La Firma Invitada: Miguel Ángel Calvo Buttini, autor y director de UNA PAREJA CUALQUIERA

Miguel Ángel Calvo Buttini es el autor y director de Una Pareja Cualquiera. Tras más de un año de gira por toda España llega al Teatro Fígaro de Madrid el próximo lunes 11 de enero con un reparto encabezado por Anita del Rey (Acacias 38) e Iñaki Ardanaz (Los Miércoles No Existen). La obra de nuestra Firma Invitada estará los lunes y martes de enero en el citado teatro a las 20:30h.

Nuestra Firma Invitada (centro) rodeado de los actores de la obra.
Nuestra Firma Invitada (centro) rodeado de los actores de la obra.
El amor, las relaciones de pareja, forman parte de nuestras vidas, un tema universal, la explosión del inicio, la adrenalina que desprende, lo que nos decimos, la estabilidad, la rutina, las crisis, los amantes, las reconciliaciones, las rupturas… En definitiva la vida misma, ¿quien no ha experimentado estas sensaciones? Es un reto tratar de contarlo. Un reto para intentar contar de manera diferente algo de lo que habla todo el mundo. Y así nos lo propusimos en Una Pareja Cualquiera desde un texto teatral, nosotros que venimos del cine.
Las historias me gusta llevarlas al límite en el terreno de la comedia, incluso al ridículo, al ridículo de lo que nos decimos y hacemos sin darnos cuenta, y al ridículo de nuestras discusiones, y ese límite era la muerte, y el después de la muerte, y así nuestra pareja pasa por las diferentes situaciones que suceden en toda pareja que se precie , y vuelve locos a los vivos y a los muertos.
Por ello, la escenografía, música, luz, vestuario van en esta dirección, donde la historia transcurre a partir de un suicidio, y lo que parece no ser, ES, y lo que no, SÍ ES. La vida, la muerte y el amor, se pueden tratar desde la comedia? Claro que sí.¿Y cómo es la vida en la muerte? La imaginamos dividida en diferentes salas por donde va pasando nuestra pareja, todas iguales, blancas, muy rudimentarias, el mismo vestuario siempre, entrada a la sala por la derecha, salida por la izquierda. Un solo mueble, aparte de la caja escenográfica, que pasa por diván, asiento, cama.
Las salas representan los diferentes estados del amor, la luz neutral remarcará muy ligeramente las acciones de las escenas y se centrará sobre todo en el diván, asiento, cama que está en el centro de la sala, y la música, un tema romántico, Moon River, en diferentes versiones acompañará a nuestra pareja, una pareja que no es una pareja cualquiera, O SÍ, quien sabe. Esto que os cuento tenemos el orgullo de contar que nos ha llevado en el 2015 por diferentes lugares de España . Jamás imaginamos las alegrías que nos iba a deparar esta primera obra teatral. Ahora nos llega un premio que jamás imaginamos al comenzar esta maravillosa aventura, Madrid y el Teatro Fígaro. Os esperamos.
Continuará…
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La Firma Invitada: Patxo Tellería, autor de “Páncreas”

Patxo Tellería, uno de los nombre imprescindible de la escena, el cine y la televisión en el País Vasco es el autor de Páncreas, que vuelve al Teatro Valle Inclán el 8 de enero tras la indisposición de Santiago Ramos. El autor y director de La Máquina de Pintar Nubes y Bypass es nuestra nueva Firma Invitada.

Me preguntan por qué he escrito Páncreas en verso. Y por qué lo llamo contemporáneo. Trataré de responder, si es que existe respuesta.

La renovación y la involución llevan pugnando durante siglos. Se dice que a Bach, expertos musicales de la época le recomendaron no intentar un nuevo estilo, porque en música “ya estaba todo inventado”. En la época clásica del teatro francés se admiraban las piezas “bien hechas”, denominando así a lo que no se salía ni un milímetro de los cánones de perfección establecidos, y que ellos imaginaban eternamente inamovibles.

El teatro contemporáneo, el arte en general, valora la innovación. A veces parece que se busca de manera compulsiva la sorpresa por encima del contenido. Eso suena a fin de ciclo, a decadencia de un género cansado de sí mismo. Pero también es cierto que lo que no se renueva, se marchita y muere.

