Antonio Banderas y Andrew Lloyd Webber, Amigos Para Siempre para llevar el teatro musical en español a las mayores cotas de excelencia

Hoy, Andrew Lloyd Webber y Antonio Banderas han anunciado la creación de una empresa conjunta, Amigos Para Siempre (APS) para producir teatro, musicales y espectáculos de entretenimiento en directo, en español, incluidas algunas de las principales obras de Andrew Lloyd Webber en los principales mercados de habla hispana.

©Juan Naharro Gimenez

Colaboradores y amigos desde hace mucho tiempo, la empresa APS de Lloyd Webber y Banderas otorgará licencias, producirá y desarrollará proyectos para los mercados de habla hispana de todo el mundo, considerada una de las audiencias globales más grandes y de mayor y más rápido crecimiento. APS llegará a los principales mercados de habla hispana de todo el mundo, incluido EE. UU.

Really Useful Group, compañía fundada por Andrew Lloyd Webber, cederá a la nueva empresa conjunta los derechos escénicos de las versiones en español de los icónicos éxitos musicales de Lloyd Webber, incluidos The Phantom of the Opera, Sunset Boulevard, Starlight Express, Jesus Christ Superstar, Evita, Cinderella, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat and School of Rock.

Amigos Para Siempre (o Amics Per Semper en catalán) fue escrita por Andrew Lloyd Webber, con letra de Don Black, para los Juegos Olímpicos de Verano de 1992 celebrados en Barcelona. La canción fue interpretada, en la ceremonia de clausura, por Sarah Brightman y José Carreras.

Andrew Lloyd Webber: “Antonio Banderas no solo forma parte de la realeza del entretenimiento, sino que también es una de las mentes creativas más versátiles con las que he tenido el placer de trabajar. Es realmente emocionante asociarme con Antonio para presentar mi trabajo, así como otros títulos brillantes de Broadway y del West End, en nuevos mercados. Si bien ya millones de personas en todo el mundo de habla hispana aman nuestros espectáculos y nuestra música, el apetito por recibir más y el nivel de talento musical y teatral es extraordinario. Estoy impaciente por trabajar con Antonio para traer al mundo producciones en español de excepcional calidad».

©Juan Naharro Gimenez

Antonio Banderas: “Tuve el gran privilegio de trabajar mano a mano con Andrew durante la grabación y el rodaje de su célebre musical EVITA en 1996, pero fue cuando vi Jesucristo Superstar, durante la primera parte de la década de los setenta, cuando me enganché a la música, el teatro y el fabuloso talento de Andrew Lloyd Webber. No sería erróneo decir que me convertí en actor por la enorme influencia y la fuerte impresión que experimenté cuando vi los musicales de Andrew. Tener la oportunidad de volver a trabajar con uno de los más respetados y admirados compositores de todos los tiempos, ofreciendo sus magníficos trabajos a un público en español, es uno de los logros más destacados de mi carrera en el mundo del espectáculo.”

©Juan Naharro Gimenez

The Really Useful Group (RUG) es propiedad exclusiva de Andrew Lloyd Webber para producir, licenciar y promocionar sus espectáculos y su música en todo el mundo. Producciones de Andrew Lloyd Webber’s: The Phantom of the Opera, Joseph And The Amazing Technicolor Dreamcoat, Jesus Christ Superstar, School of Rock – The Musical, Starlight Express, Evita y muchas otras están actualmente interpretándose y de gira en los principales mercados del mundo. Cada año, el contenido de The Really Useful Group es visto por cientos de millones de personas.

Banderas inauguró su proyecto más personal: el Teatro del Soho Caixabank en 2019. Dirigió y protagonizó A Chorus Line, la primera producción en español de la compañía, y recientemente ha dirigido y protagonizado también su segunda producción en español, Company.

Este proyecto de empresa conjunta está supervisado por Emanuel Nuñez, director general de NuCo Media Group, y por la presidenta de Really Useful Group, Jessica Koravos.

Andrew Lloyd Webber

Andrew Lloyd Webber ha compuesto las partituras de algunos de los musicales más famosos del mundo. Desde Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat (1969) hasta Cinderella (2021), su trabajo se ha representado en los escenarios de todo el mundo. Antes de que llegara la pandemia de COVID, Lloyd Webber tuvo espectáculos continuamente en el West End durante 48 años y en Broadway durante 41. Cuando Sunset Boulevard se unió a School Of Rock, CATS y The Phantom Of the Opera, igualó el récord de Rodgers & Hammerstein de tener en cartel cuatro espectáculos simultáneamente en Broadway. Pertenece al selecto grupo de artistas con estatus EGOT, habiendo recibido premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony.

