El Festival de Almagro levanta el telón el 2 de julio con un estimulante programa escénico

La próxima semana arranca la 38º edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, concretamente el jueves 2 de julio, con la entrega del 15º Premio Corral de Comedias al actor, director y miembro de la Real Academia Española José Luis Gómez, quien recibirá el galardón por toda una vida dedicada al teatro a las 20.30hs en el Corral de Comedias junto a sus amigos y compañeros de profesión.

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En una semana, Almagro, el lugar de la palabra, volverá a llenarse de magia en una edición que será muy especial DESDE MI BUTACA, ya que participaré- perdónenme el personalismo atroz, pero a veces es necesario- en el I Encuentro de Blogueros Teatrales, invitación que recibo con ilusión y entusiasmo. El programa del Festival es tan amplio que es imposible resumirlo en un post, pero aquí van algunas pinceladas que, espero, les sirvan para animarles a descubrir la magia de un clásico, ¿Te atreves?

  • Bajo el lema ‘Un clásico, ¿te atreves?’, el festival se desarrollará entre el 2 y el 26 de julio
  • Tim Robbins dirigirá El sueño de una noche de verano e impartirá una interesante Master Class
  • El pueblo de Fuente Obejuna representará Fuenteovejuna de Lope de Vega, en la Plaza Mayor durante la jornada inaugural
  • Grandes nombres de la escena como Charo López, Blanca Portillo, Sergio Peris Mencheta o Andrés Lima pasarán por Almagro
  • La República de Corea es el País Invitado de Honor
  • También habrá producciones llegadas desde Reino Unido, Francia, Italia, Grecia, Alemania, México, Argentina, Chile y Estados Unidos
  • Este año hay una apuesta firme por la comedia, con 94 representaciones a cargo de 53 compañías
  • Habrá 22 estrenos, 11 absolutos y 11 nacionales
  • Nace un nuevo espacio: After Classics
  • Prevalecen los creadores jóvenes, una mayor representación de creadoras, y las nuevas miradas de autores contemporáneos                                                                                                                                                                                                     Diez citas IMPRESCINDIBLES del Festival
Tim Robbins dirigirá "Sueño de una noche de verano".
Tim Robbins dirigirá “Sueño de una noche de verano”.
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Fernando Cayo será “El Príncipe” de la mano de Juan Carlos Rubio.
"El Burgués Gentilhombre" está hasta el domingo en el Infanta Isabel y también pasará por Almagro.
“El Burgués Gentilhombre” está hasta el domingo en el Infanta Isabel y también pasará por Almagro.
Los "Entremeses" de Cervantes, uno de los platos fuertes.
Los “Entremeses” de Cervantes, uno de los platos fuertes.
Ron Lalá vuelve a Almagro con "En un lugar del Quijote"
Ron Lalá vuelve a Almagro con “En un lugar del Quijote”
"Ojos de Agua" con Charo López también pasará por Almagro.
“Ojos de Agua” con Charo López también pasará por Almagro.
"Calderón Cadáver", plato fuerte de AlmagrOFF.
“Calderón Cadáver”, plato fuerte de AlmagrOFF.
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“El Mercader de Venecia” no podía faltar en esta lista de imprescindibles.
Blanca Portillo dirige "Don Juan Tenorio".
Blanca Portillo dirige “Don Juan Tenorio”.
Sergio Peris- Mencheta y Emilio Gavira protagonizan "Enrique VIII y la cisma de Inglaterra".
Sergio Peris-Mencheta y Emilio Gavira protagonizan “Enrique VIII y la cisma de Inglaterra”.
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Un paseo participativo por La Calle 42 a ritmo de “Sing Happy”

La Calle 42, Sing Happy y El Concierto Participativo han puesto al musical en primer término, ese del que no debería salir nunca, en las últimas semanas.

En La Calle 42 en el Auditorio Nacional y El Concierto Participativo en el Teatro Lope de Vega se entremezclan artistas profesionales del musical con un impecable coro de gente anónima.

La primera cita, La Calle 42, estuvo organizada por la Orquesta Sinfónica Chamartín con dirección musical del Maestro César Belda. El Orfeón Chamartín estuvo acompañado por numerosos cantantes de otros coros, que pusieron toda su entrega y entusiasmo para conseguir que este concierto fuese un feliz broche final a la temporada del coro. El programa de esta noche inolvidable estuvo compuesto por melodías de musicales como West Side Story, Los Productores, Sonrisas y Lágrimas y muchos musicales más, tanto clásicos como actuales. Entre los momentos más mágicos de la noche estuvieron El Sueño Imposible en la voz de Paco Arrojo o el apoteósico final dedicado al musical Los Miserables. Víctor Díaz, Carlos Solano y Laura Enrech fueron algunos de los solistas en esta cita.