Cada día aparecen propuestas teatrales que buscan en la forma y en el formato su hecho diferencial. Se investigan denodadamente nuevos lenguajes, nuevos espacios. Se hace teatro en autobuses, en coches, en domicilios privados, en armarios… Se recuperan moldes medievales, se explora el teatro hindú, la ópera de Pekín, el teatro Noh…

No he hecho otra cosa con Páncreas: buscar una nueva forma expresiva. O lo que viene a ser lo mismo, recuperar una, olvidada y semienterrada. De la misma manera que compositores franceses de fines del XIX (Ravel, Bizet…) se inspiraron en la vieja música española para modernizarse.

El verso de Páncreas no suena, no quiere sonar, a viejuno ni a rancio. Es un lenguaje contemporáneo que utiliza un recurso lingüístico que había sido radicalmente expulsado del repertorio de recursos del teatro.

Evolución, que no involución. Sé que es difícil explicarlo. Creo que nos dejamos llevar por tópicos e ideas preconcebidas. Si me llego a inspirar en el medieval Kabuki japonés o en el más medieval Natya Sastra hindú, nadie habría dudado de lo moderno de mi propuesta.

Pero ay, ¡me he inspirado en el Siglo de Oro!

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La Firma Invitada: Javier de Dios López

Si el talento es un don y las aptitudes se educan, la técnica se aprende. Y al hacerlo potenciamos el talento y mejoramos nuestras aptitudes.

El curso pasado, en su primera sesión, presenté el Máster en Escritura Dramática a los alumnos como un espacio de creación en el que íbamos a poner sobre la mesa todos los recursos, todas las herramientas que conforman la técnica de la escritura teatral. ¿Con qué fin? Con el fin de conocerlas, ejercitarlas en la práctica y valorarlas a la hora de elegir las más propicias para contar la historia que necesitamos escribir.

Porque de eso se trata, de escribir teatro, de plasmar en forma dramática lo que vive en nuestra imaginación y necesitamos contar.

Las guías de nuestro viaje serían los grandes textos y dramaturgias de la Historia del Teatro, y nos acompañarían la valiosa orientación de especialistas universitarios y el magisterio de un impresionante equipo de autores y autoras en activo que conducirían a los alumnos por los caminos de la creación, de tú a tú, trabajando mano a mano las ideas que surgieran tanto en clase como fuera de ella para ir dando forma al proyecto de cada uno, a la obra personal y única.

Estamos a punto de iniciar la II edición del Máster en Escritura Dramática que comienza en octubre y lo hacemos con esos mismos planteamientos. Organizado desde la Asociación de Autores de Teatro de España y la Universidad de Alcalá, con la colaboración inestimable de Fundación SGAE, el Máster vuelve a contar con un gran equipo que, junto al hecho de ser el único máster dedicado exclusivamente a la escritura teatral, hacen de él una propuesta única. A falta de confirmar algunas participaciones, los alumnos del curso 2015-16 tendrán como profesores a (por orden alfabético) José Luis Alonso de Santos, Jesús Campos, Alberto de Casso, Alberto Conejero, Maxi de Diego, Blanca Doménech, Yolanda Dorado, Juana Escabias, Julio Escalada, Eduardo Galán, Guillermo Heras, Juan Pablo Heras, Fernando J. López, Santiago Martín Bermúdez, Ignacio del Moral, Berta Muñoz, Antonio Onetti, Yolanda Pallín, Ignacio Pajón, Manuel Pérez, Julián Quintanilla, Mar Rebollo, Laila Ripoll, Juan Carlos Rubio, Susana Sánchez, Pedro Víllora y quien firma estas palabras. Como coordinador del Máster, para todos ellos no tengo sino agradecimiento por su generosidad y entrega a este proyecto tan especial.

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Allá vamos un curso más. Como novedad, este curso añadimos a la modalidad presencial la posibilidad de cursar el Máster online. Invitamos a subir a bordo a todo aquel que, de un modo u otro, ame la palabra sobre el escenario y quiera hacer de ella el medio de expresión de su imaginación.

