Seguimos Comunicando: VIVA llega el 5 de noviembre al Auditorio Nacional

Cristina Domínguez presenta de la mano de Joan Valent VIVA en el Auditorio Nacional  el 5 de noviembre a las 19:30h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional con entradas ya a la venta.

La Orquesta Filarmonía de Madrid será la encargada de la representación en Madrid bajo la dirección de Christian Frattima

Canciones Singulares, interpretadas por la voz de la maravillosa soprano Cristina Domínguez, una obra que pasea por la vida de la soprano contando su historia desde su nacimiento, primeros pasos, primeros amores hasta un momento complejo de su vida. El momento que, tras unas revisiones, le detectan un cáncer que hace que su vida cambie y frene en seco. Comienzan nuevas rutinas de tratamientos, intervenciones, sesiones de quimioterapia que consumen el ánima. Pero Cristina se planta y decide enfrentarse a ello con la herramienta que mejor defiende: la música. Decide no rendirse y luchar con más fuerza y espíritu que nunca, encargándole a su amigo Joan Valent estas canciones. El compositor, buen amigo y conocedor de toda su historia, refleja en las Cuatro Canciones Singulares su historia llena de vida, la historia de su camino, su lucha y su triunfo.

Nos encantaría tenerte entre el público en este día tan especial lleno de emociones. ¿Nos acompañas?

Con la valentía que otorga el haberse enfrentado con una enfermedad casi innombrable, “Cáncer”, y encontrarse cara a cara con la muerte, Cristina se sube al escenario para interpretar su propio papel, la historia de su vida. Las Cuatro Canciones Singulares son un Canto de Amor inconmensurable a la vida y contienen un mensaje de profunda emoción, lleno de esperanza, energía y fuerza para los que están en una situación similar. Ella dedica esta Obra de Arte a los que lucharon a muerte y salieron victoriosos, a todas aquellas personas que lo intentaron y no pudieron, a los que tiraron la toalla, a los que no tuvieron tanta suerte y la enfermedad les arrasó. Se lo dedica con inmensa pasión a los que entendieron  lo preciosa que puede llegar a ser la vida, los que aprendieron a condensarla en unos segundos, en unos minutos en un instante, en un silencio porque sabían que no había más tiempo…

Abierto Calendario de Prensa en carlosriveradiazelvira@gmail.com

Seguimos Comunicando: El Teatro Sanpol lleva a escena desde este sábado «Los músicos de Bremen» en su 40 cumpleaños que celebra estrenando patio de butacas

Este fin de semana vuelven a levantar el telón las producciones propias del Teatro Sanpol con su compañía La Bicicleta -el viernes lo hará dentro de su campaña escolar. Lo harán con un título con suficientes elementos para atrapar a públicos de todas las edades. Nada menos que Los músicos de bremen, una puesta en escena colorista con la música de todo un referente como Nacho Mañó de Presuntos Implicados. Además, los espectadores podrán disfrutar de la magia de los espectáculos del Sanpol en un nuevo y cómodo patio de butacas con el que no perderse una pizca de ese momento tan especial que supone para los espectadores acudir a un teatro.

Los Músicos de Bremen es un montaje muy moderno y actual con música de Nacho Mañó (Presuntos Implicados) y una escenografía y vestuario muy originales y alegres, por este motivo la hemos pensado para esta ocasión. Con su música pegadiza y su colorido montaje es ideal para levantar el ánimo y hacernos mover los pies y pasar un rato divertido. Se podrá ver en el Sanpol del 8 de octubre al 6 de noviembre. Las entradas ya están a la venta y puedes consultar horarios y fechas de funciones aquí.

Un comienzo de temporada marcado por el 40 aniversario. En palabras de la directora del Teatro Sanpol, Natasha Fischtell: «Nos planteamos este 40 Aniversario de Sanpol con mucha ilusión y nuevas energías, haciendo homenaje a los espectáculos más emblemáticos de Sanpol como Cuento de navidad, Caperucita o La Flauta Mágica y un estreno al que le teníamos muchas ganas desde hace unos años, Mujercitas. Celebraremos este 40 Aniversario de una manera muy especial en el mes de marzo con un Gala conmemorativa junto a toda la Familia del Sanpol».

Seguimos comunicando: Nace Carlos Rivera Comunicación

Dicen que tras una gran crisis es tiempo de reinventarse. Sin renunciar a nuestra particular «butaca» (el blog seguirá activo a punto de cumplir 18 años) nace CARLOS RIVERA COMUNICACIÓN.

