulos más emblemáticos de la literatura infantil y juvenil. Suyas son las partituras de musicales como Caperucita Roja, uno de los grandes éxitos recientes del Teatro Sanpol al que se suma desde el 23 de noviembre también Heidi. Quizás la clave del éxito de Carreras en el campo del teatro musical familiar es cómo se enfrenta a esta tarea sin tener en cuenta al tipo de público que va dirigido: “La única premisa que tengo al componer es que cuando lo estoy haciendo me tiene que emocionar a mí. Cuando sucede, cuando noto que algo resuena en mi cuerpo, sé que estoy contando la verdad, y sé que el público se va a emocionar conmigo. Es un momento mágico”. Sin duda, uno de sus referentes iniciales, Alan Menken, han influido en sus trabajos en el campo de los musicales familiares con esas melodías inolvidables con las que hemos crecido varias generaciones.

Heidi, el musical, un reto monumental. Cuando se puso manos a la obra en la adaptación junto con Julio Jaime Fischtell, autor del libreto y cofundador del Sanpol, se enfrentó a una novela mucho más introspectiva e intensa de lo que esperaban teniendo en cuenta que el espectáculo iba dirigido al público familiar. Para el compositor, la clave para que su música fluyese estuvo en “el texto maravilloso que escribió Julio”. Entonces tuvo claro que: “Las canciones debían ser la dramaturgia misma”. De esta forma, consiguió que de alguna forma: “Las palabras que salían del texto me fueran mostrando el camino. Era como si los personajes me hablaran a mí, y yo solo debía traducir a música lo que estos me estaban transmitiendo”. Todo ello le volvió a corroborar que: “Cuando escribo música no me paro a pensar, no es para nada un trabajo intelectual, sino instintivo”.

Un momento de los primeros ensayos de Heidi, el musical

Para este musical intentó captar lo que los personajes sentían teniendo en cuenta que: “En el universo de Heidi no existe el bien y el mal, solo existen los motivos que impulsan a los personajes a hacer lo que hacen. Me centré en esos motivos sin olvidarme de las montañas donde todo es sublime y grandioso”. Ya en el segundo acto del espectáculo, en un espacio cerrado, intentó trasladar el espíritu de Heidi a su música: “Heidi transforma su entorno y con la música procuré evolucionar con ella”. Sin duda, este espectáculo de teatro musical, que estará del 23 de noviembre de 2019 al 4 de enero del 2020 en el Teatro Sanpol, tiene los elementos imprescindibles para convertirse en el más emocionante y mágico montaje de estas Navidades.

IVÁN MACÍAS

Iván Macías aprendió a leer música a la vez que el texto. Culpa de ello la tuvieron sus padres, músicos de profesión. Y así, como una evolución natural tras empezar a tocar el piano hizo sus primeras piezas musicales hasta que llegó ese gran reto que fue su primer musical: Germinal. Poco después llegaría El médico que, tras una versión sinfónica, llegó al escenario del Nuevo Apolo hace más de un año. Así, con este espectáculo pretendió “contar un viaje de las tres culturas en la Edad Media”.

En busca de la emoción. Uno de los mayores retos a la hora de poner en pie este ‘titánico’ proyecto fue dar vida a los pasajes más esenciales de la novela. Para ello, consultó a muchos lectores de la novela que le contaron cuáles eran sus momentos estrella. La clave estaba en “buscar dónde te emociona y transformarlo en música”. Todo ello llevó al mismísimo Noah Gordon a afirmar que estaba escuchando su libro. Así, cuando Macías le tocaba algún pasaje musical el autor era capaz de identificar a qué parte de su novela pertenecía.

“Este musical está más cerca del lenguaje cinematográfico”. Para Macías, era importante que el espectador tuviera la sensación de que estaba viendo una película. Para ello: “Usé muchos recursos del cine”. Todo un reto para este compositor que admite que afortunadamente hay una gran cantera de compositores en España. Para la partitura de El médico es inevitable, como con cualquier composición, encontrar alguna “inspiración arrebatadora”. Por ejemplo el Aria del Sha sin duda lleva a su admirado Puccini. De alguna forma el aroma de este compositor está en esa pieza, sin por supuesto ser un plagio.