(Información completa sobre el Máster en Escritura Dramática en www.aat.es, el plazo de preinscripción se acaba de ampliar hasta el 25 de septiembre)

La Firma Invitada: Jesús Martínez Caro nos descubre los secretos de “La Soga”

Jesús Martínez Caro se ha encargado de la adaptación teatral de La Soga, que se puede disfrutar en el Teatro Fígaro de Madrid de martes a domingo a las 20h. Él es nuestra Firma Invitada con un artículo titulado “El poder de las palabras”.

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“…letra pequeña, pensamientos elevados… mal negocio” esta frase encierra el significado de casi todo lo que hacemos en el tiempo que nos ha tocado vivir. Lo primero es lo primero, el resto carece de valor si lo primero no se consigue, y con esto justificamos nuestros actos.

El texto de La Soga nos muestra todas nuestras debilidades: la vanidad, la codicia, la envidia, la lujuria… es nuestro afán de ser mejor que el otro, de creernos con poder para decidir sobre los demás. El acto más cruel, el de arrebatar la vida, no es peor que el acto de someter o de despreciar a los demás, pero los personajes de la obra nos lo escupen a la cara. Uno como espectador se horroriza por lo que Brandon y Phillip acaban de hacer, pero si piensa un poco se da cuenta que todos somos capaces de hacer lo mismo que ellos.

Esa desviación del mono, a la que llamamos ser humano, interpreta lo que recibe como una amenaza y actúa en consecuencia; por autodefensa, es la ley de la evolución. Si hemos llegado tan lejos es por el poder de acabar con todo aquello que nos amenaza para conseguir esa calidad de vida a la que todos aspiramos a tener.

Las palabras encierran el poder más difícil de controlar, todo lo que decimos, escribimos y mostramos puede ser interpretado o mal interpretado dependiendo de la persona que lo recibe, por lo que callar en estos tiempos se ha convertido en un don.

Mostrar lo que este texto encierra se convierte en una tentación difícil de controlar y termina siendo una obsesión. Lo que fue una idea de barra de bar, hacer un montaje para una asociación cultural y poder hacer una gira, pasó a convertirse en algo imposible, luego probable, más tarde a un cajón durante varios años y, por fin, cuando estaba olvidada, surgió la posibilidad de hacerla. El año pasado pude ver mi obsesión encima de un escenario acometido por el esfuerzo de personas apasionadas y volcadas en hacer que el teatro siga llenando la vida de la gente del lugar donde vivo. Más tarde, cuando Brandon (Kiko) me llamó todo se convirtió en un sueño, un regalo de los dioses que aún no me acabo de creer. Verlo en el Fígaro de la mano de Nina, el maravilloso trabajo de los actores, Julián, Inge, Markos, Mariano, Aníbal y Kiko y el impresionante esfuerzo y dedicación de los productores Jesús y Edu es más que un sueño, es la esperanza de que el teatro sigue vivo y que las palabras siguen vivas y con todo su poder.

Si todos los años el festival de Cáceres o el de Almagro se llenan de gente que va a ver palabras escritas hace varios siglos es por un motivo, esas palabras encierran un poder de atracción que no entiende de tiempo, llegan al espectador vírgenes, como recién escritas por la mano de Cervantes, Lope, Shakespeare, Rojas…

Hitchcock mostró a mediados del siglo pasado lo decadente de una sociedad acomodada americana basándose en las palabras de Hamilton de principios de siglo. Ahora La Soga muestra a la sociedad corrupta de principios de este siglo el repugnante poder del superhombre en nuestro tiempo, por lo demás sólo tengo palabras de agradecimiento.

Os recordamos que DESDE MI BUTACA COMUNICA se encarga de la comunicación del espectáculo.

Abierto calendario de prensa en desdemibutacacom@gmail.com

El elenco de
El elenco de “La Soga” al completo.

La Firma Invitada: Miguel Barderas, director de “AutoINdefinido, el don de Juan” en el Teatro del Arte

Miguel Barderas dirige una de las apuestas del Teatro del Arte para este mes de junio: Autoindefinido, el don de Juan. Se puede ver los sábados 15 y 22 de junio a las 22:30h en esta fantástica sala madrileña, de la que nos encargaremos de dar voz en DESDE MI BUTACA COMUNICA. Barderas es hoy nuestra Firma Invitada. A disfrutarla.

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Nunca pensé que fuera a dirigir, esa opción no entraba en mis planes.