Una forma ‘distinta’ de comunicar propuestas culturales. Con el bagaje de casi una década dando voz a obras de teatro, conciertos, musicales, espectáculos familiares, danza, títeres, libros, cortometrajes, pero con la misma pasión por un trabajo en el que creemos de verdad.

Fotografía: Juanma Serrano Arce

Continuamos de la mano del Teatro Sanpol, SingUS Music y con nuevos montajes como VIVA y SHERLOCK HOLMES Y EL CUADRO MÁGICO.

¿Qué podemos hacer por ti?

Envío de notas de prensa, organización de junkets de prensa, gestión de campañas de prensa, invitación a críticos, gestión de entrevistas con medios de comunicación… Vamos, todo lo que necesites para que tu proyecto esté en primera línea y es que queremos ser TU VOZ EN LOS MEDIOS

Puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram y Linkedin, donde podrás ver en todo lo que andamos implicados.

Y tú, ¿Quieres distinguirte y resaltar tu propuesta en medios? Carlos Rivera Comunicación es la solución. Puedes escribirnos a carlosriveradiazelvira@gmail.com

Dario Regattieri (BEON ENTERTAINMENT): «Si apostamos por la calidad, los espectadores volverán a ver otro musical»

La historia interminable es sin duda una de las piedras angulares de la temporada de musicales. Uno de sus aciertos, como nos tienen acostumbrados desde BEON ENTERTAINMENT, es apostar por el talento local. El martes estaremos viendo La historia interminable el musical que además de tener su espacio en el especial Una temporada a ritmo de musical que publicaremos el viernes 7 de octubre, estará muy presente en este blog con distintos testimonios del equipo y contenidos en nuestro nuevo Instagram. Empezamos por la persona sin la cual no existiría este proyecto. El productor Dario Regattieri sigue jugando sus cartas a la adaptación de grandes novelas al escenario con creativos españoles y eso es algo que solo podemos aplaudir.

En una temporada con tantos musicales, ¿Cuáles son los elementos diferenciadores de La historia interminable además de los animatronics?

Después de lo vivido es importante contar historias que emocionen ahora mismo. La historia interminable habla de valores como la amistad, no rendirse… El abanico del público es muy amplio. Lo hemos visto en las previas. Tenemos niños de 2 años alucinando con los cambios escenográficos, pero también los abuelos que recuerdan lo que supuso el libro y la película en los 80. Todo ello en su contexto hace que sea un espectáculo distinto. Hay mucha gente que está deseando regresar a ese momento de sus vidas y compartirlo con sus hijos y nietos. De todas las producciones que he hecho es la que siento más cercana y a la que más cariño estamos poniendo. De alguna forma este espectáculo nos recuerda a nosotros mismos cuando éramos más jóvenes.

Como todos los espectáculos musicales de esta temporada en realidad se tenía que haber estrenado mucho antes, pero las circunstancias no lo han permitido…

Es una situación realmente complicada. Cuando haces una gran producción como esta te estás dedicando a algo que tiene un gran coste detrás. Tienes que tener muy claro a la hora de meterte en una aventura así y es que el golpe también puede ser muy grande. Se tienen que dar una serie de condicionantes y que atraiga a un público masivo a Madrid. Este espectáculo no puede salir de gira. Si a todas las dificultades sumamos el COVID… Pues es que arrancamos el proyecto, lo tuvimos que parar y ahora por fin podemos mostrar nuestro trabajo al gran público. Siento una satisfacción personal tremenda de verlo por fin en escena y darte cuenta de que ha merecido la pena la inversión y creer que va a tener el retorno necesario para hacerlo sostenible.

Además de la competencia, ha cambiado el hábito de consumo del espectador que compra en el último momento y ya no hay tanta preventa como en 2019…

Desde luego. Al tener tanta competencia te das cuenta de que hay muchas butacas que llenar y quizás no tanto público para ello. Por encima de todo tiene que primar la calidad. Si está la calidad la gente vuelve a ver más musicales. Lo peor que le puede pasar a esta industria es que se haga un espectáculo que no sea bueno. Entonces, el cliente no repetirá. Si es un buen espectáculo, el espectador convertirá en algo recurrente asistir a un musical. Hay mucho interés en el teatro musical, pero lo que necesitamos son producciones de calidad para garantizar que vuelvan los espectadores. El juez final es el público. Lo que tú crees es una cosa y lo que el público quiera consumir puede ser otra cosa diferente. Los que producimos creemos en nuestro proyecto, pero otra cosa es que luego el público lo quiera ver o no. Siento decir que hay alguna producción que puede que no esté a la altura de las expectativas del espectador. Si tú viajas por ejemplo al West End de Londres te puede gustar o no lo que ves, pero siempre vas a tener una calidad artística intachable.

