“El Jovencito Frankenstein” se despide este domingo del Teatro Arriaga de Bilbao

El espectáculo, producido por LETSGO y dirigido por Esteve Ferrer, se representará en el Teatro Arriaga hasta este domingo 29 de diciembre. Hoy y mañana se podrá ver a las 18 y 21:30h y el domingo el musical se despedirá del público bilbaíno a las 17h.

Photo: Lighuen Desanto

El musical cuenta en su reparto con la práctica totalidad de los intérpretes que lo estrenaron en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid. Repiten Víctor Ullate Roche, en el papel protagonista interpretando al doctor Frankenstein, Marta Ribera, quien da vida a Elizabeth Benning, la escandalosa prometida del doctor, Jordi Vidal, que interpreta el personaje de Igor, Anna Herebia, en el papel de Inga, la exuberante asistente de Frederick Frankenstein, toma el relevo de Cristina Llorente, actualmente protagonista de Ghost que también produce LETS GO. Completan el reparto de personajes principales Albert Gràcia, como el monstruo y Teresa Vallicrosa, interpretando a Frau Blücher, la austera ama de llaves amante del abuelo Frankenstein. Esta veterana intérprete se despidió hace poquito de su personaje en redes sociales. Otros nombres en el elenco son los de Adrián Quiles (Cover del monstruo) y Sonia Gascón como parte del esemble y cover de Elisabeth.

Photo: Lighuen Desanto

Mel Brooks, de nuevo en los escenarios españoles. Algunos espectadores seguro recordarán que el Teatro Coliseum de Madrid acogió otro musical con el sello Brooks: Los Productores, que protagonizaron Santiago Segura y José Mota. Como curiosidad comentar que ese montaje de Stage Entertainment contó con el último papel como actor de Miguel del Arco, que se ha dedicado en cuerpo y alma en los últimos años a la dirección escénica.

El Jovencito Frankenstein cuenta con libreto del reconocido cineasta y comediante Mel Brooks en colaboración con Thomas Meehan. Esta comedia musical está basada en la delirante película homónima que Brooks dirigió en 1974 y cuenta con la colaboración musical especial de la directora y coreógrafa, Susan Stroman.

La obra comenzó su andadura en los escenarios en 2007 en el Paramount Theatre en Seattle, Washington, hasta estrenarse en Broadway y continuar posteriormente su gira por Estados Unidos. En 2017 llegó al West End de Londres, donde continúa en cartel en la actualidad con un rotundo éxito de público.

La película de Mel Brooks es un homenaje a las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, Frankenstein, y más concretamente a las producidas por Universal en los años 1930. En el film se utilizan incluso las mismas piezas de laboratorio usadas en la película Frankenstein de 1931.

Una comedia… Monstruosamente divertida
Esta adaptación electrizante de la película monstruosamente divertida de Mel Brooks incorpora el estilo de la gran pantalla sumando además características teatrales que convierten a la obra en una brillante creación artística. El show está compuesto por melodías memorables como The Transylvania Mania, He Was My Boyfriend y el mítico Puttin’ On The Ritz.

Photo: Lighuen Desanto

Al frente de este musical que ahora echa el telón en Bilbao, está el director y actor Esteve Ferrer que tras el éxito de La Familia Addams supo dar de nuevo en la diana en el ritmo de la comedia musical con este espectáculo de LETSGO, productora detrás de montajes como el citado musical y que esperamos pueda traer finalmente sus espectáculos a ese proyecto escénico ahora paralizado llamado Espacio Delicias en Madrid. Nombres como el de Felype de Lima en vestuario y escenografía, Julio Awad en la dirección musical y Juanjo Llorens redondean el equipo de un musical que, sorprendentemente, ha tenido un relativo corto período de exhibición en los escenarios españoles. Si estáis en Bilbao no dejéis pasar la oportunidad de pasar una noche…. monstruosamente divertida.

“La Jaula de las locas”, una gozosa experiencia que querrás llevarte a casa

Hace unos años vimos como las productoras teatrales dejaron de editar los cds de las producciones españolas de los musicales, supongo que aduciendo las ‘pocas ventas’ de los mismos. Por eso, es casi un milagro que esta temporada se haya revertido esa tendencia con el lanzamiento de (casi) todos los grandes musicales en cartel en Madrid. Con el buen regusto que deja la producción de La jaula de las locas que se puede ver en el Rialto es un gusto poder contar con grabación del elenco original que estrenó el espectáculo en Barcelona.

