Llega»Matilda»a España: SOM convoca castings para su elenco adulto

SOM Produce, la responsable de éxitos como Grease o Billy Elliot, convoca castings para los personajes adultos de Matilda, una esperada producción que estrenarán la temporada que viene en Madrid. De nuevo contarán con la dirección y adaptación de David Serrano. Las coreografías correrán a cargo de Toni Espinosa, el diseño de iluminación será de Juan Gómez Cornejo y Carlos Torrijos, el diseño de escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda, el diseño de vestuario de Antoni Belart y el diseño de Sonido de Gastón Briski.

Esta convocatoria se une a otras que ya os anunciamos como la de Los Chicos del Coro y la de School of Rock para una temporada que viene que ya nueve meses antes promete grandes emociones para los amantes del musical.

Se buscan los siguientes papeles:

  • Sra Trunchbull: Varones entre 35-55 años. Alto nivel en canto e interpretación. Nivel medio de danza.
  • Mrs Honey: Mujeres entre 25-40 años. Alto nivel en canto e interpretación. Nivel medio de danza.
  • Mrs Wormwood: Mujeres entre 25-45 años. Alto nivel en danza, canto e interpretación.
  • Mr Wormwood: Varones entre 25-45 años. Alto nivel en canto e interpretación. Nivel medio de danza.
  • Elenco femenino: Mujeres entre 25-32 años. Alto nivel en danza, canto e interpretación.
  • Elenco masculino: Varones entre 25-32 años. Alto nivel en danza, canto e interpretación.

Las personas interesadas deben enviar su CV y foto (cara y cuerpo) a audiciones@somproduce.com.

«Viaje por la magia de Disney» del Sanpol o La historia de nuestras vidas por Alberto Morate

Walt Disney. La historia de nuestras vidas. De cuando éramos pequeños, de cuando nuestros hijos eran pequeños, de cuando nuestros nietos son pequeños.

Mis hijas se sabían diálogos y canciones de memoria. Y los padres/madres también, de tanto repetirlas y escucharlas. Y nunca cansaban. Pasaba el tiempo y se volvía a ellas. Por Navidad, por vacaciones, por Semana Santa, porque era domingo… Se colocaban enfrente del televisor y a disfrutar de la magia Disney, porque era eso. Auténtica magia. Y si se podía ir al cine a ver alguno de los últimos estrenos, mejor que mejor. Entonces era una fiesta.

Y, debemos confesar sin miedo, que a todos, grandes y pequeños, nos gustaban. En algún momento hemos podido decir: “qué ñoñerías, qué de almíbar”, pero estoy seguro que una lágrima de emoción se resbalaba por nuestra mejilla en algún momento disimulado y, desde luego, las sonrisas estaban garantizadas.

El colorido, el ritmo, los personajes malvados, los personajes tiernos, el enrevesamiento de la trama, la cuestión social, la defensa de la naturaleza, los roles asignados que fueron, poco a poco, perdiendo fuelle y reivindicando los posicionamientos de género, las hadas, los animales, la familia, el amor, la historia de nuestras vidas. Y las canciones. Siempre aderezadas con magníficas canciones.

Y eso es lo que hoy nos trae la impecable compañía La Bicicleta del Teatro Sanpol. Un Viaje por la magia de Disney. El tributo a aquellas cintas de inolvidables voces, al principio dobladas con acentos latinoamericanos. Era el color en la voz. Eran las coreografías y el ingenio, era la musicalidad de los sentimientos, eran los sentidos a flor de piel.

En el escenario, superando la imagen plana de la gran pantalla o de la televisión, los personajes más emblemáticos de la factoría Disney, se hacen reales, Mary Poppins, Aladdin, Mulan, Frozen, La sirenita, La Bella y la Bestia, Hércules, Enredados,… accesibles, sin traducción, sin doblaje, cantando en voz viva, clara y limpia, proporcionando emoción, diversión, participación,… acogiéndonos en el seno de los buenos recuerdos.

Disney descongelado. Sencillo, abierto, integrado en nuestras vivencias, con unos magníficos vestuarios y efectos especiales de escenografía y luces, a lo que ya nos tiene acostumbrados este Teatro de todos los públicos.

Títulos y canciones que recordamos como nuestros, intrínsecamente mágicos, alucinados de música y alegría. Inocencia recuperada que nos hace mejores.

¡Ojalá realmente fuera así la historia de nuestras vidas!

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

«Los chicos del coro» busca a sus protagonistas para su adaptación escénica que llegará a La Latina en 2022

Hace unos días todos los que amamos la película Los chicos del coro nos llevábamos una gran noticia. En 2022 la celebrada cinta francesa saltará a los escenarios españoles. Será el 16 de noviembre del 2022 en el Teatro La Latina y os iremos adelantando todos los detalles a medida que sepamos un poco más sobre este inesperado musical que seguro nos contentará a los fans de una de las mejores cintas de la historia del cine francés reciente.