Las reseñas de Alberto Morate: «¡Ay, Carmela!». Las guerras no hay que olvidarlas.

Ni siquiera debió haber una pequeña crónica en los periódicos de la época, al fin y a la postre, la compañía “Carmela y Paulino, variedades a lo fino”, no existieron y la acción no ocurre en Belchite en marzo de 1938, pero podría haber sucedido y, posiblemente, así fuera y nos ha pasado desapercibida.

Para ello es necesario que un autor como José Sanchis Sinisterra la imagine y nos la cuente, y cree los personajes y, como consecuencia, sea tan real que ya nunca debamos olvidarla. Porque no, las guerras no hay que olvidarlas para que no haya que declararlas nunca más, en ningún sitio, en ningún país, bajo ningún concepto y por ninguna idea política, religiosa, económica o territorial.

Por eso es importante, también, revisitarlas con diferentes compañías e intérpretes, para que no se olvide y Carmela pueda regresar a visitar a Paulino, que se ha quedado solo, a la historia que siempre comienza, a la escena que se quedó vacía y sola con una única gramola.

Coral Ros, lanza su visión con la ternura necesaria, con la sensibilidad de aroma de otros tiempos que no son tan lejanos. Talla su dirección en madera buena. La de Nacho León y Laura Ginestar, que se duelen, que se compenetran, que se anteponen al artificio y resultan creíbles y fieramente humanos, aunque no existieran.

Como José Hierro dice en un verso suyo, “lo doloroso no es morir”, ni que te maten, lo que duele es que no valga para nada.

Y aquí sí hay fecundación, fuego encendido, héroes cotidianos, aunque se siga penando, y pensando que los artistas son solo monigotes para entretenernos, que se les puede manipular para hacer lo que otros quieren ver y oír y, mire usted, ¡no!, parece pensar Carmela, ¡Ay, Carmela! Pero nada pueden bombas, ¡Rumba la rumba la rum bam bam! donde sobra corazón, ¡Ay, Carmela, ay, Carmela!

Carmela no ha muerto por una causa justa. La han quitado de en medio porque era molesta, aunque fuera anónima, porque el odio no tiene reparos, porque esto es una guerra, ¡maldita!

El montaje está incluido en la programación como parte de la IX Muestra de Creación Escénica Surge Madrid en Otoño. Pero seguirá los jueves de octubre en el Teatro La Usina.

Consiguen que, estando a punto de llorar, nos riamos también, que no se apague el rescoldo de una hoguera que no debió encenderse, de unos disparos que no debieron hacerse, de un mal sueño que nos compete, de una verdad que no debe ocultarse por muchos años que pasen, aunque sea ficticia y nunca sucediese. Porque, realmente, ¿Quién sabe?

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Juanjo Rivero (SOM Produce): «Cada vez hay más público de musicales en España»

En una temporada frenética para el sector del teatro musical tras Gonzalo Pérez Pastor charlamos con Juanjo Rivero de SOM Produce sobre este momento álgido del género que llevará a su productora a estrenar en Madrid Matilda hace solo unos días y la semana que viene Mamma Mia!

Carlos Rivera: Matilda llega a escena mucho más tarde debido a la pandemia, ¿De qué manera os afectó este retraso?

Juanjo Rivero: Teníamos ya en marcha la formación del elenco infantil y tuvimos que cortarla de raíz. Cuando retomamos la formación casi un año después nos dimos cuenta de que ya no valían para el musical por la estatura. Tuvimos que empezar de 0 en este aspecto, además de temas contractuales por la licencia del musical y temas así.

C.R: El género vive mucho de la preventa que con la situación sanitaria prácticamente desapareció…

J.R: Tenemos ya una situación muy similar a la de 2019. Parece que ya ha pasado lo malo y hay que centrarse en el presente que parece positivo con la misma movilidad turística. Parece que el paréntesis pandémico ya lo hemos superado.