Anoche, la Fundación La Caixa y Stage Entertainment pusieron en marcha una cita con los conciertos participativos, impulsados por la Obra Social “la Caixa” desde hace veinte años ofrecen a las personas aficionadas a la música la oportunidad de participar en un importante proyecto pedagógico y musical de gran envergadura junto a músicos e intérpretes profesionales de reconocido prestigio. Los participantes en este concierto en formato participativo estuvieron  bajo la dirección de Óscar Peñarroya (dirección musical) y Xavier Casan (dirección escénica), y junto a los solistas Sergi Albert y Mone, dos de los profesionales con mayor experiencia en el género musical de nuestro país, a quiénes hemos podido ver recientemente en grandes producciones musicales en nuestro país como La Bella y la BestiaMamma Mía o El Rey León. En esta ocasión, el público también pudo participar entonando la partitura de Hoy la gente cantará de Los Miserables.

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Laura Enrech, a la que también vimos como solista en La Calle 42, llevó su Sing Happy! al Teatro del Arte. En este caso, tendrás otra cita con ella el 9 de julio a las 22:00h, también en el TDASing Happy! es una excusa disfrazada de concierto para contar la historia de dos ciudades, Madrid y Nueva York y recorrer la distancia que las separa a través de la música. Es la historia de una chica que intenta conectar los puntos mirando hacia atrás y quiere compartir con todo aquel que quiera escuchar cómo alcanzar los sueños y aún más importante, qué pasa con la vida después de ellos. En Sing Happy, la actriz y cantante desplegó su talento y cantó (y contó, ¿O era al revés?) su historia a través de canciones como Let  Me Be Your Star. Ella que paseó por La Calle 42  gracias a una beca y fue la segunda cover de Bella en la Gran Vía, ironiza sobre el momento en que tuvo que enfrentarse al paro. Y todo con sólo 25 años. Un talento único, lleno de luz, que sobre el escenario del Teatro del Arte estuvo acompañado por artistas como Guido Balzaretti, su particular e imposible Príncipe Azul. El Maestro César Belda la acompañó al piano. Apunten en sus agendas el 9 de julio, estoy seguro que volverá a ser una noche inolvidable.

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Fotografía: Patricia Seijo.
Fotografía: Patricia Seijo.

Un vistazo al teatro que viene (II): “Windermere Club” y “La Viuda Alegre”, el doblete de Natalia Millán

Seguimos avanzando lo que dará de sí la próxima temporada y ,en esta ocasión, lo hacemos con dos propuestas que tienen como protagonista a Natalia Millán. La actriz empezará la temporada con Windermere Club en el Fernán Gómez y cerrará el año con La Viuda Alegre en los Teatros del Canal.

¿LOGRARÁS RESISTIR LA TENTACIÓN?

El abanico de Lady Windermere, una de las obras más conocidas del gran Oscar Wilde, nos habla del miedo a la difamación, de la importancia de la imagen que el resto de la sociedad puede tener de nosotros. Y todos sabemos que ese es un tema que a día de hoy, 122 años después de su estreno, nos sigue preocupando. Y mucho. Cada día saltan a la prensa escándalos que hacen tambalear los cimientos de vidas, a priori, honorables y alabadas. ¿Cuáles de estos escándalos son verdaderos? ¿Cuáles no? ¿Cuántos serán fruto de un chantaje? ¿De una venganza? La puritana sociedad victoriana en la que Wilde situó su obra ha dado paso a un mundo donde el sexo y las relaciones personales son mucho más flexibles, no hay duda. Internet ha cambiado las reglas del juego y ahora todos podemos ser testigos de una falta moral cometida a miles de kilómetros. Y en tiempo real. Pero eso no nos ha alejado de la humana sensación de la vergüenza y de la necesidad de seguir recibiendo aprobación de nuestros semejantes. Por mucho que nos apetezca caer en alguna tentación… “La experiencia es simplemente el nombre que damos a nuestros errores” El otro gran protagonista de Windermere Club es el baile. La trama de esta versión se sitúa en un club de salsa en la que imparten clase la pareja protagonista, Margarita y Arturo, lugar de encuentro para amantes de este género. Y epicentro de una calurosa noche en la que las verdades y las mentiras se irán desgranando al son de los temas más conocidos del ritmo latino. “No hay nada mejor que el amor de una mujer casada. Es una cosa de la que ningún marido tiene la menor idea”.