Macías es el único compositor que dirige a la orquesta de su musical

Un antes y un después en nuestro musical. Sin duda, El Médico ha sentado un precedente en nuestras tablas. Y es que no es habitual que una producción 100% española pueda competir de tú a tú con las grandes franquicias internacionales que llenan de magia la Gran Vía madrileña. De alguna forma: “El médico ha quitado prejuicios y miedos”. Y tras este gran musical, que cuenta con grabación en CD, ya se avecina otro: Los Pilares de la Tierra. Macías nos avanza que: “La gente va a flipar, es muy diferente a El médico, va a ver cómo se construye la catedral en directo con una potencia visual muy impactante”. Mientras eso ocurre podemos seguir disfrutando de El Médico un par de meses más en Madrid antes de su desembarco en Barcelona y su posterior gira.

La prensa conoce los secretos de “Alicia y el país de las Maravillas” que llega mañana al Teatro Cofidis Alcázar de Madrid

Acabamos de presentar en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid nuestro nuevo estreno: Alicia y el país de las Maravillas, un espectáculo que sin duda atraerá la atención de grandes y pequeños con una puesta en escena que estamos seguros va a sorprender.

Antes de su estreno mañana, DESDE MI BUTACA COMUNICA invitó a los medios a una presentación muy especial. Justo antes de ver en primicia parte de este nuevo musical pudieron pasarse por los camerinos del teatro para ver los últimos retoques de la compañía antes de salir a escena.

El Sombrerero Loco y la Reina de Corazones reciben a la prensa justo antes del Pase Gráfico.
Alicia y ¿Otro Sombrerero? Tendréis que ver el espectáculo para entenderlo

Tras pasar por los camerinos, la prensa pudo disfrutar en primicia de varios números del espectáculo. Al finalizar, tras el posado de grupo comenzaron las entrevistas individuales con medios como RNE, PeopleFM, BroadwayWorld Spain, Madrid Teatro… Tampoco faltaron a la cita Agolpedeefecto, Madrid Diario….

Varios momentos del Pase Gráfico

Os recordamos que este musical podrá verse hasta el 8 de diciembre los sábados y domingos a las 12:30h en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid con funciones extra los viernes 1 de noviembre y 6 de diciembre. Abierto Calendario de Prensa en desdemibutacacom@gmail.com

El Teatro Cofidis Alcázar acoge el estreno de ALICIA Y EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS el 1 de noviembre

Los sábados y domingos a las 12:30h en el Teatro Cofidis Alcázar en Madrid hasta el 8 de diciembre. Además, habrá funciones los viernes 1 de noviembre y 6 de diciembre a la misma hora.

SINOPSIS

¿Qué ocurriría si los Villanos dominaran los finales felices de los cuentos? La Reina de Corazones ha ideado un malvado plan para cambiar los finales de todos los cuentos y para ello ha empezado desterrando del País de las Maravillas a Alicia y a su amigo el sombrerero; los únicos capaces de derrotarla.

Actualmente viven entre nosotros, en el mundo mortal y han perdido la memoria por lo que no pueden volver por sus propios medios al País de las Maravillas. Por si fuera poco, tienen otro enorme problema; ¡Alicia ha desaparecido!

¿Conseguirá el Sombrerero encontrar a Alicia para regresar al País de las Maravillas? Afortunadamente su fiel ayudante, Dodo, logró escapar y después de mucho tiempo de búsqueda está apunto de encontrar la manera de regresar al cuento.

¿Nos acompañáis en esta mágica aventura? Con vuestra ayuda lograremos viajar al País de las Maravillas y adentrarnos en un mundo mágico donde conoceremos al conejo blanco, a la oruga, a la liebre y el lirón, al gato Cheshire y a todos los amigos de Alicia. Pero debemos estar preparados ya que tendremos que enfrentarnos con astucia a la malvada Reina de Corazones y a su ejercito de cartas.