Lo que si os podemos avanzar ya es que andan a la busca de los futuros chicos del coro españoles como podéis ver en la convocatoria que nos han facilitado desde la producción del espectáculo para los protagonistas infantiles. Las fechas serán los días 22, 23, 29 y 30 de enero. Además, también nos avanzan que necesitarán dos directores de corales para el proyecto.

Con el precedente de la exitosa cinta del país vecino, solo podemos desear lo mejor al equipo de esta producción que ya ha estrenado página web.

Además, van a tener la mirada puesta en el colectivo de las corales desde estos primeros pasos de la función y es que los miembros de la Federación Madrileña de Corales tienen un descuento privado y exclusivo antes de que el espectáculo salga a la venta de forma oficial en 2022 y contarán con un 25% descuento.

5 momentos de un año DESDE MI BUTACA marcado por pérdidas irremplazables

La vuelta de los grandes musicales en un año que acaba con la pérdida de un ARTISTA ‘bestial’

El pasado mes de septiembre, tras la sequía de año y medio con excepciones como ¿Quién mató a Sherlock Holmes? en Madrid y La jaula de las locas en Barcelona, volvían los musicales de gran formato. Con el regreso de El rey león como adalid de la recuperación, se estrenaron multitud de títulos tanto en las dos principales arterias del género como incluso en gira. Estos días lamentamos que el dichoso Omicron haya impulsado a cerrar por unos días dos de los grandes títulos: Ghost y Tina, precisamente en la Gran Vía. Atentos que en breve os avanzaremos algunos de los títulos que, crucemos dedos, llegarán en el 22. De momento podéis visitar nuestros dos especiales sobre la temporada actual en la que además despedimos a Sondheim con un sentido homenaje. Otra pérdida que ha llorado el mundo del musical ha sido la de Carlos Marín, cuya bestia hace más de 2 décadas nos enamoró del género a muchos. El dichoso ‘bicho’ se lo ha llevado demasiado pronto. Teníamos demasiadas ganas de disfrutar aún de su talento. Te recordaremos con esa eterna sonrisa con la que iluminaste escenarios como los de esa Gran Vía a la que volviste con un show maravilloso al más puro estilo de Las Vegas de la mano de tu querida Innocence, compañera de escena y vida desde hace varias décadas.

Otros grandes espectáculos, al margen del teatro musical, han venido de la mano del circo con Productores de Sonrisas. A los deliciosos Clowns se han sumado una nueva entrega de El Circo de los Horrores -que a su socarrón humor suman un número circense de una belleza poética que encoge el alma- y el Circlassica con el que Emilio Aragón ha homenajeado a su padre Miliki. Podéis recuperar nuestro encuentro con este referente del mundo del espectáculo. No queremos olvidarnos tampoco del pequeño formato que ha seguido tirando del carro en tiempos difíciles ni mucho menos del teatro familiar con propuestas como la del Teatro Sanpol que siguen ‘creando espectadores’ temporada tras temporada. Por estos tiempos díficiles solo podemos aplaudir el empeño de florecientes productoras como Sing_us que esta temporada se ha embarcado en proyectos tan maravillosos como The Royal Gag Orchestra y Payaso!

Cuéntame cómo pasó… La Pandemia y el final de un late que es ya historia de la televisión.

Afortunadamente, los creativos han decidido no dar mucho espacio en la ficción a la dichosa pandemia que nos ha hecho la vida imposible también en 2021. Poca acertada fue la decisión de nuestra ficción más longeva de darle hueco en sus tramas. Corramos un tupido velo y esperemos que la nueva temporada nos resarza de esta olvidable temporada a pesar de la participación de nuestro queridísimo Carlos Hipólito. Los Alcántara desde luego se merecen al menos otra temporada más a la altura de su legado televisivo. Para legado el que deja Late Motiv. He de admitir que en el último programa incluso me saltó una lagrimita con esos inesperados momentos. Andreu Buenafuente ha hecho el programa que quería hacer y eso se ha notado con amistades como el siempre impecable Miguel Rellán y por supuesto la música en directo, a la que tuvimos el placer como agencia de comunicación de contribuir con el musical Iberian Gangsters. Precisamente El Terrat ha estrenado Maricón Perdido, uno de los seriotes del año, y la divertidísima obra El éxito de la temporada que en su versión en catalán se emitirá en TV3 el próximo día 1 de enero. Se nos va un referente de Movistar, esa plataforma que nos ha traído regalos como B.S.O, la vuelta a lo grande de Emilio Aragón, La Fortuna, Lola, Milá versus Milá o Susi Free, propuestas marcadas por la diversidad y la calidad.

La despedida de ‘La Velasco’ y el impulso de Raphael y José Sacristán, la constatación de que la veteranía es un grado. Este año despedimos a Concha Velasco de los escenarios. De hecho, estuvimos en una de sus últimas funciones en el Teatro Arriaga de Bilbao. Se ha despedido como se merece. Por la puerta grande y con su público en pie. Afortunadamente nos quedan aún algunos artistas que parecen tener mecha y cuerda para rato. Un caso paradigmático sin duda es el de Raphael que ya en el 20 sorprendió haciendo dos multitudinarios conciertos -dentro de lo que se permitía. En el 21 ha repetido y ha sacado disco en directo. En el 22 comenzará estrenando serie documental en Movistar. Es admirable ver como sigue dando sus dos horas y media de recital tan puntual como siempre y con esa energía desbordante que nos puso en pie al público del Wizink Center hace solo unas semanas. Lo mismo puedo decir de José Sacristán que a sus 84 años ha homenajeado con El hijo de la cómica a su adorado Fernán Gómez. Charlamos con él y pudimos disfrutar con él en el Fernán Gómez en el que ha sido uno de los acontecimientos escénicos de la temporada.

