La Firma Invitada: Marta Moreno nos habla de CONQUISTADORES

La idea de Conquistadores nace tras la lectura de Inés del Alma Mía (Isabel Allende) durante la pandemia y el conocimiento de un personaje histórico tan apasionante como es Inés Suarez.

Tras establecerme en Mérida (Badajoz) y crear PROYECTO CULTURA en 2018, comienzo a trabajar como distribuidora de zona de compañías relevantes a nivel nacional como Histrión Teatro, Maduixa Teatre, Titiriteros de Binéfar, Lapso Producciones o Festuc Teatre -entre otras-.

A finales de 2020 me lanzo a producir mi primera producción propia. La motivación es extra viviendo en una tierra que ha dado grandes nombres de personajes que han pasado a la historia. Y así, con un equipo con mucho talento y más de 20 años de tablas sobre la escena en nuestra región, iniciamos un reto: contar en apenas una hora, y a modo de juego, un viaje que lleva al público a vivir la travesía, desembarco, encuentros con los naturales de un nuevo mundo, descubrimientos, matanzas, combates entre españoles, fundación de ciudades y la vuelta a casa. Y todo ello con mucho humor negro y los modos propios del teatro del absurdo.

Y justo ahora que acabamos de cumplir un año del estreno en el Gran Teatro de Cáceres, se nos ha concedido la ‘R’ (Espectáculo Recomendado) por parte de la Red Española de Teatros y Auditorios Públicos, contamos más de 40 funciones realizadas, y con gran satisfacción podemos decir que hemos sido candidatos con esta obra a dos Premios MAX en esta 25 edición: a mejor espectáculo revelación y mejor autoría revelación para José María Pizarro Cañamero.

El próximo 6 de junio, a las 19h, estamos en el Centro Cultural Pilar Miró de Madrid para quien desee sumarse a nuestra aventura.

La Firma Invitada: Adrián Quiles presenta EL CONJURO DE MÍA

El Conjuro de Mía, un viaje musical, nace de la necesidad de contar lo que por desgracia muchos adolescentes hoy en día no se atreven. Siempre he sentido inquietud por crear cosas nuevas. Cuando tenia 13 años escribí una “serie” donde participaban mis amigos y… ¡hasta hice firmar contratos a los profesores! Creo que hay muchas historias sin contar, como por ejemplo la de Mía, una adolescente que no entiende porque no es aceptada por sus amigos, no entiende porque ella no puede formar parte del grupo que tanto le apetece.

Producir un espectáculo sobre un tema real se hace doblemente duro: A parte de sacar adelante un proyecto como este, quieres que esté todo lo más real posible, con hechos verídicos y hay momentos en los que se crea tal tensión creando estas escenas que te hace sentir realmente incómodo y revivir sensaciones que parecían olvidadas. El trabajo de los actores con la dirección escénica de Yolanda Altabert ha tenido mucho que ver en eso. Han hecho un trabajo impecable y han conseguido esa verdad y esa impotencia que muchos de nosotros hemos sentido en algún momento de nuestra niñez o adolescencia.

¿Cómo puede calar esto en la gente? Hay público de todo tipo, gente que estará más de acuerdo o menos en ver en directo un acoso entre compañeros de clase y gente que se sentirá más incómoda que otra, lo que si tengo claro, es que a nadie le pasará desapercibido. Hemos tenido momentos inolvidables, muchas lágrimas de emoción y muchas muchas ganas de crear.

Mía, Alina, Rosinda, Tuya, Elie, Daviel y Fergal, están escritos minuciosamente para que cada uno de ellos nos aporte algo diferente, tanto en la vida real como en el mundo mágico! Me siento muy orgulloso del trabajo tan impecable que está haciendo todo el equipo artístico y técnico y como el gran Ricard Reguant dijo en unos premios: “El único talento que tengo es saber rodearme de los mejores” y eso es lo que he hecho, sacar un proyecto de mi mente y ponerlo en un escenario gracias a ellos.