¡Nos vemos en el teatro!

EL MUSICAL

Alicia y el País de las Maravillas es una reinvención del clásico de Lewis Carrol en formato musical narrado en clave de humor.  Con este musical hemos querido alejarnos un poco de la Alicia que todos conocemos y presentar un País de las Maravillas diferente. ¿Qué pasaría si Alicia y el sombrerero hubiesen sido expulsados de su propio cuento y no recordarán quienes son en realidad? Bajo esta premisa iremos descubriendo maravillosos pasajes de la historia creada por Lewis Carrol que iremos viviendo con el público al mismo tiempo que los van descubriendo, casi por primera vez, sus protagonistas. Para contar la historia contamos con un elenco de dos actrices y tres actores que encarnarán a mas de veinte personajes distintos y un equipo técnico de cinco personas que harán posible que el cuento cobre vida sobre el escenario. 

En este musical vamos a usar diversas técnicas teatrales y audiovisuales para que la experiencia sea única. Para dar vida a todos los personajes que forman el universo de Alicia, el público podrá ver sobre el escenario a 20 personajes repartidos entre actores y puppets.

Uno de los puntos fuertes de esta propuesta es la parte audiovisual. Conscientes de la implantación casi obligatoria de las nuevas tecnologías en la infancia, hemos querido llevar a cabo un espectáculo que combine de una forma muy eficaz el teatro y el cine. Para ello el apartado técnico es fundamental y usaremos técnicas de video Mapping con varios proyectores que darán la sensación de estar inmersos en el País de las Maravillas. Esto junto el decorado físico que hemos creado de una forma muy minuciosa nos permitirá disfrutar de un total de 12 escenografías diferentes.

En la parte musical se han compuesto un total de 16 piezas musicales. El diseño sonoro de este musical es también fundamental para conseguir que el espectador se sienta partícipe de la historia y conecte desde que entra en el teatro con la propuesta. Para ello hemos creado una banda sonora que combina a la perfección canciones de musical clásico con piezas mas cinematográficas.

Para que la propuesta sea completa hemos creído necesario que el público pueda formar parte de la historia. Su participación será necesaria en varios momentos de la representación para la resolución de diferentes conflictos. Esto hará que los asistentes se sientan aún mas inmersos en el País de las Maravillas.

En resumen, este musical de 100 minutos de duración, recomendado para niños y niñas de 3 a 99 años, nos hará revivir un clásico de la literatura de una forma muy diferente, divertida y sobre todo muy original.

Olvidad todo lo que os han contado, habéis visto o habéis leído sobre “Alicia en el País de las Maravillas” porque esta historia os hará descubrir el cuento por primera vez y vivir una experiencia inolvidable.

“La partida ya ha comenzado y de momento va ganando la reina”

EQUIPO CREATIVO

Guion y Dirección: Javier CurtidoMúsica y Letras: Javier Curtido
Productora: 156ProduccionesDirección musical: Manuel Casado
Dirección de actores: Ariel LoisMelodía vocal: Alejandro Fajardo
Coreógrafo: Juan Antonio CarreraDiseño de Escenografía: Javier Curtido
Dirección vocal: Ismael PiñeroDiseño de Vestuario: Alejandro Fajardo
Diseño de Sonido: Javier CurtidoDiseño de Iluminación: Javier Curtido
Diseño de Maquillaje: Paco AgoutPeluquería y Caracterización: Burlesque
Diseño de Puppets: Javier Curtido, Alejandro Fajardo
Diseño Audiovisual: Top ProduccionesFotografía: Diego Jiménez

Prensa y Comunicación: Carlos Rivera Díaz
 

ELENCO

Alicia: Rocio Villar 
Sombrerero: Ariel Lois 
Reina de Corazones, Caracol, Pato y Puerta: Cristina García 
Caballero Rojo, Oruga, Rastreador, Puerta, Soldado, Águila y Loro: Alejandro Fajardo 
Conejo Blanco, Dodo, Gato Cheshire, Puerta y Soldado: Paco Agout e Ismael Piñero

Opening Night: Una ‘Antológica’ semana escénica

Antológico, ca

1. adj. Perteneciente o relativo a una antología.