Lloyd Webber es propietario de seis teatros de Londres, incluido el icónico London Palladium y Theatre Royal, Drury Lane. Reabierto en julio de 2021, este último ha sido completamente restaurado y renovado con un costo de más de 60 millones de libras. Es uno de los mayores proyectos realizado nunca por un propietario de un teatro privado. Su mantra de que cada centavo de las ganancias obtenidas en sus teatros se reinvierte de nuevo en los edificios, ha permitido un trabajo considerable en sus salas durante la pandemia, incluida la remodelación completa y el cambio de butacas del Gillian Lynne.

Lloyd Webber cree firmemente en la importancia de la educación musical y la diversidad en las artes. La Fundación Andrew Lloyd Webber concede 30 becas de artes escénicas cada año para talentosos estudiantes con necesidades financieras y apoya una variedad de proyectos como el Music In Secondary School Trust y financia investigaciones sobre la diversidad en el teatro.

Andrew Lloyd Webber fue nombrado caballero en 1992 y recibió un título de Par vitalicio en 1997. Para conmemorar su 70 cumpleaños, Harper Collins publicó su autobiografía más vendida, Unmasked, en marzo de 2018.

Esa conmemoración tan especial también tuvo una versión discográfica, Unmasked (The Platinum Collection), de cuya campaña de comunicación nos encargamos en España en DESDE MI BUTACA COMUNICA de la mano de Universal Music Spain.

Antonio Banderas

Desde su éxito en la industria del cine estadounidense, Antonio Banderas es considerado como uno de los principales actores internacionales de su generación. Ha sido reconocido por la crítica por sus actuaciones en cine, televisión y teatro, así como por su faceta como director. En 2005, descubrió una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Nacido en Málaga, España, Banderas asistió a la Escuela de Arte Dramático de su ciudad natal y al graduarse, comenzó su carrera como actor trabajando en una pequeña compañía de teatro con sede allí. Más tarde se mudó a Madrid y se convirtió en miembro de la compañía del prestigioso Teatro Nacional.

En 1982, Banderas fue elegido por el escritor y director Pedro Almodovar para protagonizar Laberinto de Pasiones. Fue la primera de las ocho películas que ha hecho hasta la fecha con el director manchego: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios ¡Átame!. El éxito internacional de estas películas le permitió iniciar su carrera en Hollywood. Más tarde protagonizó La piel que habito y Dolor y Gloria, ambas escritas y dirigidas por Almodóvar.

Banderas ha trabajado con algunos de los mejores directores y actores de Hollywood: Evita, de Alan Parker, frente a Madonna, por la que recibió su primera nominación al Globo de Oro como Mejor Actor; Desperado de Robert Rodríguez, junto a Salma Hayek, y su secuela Érase una vez en México, junto a Johnny Depp; Pecado Original con Angelina Jolie; La Máscara del Zorro, de Martin Campbell, junto a Catherine Zeta-Jones, por la que recibió su segunda nominación al Globo de Oro como Mejor Actor, y su secuela, La Leyenda del Zorro; de Femme Fatale de Brian de Palma; Entrevista con el vampiro, de Neil Jordan, con Tom Cruise y Brad Pitt; La Casa de los espíritus, de BilleAugust, con Meryl Streep y Glenn Close; y Filadelfia de Jonathan Demme, junto a Tom Hanks y Denzel Washington. Fue nominado a su tercer Globo de Oro como Mejor Actor por su actuación como el infame “Pancho Villa” en HBO, en la serie del mismo título.

En 2003, Banderas obtuvo una nominación al Tony como Mejor Actor en un Musical por su debut en Broadway en la producción de Nine de la Roundabout Theatre Company, un musical inspirado en 8 ½ de Fellini. También recibió un premio Drama Desk al mejor actor, un premio Outer Critics Circle, un premio Drama League y el premio Theatre World. Nine, dirigida por David Leveaux, también fue protagonizada por Chita Rivera.

Hizo su debut como director con Locos en Alabama, protagonizada por Melanie Griffith. Su segundo largometraje como director fue la película española El Camino De Los Ingleses (titulada Summer Rainin the U.S.), una historia sobre la mayoría de edad que sigue los primeros amores, lujurias y obsesiones de amigos de vacaciones a fines de la década de 1970.

Otros de sus créditos cinematográficos incluyen: Life Itself, Beyond The Edge, The Music of Silence, Security, Black Butterfly, The 33, Automata, Knights of Cups, The Expendables 3, Sponge Bob: Sponge Out Of Water, Machete Kills, Justin and the Knights of Valor, Ruby Sparks, Haywire, Black Gold, Day of the Falcon, Puss In Boots, Conocerás al hombre de tus sueños, The Big Bang, The Other Man, Shrek 2 y Shrek the Third, Shrek Forever After Take the Lead, Spy Trilogía para niños, Miami Rhapsody, Four Rooms, Assassins, Never Talk to Strangers, Two Much, The 13th Warrior, Play it to the Bone y Ballistic: Ecksvs.

En 2018, protagonizó la serie limitada Genius: Picasso de National Geographic, en la que recibió nominaciones al Emmy, Globo de Oro, Critics Choice y Premio SAG como actor principal en una serie limitada.

