Mes: junio 2022

Decir las cosas con valentía suele traer malas consecuencias. Sobre todo, si eres mujer y has nacido en el año 400. Decir, pero antes de decir, haber estudiado, haber contrastado, investigado, impartido conocimientos, ser ecuánime e inteligente, intentar comprender y mirar a los ojos de tus contrincantes y discípulos.

Si hoy en día aún se victimiza a muchas mujeres, por el simple hecho de serlo por un lado, pero también porque demuestran que están por encima de una gran mayoría de lerdos que se creen con la potestad de marcar los designios de los demás, aun sin las capacidades necesarias, entonces, imagínense a esa misma mujer en una época de sínodos masculinos, de gobiernos masculinos, de autoridades eclesiásticas que solo pretenden manejar la voluntad y los actos de sus fieles, de políticos en connivencia con esos religiosos para beneficio propio e intereses personales.

Y es que la cultura y el conocimiento, el arte y el pensamiento, siempre han sido el gran enemigo de aquellos que pretenden manejar nuestras vidas. Sucedía y sigue sucediendo. Dale al pueblo borreguismo para que no pueda cuestionarse ciertos desmanes y abusos de poder. Porque saben perfectamente que “pensar, aunque sea equivocadamente, es mejor que no pensar en absoluto”, y ellos quieren eso, que no se piense.

Por eso, Hipatia de Alejandría fue vilmente asesinada, vilipendiada, vejada, víctima de los fanatismos. Ella pretendía convencer con la palabra, pero no la dejaron hablar.

Con dramaturgia de Miguel Murillo, y dirección de Pedro A. Penco, en una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y de Amarillo Producciones, nos ofrecen este documento teatral histórico, donde aún convivían dioses domésticos, paganos y una creciente iglesia cristiana que buscaba el poder a toda costa.

Bien se adivina, por tanto, que la muerte de Hipatia fue provocada, como siempre, por la envidia, por el machismo imperante, por la intransigencia religiosa, porque una voz que proclamaba el estudio, los derechos, el conocimiento, era enemiga de una sociedad sin ánimo de progreso.

Muy sobria y contundente puesta en escena, con un vestuario preciso, una interpretación contenida y sin excesos, es un documento necesario para hacernos ver el alcance que tuvo este personaje, hoy modelo de movimientos feministas, de empoderamiento de la mujer, de vindicación de la necesidad de conocimiento. Por favor, menos cruces y más libros.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Ya no hay estaciones para Federico. Es intemporal. Es eterno. Nos ha quedado su obra, su legado, sus textos y palabras. Ya no hay invierno para él. Ni otoño, ni siquiera primavera. Federico García Lorca es el tiempo en sí mismo. Es la poesía. Y el teatro. Y la música. Y el arte. Está en todos los que lo leemos y lo veneramos. En los que se acercan a él por primera vez y en los que lo releen incansables descubriendo cada vez sentimientos nuevos.

Eso hace Mónica Tello. Lo relee, lo estudia, lo hace suyo, lo lleva dentro. Y con la pasión de su propio arte, el flamenco, el teatro, el baile, es capaz de ofrecernos lecturas nuevas. Cargadas de música y emociones, nos lo devuelve fresco, con una mirada distinta y respetuosa, de sangre, de vísceras, de corazón, de alma, de espíritu.

Nos ofrece un árbol frondoso de sombra y fruto, de agua necesaria para beber, de alimento. Y esta vez desde sus mujeres. Siete mujeres lorquianas, aunque podrían ser muchas más. Escoge Mónica las necesarias para que el espectáculo sea perfecto. Medido, sobre ruedas. Pero, sobre todo, sensible y exquisito, poético, musical, profundo, cargado de esfuerzo.

Inicia el camino con Yerma y, a partir de ahí, Doña Rosita, la Soledad Montoya del Romancero Gitano, Belisa en su jardín, la Luna personificada en deseo, en tiempo, en destino, en exorcismo, en silencio y en verbo. También Mariana Pineda en su grito, en su llanto amargo, en su aliento. Para terminar con Adela, la pequeña de los Alba, cansada de tanto desatino, de tanta represión, de tanta ocultación e inmovilismo, de tanto desconcierto.