2. adj. Propio de una antología.

3. adj. Digno de ser destacado, extraordinario.

Si algo comparten los tres espectáculos que hemos visto esta semana es que se pueden incluir en alguno de los significados que da el diccionario de la RAE para ‘antológico’. Por un lado, dos propuestas de teatro musical autóctono: El médico y Antológica de Zarzuela. Por otro, el extraordinario Sacristán en Señora de rojo sobre fondo gris que se ha convertido en una inesperado homenaje póstumo al productor José Sámano, que nos acaba de dejar.

El jueves, el Teatro Nuevo Apolo de Madrid vivió el I Aniversario de un musical creado en España. Una hazaña ‘antológica’ en un país acostumbrado a que los grandes éxitos del teatro musical sean traídos de grandes franquicias internacionales. Así que para celebrarlo, el equipo creativo de este espectáculo hizo un particular regalo a los espectadores. Durante una única noche, pudimos disfrutar de los dos magníficos protagonistas. En el primer acto, Daniel Diges se metió en la piel del personaje para dar el testigo en el segundo a Gerónimo Rauch. El resultado fue una larga ovación para todo el equipo con el compositor Iván Macías -al que tendremos próximamente en un reportaje que estamos preparando- a la cabeza y por supuesto el espléndido reparto con nombres como los de Joseán Moreno, Ana San Martín, José Truchado, Alain Damas, Álvaro Puertas, Alberto Frías y ¿Cómo no? El deslumbrante elenco infantil que llena de magia este musical. Todos ellos bajo la dirección de José Luis Sixto. Por cierto, en un par de semanas tendremos a Diges en nuestras Entrevistas Desde Mi Butaca tras el éxito de la que dedicamos a Rauch.

En el Teatro Bellas Artes el que fuera Quijote en El Hombre de la Mancha, ese actor de reclinatorio que es don José Sacristán se deshace en escena para contarnos la historia de un pintor, alterego de Miguel Delibes, que narra la pérdida de su mujer con lágrimas en los ojos sin olvidar tampoco algunos momentos luminosos de su vida en común. Y uno no puede pensar en otro término que ‘antológico’ para hablar del trabajo de este titán de la escena. Sin duda, los que tenemos la suerte de haberlo visto sobre las tablas podremos decir a generaciones venideras lo de ‘yo vi a un mito sobre el escenario’. Además, de alguna forma este Señora de rojo sobre fondo gris sirve como emotivo homenaje a ese gran hombre de la escena, el cine y la televisión que fue José Sámano, responsable de éxitos como la inolvidable Cinco Horas con Mario que llevó a Lola Herrera a la mejor interpretación de su carrera. Hasta el 17 de noviembre se podrá disfrutar del último trabajo del productor y director cántabro en el Teatro Bellas Artes de Madrid. Una buena forma de mantener el legado de alguien que vivió por y para la escena.