En 2019, Banderas inauguró el Teatro del Soho Caixabank Theatre con la producción en español del clásico musical A Chorus Line, que dirigió y protagonizó y, en 2022, dirigió y protagonizó la producción en español del musical Company. Sobre ambos espectáculos hemos hablado ampliamente en nuestro blog y redes sociales.

En 2020, Banderas fue nominado al Oscar por la Academia Cine Americana y al Globo de Oro como Mejor Actor por su convincente interpretación de ‘Salvador Mallo’ en el drama autobiográfico de Pedro Almodóvar Dolor y Gloria. También ganó el premio Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes 2019 y el de Mejor Actor en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por su increíble actuación, así como el premio Goya de la Academia de Cine de España en la categoría de Mejor Actor.

Entre sus próximos estrenos están la esperada próxima entrega de la franquicia de Indiana Jones, Indiana Jones 5, junto a Harrison Ford y Phoebe Waller. Está trabajando en la secuela de la película animada El gato con botas: El último deseo, que se estrenará en diciembre. También protagoniza el thriller negro The Enforcer para Millennium Films.

El Teatro Sanpol afronta su 40 aniversario con el estreno de MUJERCITAS y una gala especial

La sala sita en la Plaza San Pol de Mar de Madrid lanza una primera convocatoria de venta anticipada para su veterana campaña escolar con descuento especial hasta el 15 de julio. 

4 décadas iniciando espectadores con su Campaña Escolar

«Nos planteamos este 40 Aniversario de Sanpol con mucha ilusión y nuevas energías, haciendo homenaje a los espectáculos más emblemáticos de Sanpol como Cuento de navidad, Caperucita o La Flauta Mágica y un estreno al que le teníamos muchas ganas desde hace unos años, Mujercitas. Celebraremos este 40 Aniversario de una manera muy especial en el mes de marzo con un Gala conmemorativa junto a toda la Familia del Sanpol»

Natasha Fischtell, directora del Teatro Sanpol

El emblemático espacio dedicado al público familiar está de enhorabuena. Tras los difíciles últimos años marcados por las consecuencias de la Pandemia, el Sanpol recupera a todo rendimiento su campaña escolar coincidiendo con la temporada 40 que comenzará después del verano. 

Los principales espectáculos que pasarán por la Campaña Escolar podrán verse también en fines de semana para público general. El gran estreno de la temporada será Mujercitas que coincidirá con fechas navideñas, en las que se alternará con Cuento de Navidad, uno de los títulos más emblemáticos de esta sala que cumple 4 décadas esta temporada. 

MUJERCITAS, APUESTA ESTRELLA PARA LA TEMPORADA 40

En noviembre el Teatro Sanpol tras el paso de Los músicos de Bremen por la sala, estrenará su producción más ambiciosa para este 40 aniversario. Con texto y dirección de Ana María Boudeguer descubriremos la visión de La Bicicleta, compañía residente del Sanpol, de un clásico imperecedero como es Mujercitas. Esta producción se alternará en cartel con una de las joyas de la corona del Sanpol en estas cuatro décadas: Cuento de navidad. 

Es Navidad y las jóvenes March deciden que, como no tienen demasiado dinero, lo juntarán todo para comprarle a su madre un detalle con el que agradecer todo lo que hacen por ellas. Su madre, en respuesta, les regala a cada unos libritos llenos de consejos y de ideas para que cada una trabaje en sus defectos y pueda mejorar sus virtudes. Y es que cada una de las March tiene sus propios pecados contra los que deben combatir: Jo es demasiado agresiva y espontánea, Meg es muy envidiosa, Amy vanidosa y Beth es simplemente la santa del grupo.

2023 llegará conmemorando el 40 aniversario con una noche especial y la vuelta de la producción más exitosa: Caperucita Roja
 

Tras la temporada navideña, el Sanpol recuperará algunos títulos que son todo un clásico de La Bicicleta. La música será protagonista a comienzos del 2023 con La Flauta Mágica a la que seguirán Viaje por la magia de Disney y La Isla del Tesoro


En el mes de marzo tendremos una velada de lo más especial. Se conmemorará el 40 aniversario en un evento del que os iremos avanzando sus detalles a lo largo de la temporada. 

En abril vuelve por aclamación popular Caperucita Roja. A pesar de ser una de las más recientes producciones, desde su estreno se ha convertido en un clásico del Sanpol. Las pegadizas melodías que nos llevan al bosque mágico con Caperucita, el lobo y todos los personajes siguen encandilando al público y no podían faltar en la celebración del 40 aniversario. 

Pinocho cerrará una temporada en la que no faltarán algunas compañías invitadas

La historia del muñeco que quería ser un niño de verdad será el último título de la temporada para la compañía residente del Sanpol, La Bicicleta. Como cada temporada, el espacio escénico también abrirá sus puertas a distintas compañías invitadas. Es el caso de La Espiral Mágica. No faltarán espectáculos como Juan sin miedo y la casa encantadaSwing for kids que vuelve tras su reciente éxito en la sala y diferentes espectáculos en inglés. 