C.R: ¿Cuál es el mayor reto al que os habéis enfrentado con Matilda?

J.R: Cuando arrancamos Matilda no éramos conscientes de la complejidad y del volumen de producción que se nos venía encima. Pensábamos que estaría al nivel de Billy Elliot más o menos. El elenco infantil tiene un peso interpretativo, de canto y coreográfico increíbles.

C.R: ¿Cómo os enfrentáis desde SOM a la competencia feroz de esta temporada?

J.R: Eso es bueno, significa que hay demanda. Nos queremos diferenciar con una producción con una factura impecable, creemos que hay espectadores para todos.

C.R: Mamma Mía!, un título muy conocido por el público español, ¿Qué aporta vuestra producción?

J.R: Lo vas a decir tú cuando lo veas. Es tan diferente que es difícil expresarlo con palabras, es una puesta en escena completamente nueva.

C.R: Mirando hacia el futuro, ¿Veremos más proyectos con jóvenes intérpretes?

J.R: Tenemos ya las licencias para hacer más musicales que haremos públicos cuando se pueda hacer oficialmente. Además tenemos nuestra escuela así que sí, proyectos con artistas revelación seguirán llegando.

C.R: Con el buen sabor de boca que deja En tierra extraña, ¿Os planteáis nuevos musicales de creación?

J.R: Uno de los aspectos importantes es que hay disponibilidad limitada de los espacios escénicos. Tenemos proyectos de creación propia sobre la mesa, pero la cuestión es encontrar el momento y el espacio adecuados para sacarlos adelante.

C.R: Hablamos siempre de la dificultad de grandes espacios para musicales en Madrid…

J.R: Yo creo que el público madrileño y los turistas demandan una cierta cercanía con la propuesta. Un espacio sobredimensionado te lleva la experiencia a otro sitio. Jugar con aforos entre 1000 y 1500 personas juega a favor de la experiencia del espectador. Aunque suena contradictorio, los teatros de grandes aforos tienen que quedarse en ciudades más pequeñas. Así en poco tiempo se puede amortizar un musical en gira al haber aforos más grandes.

C.R: ¿Cómo has visto la evolución del público de musical en España?

J.R: Cada vez hay más público y más espectadores, pero evidentemente los títulos comerciales podrán estar más tiempo en cartel y los que son más para especialistas en el género pues no deja de ser un nicho concreto y puede estar x tiempo en cartel. Pasa también fuera de España, vas a Londres y están en temporada muy limitada ciertos títulos en los que además se suele poner -cosa que no se hace en España- primeras figuras del cine para atraer al público. Acostumbrar a ese tipo de musicales al público español lo hizo muy bien Mario Gas en su etapa en el Español con Follies, Sweeney Todd

C.R: La colaboración teatro público-privado en los musicales ocurre pocas veces. Solo se me viene a la cabeza ahora mismo precisamente En tierra extraña

J.R: Realmente no estoy ahí, por lo que hablo desde una opinión personal. Creo que dentro de todo quieren que el teatro público sea algo ‘rentable’. Si tú haces un gran musical hoy con 50 artistas, 30 técnicos, músicos… No es nada rentable, no le ven sentido a hacerlo.

Las reseñas de Alberto Morate: LO QUE TÚ NOS DEJAS. Por eso te escribo esto.

Alberto Morate se acercó al Teatro del Barrio a vibrar con Inma Cuevas con Lo que tú nos dejas. La intérprete además estrena en breve Lavar, marcar y enterrar el musical como adelantamos en un reciente post.

Creo que mis palabras, lanzadas al aire o escritas en una carta, te llegarán, de algún modo. No entraba en nuestros planes que ya no estuvieras. Y así lo pienso ahora, después del tiempo. Estás ahora y entre nosotros. En mis recuerdos. En el tiempo que se ha quedado detenido para mí, y aunque siga pasando, no importa. Vivo en un otoño perpetuo. Con las hojas de los árboles caídas por el suelo sin posibilidad de que vuelvan a crecer otras. Con las hojas de mis cartas que te escribo y te leo para que sepas de mí, de nosotros.

Fuiste auténtico, vibrabas con el canto de los pájaros y con los charcos de la lluvia. Sí, ahora soy yo la que llueve por dentro, tu madre. Pero mi anhelo es sentirte, real y cotidiano, a pesar de las circunstancias aciagas de tu partida. Los demás iremos cambiando, tú seguirás perpetuamente siendo el que eras, íntegro, sensible, nuestro.