La función será dirigida por Gabriel Olivares y contará con versión de Juan Carlos Rubio.

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Bajo la dirección musical de Jordi López y la dirección escénica de Emilio Sagi, ayudados por Carlos Roo como asistente de dirección, La Viuda Alegre cuenta con un reparto espectacular, con Natalia Millán a la cabeza, quien se muestra bellísima, elegante y misteriosa como Hanna Glawari, “la viuda alegre” de la célebre opereta en tres actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár que el Teatro Arriaga, dándole una espectacular vuelta de tuerca, va a convertir en un gran musical que se representará en castellano y con música interpretada en directo por una orquesta de 12 músicos en la Sala Roja de los Teatros del Canal del 18 de diciembre de 2015 al 17 de enero de 2016. 

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Natalia Millán comparte protagonismo con cinco artistas de primer nivel. El barítono Antonio Torres, cuya voz ha encandilado a teatros y auditorios de todo el mundo, interpreta al Conde Danilo en La Viuda Alegre; la versátil actriz, cantante y bailarina Silvia Luchetti, recordada  por su brillante interpretación del personaje de María en Sonrisas y Lágrimas, hace el papel de Valencienne; Guido Balzaretti, un actor joven pero ya un referente si hablamos de teatro musical y que triunfó recientemente formando parte del elenco de Los Miserables, encarna al personaje de Camille; el tenor Enrique Viana  pone su inconfundible voz a Njegus y, por último, otro gran cantante lírico como el barítono José Manuel Díaz se mete en la piel del Barón Mirko Zeta.

Al sexteto principal hay que sumar la aportación del gran coro de La Viuda Alegre, formado por 16 personas que además de cantar como los ángeles, bajo la dirección de Carlos Imaz, bailan y actúan.

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Gran espectáculo

La Viuda Alegre es una espectacular producción propia del Teatro Arriaga, que cuenta con una elegante escenografía de Daniel Bianco y un precioso trabajo de figurinista a cargo de Renata Schussheim, afinadísima con el vestuario. También captará la atención del público la belleza de los números de baile, muy variados y llenos de dinamismo, gracias a la siempre creativa coreógrafa Nuria Castejón. Este espectáculo se basa en la opereta probablemente más famosa de todas, un verdadero paradigma del teatro musical, La viuda alegre, que se estrenó en Viena en 1905, con música de Franz Lehár y libreto de Victor Léon y Leo Stein, basado a su vez en la comedia “L’attaché d’ambassade” de Henri Meilhac. Es una obra que desde el primer momento fue recibida con enorme entusiasmo.

La apuesta del Teatro Arriaga por convertir el espectáculo en un gran musical va a permitir acercarlo aún más al público, para que todo el mundo pueda reír y disfrutar con él. Porque se trata de una obra que por la picardía de su argumento, la belleza de sus melodías, el encanto de su mundo irreal… dibujará en el público una sonrisa en la cara que durará unas cuantas horas tras cada representación.

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Breve sinopsis

Pesa sobre los servicios diplomáticos la injuriosa especie de que sus titulares no han de tener más virtudes que un hígado resistente y la habilidad de sonreír mientras parlotean sobre naderías, de recepción a fiesta de embajada y de baile de legación a cena de gala. Quizá obras como La Viuda Alegre hayan alimentado esa calumnia. En ella Danilo, su protagonista, se enfrenta a la patriótica tarea de seducir y desposar a Hanna, una joven viuda acaudalada, para que su fortuna no salga del pequeño principado de opereta, ¡nunca mejor dicho!, de cuya embajada en Paris es Danilo primer secretario. La tarea parece sencilla porque el mozo es apuesto y el uniforme le queda como un guante, pero no lo es porque hay entre ellos una vieja historia de amor despechado, porque otros pretendientes con iguales méritos se han fijado el mismo objetivo, ¡chacales arribistas!, y porque la viuda, ya lo dice el título, es alegre y no le pone mala cara a nadie. Mientras, la orquesta encadena valses y el champagne y la alegría se derraman a raudales.