Este proyecto nació de la película Flores rotas de Jim Jarmusch. Sentía que dentro de esa película había una obra de teatro. Les planteé la posibilidad de hacer un nuevo proyecto a Eugenio Gómez y Félix Estaire, ya habíamos hecho Los Hortelanos son unos perros, una comedia con sabor a pisto. Les gustó mucho la idea y nos pusimos a ello.

Hablamos de diferentes directores, en un principio no me veía como director del proyecto, pero ellos nunca dudaron de que yo sería una buena opción, ellos creían más en mi que yo. Seguramente como Director no seré Jarmush, pero como creador-juntador de equipos no tengo duda de mi capacidad. Este proyecto ha sido una delicia poder compartirlo con gente a la que quiero y admiro. Se fue sumando gente de la manera más natural.

Queríamos que la escritura fuera sólida, potente y con diversidad de ángulos. Creamos este trío de dramaturgos (que espero se vuelvan a juntar) a la cabeza Félix Estaire con Txus de la Cruz y Eugenio Gómez de gregarios de lujo. El trabajo de dramaturgia ha sido muy libre pues la sintonía la compartíamos y la teníamos clara desde el principio. Creo que con un texto potente y el trabajo con los actores-creadores la puesta en escena, se crea prácticamente sola. El texto que han creado es firme, dinámico, con tintes de humor, una nueva visión del mito de Don Juan, que sorprende a los espectadores.

Teníamos claro desde el principio que la actriz que entrase en el proyecto tenía que hacer los 4 personajes femeninos, un regalo envenenado pero un lujo para cualquier actriz. En nuestro camino apareció Marta Romero, una actriz que yo no conocía, pero que la primera vez que la vi supe que era ella. Me cautivó su mirada y sus ganas de hacerlo. Marta estaba en el mismo barco, teatralmente hablando, que nosotros. Todo iba muy fluido.

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Alguna vez me han preguntado cómo es trabajar con dos de los autores de la obra. Yo creo que su trabajo como actores ha sido siempre desde la confianza y la honestidad algo que creo básico para poder trabajar. La implicación de los tres ha sido máxima y eso me exigía no poder bajar la guardia en ningún momento.

Antes de empezar los ensayos quería tener a alguien que fuera de mi confianza como ayudante a la dirección, quería cubrir las espaldas a mi bisoñez. Siempre tuve claro que Ana Carril era la persona. Es una extraordinaria actriz, pedagoga, coach… Ana tiene una visión maravillosa del teatro, la gran virtud de poner en palabras lo que falta en una escena, dar las herramientas justas y necesarias para que un actor vuele con seguridad. Y en un trabajo tan fino como es la interpretación, es vital esa concreción en los términos. Ella ha sido una ayuda básica en mis momentos de bloqueo y dudas como director.

Más tarde se sumó la escenógrafa Marta Pueyo. Las premisas que le dimos no eran fáciles: Barato y que quepa en un coche. Ella ha sabido captar el espíritu de la obra desde una concepción fresca, compacta y variable (el sofá de acordeón es un éxito entre los espectadores).

Isabel Yuste ha sido la encargada de hacernos el vestuario. Isa tenía la dificultad de crear 4 mujeres totalmente diferentes para la misma actriz. El reto le gustó desde el principio y el resultado es lo que buscábamos. Creo que aquí se cumple el dicho de menos es más.

La iluminación la llevó a cabo David de Diego que ha trabajado más veces para Teatro de Acción Candente. A la hora de hacer el diseño, tenía fe plena en su concepto y forma de dar vida-color a la escena. No me ha defraudado en absoluto, la obra brilla gracias a su iluminación.

AutoINdefinido el don de Juan, ha sido posible a mucha gente a la que hemos podido embaucar incluso engañar de manera sibilina. No me puedo dejar en el tintero a Cufa Sánchez, Yagos Santos, Ota Facello, Javi Ruiz, Raquel Forcén, Paula Morón, Dani Martos, Surge Madrid, El Astillero, C.C El Torito, Diego Perera, Mary O y Teatro del Arte.