En este monólogo, Inma Cuevas nos recita un poema, un canto de desolación y desasosiego cargado de ternura y nostalgia. Un estremecimiento en forma de palabras, de silencios, de voz quebrada, de pugna entre hundirse o subsistir en un recuerdo entre la soledad o salir adelante, con la conciencia de los sentimientos. No, no está loca por escribir cartas a su hijo, por lanzarlas al viento, de esa manera lucha y, de alguna forma, es capaz de afrontar tanto sufrimiento.

Basado en un texto de Alba R. Santos, la actriz se autodirige e interpreta con toda la sensibilidad demostrada en otros trabajos, que su canto es libre y necesario, terapéutico, sentido, en un vaivén de entre el pasado y lo que sucederá luego.

Lo que tú nos dejas es un texto herido del corazón, son los órganos de un chico joven que servirán para otros, es el amor sin pretenderlo. Palpita vivo este soliloquio, dulcemente triste, luz tenue de sentimientos que vadean noches, olvidos, silencios.

Amor y palabras, voz y escritura, poesía que no busca el éxito, que se aproxima a ti desde la emoción y resurge desde la sombras y la pesadumbre hasta encogerse el corazón, huérfana y errante que busca encontrarse en un sueño de irrealidad que conecte con lo que está viviendo.

No te olvidaré, hijo, por eso te escribo esto. Nos dejaste, pero sabemos que no estamos solos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

El retorno de las brujas 2: Un acertado autohomenaje a todo un icono de la cultura pop

Ya hemos podido ver en primicia la esperada El retorno de las brujas 2 que llega hoy a Disney +. Es conveniente echar un poco la vista atrás para entender cómo un proyecto en el que pocos confiaban se terminó convirtiendo en un auténtico clásico de culto de la factoría del ratón Mickey. Para ello viajamos en escoba al verano de 1993 cuando llegaba a los cines un largometraje concebido para la fiesta de Halloween. Llega así en una época muy poco propicia Hocus Pocus (aquí El retorno de las brujas), una cinta en la que pocos directivos de la Walt Disney Company confiaban. Solo la presencia de una super estrella como Bette Midler hizo que la balanza finalmente se decantase por estrenarla en salas de cine en lugar de en el emergente Disney Channel. Recaudó de milagro lo que había costado, no era la calima veraniega un buen tiempo para una historia de Halloween que no encontró su hueco en esas fechas por el estreno de Pesadilla antes de Navidad.

Entonces, ¿Cómo es posible que una generación como la mía incluyese esta cinta entre sus particulares pasiones cinéfilas infantiles? Pues por un lugar mágico en el que cada semana teníamos para elegir decenas de títulos. Sí, yo alquilé (una y otra vez) El retorno de las brujas en el videoclub Magallanes a escasos metros de mi casa en Santander. La generación de esta película somos eso que llaman «la generación del videoclub». Yo y otros millones de niños esperábamos ansiosos ese momento de volver a revisar las novedades en las estanterías de esos lugares inolvidables que hemos sustituido por las plataformas de streaming. En cuanto al éxito de El retorno de las brujas en España mucha culpa la tuvo ela posterior emisión en el inolvidable espacio televisivo Cine Disney gracias al cual muchos niños nos enamoramos de la magia del séptimo arte. En fin, con los años esta película en la que nadie parecía confiar se terminó convirtiendo en un guilty pleasare cuando nos volvíamos adultos. De repente, un día con el tiempo descubríamos que en el fondo muchos seguíamos hechizados por el embrujo de las hermanas Sanderson. Así al hacerse masivo y notorio este ‘placer culpable’ se convertiría en un clásico de culto de Disney con la consiguiente salida al mercado de Funkos, figuras varias, camisetas y todo tipo de merchandising, aunque incomprensiblemente la película no se haya editado nunca en España en bluray. Bendito Disney + que nos permite disfrutarla con el doblaje original en español y combinarlo por supuesto con la versión original cuando se tercie.