Y si Sacristán fue Quijote, su inseparable escudero Sancho en El Hombre de la Mancha fue Juanma Cifuentes. El intérprete y director, como ya os informamos, ha levantado Antológica de Zarzuela, que efectivamente se adhiere perfectamente a los significados que da la RAE a ‘antológico’. El espectáculo, que podrán ver aún los domingos 27 de octubre y 3 de noviembre a las 12:30h en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid, es una antología con aire cabaretero que, sin duda, gustará a todos los que entienden que nuestro género chico tiene que continuar vigente. Aunque los argumentos puedan haber quedado obsoletos yo al igual que este espectáculo me pregunto ¿Acaso las óperas no tienen argumentos ridículos en muchas ocasiones? Y aún así, la música nos transporta y nos sigue llegando. En el recorrido que este ‘antológico’ espectáculo hace por nuestro musical no faltan los temas más divertidos sin olvidar los de más peso como puede ser La Tabernera del Puerto. En escena, Cifuentes como un magnífico Maestro de Ceremonias cuestiona el género desde el más puro amor por la Zarzuela, que tanto ha cantado durante toda su carrera. Puede parecer contradictorio, pero no lo es cuando se quiere que el resultado artístico sirva como homenaje a unas melodías que son parte de nuestro ADN cultural y emocional. Le acompaña la voz y la poderosa presencia escénica de la cántabra Beatriz Lanza. Juntos nos llevan por un viaje que nos conectará con un género que inevitablemente todos conocemos. Les arropan en escena los bailarines Fito Ruiz y Pedro Mancera, el propio productor del espectáculo, Carlos Pardo, y se alternan como pianistas Borja Mariño y Gabriel López. Quizás a todos, propios y ajenos al Género, nos vendría bien regirnos un poco por el tema que cierra el espectáculo a la hora de esas vueltas que siempre parece que se le deben o no- depende de para quién- dar a la Zarzuela. Y es que “tomar la vida en serio es una tontería….” Y así, en pleno éxtasis musical con bien de plumas concluyó el estreno de este espectáculo al que no deben perder la pista. Solo hay que ver la gran ovación que recibió en su estreno para saberlo.

Ángel Llácer e Iván Labanda nos sumergen en “La Jaula de las Locas”

En nuestra nueva entrega de las Entrevistas Desde Mi Butaca nos acercamos al Teatro Rialto para charlar con Ángel Llácer e Iván Labanda, protagonistas de La Jaula de las Locas.

Iván Labanda

¿Cuáles son las claves de La Jaula de las Locas?

Las claves son los temas que trata como el amor, la felicidad, ser uno mismo. La química también se transmite, somos una pequeña gran familia que contagia al espectador, es imposible que no llegue la magia que se crea en escena.

¿Cómo es compartir escena con el director de la función?

Es un privilegio. Es uno de los mejores directores con los que he trabajado y, a la vez, amigo desde hace muchos años. Me alegro de que la gente redescubra al actor de comedia que tiene dentro. Es casi más gamberro que yo, me hace reír.

¿Distingue Ángel Llácer la faceta de actor de la de director?

Cuando se pone en modo compañero de escena se pone siempre de tu lado. Eso no quita que si va algo que está mal te lo diga.

¿Cuál es el mayor reto al que te has enfrentado con este espectáculo?

Desde luego la edad, siempre lo ha representado gente más mayor. Tiene un hijo de 20 años. La función está por encima de todo y una vez que te pones una peluca y el vestuario, te conviertes en el personaje.

¿Cómo es haber formado parte con tu voz de El regreso de Mary Poppins?

Pasé un casting que llegó a Estados Unidos y me hizo una ilusión tremenda. Poder formar parte de una película original de Disney, cantar las canciones… Le pusimos mucho amor y el resultado se nota.

Además, interpretas a personajes conocidos en televisión…

Es una noria que va a toda velocidad. El truco está en ni siquiera planteárselo. Yo voy, lo hago lo mejor posible y lo disfruto. Procuro no pensarlo demasiado.

Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro es un gran lugar para contar historias para ti?

Para un actor, el teatro es lo que te mantiene vivo, es como nuestro gimnasio, emocionar al público cada noche es indescriptible, es como si te chutaras vitaminas cada noche. No se puede comparar con nada.

Último llamamiento para que venga el público a veros…

Vengan a ver La Jaula de las Locas. Saldrán felices del teatro, creo que es uno de los lugares más especiales. El hecho escénico te cambia, te modifica, les aseguro que saldrán mucho más felices y emocionados de lo que entraron.