El Flaco retrata a Concha junto a Berlanga y Juan Diego, inmenso en El Cover

La eclosión (aún más si cabe) del streaming. Ha sido un gran año para las plataformas de streaming. De eso no hay duda. Una de las últimas en asomar la patita ha sido la versión MAX de HBO. Con ausencias en nuestro país aún injustificables como las excelentes Las Brujas o In The Heights -tampoco editadas en formato físico-, la plataforma ha volado alto gracias a la última temporada de las (tragicómicas) aventuras de Juan Carrasco y al éxito de la ficción de Abril Zamora. Eso sí, para mí, las series del año se han visto en Disney +. Contra todo pronóstico ha sido Bruja Escarlata y Visión una de las series del año. Me resulta extraño al no ser precisamente yo el público habitual de superhéroes y mamandurrias Marvel varias. Desde el primer capítulo me ha fascinado, sin contemplaciones. Lo mismo podría decir de Solo asesinatos en el edificio, que de entrada me pudo interesar por esa cosa nostálgica que te invade cuando ves algo que puede parecerse a Se ha escrito un crimen. La serie no deja de sorprender en cada capítulo gracias a unos ingeniosos guiones y a la química de los protagonistas -y los deliciosos secundarios y episódicos que están de 10. No, no creí que acabaría el 21 diciendo que sí, Steve Martin vuelve a molar y mucho.

Un año DE CINE… a pesar de la partida de ‘La Forqué’. El último gran estreno del año en plataformas cuenta con la colaboración de Verónica Forqué. Nos hubiese encantado despedirla como ella se merece, en pantalla grande, pero nos queda el consuelo de que nos acompañó en una de las noches más mágicas del año a través de Netflix. Aún con el recuerdo de esas Cosas que sé que son verdad con la que nos desgarró el alma, queremos recordarla con esa eterna sonrisa llena de luz. Este año hubieran cumplido 100 años, como la Rafaela Aparicio de Saura, dos GENIOS incontestables como Berlanga y Fernán Gómez. Es tan difícil resumir su legado que solo podemos recomendar que echéis un ojo a Bienvenido Mr. Marshall, La saga Nacional, El viaje a ninguna parte o Esa pareja feliz, la unión de los dos genios (más Juan Antonio Bardem) en una cinta. La música ha estado muy presente entre nuestros gustos de este año con El Cover, West Side Story, El amor en su lugar, In the heights, Encanto, Respect y saliendo del musical nos quedamos con los inmensos Javier Bardem-no está nada mal Being the ricardos en Prime- y Óscar de la Fuente -echadle un ojo también en la espléndida Reyes de la noche en Movistar. En este 21 también ha cumplido años dos clásicos incontestables de Disney como son El jorobado de notre dame -25 años- y La Bruja Novata -50 años- dos películas a las que creo que poco a poco se está poniendo en su lugar en la historia del cine. Sin duda marcaron una época para el estudio como dejaré constancia en el libro que estoy preparando para el 2022. Pero esa es otra historia. Por ahora, echamos el telón del 2021 con la experanza de que el año que viene haya mucho más teatro, circo, cine, música, lecturas, buenas series y emociones DESDE MI BUTACA, que cumplimos por cierto 17 años en marzo. Ahí es nada.

A 10.000 kms de la Navidad, la última película de Verónica Forqué en Netflix

«Hansel y Gretel» del Sanpol o Cuéntame un cuento y verás qué contento, por Alberto Morate

Cuentos de toda la vida. Instantes que recordamos porque los revisitamos constantemente. Primero nuestros padres y abuelos con nosotros, después en el colegio, más adelante sobrinos e hijos propios, después los nietos. Aunque no queramos darnos cuenta, y la cultura esté tan denostada, esa es nuestra existencia. Nos gusta que nos cuenten historias. Ya lo decía León Felipe: “Yo no sé muchas cosas es verdad, pero me han dormido con todos los cuentos y sé todos los cuentos”.

Aquí lo que nos planteamos es la forma de contarlos. Como profesor de Oratoria les pedí a mis alumnos que contaran un cuento. Pero que lo hicieran atractivo, que no fuera solo relatar el resumen. Que hicieran voces, pausas, miradas y, si fuera necesario, canciones. Claro, por falta de experiencia y cierta vergüenza, fue un simple resumen de argumentos. Ya irán aprendiendo.