Estreno nacional en Torrejón de Ardoz (Madrid)

La Firma Invitada: Fernando ERRE, autor de HERNANI

‘Hernani’ es un drama de Víctor Hugo. ‘Ernani’ es la ópera que Verdi concibió basándose en el texto del escritor francés. Hernani es un pueblo guipuzcoano de veinte mil habitantes. Hernani es muchas cosas, y para mí ha sido un territorio simbólico desde el que construir una comedia teatral con el llamado conflicto vasco como telón de fondo.

He escrito ‘Hernani’ con el propósito de abordar el asunto de la convivencia desde la óptica del humor, que es una de las expresiones más contundentes de la inteligencia humana. Era consciente de que esta perspectiva podría resultar controvertida, pero siempre ha creído que tocar temas espinosos desde la comedia no significa banalizarlos, sino que incluso puede conllevar un enfoque tan rico o más que el de una tragedia, donde se suelen sublimar las emociones. Aunque a muchos les genera desconfianza, la risa marida muy bien con la reflexión, como ya nos demostró Molière hace cuatro siglos.

Algunos espectadores que han asistido a la función me han manifestado sus sensaciones, que van desde la prevención inicial por la temática hasta la sorpresa por el modo de acercarse a ella, y he podido constatar con satisfacción y, por qué no decirlo, cierto alivio, que la historia de Edmundo y Julen, interpretados con finura y compromiso por Daniel Ortiz y Josean Bengoetxea respectivamente, atrapa y concita el entusiasmo de personas de distintas procedencias e ideologías.

Sin duda, ‘Hernani’ está siendo una de las experiencias más gratificantes de mi carrera. Ojalá que las cuitas de estos dos personajes condenados a entenderse sigan conquistando el cariño y las risas de los espectadores durante mucho tiempo.

Un momento de HERNANI, que se puede ver los jueves a las 19:30h en el Teatro Lara

Las reseñas de Alberto Morate: «Las Piscinas de la Barceloneta»

Hoy os traemos la visión de Alberto Morate de Las Piscinas de la Barceloneta (Jueves, 20h en la Sala Mirador solo hasta el 14 de octubre). Nacen así Las Reseñas de Alberto Morate que iremos compartiendo DESDE MI BUTACA a lo largo de esta temporada.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

LAS PISCINAS DE LA BARCELONETA por Alberto Morate

Susurran los recuerdos, la nostalgia, los claroscuros de un tiempo bien concreto, el año 1977, recién fallecido el dictador, pero aún coleando sus amarres atados y bien atados. Se empezaba a respirar aire de libertad, aunque tenían que seguir juntándose los personajes fuera de lo socialmente establecido, en garitos pasados de moda, en locales cochambrosos o en piscinas demodé. Y aún así, seguían lloviendo palos, insultos, increpaciones, detenciones.

Foto: Sandra Collantes

Angustia pasada, ¡madre mía, qué tiempos!, nos dice Sebas recordando aquellos murmullos que aún resuenan en su psique interna. No ha conseguido volar, aunque ha aprendido el camino a base de sinsabores, pero también de satisfacciones, de observar y de poner en práctica, de ser invisible para pasar a ser protagonista.

Nos impregna de aquella sal de la rareza de una piscina de agua de mar, teniendo el mar tan cerca. Nos llegan sus sonidos, sus asperezas, sus ilusiones, el luto blanco de querer sobresalir de entre tanta canalla, de entre tanto tipo al margen, del oscurantismo al que, en principio, parecía estar abocado.

Secun de la Rosa escribe este texto de levedad asomada a la ventana del pasado. Y se dirige a sí mismo, porque él es el que mejor se conoce. Y sabe darle el tono adecuado, la voz precisa, la paz de una guerra pasada. Se siente agradecido, a pesar de todo, o precisamente, por todo aquello. No reniega de ello. Es un tiempo que ya ha pasado a ser infinito. Por aquel entonces era vivir el momento, el carpe diem, sin saber qué significaba entonces. Ahora se encuentra frente a sí mismo. En una exposición de todas aquellas razones.