Sorprende y mucho que el gran público no sepa nada sobre la trayectoria teatral, y más concretamente en el campo del musical, de Àngel Llàcer. Por citar solo un par de ejemplos ha interpretado personajes emblemáticos en musicales como La Tienda de los Horrores o A little night music, pero también ha dirigido con acierto un buen puñado de producciones.

En La Jaula de las locas es el protagonista y a la vez director de escena en esta revisión de la producción que ya hicieron en la Ciudad Condal. Ahora, se adaptan al escenario del Rialto para convertirlo en un acogedor cabaret del que el espectador no querrá salir. Tanto es así que seguramente se irán tarareando La vida empieza hoy y ¿Cómo no? Soy lo que soy. Lo bueno es que podrán hacerse con el disco de esta brillante producción, de lo mejorcito de la cartelera, a la salida.

La grabación en directo de este musical incluye temas que demuestran el buen hacer de Jerry Herman, un nombre imprescindible de Broadway que cuenta con títulos como Hello, Dolly!. Sobresalen en las voces de Àngel Llàcer e Ivan Labanda, imposible mejor tándem de protagonistas, números inolvidables. Labanda brilla en temas como La canción de la playa, que pone en escena con una cristalina y melodiosa voz. Llácer se mueve entre el gran espectáculo con La cauge aux folles y la emotiva fuerza que imprime a Soy lo que soy.

Susi Sánchez: “La empatía es muy necesaria en nuestra sociedad”

Sin duda, la vida de Susi Sánchez demuestra que la del intérprete es una carrera de fondo. Tras muchos años en que su altura solo la permitía hacer entes en el teatro, dos directores de cine, Ramón Salazar y Pedro Almodovar, pusieron en el lugar que se merecía a una intérprete que este mismo año ganó el Goya. Ahora la podemos ver por partida triple. Sobre las tablas del Pavón- Kamikaze con Los Hijos, donde comparte escenario con Adriana Ozores y Joaquín Climent bajo la dirección de David Serrano. En el cine podemos verla como la perturbadora madre de la protagonista de Legado en los huesos. En Netfix forma parte del reparto de Días de Navidad. Un momento dulce que la intérprete celebra con esa sonrisa y esa vitalidad de la que es imposible no contagiarse.

¿Cómo es Los Hijos?

En escena hay tres ingenieros nucleares que de alguna forma ponen sobre la mesa la posibilidad de intervenir en el mundo actual para dejar una herencia más saludable a los que están por venir. Están viviendo las dificultades un año después de la hecatombe nuclear. Lo que realmente quiere sacar a la luz el autor es el cambio climático que no tiene vuelta atrás. Cuando era joven no existía ese peligro, es ahora tan latente que da miedo.

Decía David Serrano que esta obra trata sobre unas mujeres “a las que no se ha dado las gracias nunca”…

Hasta cierto punto sí. Son mujeres universitarias, que han trabajado y sacado adelante a una familia y eso no se les ha valorado. Muchas mujeres de mi generación han trabajado y a la vez han sido amas de casa y no se ha valorado eso. En cambio, el hombre trabajaba y es más raro que a la vez se encargase de las labores domésticas. Así que sí, pienso que es un homenaje muy potente al sacrificio que han hecho las mujeres de nuestra generación.

Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro es un gran lugar para contar historias como la de Los Hijos?

El teatro siempre es el lugar donde el contacto con el público es inmediato. El espectador pude ver a actores vivos que comunican un mundo emocional y ese valor no lo tiene ningún otro medio. Un grupo de adolescentes vino y se conmovió con la función tanto como los adultos. Llega a todos los públicos esta función y eso es maravilloso.

Se habla de Ramón Salazar y Pedro Almodóvar, para los que eres una actriz fetiche, como los que mejor retratan la condición femenina…

Completamente de acuerdo. Tienen un conocimiento de la psicología femenina muy profundo y muy desprejuiciado. Se nota que hay amor hacia la mujer en la visión que tienen. También hay una camada de gente joven que me están proponiendo historias interesantes para mujeres maduras. Dentro de poco la gente de cierta edad seremos mayoria en este mundo, así que que se espabilen los guionistas.

Si pongo sobre la mesa el nombre de Pitita Ridruejo…

Eso fue una recomendación que me hizo Ramón Salazar para que investigara para el personaje de 10.000 noches en ninguna parte. No pude coger mucho del personaje la verdad, pero tiene que ver con su apariencia, con el mundo en que ella vive tan en las nubes, tan irreal… Me sorprende mucho que sepas lo de Pitita la verdad…

Acabas de estrenar en Netflix la espléndida mini serie Días de Navidad, ¿Cómo ha sido introducirte en el universo de Pau Freixas?