Ángel Llàcer

En una semana en que toca darlo todo para vender la criatura escénica que les llevó a ser el musical de la temporada en Barcelona, Ángel Llácer sabe muy bien lo que quiere trasmitir desde la dirección y el papel protagonista de una obra por la que no parece haber pasado el tiempo: “Habla de las personas, lo que cambia es lo que nos rodea, las preocupaciones son las mismas. Habla de ser uno mismo, que te aceptes y que te acepten los demás”. En esa misma línea transcurre el tema principal de la obra, I am what I Am: “Aunque salga vestido de mujer canto diciendo que yo, Ángel, soy lo que soy y que aquí estoy y quien quiera venir conmigo que venga y quien no pues no pasa nada. Nunca la hago como una canción de reivindicación de los derechos. Es lo único que me da miedo de este espectáculo. Después de casi 200 representaciones aún cuando empieza la canción que es sin música lo único que pienso es si voy a coger el tono”. Y delante de la prensa se tira a la piscina y atina con el tono al afinar las primeras notas de un número que, como os contaremos en el próximo Opening Night, vuelve a ovacionar el público con este montaje en el que “con mi sola presencia, el teatro se convierte en un cabaret”, comenta entre risas el jurado de Tu Cara Me Suena que es a la vez Albin, Sasá, el Tío Albert: “con el que el público se ríe mucho” y la madre del joven protagonista: “que ni tiene nombre”.

De vuelta a La tienda de los Horrores. Contaba con solo 25 años cuando Llácer se enfrentó a uno de sus primeros grandes retos como actor. Nada menos que el protagonista, Seymour, de uno de los musicales más deliciosos de Alan Menken. Ahora, mientras protagoniza musical en Madrid, su dirección de la nueva producción del musical en Barcelona está cosechando un gran éxito. Para él: “Ha sido como revivir un tiempo pasado. Dirigiendo esta nueva producción me acordaba de las letras de la otra producción y me salían de hecho al ensayar esta vez”.

Para el artista, La tienda de los horrores: “Es un musical en mayúsculas. La música es tan importante y cada número es tan brutal y te llega tanto que es como cuando vas a un concierto de música clásica y disfrutas mucho. Algo así pasa con esta obra. Es un MUSICAL. Cada canción tiene su fuerza, está dentro de una historia, pero nos lo planteamos como un concierto. Un numerazo tras otro, sales de ahí convencido de lo poderosa que es la música.

El Teatro Sanpol aboga en su 37 temporada por seguir “aprendiendo a ver teatro”

Son muchos “adultos” los que miran con cierta superioridad absurda las producciones de teatro familiar. Ellos se olvidan que un teatro como el Sanpol, con 37 años de historia: “es el que hace que el resto del tiempo los espectadores vayan al teatro y es que aquí se aprende a ver teatro”, en palabras de Natalia Jara, directora de Heidi, el musical. El espectáculo se ha presentado dentro de la programación de la temporada 2019-2020 de este espacio escénico que tuvo su puesta de largo ante los medios el pasado viernes. Y es que el buen teatro familiar que se hace en nuestro país -por mucho que algunos medios tiendan a “vetarlo”- merece ser presentado ante los medios. La compañía residente de la Sanpol, La Bicicleta, estrenará su gran espectáculo de la temporada el próximo 21 de septiembre. Será un aperitivo durante dos únicos fines de semanas antes de la temporada que desarrollará Heidi, el musical del 23 de noviembre al 4 de enero.

HEIDI, EL MUSICAL, LA GRAN APUESTA TRAS EL ÉXITO DE CAPERUCITA ROJA

Tras el éxito de la recordada Caperucita Roja que hace unos pocos años estrenó el Sanpol, el público de la sala demandaba un nuevo espectáculo en la misma línea. Y así nació Heidi el musical, que volverá a contar con melodías de Jaume Carreras que quiso destacar en su intervención en la rueda de prensa de presentación que “los intérpretes han puesto todo su nivel interpretativo en el escenario y es que su pasión se ve reflejada en sus voces”. Hecho que corrobora Natalia Jara que quiso poner sobre la mesa el nombre de todos los integrantes de un elenco de enorme calidad artística. Empezando por Karmele Aranburu a la que “doy las gracias por estar en mi primer montaje”. La veteranía se mezcla con la frescura que dan voces como las de Ainhoa Molina y Gema Bastante, las inseparables Heidi y Clara, y por supuesto Gallo Ryan, como Pedro “que tiene divertido hasta el nombre”. Imposible no citar a Blanca Degá, “llena de energía que transmite en el escenario”. En el reparto también Javier Ibarz, con el que Natalia ha compartido tantos proyectos y horas del día que “es como si fuera mi marido”. Y por último, destacó el privilegio de tener por primera vez en el Sanpol al inolvidable Paco Morales, intérprete de musicales como El diluvio que viene en España o Mary Poppins en México. En fin, un elenco ‘de campanillas’ que hará las delicias de grandes y pequeños.