El Festival de Mérida levanta el telón con la “Medea” de Ana Belén y José Carlos Plaza

Un año más, el Festival de Teatro Mérida, que dirige Jesús Cimarro, reunirá en julio y agosto a nombres de la talla de Ana Belén, José María Pou, Carles Canut, Aitana Sánchez Gijón, Andrés Lima, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras, Carmen Machi, Manuela Paso, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, Ángela Molina, Emilio Gutiérrez Caba, Lolita, María Galiana, Pastora Vega, Pedro Mari Sánchez, Pablo Abraira, Paco Arrojo, Víctor Ullate Roche, Fernando Ramos, Ana García o Pedro Montero; se ponen a las ordenes de directores como José Carlos Plaza, Mario Gas, Andrés Lima, Alfredo Sanzol, Miguel del Arco, Magüi Mira, Juan Echanove, Ricard Reguant o Paco Carrillo.

Nueve producciones para el Teatro Romano

El festival arranca, del 1 al 5 de julio, con Medea, a partir de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas con dramaturgia de Vicente Molina Foix. La actriz Ana Belén encabeza el reparto de este montaje cuya dirección corresponde a José Carlos Plaza. Una producción del Festival de Mérida. Estreno absoluto.

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Del 8 al 12 de julio llegará Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano con dramaturgia y dirección de Mario Gas con José María Pou y Carles Canut a la cabeza del reparto. Es una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Teatre Romea y Grec 2015 Festival de Barcelona. Estreno absoluto.

Durante la tercera semana, el protagonismo queda para el recién creado Teatro de la Ciudad. El 15 de julio veremos Medea, de Séneca, bajo la dirección de Andrés Lima. Sus protagonistas: Aitana Sánchez Gijón, Laura Galán, Joana Gomila y el propio Lima. El 16 de julio llega el turno de Edipo Rey sobre textos de Sófocles bajo la batuta de Alfredo Sanzol. El reparto está compuesto por Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón. Del 17 al 19 de julio llegará el turno de Antígona, una versión libre sobre la obra de Sófocles, dirigida por Miguel del Arco con Carmen Machi, Manuela Paso, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez, Silvia Álvarez y Santi Marín. Estos tres montajes son una producción de Teatro de la Ciudad en coproducción con Teatro de la Abadía.

Del 22 al 26 de julio llega la exhibición de César & Cleopatra, una dramaturgia de Emilio Hernández que dirige Magüi Mira con Ángela Molina y Emilio Gutíerrez Caba al frente. Es una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Estreno absoluto.

Molina en una foto de nuestro archivo.
Molina en una foto de nuestro archivo.

Del 29 de julio al 9 de agosto se podrá ver La asamblea de mujeres, de Aristófanes, en versión de Bernardo Sánchez y dirigida por Juan Echanove. Lolita, María Galiana, Pastora Vega, Pedro Mari Sánchez, Concha Delgado, Luis Fernando Alves, Vicente Díez, Bart Santana y Santiago Crespo dan vida a los personajes. Es una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Estreno absoluto.

María Galiana en su camerino del Teatro Arriaga.
María Galiana en su camerino del Teatro Arriaga.

Del 12 al 16 de agosto llega la primera producción extremeña, Hércules, con textos deMiguel Murillo bajo la dirección Ricard Reguant. El reparto, por el momento, lo componen Pablo Abraira, Paco Arrojo y Víctor Ullate Roche. Es una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y la compañía Rodetacon. Estreno absoluto.

Paco Arrojo durante la entrevista que le hicimos en 2014.
Paco Arrojo durante la entrevista que le hicimos en 2014.

La segunda producción extremeña estará en cartel del 19 al 23 de agosto. El cerco de Numancia, de Miguel de Cervantes, en versión de Florián Recio bajo la dirección de Paco Carrillo con un reparto formado por Fernando Ramos, Ana García, Pedro Montero, Paca Velardiez, David Gutíerrez, Juan Carlos Tirado, José Francisco Ramos, Jesús Manchón y Manuel Menarguez. Contarán con la participación de la Asociación Emérita Anticua. Es una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con Verbo Producciones. Estreno absoluto.

Y, por último, el 27 de agosto a las 22:30 horas tendrá lugar la IV edición de los Premios Ceres de Teatro, la conexión definitiva entre Mérida como cuna del arte escénico y toda la producción teatral española.

Programación Off. Augusto en Mérida

El Off de esta edición, cuyas intervenciones sirven para divulgar la cultura clásica a través de acciones lúdicas y artísticas, incluye representaciones teatrales, proyecciones cinematográficas, mesas redondas y una exposición fotográfica.

Con esta iniciativa, coproducida y dirigida por TAPTC? Teatro y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, se contribuye a revitalizar espacios arqueológicos de la ciudad como el Templo de Diana, el Pórtico del Foro o las Termas de calle Pontezuelas, devolviendo a estos escenarios la cultura clásica grecolatina durante los meses de julio y agosto.