Tras muchos rumores de una hipotética secuela, llegó el momento. Nada menos que 29 años después y con las tres intérpretes originales. Sí, señoras y señores The witches are back como reza esta adaptación del mítico tema de Elton Jhon con el que nos deslumbran estas tres brujitas, muy especialmente la inmensa Bette Midler que sigue llevando para nuestra fortuna la voz cantante de esta secuela. Y sí, como en la cinta original la música vuelve a jugar un papel importante aunque no escucharán ese tema que todos están esperando. Y, ¿saben qué? Que no importa, su «sustituta» es nada menos que One way or another que al igual que pasaba con I put a spell on you cuenta con la adaptación, arreglos y letras adicionales -al igual que muchos de los proyectos de Midler- del genial Marc Shaiman que definió a la diva en nuestra reciente entrevista como «la mejor artista de nuestro tiempo». La banda sonora original vuelve a ser de John Debney. La escena por momentos es una mímesis de la escena del carnaval de la cinta original. Es parecido, pero no es lo mismo. El número se hace más grande aún con unas estupendas coreografías de todos los ciudadanos de Salem que derivan en una especie de flashmob según el alcalde al que persiguen nuestras protagonistas. En ese concurso tan especial incluso hay un guiño drag a las propias hermanas Sanderson que se han convertido en todo un icono para la cultura LGTBI desde hace varias décadas y es que estos personajes son pura cultura pop que afortunadamente traspasan generaciones. Hay más guiños y algún easter egg a la película original, pero es mejor que los descubran por su cuenta.

Kathy Najimy as Mary Sanderson, Bette Midler as Winifred Sanderson, and Sarah Jessica Parker as Sarah Sanderson in Disney’s live-action HOCUS POCUS 2, exclusively on Disney+. Photo by Matt Kennedy. © 2022 Disney Enterprises, Inc. All Rights Reserved.

No me quiero olvidar de algo en lo que acierta de lleno esta secuela. En emular la nostalgia sin destrozar nuestros recuerdos a base de innecesario CGI y efectos digitales a cascoporro. Uno tiene la sensación de que esta secuela se podría haber hecho hace muchos años y eso para ese niño que iba cada viernes al videoclub a alquilar sus películas favoritas es importante. Algo parecido me ocurrió con la inolvidable El regreso de Mary Poppins. A pesar de las incorporaciones -incluidas esas niñas mini Sanderson que nos sirven para poder decir que el comienzo es una especie de precuela y que ralentizan en exceso la aparición de las verdaderas protagonistas- lo mejor sigue siendo tener de vuelta a Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy, una de esas actrices cómicas de los 90 que con su simple presencia se gana el cariño del público-les recomiendo que la vean no solo en Sister act, también en la muy reivindicable Ratas a la carrera junto a los mejores cómicos de varias generaciones.

Kathy Najimy as Mary Sanderson, Bette Midler as Winifred Sanderson, and Sarah Jessica Parker as Sarah Sanderson in HOCUS POCUS 2, exclusively on Disney+. Photo by Matt Kennedy. © 2022 Disney Enterprises, Inc. All Rights Reserved.

En definitiva, El retorno de las brujas 2 es un producto cinematográfico divertido que bebe de la nostalgia, pero que aporta un ratito de diversión de lo más disfrutable con 3 viejas conocidas y hasta un zombie que vuelve a ser ese genio y figura que es Doug Jones. Desde luego, un buen motivo de verdad para suscribirse a Disney +, aunque -llámenme nostálgico si quieren- me hubiese encantado ver la película dirigida por Anne Fletcher -que releva al inolvidable Kenny Ortega seguramente para darle un toque más femenino a esta entretenida historia- en pantalla grande. Por cierto, al entretítulos tienen momento musical de primera y al finalizar hay escena poscréditos. De nada.

Doug Jones as Billy Butcherson in HOCUS POCUS 2, exclusively on Disney+. Photo by Matt Kennedy. © 2022 Disney Enterprises, Inc. All Rights Reserved.

Emilio Aragón y el Teatro del Soho de Antonio Banderas presentan el elenco de GODSPELL

Pepe Nufrio, Víctor Ullate, Angy Fernández, Roko, Aaron Cobos, Andro Crespo, Jana Gómez, Raúl Ortiz, Laia Prats, Noemí Gallego, Javier Ariano, Nuria Pérez, Daniel Garod y Mónica Solaun forman el elenco de Godspell, el musical que dirige Emilio Aragón -con el que hablamos el año pasado- este otoño en el Teatro del Soho de Málaga.