Foto: Sandra Collantes

Es un monólogo sin acritud ni acusaciones. Simplemente, nos muestra un ser sensible y dispuesto a darnos a conocer unas circunstancias personales que eran comunes a muchos más de los que creíamos. No eran pocos los que se sentían diferentes y querían hacer valer su creatividad, su arte, su riesgo por saltar al vacío, su desasosiego de marginales. De ahí tantas muertes posteriores, de ahí tanto santo varón en sentido inverso, de ahí tanto artista desarmado y tanto rebelde con causa.

Las piscinas de la Barceloneta. La crónica de un superviviente, la añoranza con serenidad, la calma de lo vivido.

La Firma Invitada: Alfonso Plou nos presenta GUERRA que llega del 14 al 17 de noviembre al Teatro Lagrada de Madrid

Cuando Esmeralda Gómez Souto, mi compañera, alma mater y directora de La casa escénica, me pasó la novela de Janne Teller Guerra ¿y si te pasara a ti? supe rápidamente que teníamos entre manos la materia prima para realizar el segundo espectáculo de la compañía. Una compañía atípica que no se mueve por la prisa ni por el interés comercial sino por el interés social de sus propuestas y por la implicación personal con los espectáculos producidos.

Si nuestro primer espectáculo, “Marx en el Soho”, a partir del texto de Howard Zinn, era una respuesta escénica a la crisis que estábamos viviendo a través de un personaje que sigue vivo por mucho que se le quiera matar y rematar, nuestro segundo espectáculo trataba de dar respuesta al tema más presente de lo que nos cuentan de los refugiados. Y si la respuesta escénica en el caso de nuestro primer espectáculo fue muy bien acogido pues ha viajado a los largo de estos años a Madrid (3 veces) a Bilbao (2 veces) a Valencia (ganador del premio al Mejor Espectáculo Nacional en la Sala Russafa) y cada año se ha presentado en Zaragoza y otros lugares de Aragón, si todo esto ha pasado con el tema de la crisis, también esperamos que ahora removamos las conciencias desde la materia escénica sobre los refugiados con el espectáculo con el que ahora regresamos al Teatro Lagrada.

Y es que el planteamiento original de Janne Teller y que hemos mantenido dramatúrgicamente adaptado por Esmeralda y por mí, nos acerca al tema de los refugiados no visto desde fuera, no convertido en un tema que nos es ajeno y sobre el que debemos opinar como observadores externos; con “Guerra ¿y si te pasara a ti?” nosotros nos convertimos en refugiados. Entendemos a través del espectáculo que ser refugiados es una posibilidad real que nos puede ocurrir a nosotros, aquí mismo, dentro de muy poco, y por tanto la posición que tomemos con los refugiados venidos a este país desde otro lugar del mundo debe ser la misma que esperamos nos den a nosotros mismos.

La base del teatro, nos dice hace ya mucho tiempo Aristóteles, consiste en la identificación con lo que sucede en la escena. Nosotros seguimos creyendo en esa fórmula y a través de un espectáculo emocional, duro y tierno por momentos, honesto y cuidado escénicamente, queremos que el espectador venga a realizar el viaje iniciado por la actriz Inma Oliver, y sienta por un tiempo que el refugiado es él, que podemos ser todos nosotros.

La Firma Invitada: Los Quintana

LOS QUINTANA cumplen 25 años sobre los escenarios y lo celebran con sus mejores momentos, sus personajes más divertidos y su inconfundible sello de humor. Un espectáculo de antología para disfrutar y reír de principio a fin. Lo hacen en una única velada, el 21 de octubre en el Teatro Calderón. Ellos son LA FIRMA INVITADA para contarnos en primera persona cómo ha sido este cuarto de siglo sobre los escenarios.

Somos los argentinos David y Fernando Quintana. Eran los años 90 y en Buenos Aires se respiraba cultura en todos lados.Las propuestas teatrales se tomaban la ciudad y nosotros queríamos ser parte de ese fenómeno.
Comenzamos a estudiar teatro y eran tantas las ganas de hacer cosas que no podíamos esperar a la muestra de fin de año.