Recordamos a cada una de ellas, en sus vientres, en sus sementeras, en sus cárceles, en sus miradas de agonía y piedra. Mónica Tello al frente de un elenco de luz en sus interpretaciones, en la ejecución de sus textos, de la música, de su coordinación en el ascenso hacia el poeta que no está en los cielos, sino en este Tablao Torero, en donde se respira el aroma inconfundible de una puesta en escena realizada con mil amores y todo el esmero. Ellos y ellas son Beatriz Tello, Isabel Pamo, Edu García (flauta), Cristina Salinas, Beatriz Rodríguez y Tony Montoya (guitarra).

¿Ecos de la voz de Lorca? No. Su voz auténtica, su respiración profunda, su fuerza, su vitalidad, su existencia inacabada porque revive en cada función, en cada una de estas otras mujeres que ya también son lorquianas, así como nosotros, porque se nos han metido muy dentro.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Tener que salir huyendo por no querer casarse con quien otros imponen. Tener que escapar buscando la libertad y suplicando protección a quien pueda entendernos. Las suplicantes que no encuentran acomodo ni paz por sus perseguidores que las consideran de su propiedad y se verán sometidas a la violencia y vejaciones propias de un mundo al que no quieren pertenecer.

Alguien las intentará proteger aun a costa de entrar en guerra, como así sucede, y que, posteriormente, haya que reivindicar poder enterrar o incinerar a los muertos como es debido y no dejarlos a la suerte de alimañas o pudriéndose al sol que descompondrá los cuerpos sin honor ni dignidad.

Refundidos los dos textos de Esquilo y Eurípides por Silvia Zarco, entreabre una puerta a una tragedia del siglo V antes de nuestra era, en la que ya las mujeres pedían poder decidir libremente, no tener que someterse a los dictámenes de hombres y maridos sin sentimientos.

Y la necesidad de hacer reposar esos cadáveres en el sitio adecuado, para rendirles el abrazo necesario y descansar en el espíritu del recuerdo. Algo así como esos muertos de tantas cunetas y tapias de cementerio que aún no se han recuperado y están a la espera de que esa memoria histórica sea realmente memoria y no un pasado nefasto y denigrante.

Eva Romero dirige esta puesta en escena donde no escatima la presencia del coro haciendo hablar a sus personajes al unísono, bien coordinados y conjuntados. La tragedia en toda su dimensión.

María Garralón como representante más reconocida en esta obra coral de llanto y muerte.

Y Celia Romero que cuando se arranca con su cante desgarrador hace que la piel se ponga erizada en el acercamiento de nuestra cultura.

Voces dramáticas que se agrupan en los costados contemplativos de una tragedia donde se habla de derecho a decidir, democracia, respeto a los difuntos, toma de decisiones que traen consecuencias, la libertad, el empoderamiento de las mujeres, la necesidad del diálogo y la aceptación de los otros aunque vengan de lejos, el derecho a ser escuchados y no andar siempre de suplicantes, porque lo tenemos merecido.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Fábula cómica. Había un esclavo que no era un esclavo y un poderoso hombre de negocios que sí era poderoso y quería controlarlo todo, pero todo se le escapaba del control y se desbarataban sus planes. Había un engaño que engañaba a unos y descolocaba a otros y un mundo de enredo y de intereses y de fingimientos y de trueques, y de lascivia y de lujuria y gracejo y de las cosas no son lo que parecen.

A la postre y a la larga, todo es un Mercado de Amores, de juego, de risas y artimañas, de nubes pasajeras y de tormentas sin truenos.

Plauto, que era comediógrafo, quería que sus congéneres se lo pasaran bien a costa de ridiculizar ciertas actitudes, de mofarse de sus comportamientos, de darles evasión a cambio de unos cuantos cuartos. No era ningún Pánfilo.