En cuanto lo conocí tuvimos una conexión extraordinaria. En el primer ensayo me di cuenta de que nos íbamos a entender perfectamente. Es un hombre con mucha profundidad, que no se queda con lo superficie. Quería un trabajo muy coral. El personaje es una maravilla. Me toca acompañar la historia de estas hermanas en una producción que ha contado con un reparto de excepción. Yo le dije que sí desde el principio a Pau, pero cuando me dijo el reparto le dije que no se había cortado nada. Parecía que se había cumplido toda su lista de deseos.

En este momento tan dulce que estás viviendo supongo que te entra la risa cuando piensas que te dijeron que eras demasiado alta para ser la madre de Tesis y decías que solo te llamaban “para ser fenómenos atmosféricos o entes en el teatro”…

Suelta una risa contagiosa a la que es difícil no sumarse.

Es verdad. Hice la luna en Bodas de Sangre, hice del sol en un espectáculo de calle, de la vista en otro, de la muerte… Todo eran entes… Parecía que no tenía pinta de poder hacer de madre. Afortunadamente ahora sí puedo hacerlo. En el fondo, no estuvo mal, ya que pude explicar mundos muy esotéricos y poco convencionales para una actriz.

Y de repente después de tantos años llega el Goya…

Aunque algunas compañeras me decían que me lo iban a dar, para mí fue una cosa bastante inesperada. Yo me sentía tan fuera de onda con el grupo de nominadas que había que pensé que sería imposible. Tuve esa fortuna y la verdad es que estoy muy contenta. Ha sido el regalo de mi vida. A estas alturas nunca te piensas que te vaya a llegar un regalo así.

“Cuando abres la cabeza y el corazón ante un personaje con características oscuras hay una necesidad de comprensión en nuestro trabajo”. En una sociedad tan poco empática como la nuestra, ¿Cuánto lleva a su día a día Susi Sánchez esa máxima que tiene en la interpretación?

Yo lo hago, yo lo necesito en mi día a día. Yo voy al mercado y charlo con las señoras que me cuentan cómo hacen tal o cual plato. Me río incluso con gente a la que no conozco de nada. Esto antes no me pasaba. La búsqueda de empatía es necesaria por lo que tú decías. Vivimos en un mundo en el que no nos conocemos los unos a los otros, ni siquiera a nuestros vecinos. Me encanta ir al bar o al mercado y que me saluden. Es como si hubiese un afecto universal flotando por el aire al que todos tenemos acceso en un momento dado y del que está bien que podemos tirar de él de vez en cuando.

¿Qué te llevó finalmente a coger la senda de la interpretación?

Yo jugaba como todos los niños, pero no pensaba en que eso podía llegar a ser mi profesión. Lo que me incentivó para ser actriz fue el poder de comunicación que tiene un escenario. Los actores tenemos la suerte de poder comunicarnos con otros seres humanos a otro nivel sensorial, mucho más allá de las palabras. Eso es algo que estoy seguro que todo ser humano desearía tener.

Con el Goya se ha puesto el foco también en tus palabras, en tu significación social…, ¿Cómo llevas eso de que lo que pienses sea analizado con lupa?

La verdad es que no me preocupa mucho. Siempre digo lo que pienso. Soy muy sincera, no miento en lo que expreso. Por supuesto, puedo obviar ciertas preguntas, pero todo el mundo sabe que soy de izquierdas. Eso no quita para que yo haga un personaje de derechas y no lo pueda disfrutar muchísimo.

Antes de acabar me gustaría volver a Cuando deje de llover, esa obra que emocionó tanto al público…

Lo primero que me viene a la cabeza es la muerte de mi madre. Empecé a ensayar esa función a los tres días de su muerte. Fíjate que su pérdida fue la inspiración para entrar de la forma en que lo hice en esa obra. Entré muy limpia, muy desasistida en esa función por su muerte. Con el tema de las constelaciones ocurría algo mágico. El público se conmocionaba mucho con esa función. El teatro es lo que tiene que produce casi katarsis, era una obra mágica.

¿Con qué proyectos te gustaría seguir jugando en tu profesión?

Me ha gustado siempre mucho el trabajo de investigación. Me gusta estar con directores que se meten a fondo haciéndonos preguntas. Tengo un proyecto con Fernando Rubio, con el que hice Todo lo que está a mi lado. Me ha propuesto escribir algo para hacer un proceso. Seguramente estrenaríamos un anteproyecto en el próximo Festival de Otoño y seguiríamos con ello para que el espectador sea partícipe del proceso. Lo que me queda por hacer se va a llamar.