Es por eso que decidimos lanzarnos por nuestra cuenta y empezamos como un juego, a crear pequeñas escenas con personajes y situaciones que tenían algo de comedia y que a nuestros amigos cercanos y familiares, les causaba mucha gracia y ahí entendimos que el humor y la comedia era lo nuestro.

Nuestras primeras rutinas eran sketches que nosotros mismos escribíamos y que acompañábamos con canciones las cuales también parodiábamos. De ahí descubrimos la “fonomímica”, el arte de sincronizar perfectamente el movimiento de labios con una banda sonora. Nuestros personajes siempre fueron, en su mayoría, mujeres. El mundo femenino es mucho más rico para nosotros a la hora de contar historias.

Trabajamos mucho en Buenos Aires y en algunas provincias de Argentina. Lo que hacíamos gustaba y nos iba muy bien, pero la situación del país no nos acompañaba y ya cansados de vivir en crisis, decidimos partir.

España siempre fue un destino a conquistar con nuestro producto, pero las cuentas no nos daban; entonces decidimos cruzar la cordillera y llegamos a Chile.

Ahí sucedió todo. Nuestra propuesta gustó ¡y mucho!. Se amplió el elenco y de ahí nacimos Los Quintana como compañía de teatro presentando más de veinte espectáculos en todo Chile y gran parte de Latinoamérica.

Cruzamos el charco y llegamos a España de la mano de nuestro productor, quien nos descubrió en Santiago de Chile.

Nos presentamos en varias ocasiones en distintos teatros de Madrid, y eso dio lugar a convocar a otros artistas y formar un elenco estable en España.

Aquí estrenamos “NOĆ, un auténtico vodevil” y “Las Chicas del Zapping”, ambos espectáculos con buenas críticas y convocatoria de público.

Y así, sin darnos cuenta, estamos cumpliendo 25 años sobre los escenarios y qué mejor motivo para festejarlos que con una función especial, una “Gala”, donde mostraremos nuestras mejores rutinas, el próximo lunes 21 de octubre a las 20:30 horas en el Teatro Calderón de Madrid.

Nos acompañarán en esta única función los talentosos artistas: Carlos Chacón, Ricky Mata, José Cobrana y Joan Salas.

La Firma Invitada: Alberto Trijueque

“Un trabajo extraño. Buena carta. Y relevante por su factura; porque hay cuidado en el lenguaje del cuerpo y confianza absoluta entre los intérpretes. Son chamanes que llaman al teatro. Visitan muchos lugares, siempre bien habitados. Pueden llevarnos hasta el fondo de su propuesta porque están bien afinados y dirigidos con mucha poesía. Un teatro con liturgia y que trasciende”

Reseña de Miguel Cubero sobre QUIJANO, Pantomima Don Quijote.

 Actor y director de Teatro (Teatro de La Abadía, CNTC, CDN, Teatro Nacional de Luxemburgo)

Realizar una Pantomima sobre Don Quijote de la Mancha para el IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, fue mi primer encargo como director de escena siendo estudiante de arte dramático.  Me dieron un texto con unas anotaciones coreográficas-dramáticas de un tal Manuel Rosado, que en el año 1950 realizó una Pantomima sobre Don Quijote en la ciudad de Alcalá de Henares con música de Walter Niemann, y me dijeron que reconstruyese las anotaciones totalmente a mi modo, con carta blanca de creatividad, encargándose Germán Labrador (Profesor en el Departamento de Música de la Universidad Autónoma de Madrid) de realizar una versión instrumentada, partiendo de una selección de obras de Niemann para la puesta en escena, ya que Manuel Rosado no detallaba en su escrito qué obras eran, ni en qué momento sonaban.

Enseguida me puse a ello y armé el mejor equipo posible, con Paula Castellano a la escenografía, Darío Sigco y Elisa Forcano como intérpretes y el músico y creador de espacio sonoro Odin Kaban (de la orquesta se encargo Germán) y realizamos la pieza, haciendo un trabajo de teatro físico respetando en algunos fragmentos el género de la pantomima.