El secreto está en vivir sin la respuesta

La Firma Invitada: Laura Enrech

Laura Enrech, actriz y cantante en musicales como Los Miserables, nos habla de su proyecto más personal: Sing Happy! Se podrá disfrutar en una única función el lunes 15 de junio en el Teatro del Arte a las 21h. En el espectáculo, la protagonista de esta nueva Firma Invitada contara y cantará su historia y, seguro, nos regalará un momento de felicidad.

“Una historia bien contada nos ofrece aquello que no podemos obtener de la vida: una experiencia emocional con significado. En la vida, las experiencias adquieren significado cuando reflexionamos, con el paso del tiempo. En el arte, tienen significado ahora, en el mismo instante en que se producen” Dice Robert Mckee en su libro El Guión, y yo no soy guionista pero soy cantante de historias, y Sing Happy! es la primera historia cantada que me he atrevido a contar en solitario.

Supongo que como mucha gente ansiosa, yo sufro de ese gran mal del que habla Mckee que consiste en “buscar significado”, en las cosas que nos suceden y en la vida en general. Para ello nos afiliamos a partidos políticos, nos damos a la fe, compramos plantas, hacemos calceta… y como a mí las plantas se me mueren muy fácilmente, y cuando hago calceta me salto muchos puntos, hacer este concierto se presentó como la manera perfecta de darle forma a algo que a diario no lo tiene, hacer de la vida historia y llenar una historia de vida.

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Sing Happy! es la materialización de unos anhelos producidos por dos ciudades, Madrid y Nueva York que se unen por el sueño que ha regido mi vida: cantar historias. En la vida real, Madrid y Nueva York están separados por 5.767 km, en Sing Happy!, en menos de una hora y media, logro crear algo llamado “New Madrork”, todo se tiñe de amarillo y los anhelos dejan de doler porque al pasar la vida por el filtro del “arte”, como sucede tan a menudo, este supera a la realidad.

Ya no hay anhelos, hay música, y la vida se convierte en historia que canto para todo aquel que la quiera escuchar, porque para eso están las historias desde que el mundo es mundo: para compartirlas.

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En un acto de (casi) bribonería , me apropio o “pido prestadas” canciones que hablan de mí o que me han hablado a mí, destilo su esencia, pido ayuda a sus autores, me inspiro en sus intérpretes para ir dando sentido esa historia que tanto menciono. Valiéndome de la oportunidad que me brinda la reflexión a posteriori, voy uniendo los puntos mirando hacia atrás y esa constelación informe que una vez fue el futuro difuso, ahora es relato.

Básicamente, lo que vengo a ofrecer es la historia de dos ciudades, una chica, sus sueños y la vida antes, entre y después de todas estas cosas. Y todo ello, cantándole feliz a la vida, porque no tengo motivos para hacerlo de otra manera.

La Firma Invitada: Alberto Castrillo-Ferrer

EL PROYECTO FEELGOOD: teatro libre de ataduras

No nos cansamos de decir que el proyecto Feelgood nace del buen rollo, de las ganas de seguir disfrutando del compañerismo, del teatro y de las emociones de una gira junto a un elenco con el que nos encontrábamos muy a gusto.

Este origen tan sencillo de explicar, con el tiempo nos ha revelado que encerraba algo más profundo, algo que nos ha sustentado durante esta andadura de más de dos años y nos ha servido para superar los momentos difíciles: la ambición de independencia artística, las ganas de salirnos de un mercado en ocasiones demasiado manipulado y de poder contar cosas que nos interesen e interesen al público. No ser peones de una maquinaria demasiado mercantilista, sino volver a la ilusión primigenia de ser actores para tener nuestro lugar en el mundo. Ser parte de la sociedad.

Nos conocimos como parte del elenco de la obra Todos eran mis hijos, dirigida por Claudio Tolcachir. Nos entendimos muy bien y quisimos seguir juntos en una segunda producción. Arrancamos nuestro plan en esa gira, en los trenes y autobuses que nos llevaban de una plaza a otra, hacíamos reuniones, aportábamos textos, organizábamos lecturas en las habitaciones de los hoteles…

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PRIMER RETO: EL TEXTO

Hubo varios intentos de textos que no llegaron a prosperar. Buscábamos algo muy difícil, que todos pudiésemos actuar en una obra coral, con “enjundia”, y que fuese una comedia…

Leímos, preguntamos e investigamos mucho y al final llegó: fue Fran Perea el que recibió en su casa varios textos ingleses y entre ellos Feelgood del autor británico Alistair Beaton.