Pero los que sí los cuentan bien, y muy bien, con canciones y bailes incluidos, con unas escenografías realmente bien trabajadas, con unos textos adaptados a los tiempos actuales y unos intérpretes ampliamente preparados, es la Compañía La Bicicleta. El lugar donde nos los cuentan, ya lo sabéis, el Teatro Sanpol, con más de 30 años relatando cuentos de forma maravillosa.

Esta vez le ha llegado el turno a Hansel y Gretel, en una versión del texto de los hermanos Grimm por Julio Jaime Fischtel. La dirección corre a cargo de Ana Mª Boudeguer, el otro 50 por ciento de este proyecto, que es una realidad consolidada después de tantos años, a pesar de crisis, pandemias, y Filomenas.

Para ello se rodean de grandes profesionales. El músico, Miguel Tubia, la colaboración de la Escola de Teatro Musical «Memory», y los actores, completísimos, de la propia Compañía.

Ellos sí nos cuentan bien los valores de esta historia, la superación de obstáculos y del miedo, la colaboración entre todos, el egoísmo de ciertas personas y, por contraste, la bondad de otras, el ingenio para no caer en el pesimismo, la amistad por supuesto, es decir, la solución a los problemas.

Motivos suficientes para asistir a que nos cuenten estos cuentos tratados con la delicadeza del arte necesario. Porque, aunque sepamos todos los cuentos, nos gustan más si nos los cuentan de esta manera.

*Hansel y Gretel permanecerá hasta el 2 de enero en el Sanpol -consultar fechas y horarios. A continuación llegará Viaje por la magia de Disney.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

El legado de un GENIO en nuestros escenarios: La noche en que Sondheim golpeó con los puños en señal de aplauso

Es un eslabón que ha recogido toda la tradición del musical sirviendo de espejo y relanzamiento de generaciones posteriores”. Al otro lado del teléfono está Mario Gas, el director que mejor conoce en nuestro país -y probablemente en el mundo- el legado que deja un creador inabarcable como Stephen Sondheim. De su mano y de los que hasta la actualidad lo han montado recorremos las puestas en escena de sus musicales en nuestro país como homenaje al genio que nuevas generaciones seguirán recordando por el inminente estreno cinematográfico de West Side Story. Además, por primera vez, dos producciones de sus musicales se encuentran en cartel en España: Company en el Teatro del Soho de Málaga con Antonio Banderas a la cabeza y Golfus de Roma en el Teatro La Latina con Carlos Latre como protagonista.

En días como estos es inevitable echar la vista atrás para el equipo que allá por 1995 montó el Swenney Todd que contó con el beneplácito del propio compositor que recordaba esa noche de estreno como uno de los grandes momentos de su carrera. Mario Gas llevaba desde el 84 intentando montarlo y cuando el Centro Dramático de Cataluña le dio el beneplácito comenzó una de las aventuras escénicas más emocionantes de su carrera. Durante los castings, una actriz insistía una y otra vez en participar. Su nombre es Muntsa Rius: “Fue un flechazo tan bestial que yo quería hacer todos esos musicales que había escuchado en las casettes que un amigo me pasó para prepararme repertorio de teatro musical”, comenta la emocionada intérprete que estos días representa Billy Elliot en Barcelona. Al final, consiguió audicionar para Johana, pero Mario Gas le planteó cortarse el pelo y convertirse en un chico. El final de esta historia no pudo ser mejor: “Me hizo el mayor regalo de mi carrera”, comenta Rius.

Rius compartió escenario con Asunción Balaguer, cuya relación resume esta foto de Follies

“Tuve la suerte de estar cerca de un genio”. La noche de estreno de Sweeney Todd en Barcelona no fue precisamente como habían pronosticado a Gas y a toda la compañía. En principio, el maestro no se quedaría al final de la representación para conocer a la compañía, pero en el descanso ya ocurrió lo que no se podían ni imaginar: “En mitad de la función vino Mario Gas y nos dijo que estaba loquito por lo que estábamos haciendo y que finalmente quería conocernos después de la función. Terminó en el escenario dando con los puños en el suelo en señal de aplauso”, recuerda Muntsa Rius, la actriz que probablemente más musicales de Sondheim ha interpretado en nuestro país.

Un emocionado Sondheim en Barcelona en el momento que da título a este reportaje

A partir de ese momento, el director de la extraordinaria La Tabernera del Puerto -recientemente recuperada con gran éxito en el Teatro de la Zarzuela- mantuvo una relación epistolar de lo más especial con Sondheim. Le mandaba todas las grabaciones e imágenes de cada una de sus producciones. En esos días mágicos que vivió junto a él descubrió a “una persona sensible, inteligente, cercana y simpática”. El también director de A little night music habla de esta figura inabarcable como “Un hombre que nunca ha hecho musicales evasivos, siempre tratan sobre la condición humana”. Esa relación se ha extendido hasta casi sus últimos días con la posibilidad de montar un par de montajes de sus obras en Madrid y Barcelona. Lamentablemente ni siquiera los teatros públicos, que han sido casi siempre productores o coproductores de sus musicales en España, vieron viable sacar adelante sus producciones en la última década, ya que hace casi diez años del Follies que puso en pie al patio de butacas del Español día tras día.