Esto es solo un avance de estos 40 años iniciando espectadores, ¿Qué tal si lo vais avanzando? Y por supuesto, os esperamos en el Teatro Sanpol un año más para cubrir los espectáculos y hablar de este aniversario tan especial 

Rafael Álvarez «El Brujo» inaugura el miércoles las Escénicas en el CASYC de la UIMP

Dentro del 90 aniversario de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, vuelve el tradicional ciclo Escénicas en el CASYC. El padrino de lujo en este verano será el veterano Rafael Álvarez «El Brujo» que con Los dioses y Dios llegará a Santander el miércoles 29 de mayo a las 20h. Las entradas tendrán un precio de 15 euros para público general y con entrada con invitación para la comunidad UIMP. El intérprete, Premio Nacional de Teatro, fue reconocido con el VIII Premio La Barraca a las Artes Escénicas de la UIMP en 2015.

Los dioses y Dios es un recorrido sorprendente, emocionante y cómico por la mitología o mitologías a las que se aferra el ser humano cuando se asoma al abismo de lo desconocido. Dilucidar el misterio de la vida es el anhelo incesante de toda sabiduría. De momento no hay ciencia que pueda iluminar el origen desconocido, o el destino final de la existencia. Por eso existe el arte, la metáfora, el cuento, el teatro, el relato. El verdadero interés de los mitos griegos es que la cultura del mediterráneo hizo a sus dioses a su imagen y semejanza, algo que no había ocurrido en otras culturas.

Las reseñas de Alberto Morate: HIPATIA DE ALEJANDRÍA. Menos cruces y más libros.

Decir las cosas con valentía suele traer malas consecuencias. Sobre todo, si eres mujer y has nacido en el año 400. Decir, pero antes de decir, haber estudiado, haber contrastado, investigado, impartido conocimientos, ser ecuánime e inteligente, intentar comprender y mirar a los ojos de tus contrincantes y discípulos.

Si hoy en día aún se victimiza a muchas mujeres, por el simple hecho de serlo por un lado, pero también porque demuestran que están por encima de una gran mayoría de lerdos que se creen con la potestad de marcar los designios de los demás, aun sin las capacidades necesarias, entonces, imagínense a esa misma mujer en una época de sínodos masculinos, de gobiernos masculinos, de autoridades eclesiásticas que solo pretenden manejar la voluntad y los actos de sus fieles, de políticos en connivencia con esos religiosos para beneficio propio e intereses personales.

Y es que la cultura y el conocimiento, el arte y el pensamiento, siempre han sido el gran enemigo de aquellos que pretenden manejar nuestras vidas. Sucedía y sigue sucediendo. Dale al pueblo borreguismo para que no pueda cuestionarse ciertos desmanes y abusos de poder. Porque saben perfectamente que “pensar, aunque sea equivocadamente, es mejor que no pensar en absoluto”, y ellos quieren eso, que no se piense.

Por eso, Hipatia de Alejandría fue vilmente asesinada, vilipendiada, vejada, víctima de los fanatismos. Ella pretendía convencer con la palabra, pero no la dejaron hablar.

Con dramaturgia de Miguel Murillo, y dirección de Pedro A. Penco, en una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y de Amarillo Producciones, nos ofrecen este documento teatral histórico, donde aún convivían dioses domésticos, paganos y una creciente iglesia cristiana que buscaba el poder a toda costa.

Bien se adivina, por tanto, que la muerte de Hipatia fue provocada, como siempre, por la envidia, por el machismo imperante, por la intransigencia religiosa, porque una voz que proclamaba el estudio, los derechos, el conocimiento, era enemiga de una sociedad sin ánimo de progreso.

Muy sobria y contundente puesta en escena, con un vestuario preciso, una interpretación contenida y sin excesos, es un documento necesario para hacernos ver el alcance que tuvo este personaje, hoy modelo de movimientos feministas, de empoderamiento de la mujer, de vindicación de la necesidad de conocimiento. Por favor, menos cruces y más libros.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: SIETE MUJERES LORQUIANAS

Ya no hay estaciones para Federico. Es intemporal. Es eterno. Nos ha quedado su obra, su legado, sus textos y palabras. Ya no hay invierno para él. Ni otoño, ni siquiera primavera. Federico García Lorca es el tiempo en sí mismo. Es la poesía. Y el teatro. Y la música. Y el arte. Está en todos los que lo leemos y lo veneramos. En los que se acercan a él por primera vez y en los que lo releen incansables descubriendo cada vez sentimientos nuevos.

Eso hace Mónica Tello. Lo relee, lo estudia, lo hace suyo, lo lleva dentro. Y con la pasión de su propio arte, el flamenco, el teatro, el baile, es capaz de ofrecernos lecturas nuevas. Cargadas de música y emociones, nos lo devuelve fresco, con una mirada distinta y respetuosa, de sangre, de vísceras, de corazón, de alma, de espíritu.