Veremos títulos teatrales como Mujeres de Roma, Andrómaca, Un sueño de una noche de verano o El arca de Pandora.

Se proyectarán las películas Poderosa Afrodita; La piedra de la paciencia; 300, el origen de un imperio; Thermae Romae; Cuando todo está perdido; ¿Y ahora dónde vamos?.

Las mesas redondas abordarán temas como Orígenes del teatro en occidente; El Festival de Mérida en los medios; y Festivales de teatro en Extremadura.

Además, en la Sala de Exposiciones de Santa Clara podremos ver la muestra fotográfica Augusto en Mérida.

Además se celebrará el Ciclo de Conferencias Encuentro con los clásicos, coordinado por el catedrático de la Universidad de Extremadura Santiago López Moreda; y tendrá lugar elCampo de Trabajo Internacional en coordinación con la Dirección General de Juventud del Gobierno de Extremadura.

Pasacalles. Nueve musas

Musas, divinidades femeninas que presiden las artes y las ciencias e inspiran a filósofos y poetas. Nueve musas nacidas de nueve noches seguidas de amor entre Zeus y Mnemósine. Las musas, nietas de Urano, el cielo; y Gea, la tierra, serán las protagonistas del pasacalles de la compañía extremeña Karlik los días 4, 11, 18 y 25 de julio; y 1, 8, 15, 22 y 27 de agosto.

Exposición. Lusitania romana.

Siguiendo la estela de la anterior edición, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida colabora en 2015 en la organización de la exposición Lusitania romana. Origen de dos Pueblos / Origem de dois povos. Se podrá ver del 23 de marzo al 30 de septiembre en el Museo Nacional de Arte Romano.

Madrid, Medellín y Regina. Las tres extensiones.

El próximo miércoles 18 de marzo arranca, en el Teatro Bellas Artes de Madrid, la primera edición de El Festival de Mérida en Madrid, cuarto escenario del certamen que por primera vez sale de Extremadura. Se celebrará entre el 18 y el 29 de marzo e incluye las representaciones de tres coproducciones del Festival con compañías extremeñas: Coriolano, Edipo Rey y Los Gemelos. Además, coinciden con la última semana de El Eunuco y la primera de Pluto, ambas en el Teatro La Latina. Todo un acontecimiento.

Por otro lado, el Teatro Romano de Medellín volverá a abrir sus puertas para ver Coriolano,24 de julio; Nueve musas (pasacalles) y El Eunuco, 25 de julio; y Edipo rey, 26 de julio.

En el Teatro Romano de Regina se representará, el 1 de agosto, Edipo rey.

Juan Zelada: “Los músicos somos unos locos ingenuos que vivimos de sueños y esperanzas”

De niño escuchaba a Ray Charles y bailaba por Michael Jackson. Entonces era imposible que se imaginase que años después compartiría escenario y le daría un premio Paul McCartney. Una beca en el Liverpool Institute for Performing Artists fue lo que permitió el encuentro entre el artista y su ídolo. Y así empezó su carrera en Inglaterra, en la que llegó a telonear a Amy Winehouse. Y tras quemar etapa allí, decidió venirse a probar suerte a España de la mano de Carlos Jean y su MUWOM. Con mucho esfuerzo y tesón, este loco ingenuo ha conseguido hacerse un hueco con una música que no entiende de etiquetas.

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A tenor de lo que vimos hace unas semanas en la Sala Clamores, el directo es tu gran baza, ¿Qué supone para ti cada concierto?

En el directo es donde muestras toda tu integridad y toda tu credibilidad como músico. Es donde derrochamos nuestra pasión por la música.

Si tuvieses que definir Back on Track en unas notas, en unos apuntes, ¿Qué dirías?

Es un disco que supone resetear en mi carrera y, a la vez, es el encuentro entre el mundo de Carlos Jean y Juan Zelada. Ha incorporado su sello de producción, un sonido a veces más pop. Tiene mucha intuición, la experiencia es un grado y eso se nota. En unos minutos es capaz de grabar una canción. Tiene un proceso muy intuitivo.

Antes de enfrentarte a este disco, te embarcaste en un viaje muy especial, ¿Para que te sirvió esa experiencia?

Para volver a sentirme músico, para que resurgiese la pasión por componer canciones. A veces nos dejamos influenciar por los momentos difíciles y eso no es bueno. Me encantó ver cómo a los brasileños les salía la música por los poros. Aunque luego no haya hecho un disco de este tipo de música, me ha servido para redescubrirme como artista.