Paul Gordon será uno de los artistas invitados en el concierto del Coro Góspel Living Water en el Teatro Lope de Vega

La formación musical nacida en 2007 con el objetivo de dar a conocer la música góspel en nuestro país, encara su gran noche del lunes 16 de diciembre a las 20h. El Teatro Lope de Vega de Madrid acogerá un concierto muy especial en plena Gran Vía en el emblemático espacio escénico que acoge El Rey León desde hace años.

Este 16 de diciembre el madrileño Coro Góspel Living Water, bajo la dirección de Susana Fernández y Samuel Álvarez, se embarcará en un viaje por la historia del góspel desde sus orígenes hasta nuestros días, llevando consigo al espectador a través de un relato de esperanza y libertad que ha sacudido al mundo entero. Canciones de grandes del góspel como Thomas Dorsey, Mahalia Jackson o The Edwin Hawkins Singers volverán a cobrar vida sobre el escenario, mezclándose con vibrantes coreografías y la impresionante puesta en escena que ya se ha convertido en la seña más reconocible de Living Water sobre los escenarios.

Fieles al estilo y al mensaje, Living Water estará además acompañado de invitados de excepción del mundo del góspel británico con los que pretende hacer partícipe al público de lo profundo de esta música que impacta el alma, ha cambiado vidas y sobre todo la historia. Haz de ella tu historia y comparte con Living Water el concierto gospel más esperado del año.

Será una cita inolvidable con 8 músicos, más de 40 voces y artistas invitados como el citado Paul Gordon. El repertorio hará un repaso por los mayores referentes de la música góspel a través de los años. Un viaje por la propia historia moderna y las canciones con las que el góspel ha impactado la banda sonora del siglo XX hasta nuestro tiempo.

Cuando Renée nos llevó más allá del arcoiris

La tiranía de Hollywood y por extensión del showbusiness parece que se han cebado con la otrora gran estrella Renée Zellweger. Más allá de sus desafortunados retoques estéticos y ese momento en el que se la relacionó con Weinstein que prudujo sus mayores éxitos -hecho que ella rechazó al afirmar que nunca había sufrido acoso en su trabajo-, la intérprete ha desarrollado una carrera de altos vuelos en la que decidió hacer una pausa hace unos años hasta esta Judy. Son tantos los paralelismos entre la actriz biografiada y la propia actriz que la interpreta que el resultado del trabajo de la una – la del diario de…- interpretando a la niña que nos hizo soñar que había un lugar más allá del arcoiris es simplemente impecable. Solo por eso ya merece la pena ver una película que no llegará a los cines españoles hasta el 31 de enero de 2020, pero hay mucho más en este aunque prototípico solvente y por momentos emocionante biopic.

El arranque de la cinta no puede ser más brillante para comprender la vida de excesos en la que se vio sumida Garland. Aunque la película, basada en la espléndida función de Peter Quilter Más allá del arcoiris que vimos hace años en el Teatro Marquina de Madrid, transcurre en los últimos momentos de la artista, el relato que nos hace comprender su realidad más íntima estriba en los constantes flashbacks a esa infancia en la que hizo soñar al público. Así, en los primeros fotogramas entendemos lo que ha llevado a la artista a construir una vida de adicciones e insatisfacciones personales frente a un todopoderoso y temible productor que la convirtió en una estrella, ¿Verdad que esto podría ser extrapolable a más de una actriz en activo?

Uno de los aspectos que más importan en la construcción de un personaje tan icónico como el de la protagonista de Ha nacido una estrella es conseguir que la actriz sea el personaje sin caer en la parodia o en la imitación que no recoja la esencia del personaje. Tengo la sensación de que la protagonista de Chicago ha conseguido mimetizarse en Garland acudiendo a su esencia, sin histrionismos innecesarios. Como espectador, a los pocos minutos ves a Judy Garland y esa ‘magia’ no es tan habitual en esta oleada de biopics que vivimos recientemente. En el apartado musical, Zellweger brilla tanto en los números más ‘felices’ como ese Get Happy como en el emotivo Over the rainbow que se guarda cual as en la manga el director para el final. Y en ese retrato de la otrora estrella, me gustaría añadir que no se queda en el mero retrato de adicciones, sino que expresa el que creo que fue el mayor deseo hasta sus últimos momentos, ser una buena madre.