Los 14 intérpretes, con amplia experiencia en el mundo del musical y de la televisión, ensayan intensamente el espectáculo estos días para que el próximo 3 de noviembre todo esté a punto en su estreno en el Teatro del Soho CaixaBank.

Godspell, creado por John-Michael Tebelak, con música y letra de Stephen Schwartz, llega de la mano de Antonio Banderas y Emilio Aragón en una nueva versión, donde el clásico de Broadway será transportado a 2022. Estará producido por el Teatro del Soho CaixaBank y Estudio Caribe.


“Y, al final del viaje, cuando sintamos que todo acaba, que la oscuridad lo inunda todo, Godspell nos recuerda que hay esperanza, que todo empieza de nuevo, que ahí afuera, hay una nueva pasión”. Las entradas están ya disponibles en nuestra página web http://www.teatrodelsoho.com, y en todos los puntos de venta de El Corte Inglés.

Lo que tú nos dejas y Lavar, marcar y enterrar el musical: El doblete escénico con el que volveremos a vibrar con Inma Cuevas

Las próximas semanas se presentan muy intensas para una de nuestras intérpretes más queridas. Por un lado, Inma Cuevas retoma su emocionante Lo que tú nos dejas en el Teatro del Barrio entre el 28 de septiembre y el 12 de octubre. Por otro, vuelve a sacar su vena musical en la esperada adaptación al musical de Lavar, marcar y enterrar desde el 21 de octubre en el Teatro Lara.

Lo que tú nos dejas llega con una importante novedad al espacio escénico de la Calle Zurita de Madrid. Así, Cuevas propone una alianza con el público, que podrá dejar sus cartas en un buzón que colocaremos, para la ocasión, en el vestíbulo del teatro. Ojo: la condición es que esas cartas sean manuscritas. Cartas que quedaron pendientes, cartas que jamás nos atreveríamos a enviar, cañeras, tristes, a personajes inventados o a la Agencia Tributaria… Cuando tenga una buena tanda, Inma las leerá en vídeos que se difundirán en las redes sociales del Teatro del Barrio, y se expondrán todas en la Sala de los Balcones.

Sobre el escenario veremos una historia en la que Inma Cuevas comparte protagonismo con la correspondencia que su personaje le ha escrito a su hijo. Quiere sentirlo cerca y es la vía más íntima que ha sabido crear para transmitirle cómo le ha ido en aquello que es esencial: el amor, la amistad, la familia. También cómo ha encarado dificultades como la soledad o el duelo, experiencias que, paradójicamente, la han aferrado más a la vida aun siendo devastadoras. Sincerarse así no le ha resultado fácil: “Pasé años sin un solo libro en la mesilla de noche. Hasta que decidí escribirte a ti”, explica. “Es la única forma que encontré de sentirte menos lejos, de sentir que me escuchas, que aún puedo contarte cosas del pueblo que leerás entre la reunión con aquellos, el negocio con los otros, la boda de unos amigos, mientras llevas a tus niños al parque. Una carta se lee en cualquier parte”. Un texto de Alba R. Santos con el que nos emocionamos en el Teatro Galileo y a buen seguro volverá a ocurrir lo mismo en el Teatro del Barrio.

Tras su exitoso paso por el Teatro Lara como obra de texto, con más de 20.000 espectadores y 6 años en cartel, Lavar, marcar y enterrar tendrá una segunda vida como un musical loco y completamente renovado con la incorporación de nuevos personajes, nuevo formato y un ritmo trepidante apoyado en temas originales de José Masegosa. Por supuesto, uno de los alicientes será contar con el talento de Inma Cuevas en su reparto junto a otros estupendos intérpretes como Jacinto Bobo, Eva María Cortés, Sara Navacerrada, Sergio Campoy -que estuvo durante años brillando en el montaje original de Juanma Pina-, Alberto Sánchez-Diezma y Antonio Villa

Lavar, Marcar y Enterrar, el musical es una comedia disparatada donde secadores de pelo, cuchillas de afeitar, cadáveres y mucha estupidez, se dan de la mano para organizar un secuestro con aroma a desastre.

¿Pueden unas paredes esconder melodías de tu pasado?¿Podrás construir tu futuro cometiendo un delito? La peluquería Cortacabeza es el núcleo dónde 4 disparatados personajes y 3 sorpresas inesperadas, se dan cita para redefinir sus vidas, y decidir quizá, si todo va mejor cuando pruebas a ser peor.