A partir de ahí y de algunos reajustes de personal (no había papel para todos, nos hacían falta un chico y nos sobraba una chica, no teníamos director…) en los cuales Amanda Recacha pasó a ser ayudante de dirección y regidora, entró Javier Márquez como el actor que nos faltaba y yo pasé a la dirección del proyecto, Jorge Usón me sustituyó entonces en el papel que me estaba destinado y así, junto a Jorge Bosch y Ainhoa Santamaría quedó configurada la parte artística y la compañía enTRAMAdos Teatro.

Manuela Velasco y yo trabajamos en una primera versión del original de Beaton, alejándonos del mundo anglosajón y acercando el humor. En los ensayos, el elenco terminó de dar forma al texto. Todos adquirimos una responsabilidad aparte de la artística con respecto a la compañía: ayuda en la producción, relaciones públicas, promoción, blog, redes sociales, búsqueda de nuevos textos para el futuro… Todo es poco para que este barco que salía a alta mar no se hundiera en la primera marejada.

SEGUNDO RETO: LA PRODUCCIÓN

El segundo reto fue la producción. No fue fácil. Tuvimos nuestros altibajos, nuestros malentendidos y torpezas, nuestras confianzas y decepciones, probablemente como en todos los proyectos. Finalmente, nos unimos con Producciones OFF, que creyeron en el proyecto y se lanzaron a la piscina con nosotros sin saber si había agua. Nos hicimos cooperativa y decidimos autofinanciar un work in progress, esto es: trabajar durante dos meses en la adaptación, ensayar, buscar el vestuario, crear una escenografía eficaz y barata, aportar dinero para los pocos elementos de mobiliario y atrezzo, pedir muchos favores y al final mostrar en la sala García Lorca de la RESAD (que también nos había dejado ensayar por ser algunos egresados). Afortunadamente, la cautela ha sido bandera de esta producción, hemos ido dando pasos, sin correr, y no nos hemos caído.

Es justo agradecer aquí a PTC su apoyo en esa primera etapa, puesto que compraron los derechos de la obra, adelantando una cantidad de dinero inviable para nosotros. No llegamos a un acuerdo de producción pero fueron importantes en el origen del proyecto.

Tras esa muestra en la RESAD, que tuvo una excelente acogida, se abrieron algunas puertas, la más importante fue la del Teatro Español que nos propuso programarnos y coproducir con nosotros. Los derroteros de Feelgood se definieron cuando Traspasos Kultur se interesó por la distribución y el 3 de abril de 2013 estrenábamos en las Naves del Español (Matadero) de Madrid. Tras seis semanas de temporada y una nutrida gira posterior, volvemos a Madrid al Teatro Infanta Isabel desde el 20 de agosto al 28 de septiembre y todavía nos queda gira hasta diciembre. No nos podemos quejar.

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Parte de este éxito se lo debemos al buen hacer de Marea GlobalCOM, que se ha volcado en redes, entrevistas, blogs, programas de televisión, Gastro Gira… Es parte de nuestro oficio darnos a conocer, que sepan que existimos para que nos puedan apreciar o juzgar y parece demostrado que en nuestros días El buen paño, en el arca NO se vende solo. Desde www.feelgoodteatro.com podéis disfrutar de toda nuestra red online.

Personalmente, por mi formación, gusto y andadura, me gusta vivir el teatro como una familia, con sus discusiones navideñas y sus secretos que se lavan en casa, pero con algo que nos arraiga, que nos hace crecer y ser felices con nuestra profesión. Disfrutar dentro y fuera de las tablas, tener proyectos en común, soñar… En alguna entrevista afirmaba que “no me debo a otra patria que al teatro” y cada vez lo pienso con más fuerza.

Esta andadura nos ha hecho plantearnos un segundo montaje, con lo positivo del primero e intentando evitar los errores cometidos anteriormente. El proyecto Feelgood ha sido el germen de un encuentro de artistas que quieren seguir la estela de otras muchas compañías que están dejando su buen hacer en el universo teatral. El respeto y la responsabilidad son los pilares para que se creen los puentes de la creación artística y del disfrute máximo en el mejor lugar que existe en el mundo: el escenario.