Muchos meses después y gracias al Corral de Comedias de Alcalá de Henares, estuvimos una semana de residencia en el teatro, haciendo que la obra evolucionara radicalmente, profundizando en las ideas, en los movimientos y uniendo totalmente la música electrónica con la de Walter Niemann. Fue maravilloso contemplar en una muestra final del trabajo cómo el público reaccionó ante la nueva propuesta, gracias en parte a sus críticas volvimos a poner las riendas a Rocinante y a cabalgar sobre meses de ensayos e investigación hasta los próximos días 24 y 25 de Julio, donde re-re-estrenaremos nuestro QUIJANO en el festival ClasicOFF de Nave73, con un virtuoso al piano como es Fran Fernández y con muchas miras hacia el futuro con el proyecto.

Para todo el equipo el día 24 supone un estreno total de la obra.

En QUIJANO nos centramos en la figura de Don Alonso Quijano (el hombre cuerdo) partiendo de la premisa de que mientras Don Quijote de la Mancha vivía sus aventuras, Alonso Quijano, como otra entidad, se encontraba encerrado deambulando por un no-espacio, por la materialización psíquica de su total ausencia, debilitado, vagando sin tiempo y privado del mundo externo.

CARTEL, QUIJANO, Pantomima Don Quijote 2018

La obra comienza en el último capítulo de la novela, con Don Quijote enfermo en la cama, y vemos cómo Don Alonso, acompañado de una informe y vaga presencia arrancada de una de sus novelas de caballería, reflejo del dominio exterior de Don Quijote, que se convierte en Dulcinea, Rocinante, Sancho Panza, el Caballero de la Luna, los molinos de viento… debe atravesar por las bodas del rico Camacho, los cueros de vino de la venta, la cueva de Montesinos, el retablo de Maese Pedro… en su débil resistencia a la locura.

Es una manera totalmente nueva de acercarse a la gran novela que es Don Quijote de la Mancha, desde un trabajo físico en el cual los intérpretes no dialogan, aunque contamos con la maravillosa colaboración del actor Javier Lago que pone voz a Don Quijote, pero de una forma en la que se fusiona totalmente con el espacio sonoro, creando sus parlamentos texturas y atmósferas.

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QUIJANO, Pantomima de Don Quijote  en el fondo trata de una persona enferma que está a punto de fallecer. La obra no indaga directamente sobre la realidad, pero nos acerca al abismo de la muerte, al umbral de nuestras vidas, y mirar al fondo de ese acantilado es un acto muy humano que nos vuelve más empáticos.

La obra no trata de ilustrar la obra de Cervantes, por lo que cada persona del público,  haya leído la novela o no, tendrá un viaje totalmente distinto. En el transcurso de la obra, se le realizarán a cada espectador preguntas muy diferentes, de las cuales, deberá cada uno completar su significado.

DÍAS 24 Y 25 DE JULIO – 20:30 
Festival ClasicOFF

Nave73 (C/ Palos de la Frontera, 5)

Entradas:
http://www.nave73.es/portfolio-item/quijano/
https://www.atrapalo.com/entradas/quijano-clasicoff_e4820086/

DIRECCIÓN 
Alberto Trijueque Pegalajar

INTÉRPRETES 
Darío Sigco, Elisa M. Forcano

ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO 
Paula Castellano

ESPACIO SONORO 
Odin Kaban

PIANO 
Fran Fernández

SELECCIÓN Y ADAPTACIÓN MUSICAL DE WALTER NIEMANN
Germán Labrador

VOZ EN OFF 
Javier Lago

CONFECCIÓN VESTUARIO 
Aurora Isac Pérez

CONSTRUCCIÓN ESCENOGRAFÍA 
Utilería-Atrezzo SL

PRODUCCIÓN
OFF Lírico

La Firma Invitada: Miguel Ángel Calvo Buttini, autor y director de UNA PAREJA CUALQUIERA

Miguel Ángel Calvo Buttini es el autor y director de Una Pareja Cualquiera. Tras más de un año de gira por toda España llega al Teatro Fígaro de Madrid el próximo lunes 11 de enero con un reparto encabezado por Anita del Rey (Acacias 38) e Iñaki Ardanaz (Los Miércoles No Existen). La obra de nuestra Firma Invitada estará los lunes y martes de enero en el citado teatro a las 20:30h.