Nos ofrece un árbol frondoso de sombra y fruto, de agua necesaria para beber, de alimento. Y esta vez desde sus mujeres. Siete mujeres lorquianas, aunque podrían ser muchas más. Escoge Mónica las necesarias para que el espectáculo sea perfecto. Medido, sobre ruedas. Pero, sobre todo, sensible y exquisito, poético, musical, profundo, cargado de esfuerzo.

Inicia el camino con Yerma y, a partir de ahí, Doña Rosita, la Soledad Montoya del Romancero Gitano, Belisa en su jardín, la Luna personificada en deseo, en tiempo, en destino, en exorcismo, en silencio y en verbo. También Mariana Pineda en su grito, en su llanto amargo, en su aliento. Para terminar con Adela, la pequeña de los Alba, cansada de tanto desatino, de tanta represión, de tanta ocultación e inmovilismo, de tanto desconcierto.

Recordamos a cada una de ellas, en sus vientres, en sus sementeras, en sus cárceles, en sus miradas de agonía y piedra. Mónica Tello al frente de un elenco de luz en sus interpretaciones, en la ejecución de sus textos, de la música, de su coordinación en el ascenso hacia el poeta que no está en los cielos, sino en este Tablao Torero, en donde se respira el aroma inconfundible de una puesta en escena realizada con mil amores y todo el esmero. Ellos y ellas son Beatriz Tello, Isabel Pamo, Edu García (flauta), Cristina Salinas, Beatriz Rodríguez y Tony Montoya (guitarra).

¿Ecos de la voz de Lorca? No. Su voz auténtica, su respiración profunda, su fuerza, su vitalidad, su existencia inacabada porque revive en cada función, en cada una de estas otras mujeres que ya también son lorquianas, así como nosotros, porque se nos han metido muy dentro.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: LAS SUPLICANTES.

Tener que salir huyendo por no querer casarse con quien otros imponen. Tener que escapar buscando la libertad y suplicando protección a quien pueda entendernos. Las suplicantes que no encuentran acomodo ni paz por sus perseguidores que las consideran de su propiedad y se verán sometidas a la violencia y vejaciones propias de un mundo al que no quieren pertenecer.

Alguien las intentará proteger aun a costa de entrar en guerra, como así sucede, y que, posteriormente, haya que reivindicar poder enterrar o incinerar a los muertos como es debido y no dejarlos a la suerte de alimañas o pudriéndose al sol que descompondrá los cuerpos sin honor ni dignidad.

Refundidos los dos textos de Esquilo y Eurípides por Silvia Zarco, entreabre una puerta a una tragedia del siglo V antes de nuestra era, en la que ya las mujeres pedían poder decidir libremente, no tener que someterse a los dictámenes de hombres y maridos sin sentimientos.

Y la necesidad de hacer reposar esos cadáveres en el sitio adecuado, para rendirles el abrazo necesario y descansar en el espíritu del recuerdo. Algo así como esos muertos de tantas cunetas y tapias de cementerio que aún no se han recuperado y están a la espera de que esa memoria histórica sea realmente memoria y no un pasado nefasto y denigrante.

Eva Romero dirige esta puesta en escena donde no escatima la presencia del coro haciendo hablar a sus personajes al unísono, bien coordinados y conjuntados. La tragedia en toda su dimensión.

María Garralón como representante más reconocida en esta obra coral de llanto y muerte.

Y Celia Romero que cuando se arranca con su cante desgarrador hace que la piel se ponga erizada en el acercamiento de nuestra cultura.

Voces dramáticas que se agrupan en los costados contemplativos de una tragedia donde se habla de derecho a decidir, democracia, respeto a los difuntos, toma de decisiones que traen consecuencias, la libertad, el empoderamiento de las mujeres, la necesidad del diálogo y la aceptación de los otros aunque vengan de lejos, el derecho a ser escuchados y no andar siempre de suplicantes, porque lo tenemos merecido.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Malena Alterio y Luis Bermejo cerrarán el recorrido de la espléndida LOS QUE HABLAN con carácter benéfico en Santander

Malena Alterio junto a Luis Bermejo con Los que hablan y una gala de celebración de la diversidad culminan las conmemoraciones de los 40 años de vida de ASPACE Cantabria

Una emotiva gala lleva al escenario de CASYC, el viernes 1 de julio, la historia y protagonistas de esta entidad creada por madres y padres de niños con parálisis cerebral hace cuatro décadas

Los que hablan, una función que solo os podemos recomendar encarecidamente DESDE MI BUTACA, cierra una gira de más de 110 funciones por todo el territorio nacional con éxito de crítica y público, el sábado 2 de julio, también en CASYC. Estuvimos hace unos días en el Teatro del Barrio con Malena Alterio como compartimos en nuestro Instagram.