Tras una larga temporada en Inglaterra, decidiste volver a tu tierra, ¿Tenías ganas de ser profeta en tu tierra?

Tenía morriña de volver, pero no tenía el objetivo de ser una estrella en España. Creo que mi tiempo en Inglaterra ya había pasado. Había quemado una etapa. Cuando me ofrecieron venirme para aquí, no lo dudé. Mi objetivo ha sido simplemente abrirme un huequito en mi país y resetear. Lo bueno que tiene internet es que la gente puede echar un vistazo a lo que hice en Inglaterra para conocer la trayectoria previa que tengo antes de venirme a España.

¿Qué sentiste cuando recibiste el reconocimiento de manos de Paul McCartney?

En ese momento te quedas sin palabras y te viene a la cabeza el niño mocoso que escuchaba a The Beatles. Te piropea, hicimos un mano a mano inolvidable, eso se queda grabado en tu memoria. Te llena de orgullo, sientes que estás haciendo algo bien.

¿En qué momento te diste cuenta de que la música iba a ser tu camino?

Estudié Comunicación Audiovisual. Hacía novillos, me iba de cañas. Fui a la Escuela de Música Creativa y esa fue la decisión que cambió mi vida. Mi profesor me recomendó la beca del LIPA. Hice la audición y ahí decidí que debía sacar provecho a mi experiencia en Liverpool, vas a poder tocar en The Cavern pensé entonces… Es una ciudad muy manejable, vas andando a todas partes. Incluso estuve en Jacarandá donde John Lennon hacía sus noches de “Micro Abierto”.

Pasastes de las Bodas, Bautizos y Comuniones a sonar en la BBC, ¿Cómo fue ese camino?

Un gerente de un restaurante decidió dejar su trabajo y ser mi mánager, quería dedicarse a la música. Apostó por mí, dejé de hacer cruceros, grabé una maqueta y creamos un proyecto juntos. Esas grabaciones, sin discográfica, las pusieron en la BBC 2. Ahora, eso sí, me toca quitarle hierro al asunto. Muchos de los músicos que suenan ahí siguen haciendo cruceros, pero ¿Cómo no vas a curtirte tocando canciones de James Brown, Kiss o Amy Winehouse?

Precisamente en 2008, fuiste telonero de Amy, ¿Cómo era trabajar con esa especie de “Jekyll y Hyde”?

La primera noche, llegó dos horas tarde, borracha, insultando al público. La prensa rosa la acosaba además. Casi por rebeldía, por magia, al día siguiente, hizo uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida. Dejó boquiabierto a todo el mundo. Era capaz de lo más bochornoso y de lo más cautivador.

Juan Zelada intenta huir de etiquetas en un mercado un tanto cerrado como el español…

La gente empieza a escuchar un tema sin necesidad de que sea por un género. Me salgo de los géneros, el soul es muy universal. Intento hacer mi música honestamente, ser auténtico. Ray Charles va a ser eterno por ejemplo.

¿Con qué tipo de proyectos sueña Juan Zelada?

Una aspiración son las colaboraciones con gente nueva, que me aporte cosas interesantes. Y mientras tanto, dar a conocer el género negro, recoger el legado de algunos artistas españoles que han ido sembrando el camino. Yo soy un optimista, creo que el futuro de la música y de los músicos está asegurado.

Antonio Dechent protagoniza “La Voz Humana” en el Teatro Lara desde el 1 de julio

Tenemos nuevo proyecto de DESDE MI BUTACA COMUNICA para este verano. Los miércoles de julio y agosto se podrá disfrutar de La Voz Humana en la Sala Off del Teatro Lara. Recuperamos la entrevista que hicimos a su protagonista, Antonio Dechent, uno de los rostros imprescindibles de la escena y de la pequeña y gran pantalla.
Le pillo en mitad del ensayo técnico que interrumpe para atender a DESDE MI BUTACA. Cada noche, se encuentra a si mismo en el escenario, su hábitat natural. Reconocido principalmente por su trabajo en el cine, Dechent dice sufrir la enfermedad del rojo y el oro, ese color que caracterizaba históricamente a los telones del teatro. Y en las penumbras del Bellas Artes, su mente lúcida y crítica se abre paso para hablar de un oficio que le ha llevado a interpretar a todo tipo de ‘generalotes’ y duros personajes que se alejan mucho de la imagen que tiene de si mismo. Él se ve más como el protagonista de La Voz Humana, un hombre roto por el amor que busca recuperar en una última llamada desesperadamente a su enamorada. Siéntense en sus butacas y disfruten de sus palabras. No les defraudará.