Un título del autor que no todo el público sabe que se hizo en España fue Into the woods de la mano de Dagoll Dagom. En esa producción, Sergi Albert pudo comprobar lo difícil que es de entrada “entender su música y pude dar fe de lo fácil que se hacía con sus textos pasar de lo escrito a las canciones”, comenta el intérprete de El guardaespaldas que estos días recala en Barcelona.

“Los personajes en mis obras empiezan a cantar cuando ya no pueden hablar”. Carlos Hipólito, protagonista del inolvidable Follies que vimos en el Español en 2012, parafrasea al propio Sondheim para dejar constancia de lo que ha significado en la historia del musical este autor de trayectoria inenarrable. Entre los avances que supusieron sus musicales, Hipólito pone en primer término que Sondheim “fue de los primeros que introdujo las canciones como monólogos interiores de los personajes, revolucionó el teatro musical que era más banal hasta entonces».

Inolvidables Muntsa Rius y Carlos Hipólito en Follies

El intérprete de Desaparecida pudo comprobar en primera persona durante las funciones que “las letras y las músicas de Stephen Sondheim ayudan infinitamente a los intérpretes a avanzar en la historia. Cada palabra y cada canción es una emoción nueva. Fue un orgullo y fue muy difícil ya que tiene grandes dificultades a nivel de afinación e intensidad, pero fue un disfrute maravilloso”, concluye el protagonista de la obra Rita.

Uno de los brillantes números de Follies

“Afortunadamente, Antonio Banderas se ha tirado a la piscina desde la producción privada”. Preguntamos a Mario Gas por el Company que acaba de estrenar el malagueño más universal de nuestro cine. Todo un hito ya que probablemente sea la primera producción 100% privada de un musical del citado compositor en nuestro país. Mario Gas admite que “tengo unas ganas tremendas de ir a verlo a Málaga, tengo muy buenas referencias”. Golfus de Roma –al que nos referiremos como cierre de este reportaje- cuenta con la coproducción del Festival de Teatro Clásico de Mérida junto a Focus por poner el ejemplo más reciente.

La noche en que Being Alive cobró más sentido. Tras la función del viernes, Antonio Banderas reflexionaba así sobre la pérdida de Sondeim: “Ahora recién llegado a casa, todavía con maquillaje en la cara, lloro la muerte de nuestro maestro, una de las grandes leyendas del teatro musical. Un gigante. Descanse en paz”.

Sobre el escenario del Teatro del Soho de Málaga, un reparto de primer nivel defiende con más emoción que nunca Company estos días. Para Rubén Yuste: “Es un regalo y un reto poder interpretar sobre el escenario la música de un genio que por las temáticas que trata es considerado el Shakespeare del teatro musical”. Para el veterano Paco Morales: «Hacer un Sondeim es un lujo y un reto increíble. En este momento en que nos ha dejado su legado me siento un afortunado de estar viviendo lo que estoy viviendo en el Teatro del Soho con Antonio y el grupo de gente que nos subimos al escenario».

Posado del equipo de Company

Un genio de la melancolía cuyo mayor éxito comercial es una disparatada comedia. La trayectoria comercial de Sondheim es cuanto menos ‘curiosa’. Lo dice muy claramente Daniel Anglés: «A excepción de A funny thing happened on the way to the forum ninguno de sus títulos es para el gran público». Ahora brilla con luz propia en las marquesinas del Teatro La Latina con un reparto liderado por Carlos Latre en la versión española que como es habitual se ha traducido como Golfus de Roma.

“Es un regalo empezar en los musicales nada menos que con Stephen Sondheim”. Cuando murió el autor de Follies, Carlos Latre y toda la compañía de Golfus de Roma estaban representando la obra en una función que le dedicaron. El intérprete admite que: “Para mí, Sondheim es mi unión con el mundo del musical ya que cuando empecé a cantar fue con temas de sus musicales”. Desde luego es una gran pérdida cuyo legado quedará patente siempre: “Es tan importante que siempre será parte de nuestra vida”.

Mérida y Sondheim, dos sueños cumplidos para Eva Diago. Una de las intérpretes de Golfus de Roma comenta que con este espectáculo ha cumplido dos cuentas pendientes de un artista, pisar las tablas de Mérida e interpretar un musical de Stephen Sondheim. Para la inolvidable Mrs Thenardier de Los Miserables: “Es un maestro de maestros, creador de grandes musicales con números y letras impactantes, quizás porque como él decía: se metía en la piel del personaje. Entendía su situación emocional y de ahí salían esas maravillas”.

«Con Sondheim el compositor entra en la dramaturgia de la forma más profunda posible». Para Daniel Anglés, director de Golfus de Roma, el genio de la escena «ha redefinido cómo se cuentan los musicales». Aunque sus títulos no sean para la gran masa del público «pero nos deja títulos que son importantes por lo que han cambiado la historia del género a a nivel de riesgo y concepto». Desde luego solo podemos acabar haciendo nuestras las palabras con las que concluye Anglés: «Los musicales de hoy no hubiesen sido como son si no hubiese existido Stephen Sondheim».