La recaudación de las entradas de ambos actos será íntegramente donada para ASPACE Cantabria

A principios de los 80 era realmente excepcional ver en nuestras calles a personas con discapacidad. Más aún -si es que hubo algún caso- verlas en películas o sobre los escenarios. Campeones, de Javier Fesser, con un elenco de protagonistas con diversidad funcional acompañando a Javier Gutiérrez, ganó el Goya a la mejor película en 2018. Y dio la vuelta radicalmente a esta excepcionalidad. Hoy son numerosas y valiosas artísticamente las posibilidades de ver en la pantalla y teatros a personas con capacidades diversas.

Esto es así gracias al tesón y coraje de personas como Irene Valle y Azucena García, madres de niños con parálisis cerebral. Ante este diagnóstico de sus pequeños, ambas constataron que, a finales del siglo XX, el sistema sanitario, educativo y asistencial no tenía en cuenta las necesidades específicas de sus hijos e hijas ni las suyas. ¿Qué hicieron ante ese desamparo? Encontraron a familias en una situación similar, se unieron y crearon ASPACE Cantabria. De esta manera, ayudaron a la sociedad cántabra a no dejar atrás a ninguno de sus miembros.

El viernes 1 de julio a las 19:30 h, una gala celebra y conmemora este viaje, con sus protagonistas sobre el escenario. El acto contará con la colaboración generosa de Belén de Benito fotógrafa santanderina que trabaja para diversos medios nacionales y que ha seguido desde su cámara el cotidiano de ASPACE; Malabara Circocompañía y escuela de artes circenses de Torrelavega; y la pieza de danza “El imán de la esfera te abraza”, una creación de DANZALIARTE que lleva al escenario a bailarines de su compañía con personas usuarias de ASPACE Cantabria y que es el nuevo espectáculo de Alia Dodivena, fruto su trabajo desde hace nueve años con personas con discapacidad. La gala será también un homenaje in memoriam a Antonio Ruiz Bedia, antiguo director de la entidad y figura fundamental en su desarrollo y crecimiento.

Las entradas se pueden adquirir en la taquilla de CASYC Santander o en el siguiente enlace.

Malena Alterio y Luis Bermejo

El sábado 2 de julio, a las 19:30 h, pone el broche de oro al cumpleaños de ASPACE Cantabria una producción de Teatro del Barrio: Los que hablanque cierra también su gira con esta función benéfica. Malena Alterio y Luis Bermejo, bajo la batuta de Pablo Rosal, viajan a Santander para esta despedida.

Estrenada en octubre de 2020 en el Teatro de La Abadía, de Madrid, Los que hablan surgía como reacción a una época, la actual, en la que la palabra sencillamente ha perdido su integridad y su acción. “Podríamos plantearnos, con la suma irresponsabilidad de que es bandera nuestro utilizado presente, participar de esta barbarie, de este aquelarre, de esta, como aquella, quema de libros, y bien cargados de cinismo, oportunismo y cualquier otro ardid, perpetrar más entretenimiento para el gozo de la desventurada civilización. Pero en un gesto ignoto, siempre hacia lo desconocido, nos proponemos con una audacia extemporánea permitir que lo divino de la palabra renazca en nuestras vidas forzadas a no creer”, expresaba Rosal en el programa de mano de la pieza. Así reivindicaba su voluntad de “resignificar la palabra con una inocencia nacida en el siglo XXI, a eso nos disponemos”. 

Año y medio después, decenas de miles de personas han visto ya el que resultó uno de los fenómenos teatrales de la pasada temporada. En el Teatro Central de Sevilla, el Auditorio Centro Niemeyer de Avilés, el Teatro Gayarre de Pamplona, el Teatro Lava de Valladolid, el Teatro de la Abadía en Madrid… En medio de un tiempo pandémico, con cierres de teatros y limitaciones de aforo, este centenar de funciones es todo un éxito. 

Los que hablan pretende reencontrar, borradas todas las pistas, la experiencia del personaje originario del escenario, la experiencia animal del primer hablante. El molde, el maniquí. Presentar ante el espectador seres pre-culturales, siempre frágiles, en la cuerda floja, nunca acabados, antes de conseguir ser alguien. Mostrar al ser humano suspendido, tembloroso. Desposeerlo de esta absurda seguridad que ha obtenido desesperadamente y presenciar gloriosamente sus probaturas, sus honestos fracasos. 

Darnos el gusto de observar con ternura todo lo que el ser humano ha añadido al alma, por interés del ego. Este es el sacrificio que propone nuestra obra. 

No es la novedad lo que ansía este espectáculo, sino devolvernos la elementalidad, congregar a los espectadores en un gran e íntimo ‘No sé’. He aquí su apuesta artística: su ética. No podemos vanagloriarnos de que lo que se necesita hoy día es hacer menos si lo hacemos a través de una historia y un discurso, que no deja de añadir, de ser la forma victoriosa de nuestro tiempo. Se trata de un espectáculo de verdadera renuncia al drama. Se trata de comprender realmente lo que el silencio es. 