Otro momento emocionante. Quizás nunca descubramos el motivo real que llevó al colectivo LGTBI a usar como himno el popular tema de El Mago de Oz, pero esta cinta nos regala un momento realmente memorable a este respecto. Dos de sus mayores fans reciben un regalo inesperado y es que la sentarán a su mesa en una noche de confesiones tras uno de sus recitales.

En definitiva, Judy supone una brillante reconciliación de Renée Zelwegger con una industria a la que ha servido grandes trabajos interpretativos y un puñado de taquillazos. Y lo hace con un solventísimo retrato de todo un icono del cine que la pondrá en la carrera del Oscar seguro. Bienvenida de nuevo, Renée.

“El Cuento de las Comadrejas”, un canto de amor a los actores que ya está disponible en formato doméstico

Nos comentaba Juanjo Campanella hace unos meses que su visión de Los muchachos de antes no usaban arsénico partía de un lugar completamente distinto al del original fílmico de José Martínez Suárez. Y es que el director de El secreto de sus ojos ha querido hacer un pequeño homenaje al mundo de los actores y eso revisando ahora la cinta con motivo de su lanzamiento en DVD -esperemos que llegue el Bluray pronto con una buena dosis de extras- se nota en cada plano, en cada escena de la película.

Aunque el cineasta, que ahora ha abrazado con fervor el teatro de nuevo, nos presente una sátira con una diva de capa caída y todo su equipo de antaño en un abandonado paraje, no se dejen engañar por las apariencias. El cuento de las comadrejas es, en el fondo, un canto de amor al trabajo actoral. Y como siempre he defendido, Campanella sabe tratar a los actores como pocos cineastas lo hacen. Dándoles su espacio, como si de un proceso teatral se tratara y es que en un lugar tan cerrado como ese gran caserón uno tiene la sensación de vivir una experiencia muy teatral, en el mejor sentido de la palabra. Como si estos personajes permanecieran encerrados en un escenario del que no pudiesen escapar.

Estos cínicos, tramposos, perversos, a la par que adorables personajes nos van ganando el corazón, por muy difícil que parezca, a medida que nos van mostrando sus heridas ocultas, aquellas cicatrices que les han hecho desterrarse del mundo en aquella mansión destartalada. Y en ese sentido se lleva la palma la recreación de Graciela Borges de una gran diva, sobreactuada y excesiva en cada movimiento, a la que la actriz dota de una humanidad con la que el espectador termina conectando.

Como siempre en el cine de Campanella no falta ese “click” en el que aparece la emoción y el espectador termina enamorándose de sus personajes. Y eso vuelve a ocurrir aquí en algunos momentos de la pareja Borges- Luis Brandoni, un actor al que le toca probablemente el roll más complejo de la cinta a mi modo de ver. Atrapado en una carrera que pudo ser y que nunca fue, su personaje vive recluido en esas cuatro paredes en una silla de ruedas. Digo que es el más complejo al ser el personaje más tierno, más humano y más bueno de todos a pesar de ser el que más ha sufrido. Como en casi todo el cine de Campanella, nos vuelve a demostrar que el amor -permítanme el tópico- mueve montañas. El resto del maravilloso reparto veterano, Óscar Martínez y Marcos Mundstock, se dan la mano con Clara Lago en el mejor papel de su carrera junto a la teatral La venus de las pieles y con Nicolás Francella, toda una revelación. Todos ellos se ponen al servicio de esta brillante comedia negra no, negrísima, que tiene momentos de verdadera hilaridad y es que escenas como la de la araña -en la que el público del cine se ‘mataba’ de risa- nos demuestran el buen tino del cineasta argentino también en la comedia. Todo ello con ese equilibrio entre comedia y drama me llevan de nuevo a una frase que me dijo en una entrevista hace años: “La vida como el cine está llena de giros dramáticos. Y en el momento más dramático puede surgir el gag, la carcajada nerviosa que te hace quitar dramatismo al momento. Me ha ocurrido un montón de veces en mi vida y, eso, lo he querido llevar a mi forma de contar historias desde luego”. 

Desconozco el motivo por el que esta cinta que para mí es la mejor de Campanella junto a El secreto de sus ojos y El hijo de la novia ha pasado tan desapercibida- quizás su estreno se hizo en fechas inadecuadas-. Desde luego para mí está entre las 5 mejores películas de un año que ha tenido una gran cosecha cinematográfica que repasaré próximamente.

Cameo, que siempre cuida tanto al cine hecho en español, ha editado la sencilla edición en DVD de esta cinta que incluye el tráiler y un correcto making of a un precio muy asequible. Vamos que no tienen excusa para no llevarse a casa esta JOYA de la filmografía de Campanella.