Elenco de Heidi, el musical

De El Jorobado de Notre Dame a compañías invitadas en la programación de la temporada

Como avanzó la directora de la sala, Natasha Fischtell, la temporada del Sanpol traerá algunos títulos emblemáticos de su compañía residente como El Jorobado de Notre Dame que se repondrá como un emotivo homenaje a la emblemática catedral parisina. Esta cita, recomendada por el Institut Francés, tendrá lugar del 12 de octubre al 10 de noviembre.

Justo después, los días 16 y 17 de noviembre será el turno de una compañía invitada como es la de La Dama y el Vagabundo, reciente Premio Broadway World Spain 2019.

En Navidades, el plato estrella será como no podía ser de otra forma Heidi, el musical que estará del 23 de noviembre de 2019 al 4 de enero de 2020 en la sala. El espectáculo cuenta con coreografías de Víctor Ramos, la ayudantía de dirección de Enrique Lestón, la producción corre a cargo de Natasha Fischtel, la adaptación del original literario vuelve a ser de Julio Fischtel y las luces de uno de los ‘magos’ de la iluminación, Nicolás Fischtel. La escenografía que nos llevará a todos los espacios de este inolvidable relato será de Chechu García.

Equipo de Heidi, el musical

La Bicicleta, 37 años iniciando espectadores

A lo largo de 2020 se sucederán  también diferentes espectáculos de producción propia.  El primero en llegar será uno de los favoritos por nuestros pequeños grandes espectadoresRapunzel (11, 12, 18 y 19 de enero). Este divertido y juguetón espectáculo para los más pequeños nos cuenta la historia de la hermosa niña de los cabellos de oro, encerrada en una torre que no tiene escaleras. Durante quince años la única conexión de la joven con el mundo es la visita de la bruja que la secuestró. Todos los días al escuchar la frase: “Rapunzel, Rapunzel, lánzame tu cabellera para subir por ella sin escalera” la larga y dorada cabellera cae desde lo alto. La bruja sube y se asegura de que Rapunzel continué siendo su prisionera. Hasta que un día… Si queréis saber cómo continúa el cuento tendréis que venir al Sanpol a verlo.

Sueño de una noche de verano, uno de los platos fuertes para el 2020

Sin duda este sueño es la más mágica, divertida y enredosa comedia de Shakespeare. Los amores contrariados de cuatro enamorados, Hermia, Lisandro, Helena y Demetrio nos sumergen en los palacios de la Antigua Grecia, con sus severas normas y costumbres pero también en los bosques, mundo fantástico y liberal de los sueños donde reinan la magnifica Titania, el sorprendente Oberón y el travieso Puck rodeados de hadas, duendes, ninfas y gnomos. Esta inmortal historia se contará en el Sanpol del 25 de enero al 23 de febrero. Después llegarán más títulos de la casa como Aladino y la lámpara maravillosa y el cierre de la temporada con El príncipe Rana

La programación se completará con espectáculos de compañías invitadas como El pequeño conejo blanco y Alas de mariposa

Vuelve la Muestra de Teatro Escolar

Entre las propuestas destacadas para esta temporada también destaca una muestra “cuyo objetivo principal es que la actividad de
teatro escolar que se desarrolla en los colegios con sus valores
educativos motive el interés por el aprendizaje de una
profesión que desde Sanpol amamos sobre todas las cosas y el
descubrimiento por parte de los grupos del valor del trabajo en
equipo que refuerce la convivencia entre los participantes y también
participar en un intercambio artístico, lúdico y amistoso con
estudiantes de otros centros. Y finalmente dar a conocer y valorar
las posibilidades creativas de las actividades teatrales de los
centros”.