Y el protagonista de esta comedia traída desde antaño hasta nuestros días por Eduardo Galán, hace que veamos paralelismos con nuestros coetáneos después de 22 siglos de nada. Pánfilo (Pablo Carbonell) lo que es, es un listo negociante y vividor que quiere medrar para alcanzar el poder y, de paso, también el económico. ¿Les suena de algo? A su lado, personajes que van forjando la trama también de rabiosa actualidad, más o menos escandalosa. Me hago pasar por tal, pero soy cual, finjo que amo, pero busco valor monetario, hazme un favor, a cambio de una comisión o de un beneficio constatado.

Obra con ritmo y desparpajo. Con referencias a nuestra cotidianidad más popular y mediática. Desconcierto concertado. La salida del enredo al más puro teatro barroco, comedia grecolatina que triunfará entre piedras milenarias.

No son ruinas romanas, es la visita al pasado trayéndonos lo que, afortunadamente, no se debe perder nunca, el buen humor y el teatro no sofisticado. Nos predisponen a favor, porque este elenco es muy simpático. No hay ningún personaje que resulte antipático. Con alguno de ellos seguro que nos identificamos.

Muchas horas de trabajo, todo estupendamente coordinado por Marta Torres que lo dirige también disfrutando.

Cuando voy al teatro quiero ver esto, diversión, pero no gratuita, quiero que me saquen también de mi poltrona y pensar que el teatro sigue vivo a pesar de los miles de años en los que Plauto hablaba de tú a tú a sus conciudadanos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Volver victorioso no significa haber vencido. Cuando el que gana una batalla no sabe gestionar su victoria se convierte, a su vez, en derrotado por los caprichos a los que somete al pueblo, por el despotismo que ejerce sobre los vencidos, porque generará odios y venganzas que acabarán en otras cruentas batallas.

Esto es histórico, y Shakespeare lo sabe. Y por eso se recrea en hacer ver que todo lo que ha subido tiende a bajar y lo que parece no tener visos de mejorar acaba favoreciendo al desvalido.

Tito Andrónico es una tragedia con todas las de la ley. Esas tragedias donde, popularmente, se dice que muere hasta el apuntador. Hay luchas internas, muertes y violaciones, trampas y engaños. Locura y desesperación. Pero siempre surgen fuerzas de flaqueza. Y en medio de todo el drama, el lenguaje de Shakespeare, la belleza de sus palabras, las metáforas inigualables y el gran retrato del ser humano, con sus miserias y necesidades de honor, de venganza, de odio, de escalar posiciones sociales, de luchar contra su destino.

Hace la adaptación Nando López y se pone al frente Antonio C. Guijosa. Deben resolver cómo no ir sembrando de cadáveres el escenario. Y, explícitamente, la sangre nos llevará a la muerte y esta campeará a sus anchas durante todo el montaje.

Personajes que interpretan con solvencia José Vicente Moirón, Alberto Barahona, Carmen Mayordomo, Alberto Lucero, José F. Ramos, Quino Díez, Lucía Fuengallego, Gabriel Moreno, Carlos Silveira e Iván Ugalde. Se entregan por entero, llenan de amargura y dolor el espacio escénico, porque es lo que se espera de ellos. No pierde ritmo el montaje, ningún detalle se escapa.

Shakespeare como mensajero de que las batallas no son buenas. No acaban bien, son el refugio de quien las pone como excusas para humillar y dominar. Debería valer plantearse algunas guerras actuales porque dan igual los motivos, toda guerra acabará en desgracia.

Hay quien dice que al teatro va a evadirse. Pero yo opino que el teatro debe servir de espejo, de modelo, de denuncia, de conciencia, de reflejo de lo que está pasando, aunque la historia se desarrolle hace cientos de años, pero es corta esa distancia. Es verdad que, después, se pueden contar las cosas con humor, con drama, con tragedia, cantando, pero lo importante es que hay alguien dispuesto a contárnoslo y nosotros queremos verlo, aunque sea una tragedia donde casi nadie se salva.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.