Yolanda Pérez Abejón: «Stage vuelve con la misma energía que antes de la Pandemia»

En marzo de 2020 la Gran Vía se fundió en negro como nuestras propias vidas con la llegada de un virus del que entonces sabíamos bien poco. Las marquesinas de la arteria de los musicales por excelencia dejaron de brillar y con ellas el rey de la escena se ha mantenido dormitando en su larguísimo letargo. Afortunadamente, el sol volverá a brillar este jueves cuando El Rey León vuelva al Lope de Vega. Lo hará con el 100% de aforo y con todas las medidas sanitarias pertinentes. De todo ello charlamos en la presentación de este musical con la máxima responsable de Stage Entertainment España, Yolanda Pérez Abejón, con la que charlamos por primera vez DESDE MI BUTACA.

¿Cómo han vivido este más de año y medio sin actividad en Stage Entertainment?

Ha sido muy complicado. En nuestro caso cerramos completamente. En otros sectores han podido seguir aún con bajadas de facturación. Han sido 18 meses muy duros. Fue pasar de todo a nada. Mi única obsesión era mantener la viabilidad de la empresa hasta poder volver a empezar como si todo esto hubiese sido un mal sueño.

Esta semana se recupera el 100% del aforo, ¿se está notando en las ventas?

Lo deseábamos con fuerza. Hemos ido de la mano de la Comunidad y del Ayuntamiento en estos meses. No es solo que se pueda llenar el aforo. Es también una constatación de que los teatros son espacios seguros y eso está animando las ventas claro. Poder abrir con el aforo completo es un paso más hacia la nueva normalidad.

Abrir con todas las localidades a la venta, ¿Supondrá la implantación de medidas sanitarias extra?

Vamos a a mantener los protocolos que ya teníamos preparados como el uso obligatorio de la mascarilla. Se mantendrá la entrada y salida escalonada, aunque ahora la normativa no lo exija. Así, evitaremos las aglomeraciones. Por otro lado, no abriremos el bar. Podríamos abrirlos, pero van a estar cerrados. No se podrá consumir nada en la sala.

Esta temporada la competencia en el campo de los musicales va a ser realmente inusitada, ¿Cómo lo valoráis desde Stage Entertainment?

Creo que la competencia es buena, te hace mejorar. Llegamos hace más de 20 años cuando no había casi competencia. Tuvimos que construir el sector. La gente joven ha crecido con los musicales y creo que hay hueco para todos. Crearemos una industria consistente. Habrá un efecto llamada al existir tantas posibilidades. En Broadway hay 23 teatros funcionando a pleno pulmón y se ha convertido en la referencia. España ya es el cuarto país del mundo en musicales.

Tanto es así que con este año escénico tan intenso parece que la posición como la gran capital en castellano de los musicales se va a consolidar…

Eso es. Hay mucha gente en el mundo que habla español. Ya está demostrado que tenemos la misma calidad y en nuestro idioma.

También llega Tina, el musical, ¿Cuáles son las claves de este gran espectáculo?

Más allá de las canciones que todo el mundo conoce, es un musical que cuenta una historia de superación de una mujer negra que triunfó pasados los 40. Es un musical original de Stage de la mano de la propia Tina Turner que como todos los que hacemos pretende transmitir mucha alegría, emoción y muchos sentimientos. Además de todo ello están sus hermosas canciones.

Antes de la Pandemia, comentasteis la intención de haceros con un tercer teatro en Madrid para poder traer nuevos títulos de Disney, ¿Sigue en vuestros planes?

Absolutamente. Sigo en ello y es que esa idea no ha cambiado para nada. Hemos vuelto como cuando nos fuimos. Con las mismas ganas, la misma energía y con ese plan en momento.

La situación sanitaria ha hecho que tuvieseis que adaptar tanto los ensayos como los castings de Tina que se hicieron en streaming, ¿Cómo habéis vivido este cambio de paradigma en el modo de trabajo?

Pues he de decir que mucho mejor de lo que esperábamos. A fin de cuentas estábamos conectando con países que no sabíamos cómo iba a funcionar. En los ensayos, se ha usado la mascarilla todo el tiempo posible al igual que se ha mantenido la distancia bastante. Además, se les hacen tests todos los días. Les tenemos muy controlados. Por lo demás, todo sigue igual.

Tina, el musical y El rey león estarán a la vez en la Gran Vía, ¿Cómo se imagina ese momento en que sus dos producciones por fin hayan levantado ya el telón?

Yo ya estoy emocionada viendo esta presentación. Voy a llorar seguro. Hemos estado soñando durante estos 18 meses con que ese momento llegase.

Aretha y ‘La Yuste’, las reinas de la cartelera DE CINE

Hoy os avanzamos algunos de los estrenos que llegan hoy mismo y el próximo viernes, 24 de septiembre, a las pantallas. Tres propuestas para disfrutar en las salas y una que lamentablemente solo podremos ver en nuestros hogares.

Hoy 17 de septiembre llegan a las salas dos destacados estrenos de cine español con irregulares resultados. Se trata de El club del paro y Sevillanas de Brooklyn.