¿Cómo es esa última llamada al amor que refleja La voz humana?

La idea de hacer esta función surge del espacio para el que fue creado. Se realizó para esa pequeña sala que han montado en el Mercado de Triana. Tenía que hacer algo íntimo, que el público tuviese la sensación de que estaba invadiendo la intimidad del personaje. Me vino a la cabeza La voz humana, pero al momento lo deseché. Luego, lo pensé bien y me decidí por convertir al personaje en un hombre en un marco de una relación heterosexual. De hecho, ya la habían interpretado hombres haciendo de homosexuales e incluso travestidos de mujeres. El desamor no tiene género. Creo que esta función hace mucho por la igualdad de género, el dolor es el mismo y los sentimientos también.

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¿Ha tenido que recurrir Antonio Dechent a su particular “armario de las emociones” para hacer La voz humana?

En este caso he tenido que ir… al fondo del armario. Ojalá conserváramos siempre esa ingenuidad que te dan los sentimientos profundos. El amor es una enfermedad que te hace olvidar todo lo demás. La vida conforme va pasando no te permite vivir de una forma tan profunda. Me ha venido muy bien, he recuperado emociones que en la vida real ya habían desaparecido casi por completo. Conforme nos hacemos mayores, nos creamos una coraza para que no nos hagan daño. Todos hemos vivido esa capacidad de transformarse para complacer al otro. Envidio mucho a los que aún tienen esa capacidad de darlo todo por los suyos.

¿Tenía ganas de quitarse los galones de militar y meterse en la piel de un personaje que es pura emoción?

La verdad es que no. Creo que es más una cuestión de superar la imagen que tiene el público de mí. Es un espectáculo ideado por mí, lo que demuestra que yo no me veo tanto en ese roll que me ponen siempre de militar ni el más macho de los machos con el que me suelen identificar. He escogido un personaje que de alguna forma es similar a mí. Es un hombre frágil, débil y roto. De alguna manera, se que crea una cierta curiosidad ver como el ‘generalote’ se puede acercar a este texto.

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¿Por qué el teatro es un buen lugar para contar historias para Antonio Dechent?

El teatro es mi hábitat natural. Siento que es mi particular microcosmos. Soy parte de las bambalinas. Decían que Cocteau tenía la enfermedad del rojo y el oro, el color de los telones del teatro. Tengo esa enfermedad. Me encuentro cada noche a mí mismo en las penumbras del teatro.

Uno de los autores que más ha trabajado ha sido Valle Inclán con sus esperpentos tanto en el teatro como en esa ‘curiosa’ y espléndida adaptación cinematográfica que vimos hace unos años, ¿Qué le ‘toca’ del teatro de Valle Inclán a Antonio Dechent?

No sé si considerarlo un elogio, pero alguien me dijo una vez que soy un actor esperpéntico -sale a relucir una grave y cálida risa que acompaña a buena parte de la entrevista- Valle Inclán es el padre y maestro mágico de todo lo demás. Me dedico a esto por no tener talento para inventarme las historias. Tengo que contar las historias que escriben otros. El lenguaje de Valle es el mayor placer que puede sentir un actor. Si fuera inglés diría Shakespeare, pero en España es nuestro dramaturgo por excelencia. Puedes hacer muchas veces la misma función, pero siempre encontrarás cosas nuevas. Define muy bien al género humano, cómo ve a las personas con ese crisol de ternura tan maravilloso.

Cuando leo el término ‘actor-obrero’ con el que se autodefine en algunas entrevistas me acuerdo de ver su nombre en 2006 por todas partes. Hasta en 4 películas en menos de dos meses, ¿Podría entender su vida sin este oficio?

Mi vida es bastante aburrida cuando no trabajo. Cuando más vivo estoy es cuando interpreto a otras personas. No me molesta estar trabajando de una forma tan intensa. Colaboro con un montón de proyectos por amor al arte. No puedo estar parado, me lo paso muy bien. Es lo que me mantiene vivo, igual es una forma de apagar mis carencias vitales, pero es lo que hay la verdad.