Nuestra Firma Invitada (centro) rodeado de los actores de la obra.
Nuestra Firma Invitada (centro) rodeado de los actores de la obra.

El amor, las relaciones de pareja, forman parte de nuestras vidas, un tema universal, la explosión del inicio, la adrenalina que desprende, lo que nos decimos, la estabilidad, la rutina, las crisis, los amantes, las reconciliaciones, las rupturas… En definitiva la vida misma, ¿quien no ha experimentado estas sensaciones? Es un reto tratar de contarlo. Un reto para intentar contar de manera diferente algo de lo que habla todo el mundo. Y así nos lo propusimos en Una Pareja Cualquiera desde un texto teatral, nosotros que venimos del cine.
Las historias me gusta llevarlas al límite en el terreno de la comedia, incluso al ridículo, al ridículo de lo que nos decimos y hacemos sin darnos cuenta, y al ridículo de nuestras discusiones, y ese límite era la muerte, y el después de la muerte, y así nuestra pareja pasa por las diferentes situaciones que suceden en toda pareja que se precie , y vuelve locos a los vivos y a los muertos.
Por ello, la escenografía, música, luz, vestuario van en esta dirección, donde la historia transcurre a partir de un suicidio, y lo que parece no ser, ES, y lo que no, SÍ ES. La vida, la muerte y el amor, se pueden tratar desde la comedia? Claro que sí.¿Y cómo es la vida en la muerte? La imaginamos dividida en diferentes salas por donde va pasando nuestra pareja, todas iguales, blancas, muy rudimentarias, el mismo vestuario siempre, entrada a la sala por la derecha, salida por la izquierda. Un solo mueble, aparte de la caja escenográfica, que pasa por diván, asiento, cama.
Las salas representan los diferentes estados del amor, la luz neutral remarcará muy ligeramente las acciones de las escenas y se centrará sobre todo en el diván, asiento, cama que está en el centro de la sala, y la música, un tema romántico, Moon River, en diferentes versiones acompañará a nuestra pareja, una pareja que no es una pareja cualquiera, O SÍ, quien sabe. Esto que os cuento tenemos el orgullo de contar que nos ha llevado en el 2015 por diferentes lugares de España . Jamás imaginamos las alegrías que nos iba a deparar esta primera obra teatral. Ahora nos llega un premio que jamás imaginamos al comenzar esta maravillosa aventura, Madrid y el Teatro Fígaro. Os esperamos.
Continuará…

La Firma Invitada: Patxo Tellería, autor de «Páncreas»

Patxo Tellería, uno de los nombre imprescindible de la escena, el cine y la televisión en el País Vasco es el autor de Páncreas, que vuelve al Teatro Valle Inclán el 8 de enero tras la indisposición de Santiago Ramos. El autor y director de La Máquina de Pintar Nubes y Bypass es nuestra nueva Firma Invitada.

Me preguntan por qué he escrito Páncreas en verso. Y por qué lo llamo contemporáneo. Trataré de responder, si es que existe respuesta.

La renovación y la involución llevan pugnando durante siglos. Se dice que a Bach, expertos musicales de la época le recomendaron no intentar un nuevo estilo, porque en música “ya estaba todo inventado”. En la época clásica del teatro francés se admiraban las piezas “bien hechas”, denominando así a lo que no se salía ni un milímetro de los cánones de perfección establecidos, y que ellos imaginaban eternamente inamovibles.

El teatro contemporáneo, el arte en general, valora la innovación. A veces parece que se busca de manera compulsiva la sorpresa por encima del contenido. Eso suena a fin de ciclo, a decadencia de un género cansado de sí mismo. Pero también es cierto que lo que no se renueva, se marchita y muere.