Dejar morir la palabrería y encontrarnos al fondo, todos, callados. 

Las entradas se pueden adquirir en la taquilla de CASYC Santander o en el siguiente enlace.

Las personas y entidades participantes en ambas citas colaboran de manera solidaria. La organización quiere dar las gracias a Belén de Benito, Malabara Circo, Danzaliarte, Teatro del Barrio, Malena Alterio, Luis Bermejo y a la Fundación Caja Cantabria.

Eva Diago y Natalia Millán, protagonistas femeninas de «Los chicos del coro» en La Latina

Desde que hace unos meses conocimos que Los chicos del coro llegaría a Madrid en noviembre hemos ido siguiendo los pasos de este musical. Primero fueron las convocatorias de audiciones en las que estuvimos y hoy ha sido la presentación del elenco, tanto el infantil como el adulto. Aunque el grueso del elenco es infantil, también tiene varios personajes de peso en su cast adulto. Así, junto a los 80 pequeños cantores de la Coral ‘Los Chicos del Coro’ -de los que veremos cada noche a 15 en escena- tendremos a Eva Diago, Jesús CastejónNatalia Millán, Rafa Castejón e Iván Clemente como se ha desvelado esta tarde en la presentación de este musical que llegará al Teatro La Latina el 16 de noviembre como os avanzamos en nuestro Instagram. Este musical será uno de los platos fuertes de la próxima temporada como os avanzamos en nuestro reportaje especial que os recomendamos recuperar.

Basado en la aclamada película nominada a los Oscars y otros premios internacionales de gran prestigio, llega por primera vez a España tras dos temporadas consecutivas triunfando en la capital francesa.

La productora Kak Group con Rafa Coto a la cabeza ha adquirido los derechos de la adaptación escénica de la inolvidable película para poder ofrecer esta experiencia única. Buena constancia del amor del público español por esta emocionante historia es que ha sido el país del mundo en que mejor ha funcionado en taquilla la película.

En el escenario de La Latina nos vamos a encontrar un gran un gran musical que reunirá en el teatro a toda la familia, como ya lo hizo la película o posteriormente, la gira de la Coral de los niños de Saint Marc. Esta coral ha realizado recitales por toda España, en los principales teatros y auditorios, durante varios años agotando todas las localidades. Contarán para esta producción con la persona que llevó durante años la gira de esta coral francesa, Toni Arenas. Además también contarán con el pianista Nicolás Martín Vizcaíno, quien acompañó a la Coral de los niños de Saint Marc, en sus diversas giras internacionales y ha participado en más de 250 conciertos en grandes auditorios como el Teatro Liceo de Barcelona, la Opera de Pekín, el Teatro Telmex en México, El Centro de Arte de Seúl…

La historia de este musical, donde confluyen sensibilidad y ternura, se contextualiza en la Francia de 1949, tras la Segunda Guerra Mundial. La pobreza y los conflictos sociales se convirtieron en protagonistas de unos años en los que muchos menores quedaron huérfanos, y de ahí parte nuestra historia, en un correccional dirigido por el estricto Rachin.

Como protagonista tenemos a Jesús Castejón (profesor Mathieu), un hombre que concibe la enseñanza a partir del diálogo y rechaza el castigo como método educativo. Para él, la música tiene una fuerza transformadora que puede ayudar a sanar el alma y cambiar la conducta de los chicos. Sin duda, un homenaje a la música y a la enseñanza. Le acompañan en escena Rafa Castejón (Rachin), Eva Diago, (Profesora de Matemáticas), Iván Clemente (Pascal Mondain) y completa el elenco una de las grandes intérpretes de musicales de la escena española, Natalia Millán (Violette Morhange).

El musical llega de la mano de un gran equipo encabezado por Juan Luis Iborra como director de escena, Rodrigo Álvarez como director musical, el diseñador de sonido Javier G. Isequilla y el diseñador de iluminación Juanjo Llorens. Una apuesta segura para conseguir las mismas emociones que ya sugirió la película en 2004, nominada a los Premios Óscar, los Premios BAFTA y ganadora de dos Premios César. 

Producción ejecutiva: Farruco Castroman, Toni Codina y Rafa Coto.

Director: Juan Luis Iborra

Director musical: Rodrigo Álvarez

Director de producción: Víctor Aranda

Ayudante de dirección: Nacho Redondo

Coordinador de coral: Toni Arenas

Dirección de casting: Beatriz Giraldo

Coordinador de la Escuela Los Chicos del Coro: Rodrigo Álvarez 

Traducción y versión: Pedro Víllora

Diseño de escenografía: David Pizarro            

Diseño de iluminación: Juanjo Llorens              

Diseño de sonido: Javier G. Isequilla

Diseño de vestuario: Iria Carmela Domínguez

Diseño de caracterización: Silvia Lebrón

Coreografía: Xenia Sevillano

Una producción de: Kak Group, T2R Group y Pentación Espectáculos.