De la primera poco más de un par de líneas podré comentar. La cinta, correctísima sin mayor pretensión que pasar un rato agradable que consigue de sobra, cuenta con un elenco en el que vuelve a volar alto el genio y figura de Carlos Areces que se lleva la película de calle. El chico De la Iglesia es un periodista en paro que no quiere renunciar a su vocación a pesar de las circunstancias y se encuentra por el camino con un puñado de gañanes con los que comparte cañitas y reflexiones alrededor de la barra del bar. Sin ser el título más desternillante del mundo, El club del paro tiene un acierto cómico importante en los guiños prepandémicos -la cinta transcurre justo a finales del 2019- que al menos a mí me sacaron una sonrisa. Un plan agradable para una tarde de fin de semana con referencias a nuestra idiosincrasia picaresca -ese señor al que llaman «el negro» podría ser uno de esos ñapas que siempre prefieren ‘sin factura’.

Caso bien distinto es el de Sevillanas de Brooklyn, una de las comedias más divertidas y con ese pellizquito emocional que hace que una película pase a ser algo más que «una de risas». Además de un guion ingenioso que, a pesar de que nos podamos imaginar el final casi desde el principio, no deja de buscarnos las cosquillas de la risa con momentos tan memorables como ese en el que por una serie de circunstancias esta familia tan poco convencional terminan en el piso de un atónito anciano. Yo al menos, alguna lagrimita de la risa me eché. Al final alguna lagrimita de la otra, de la del pellizquito emocional que comentaba antes también me eché la verdad gracias a la verdad de un trío de ases femenino y un actor que consigue también brillar en una película tan eminentemente femenina. Me refiero al inmenso Manolo Solo, por supuesto. Lidera el reparto Carolina Yuste… o mejor dicho… Yo ya la pongo el apelativo de ‘La Yuste’ como las grandes de la escena. Hay algo en la mirada de esta intérprete que traspasa la pantalla, que te llega al alma con cada gesto, con cada mirada emocionada y con una sonrisa que enamora. Aún en cartel con Chavalas, ¡otra JOYA incontestable!, no dejen de rescatar tampoco a su Amy en El Cover -que pueden verla en Prime Video donde se ha convertido en todo un fenómeno. La acompañan Estefanía de los Santos y María Alfonsa Rosso- que no pueden estar más maravillosas, como de costumbre. Tierna, divertida, emotiva, la película de Vicente Villanueva es una feel good movie que te dejará tan buen sabor de boca que querrás recomendarla a todo aquel al que quieras alegrarle la tarde.

Hoy también llega a las pantallas, en este caso de Prime Video, la adaptación cinematográfica del megahit de Broadway Everybody’s talking about Jamie. Justo antes de la Pandemia tuve la oportunidad de ver en el cine la grabación, impecable, del show original, y sinceramente lo disfruté muchísimo. Por eso tenía muchas ganas de ver la adaptación cinematográfica. Como siempre, en su paso al cine se ha tomado alguna que otra opción del todo discutible. Voy directo al grano. Los buenos musicales, los que insertan perfectamente las canciones en el lugar adecuado, resultando «orgánicos», es como que estás esperando que suene la canción en el momento oportuno. Yo estaba esperando con ganas ver cómo se había llevado a la pantalla uno de los numerazos del musical, The Legend of Loco Chanelle (And the Blood Red Dress). En cambio me encontré ese momento sustituido por un tema que parecía salido de la excelente Rocketman titulado This was me, ¿Pretenderán conseguir con ello una nominación a la mejor canción original? Podría ser… Yo desde luego no la nominaría. Tienen enlace de ambas canciones y sí, las comparaciones son odiosas. Vista con perspectiva no está mal la canción, pero no era necesaria. Más allá de esta anécdota la película funciona estupendamente y conserva las cualidades del musical original. En el reparto tengo claro que no hay nada comparado al trabajo delicado, emocionante y sensible que hace Sarah Lancashire como la madre de Jamie. Su interpretación de He’s my boy es de los momentos más bonitos y mágicos de la película. Una actriz que por cierto ya me había cautivado con su pequeña participación en Yesterday, el mejor homenaje que existe al imaginario de Los Beatles en la Gran Pantalla.

Dejamos lo mejor para el final, a pesar de la duración. El próximo viernes 24 llega Respect a los cines españoles tras una espera entiendo que dilatada por la dichosa Pandemia. Las expectativas estaban en lo más alto. La propia Aretha había recomendado que fuera Jennifer Hudson fuese su álter ego en la Gran Pantalla. El resultado es simplemente impecable, tanto en su interpretación como en este «canónico biopic musical merecedor de Oscar». La actriz de Dreamgirls llevaba años sin encontrar ese personaje con el que trascender hasta que este proyecto ha llegado a su vida. Llega un momento en que dejas de ver a la actriz y «ves» a Aretha y eso, más allá de caracterizaciones, solo lo puede conseguir un trabajo actoral de primer nivel. Bueno, a nivel vocal, poco puedo decir, desde luego que está a la altura de la original, pero no descubro nada. La secundan un estupendo y demasiado poco envejecido en el paso de los años Forest Whitaker y una delicioso estrella de Broadway como es Audra McDonald, de la que disfrutamos cada pequeñísima aparición en pantalla y más si nos regala un trocito de su magia musical. Los que tuvimos la suerte de verla en concierto hace unos años en el Teatro Real ya deseamos que vuelva al templo de la lírica tras suspender su nuevo concierto por la crisis sanitaria actual. En definitiva, Respect es un biopic musical, en la onda de trabajos tan destacables como En la cuerda floja, Ray o Judy, al que solo se puede achacar -como a la mayoría de este tipo de cintas- un ligero exceso de metraje. Y sí, ha cumplido de sobra las expectativas. Nominación para ‘La Hudson’ asegurada.