Cada día aparecen propuestas teatrales que buscan en la forma y en el formato su hecho diferencial. Se investigan denodadamente nuevos lenguajes, nuevos espacios. Se hace teatro en autobuses, en coches, en domicilios privados, en armarios… Se recuperan moldes medievales, se explora el teatro hindú, la ópera de Pekín, el teatro Noh…

No he hecho otra cosa con Páncreas: buscar una nueva forma expresiva. O lo que viene a ser lo mismo, recuperar una, olvidada y semienterrada. De la misma manera que compositores franceses de fines del XIX (Ravel, Bizet…) se inspiraron en la vieja música española para modernizarse.

El verso de Páncreas no suena, no quiere sonar, a viejuno ni a rancio. Es un lenguaje contemporáneo que utiliza un recurso lingüístico que había sido radicalmente expulsado del repertorio de recursos del teatro.

Evolución, que no involución. Sé que es difícil explicarlo. Creo que nos dejamos llevar por tópicos e ideas preconcebidas. Si me llego a inspirar en el medieval Kabuki japonés o en el más medieval Natya Sastra hindú, nadie habría dudado de lo moderno de mi propuesta.

Pero ay, ¡me he inspirado en el Siglo de Oro!

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La Firma Invitada: Javier de Dios López

Si el talento es un don y las aptitudes se educan, la técnica se aprende. Y al hacerlo potenciamos el talento y mejoramos nuestras aptitudes.

El curso pasado, en su primera sesión, presenté el Máster en Escritura Dramática a los alumnos como un espacio de creación en el que íbamos a poner sobre la mesa todos los recursos, todas las herramientas que conforman la técnica de la escritura teatral. ¿Con qué fin? Con el fin de conocerlas, ejercitarlas en la práctica y valorarlas a la hora de elegir las más propicias para contar la historia que necesitamos escribir.

Porque de eso se trata, de escribir teatro, de plasmar en forma dramática lo que vive en nuestra imaginación y necesitamos contar.

Las guías de nuestro viaje serían los grandes textos y dramaturgias de la Historia del Teatro, y nos acompañarían la valiosa orientación de especialistas universitarios y el magisterio de un impresionante equipo de autores y autoras en activo que conducirían a los alumnos por los caminos de la creación, de tú a tú, trabajando mano a mano las ideas que surgieran tanto en clase como fuera de ella para ir dando forma al proyecto de cada uno, a la obra personal y única.

Estamos a punto de iniciar la II edición del Máster en Escritura Dramática que comienza en octubre y lo hacemos con esos mismos planteamientos. Organizado desde la Asociación de Autores de Teatro de España y la Universidad de Alcalá, con la colaboración inestimable de Fundación SGAE, el Máster vuelve a contar con un gran equipo que, junto al hecho de ser el único máster dedicado exclusivamente a la escritura teatral, hacen de él una propuesta única. A falta de confirmar algunas participaciones, los alumnos del curso 2015-16 tendrán como profesores a (por orden alfabético) José Luis Alonso de Santos, Jesús Campos, Alberto de Casso, Alberto Conejero, Maxi de Diego, Blanca Doménech, Yolanda Dorado, Juana Escabias, Julio Escalada, Eduardo Galán, Guillermo Heras, Juan Pablo Heras, Fernando J. López, Santiago Martín Bermúdez, Ignacio del Moral, Berta Muñoz, Antonio Onetti, Yolanda Pallín, Ignacio Pajón, Manuel Pérez, Julián Quintanilla, Mar Rebollo, Laila Ripoll, Juan Carlos Rubio, Susana Sánchez, Pedro Víllora y quien firma estas palabras. Como coordinador del Máster, para todos ellos no tengo sino agradecimiento por su generosidad y entrega a este proyecto tan especial.

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Allá vamos un curso más. Como novedad, este curso añadimos a la modalidad presencial la posibilidad de cursar el Máster online. Invitamos a subir a bordo a todo aquel que, de un modo u otro, ame la palabra sobre el escenario y quiera hacer de ella el medio de expresión de su imaginación.

(Información completa sobre el Máster en Escritura Dramática en www.aat.es, el plazo de preinscripción se acaba de ampliar hasta el 25 de septiembre)