Las reseñas de Alberto Morate: MERCADO DE AMORES. Juego, risas y artimañas.

Fábula cómica. Había un esclavo que no era un esclavo y un poderoso hombre de negocios que sí era poderoso y quería controlarlo todo, pero todo se le escapaba del control y se desbarataban sus planes. Había un engaño que engañaba a unos y descolocaba a otros y un mundo de enredo y de intereses y de fingimientos y de trueques, y de lascivia y de lujuria y gracejo y de las cosas no son lo que parecen.

A la postre y a la larga, todo es un Mercado de Amores, de juego, de risas y artimañas, de nubes pasajeras y de tormentas sin truenos.

Plauto, que era comediógrafo, quería que sus congéneres se lo pasaran bien a costa de ridiculizar ciertas actitudes, de mofarse de sus comportamientos, de darles evasión a cambio de unos cuantos cuartos. No era ningún Pánfilo.

Y el protagonista de esta comedia traída desde antaño hasta nuestros días por Eduardo Galán, hace que veamos paralelismos con nuestros coetáneos después de 22 siglos de nada. Pánfilo (Pablo Carbonell) lo que es, es un listo negociante y vividor que quiere medrar para alcanzar el poder y, de paso, también el económico. ¿Les suena de algo? A su lado, personajes que van forjando la trama también de rabiosa actualidad, más o menos escandalosa. Me hago pasar por tal, pero soy cual, finjo que amo, pero busco valor monetario, hazme un favor, a cambio de una comisión o de un beneficio constatado.

Obra con ritmo y desparpajo. Con referencias a nuestra cotidianidad más popular y mediática. Desconcierto concertado. La salida del enredo al más puro teatro barroco, comedia grecolatina que triunfará entre piedras milenarias.

No son ruinas romanas, es la visita al pasado trayéndonos lo que, afortunadamente, no se debe perder nunca, el buen humor y el teatro no sofisticado. Nos predisponen a favor, porque este elenco es muy simpático. No hay ningún personaje que resulte antipático. Con alguno de ellos seguro que nos identificamos.

Muchas horas de trabajo, todo estupendamente coordinado por Marta Torres que lo dirige también disfrutando.

Cuando voy al teatro quiero ver esto, diversión, pero no gratuita, quiero que me saquen también de mi poltrona y pensar que el teatro sigue vivo a pesar de los miles de años en los que Plauto hablaba de tú a tú a sus conciudadanos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: TITO ANDRÓNICO. Donde casi nadie se salva.

Volver victorioso no significa haber vencido. Cuando el que gana una batalla no sabe gestionar su victoria se convierte, a su vez, en derrotado por los caprichos a los que somete al pueblo, por el despotismo que ejerce sobre los vencidos, porque generará odios y venganzas que acabarán en otras cruentas batallas.

Esto es histórico, y Shakespeare lo sabe. Y por eso se recrea en hacer ver que todo lo que ha subido tiende a bajar y lo que parece no tener visos de mejorar acaba favoreciendo al desvalido.

Tito Andrónico es una tragedia con todas las de la ley. Esas tragedias donde, popularmente, se dice que muere hasta el apuntador. Hay luchas internas, muertes y violaciones, trampas y engaños. Locura y desesperación. Pero siempre surgen fuerzas de flaqueza. Y en medio de todo el drama, el lenguaje de Shakespeare, la belleza de sus palabras, las metáforas inigualables y el gran retrato del ser humano, con sus miserias y necesidades de honor, de venganza, de odio, de escalar posiciones sociales, de luchar contra su destino.

Hace la adaptación Nando López y se pone al frente Antonio C. Guijosa. Deben resolver cómo no ir sembrando de cadáveres el escenario. Y, explícitamente, la sangre nos llevará a la muerte y esta campeará a sus anchas durante todo el montaje.

Personajes que interpretan con solvencia José Vicente Moirón, Alberto Barahona, Carmen Mayordomo, Alberto Lucero, José F. Ramos, Quino Díez, Lucía Fuengallego, Gabriel Moreno, Carlos Silveira e Iván Ugalde. Se entregan por entero, llenan de amargura y dolor el espacio escénico, porque es lo que se espera de ellos. No pierde ritmo el montaje, ningún detalle se escapa.

Shakespeare como mensajero de que las batallas no son buenas. No acaban bien, son el refugio de quien las pone como excusas para humillar y dominar. Debería valer plantearse algunas guerras actuales porque dan igual los motivos, toda guerra acabará en desgracia.

Hay quien dice que al teatro va a evadirse. Pero yo opino que el teatro debe servir de espejo, de modelo, de denuncia, de conciencia, de reflejo de lo que está pasando, aunque la historia se desarrolle hace cientos de años, pero es corta esa distancia. Es verdad que, después, se pueden contar las cosas con humor, con drama, con tragedia, cantando, pero lo importante es que hay alguien dispuesto a contárnoslo y nosotros queremos verlo, aunque sea una tragedia donde casi nadie se salva.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.