 

“Priscilla, Reina del Desierto” es ya la Fiesta de las Fiestas en Aste Nagusia 2017

El autobús multicolor más conocido y divertido del cine y el musical hace parada en el Teatro Arriaga de Bilbao desde el pasado miércoles. Desde entonces se repite la imagen de un público entusiasmado con las pegadizas canciones que Bernadette, Tick y Felicia hacen en su travesía por el desierto hacia ese concierto que marcará sus vidas. En ese viaje por lugares insospechados y profundos tendrán que luchar contra las cerradas mentes de los habitantes locales con mucha purpurina, taconazos y melodías pegadizas.

priscilla-246.JPG                                                                               Foto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga

El trío protagonista formado por Bernadette, Tick y Felicia nos regalan algunos de los momentos más divertidos y emocionantes de esta particular fiesta multicolor. Continúan en el reparto dos de los actores que lo estrenaron en Madrid: Jaime Zatarain y Christian Escuredo, cuyos trabajos ya aplaudimos en su día y que volvimos a disfrutar anoche en un Teatro Arriaga entusiasmado con esta propuesta de SOM PRODUCE. Armando Pita se incorpora a la gira del musical como Bernadette, esta particular trans que aún parece anclada en esa gloria pasada cuando el playback era lo más (muy inspirada su recreación del I Will Survive, una de las grandes escenas del mundo). Es fácil caer en los tópicos, en la recreación estereotipada de un personaje bombón que han interpretado grandes nombres del musical en todo el musical. Lo que consigue Armando Pita en escasas funciones (estrenó este miércoles este roll protagonista) se nota que nace de las entrañas, de un trabajo impulsado por dar verdad a este personaje que gracias a su buen hacer en sobre las tablas conecta desde el principio con la emoción del público. Muchos de los bravos de anoche fueron para él gracias a su creación de este bombonazo de personaje.

priscilla-9.JPG Foto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga

Y hablando de emociones, como ya me ocurrió en su día en Madrid, no pude evitar emocionarme con uno de los momentos más mágicos del espectáculo gracias a la voz y el talento del santanderino Jaime Zatarain cuando le canta a su hijo emulando a Elvis Always on my mind.

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Completa este trío protagonista el que sin duda es ya por derecho propio uno de los nombres jóvenes de nuestro teatro musical: Christian Escuredo, un actor de asombrosa versatilidad que dota de una energía electrizante y de emoción a su Felicia. Bob, el entrañable mecánico que se cruza en el camino de esta tres reinonas, está interpretado por José Navar. Sin duda, un lujazo ver sobre las tablas el buen hacer de este actor que forma parte desde el principio del elenco de este espectáculo y que actualmente se asoma cada tarde a nuestras pantallas con Centro Médico. Dignas de mención son también las divas interpretadas por Ana Dachis, Teresa Ferrer y Aminata Sow que con sus espectaculares voces y sus vuelos celestiales llenan de espectacularidad el escenario.

www.morenoesquibel.com Foto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga

En el amplio elenco del espectáculo, todos estupendos, me gustaría destacar otro nombre joven que demuestra que el musical hecho en nuestro país tiene el futuro asegurado. Se trata de Pau Quero que hace un pequeño (y bombón) personaje y que consigue ganarse la sonrisa del publico nada más salir a escena. Se trata del personaje de Jimmy, el divertido y enérgico aborigen que se cruza en el camino de estas tres reinonas. La dirección residente y la adaptación corre a cargo de Miguel Antelo mientras que Alexander Pantchenko se encarga de la dirección musical de este gran espectáculo que continuará en el Arriaga hasta el 10 de septiembre.

www.morenoesquibel.comFoto: E. Moreno Esquibel/Teatro Arriaga