«Musicales. Los 50 mejores espectáculos de Broadway», un gozoso y documentado acercamiento a la cuna del género

Es sorprendente. En un país que en las últimas décadas se han estrenado decenas de títulos de teatro musical, apenas hay cultura de musicales. El público «masivo» no conoce la historia detrás de esos musicales que les hacen vibrar. Seguro que si preguntamos en una calle cualquiera quiénes son Lin Manuel Miranda -háganse un favor y vayan a ver a los cines In the heights, el mayor espectáculo cinematográfico musical de los últimos años, y no se pierdan Hamilton en Disney +- o Alan Menken, pocos sabrán la respuesta. Seguro que han escuchado alguna vez El fantasma de la ópera, pero no tienen la menor idea de quién es Andrew Lloyd Webber o quién está detrás de los Follies -disponible en La Teatroteca– y Sweeney Tood– la versión televisiva con Angela Lansbury está editada en dvd y la española se puede ver también en La Teatroteca, que dirigidos por Mario Gas emocionaron al público. Sí, el gran público no sabe quién es Sondheim en España. Una pena, la verdad. De ahí la importancia que siguen teniendo títulos que aunque incompletos como este Musicales, Los 50 mejores espectáculos de Broadway pueden ser un buen acercamiento a algunos de los títulos que, a criterio del autor, son los más relevantes. Como suele ocurrir, la información se queda un poco escasa a para los amantes del género que solemos devorar toda la información sobre esos musicales que nos apasionan.

A pesar de lo dicho anteriormente, Luis Poyo hace un trabajo espléndido en comparación con libros anteriores del estilo en los que detecté infinidad de datos erróneos fácilmente corregibles. Este libro que edita Lunwerg va más allá de la información que parece extraída de Wikipedia, ofreciendo datos sobre la creación de los espectáculos y sobre los creativos detrás de la magia.

Uno de los plus sin duda es el diccionario de Broadway. En cada musical encontramos desde términos del argot teatral a los nombres del sindicato de actores o de los premios de la industria del musical. Por eso, por ese plus creo que este libro es el definitivo para los no iniciados.

Por supuesto de cara al futuro haría falta algún título para los que ya tengan algún conocimiento del género. Esperemos que con la aún tímida, pero poco a poco mayor «cultura de musicales» se apueste por títulos más concretos -desde libros dedicados ex profeso a los montajes hechos en España que hay muy poco al respecto y es imposible de conseguir el mayor trabajo hasta la fecha, a incluso libros sobre los autores más destacados del teatro musical en castellano, ya que ni siquiera se suelen editar en castellano estos libros normalmente escritos en Inglaterra y Estados Unidos.

«100 musicales que deberías ver», la mejor guía para un primer acercamiento al musical

Es importante leer el prólogo de esta publicación para comprender las decisiones tomadas. Y es que la elección de ciertos musicales y no otros en este particular listado «no solo se trata de una decisión eminentemente subjetiva, sino también llena de aspectos opinables que no creo que se puedan llegar a justificar más allá de la mirada de quien escribe».

De ahí decisiones cuanto menos discutibles para un conocedor del mundo del teatro musical como no dedicar un apartado a fenómenos de la escena como Hoy no me puedo levantar– una pena que se pase de puntillas por las apuestas de teatro musical made in Spain– y sí dedicárselo a musicales recientes que apenas han tenido eco más allá de Broadway y-o el West End. También sorprende que incluyendo tantos datos fácilmente localizables en internet se digan cosas como que Follies se estrenó en el ¿Teatro Nacional de Madrid? refiriéndose al Teatro Español, claro está.

Entré en 100 musicales que deberías ver atraído por el atractivo diseño de la publicación plagada de atractivas fotos de escena -incluidas muchas de las producciones españolas, cosa harto agradecible para los espectadores que las hemos podido revivir de esta forma.

Más allá de los datos genéricos -no deja de ser una publicación para el lector simplemente aficionado al teatro musical sin mucho conocimiento del tema- destaca el apartado ¿Qué fue primero el musical o la película? Seguro que muchos espectadores se sorprenderán con títulos que están instalados en el imaginario colectivo como películas, pero que se estrenaron como funciones teatrales.

100 musicales que deberías ver es una estupenda guía para tener a golpe de vista la información básica de una cuidada selección de títulos representativos de las aristas de un género en constante evolución.