Uno de los últimos hitos de su excelsa carrera ha sido ese vendedor hastiado de la vida de A puerta fría

Ese señor mayor me salió muy bien. Fue una apuesta muy arriesgada. El personaje fue escrito para mí pensando en esa imagen de hombre castigado y duro que doy en cámara. Es un punto y aparte en mi carrera junto a mi trabajo en Smoking Room. Se rodó en mi Sevilla y no pude volver a mi casa a llevar mi vida familiar con mujer e hijos. Una experiencia muy absorbente y decidí ,por ello, quedarme en el hotel. Paseaba por los mismos pasillos que el personaje y tomaba una caña en el mismo abrevadero que el personaje. Queda explícitamente marcado en pantalla ese cansancio físico y vital de este hombre que se queda atrapado en un callejón sin salida.

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Cine, teatro, pero también televisión, ¿Cómo fue la experiencia de La familia mata?

Fue durillo. Puede que pensasen en mí por ser una persona en apariencia divertida, pero la verdad es que a las seis y media de la mañana no tengo mucho de eso. Es una experiencia envidiable, tener un trabajo diario lo es. Eso sí, a veces tenía la sensación de que con más tiempo las cosas hubiesen salido mucho mejor. Conservo buenos amigos como Pepe Ruíz- al que vi en el patio de butacas el pasado martes- al que sigo llamando ‘Papá’.

¿En qué momento se le metió el veneno del teatro en el cuerpo a Antonio Dechent?

No lo recuerdo exactamente, el teatro siempre ha estado presente en mi vida desde que hacía teatro en el colegio y llegué a ser coordinador. Lo que sí recuerdo es que era una mente muy cambiante. Estudié Psicología, viví en Lisboa y he tenido multitud de trabajos de diverso pelaje, que combinaba muchas veces con la interpretación, que aún no era mi oficio. De vez en cuando me planteo hacer otras cosas, pero en el fondo… Me he dado cuenta de que solo sé hacer esto.

Supongo que el to play de los ingleses cobra aún más sentido cuando se trabaja con capa y espada en proyectos como Alatriste

Estoy encantado de hacer un trabajo tan íntimo como esta obra, pero amigo mío, me encantaría montarme en una nave especial y descubrir nuevos mundos…

Dejó la carrera de Psicología, pero ¿No le hubiesen venido bien esos estudios para conocer a los personajes o es la profesión de actor directamente una de locos o inconscientes?

Es mucho más loco lo de la Psicología que el trabajo de actor, algunos estudian para intentar entenderse a sí mismos. Las carreras universitarias están anclados en la memorización. De hecho, sacaba unas notas estupendas, pero luego lo olvidaba, no adquirí ningún conocimiento la verdad. El conocimiento académico sirve para poco en esta profesión. Es el conocimiento de las personas el fundamento de este oficio.

¿Hacia dónde va un país que ‘acribilla’ su cultura con medidas como el 21%?

Según el ministro, la cultura no existe. El arte es entretenimiento por lo visto. Somos todos vedettes de revista según el ministerio. Hay que estar muy loco para hacer teatro en estos tiempos. De lo poco que me llevaría de la entrada, encima me quitan el 21%. Debo tener un problema por querer hacer algo con tanta pasión cuando sé que el rédito económico va a ser escasísimo. Esto viene de lejos. Me hace gracia que se llame subvención a las ayudas a la cultura. Hay ayudas en todos los sectores, incluido el de la banca, y a nadie le molesta precisamente por el término ‘ayuda’. Todo es un suma y sigue. Algunos nos llaman ‘titiriteros’ y se permiten el lujo de criticar el cine español sin ver ni una sola película. ¿Por qué quieren ser ignorantes? ¿Por qué se autolobotomizan? Es como si digo que no leo literatura traducida. No creo que les haga mucho bien esa actitud. Es una barbaridad.

Ha participado en decenas de cortometrajes, ¿Piensa que el futuro del largometraje está en manos de estos talentos emergentes?

Antes había que gastarse una pasta para hacer un corto, ahora hay una gran eclosión de pequeños cineastas con la revolución tecnológica. Algunos sí que lo conseguirán, pero otros se quedarán por el camino. Todos no van a conseguir triunfar. La semilla está ahí y hay gente muy buena en ese campo.

¿Cuál es el proyecto más inmediato de Antonio Dechent?

Estoy con Tomar Partido de Ronald Harwood, el guionista de El pianista y El Cuarteto. Es un texto maravilloso. Es sobre unos juicios paralelos a los Juicios de Nuremberg que se hicieron a la gente de la justicia y de la cultura. Es el espectador el que debe tomar partido y sacar sus propias conclusiones en este montaje.

Para acabar, ¿Con qué proyectos sueña Antonio Dechent?

No están las cosas para soñar… Con conseguir que me de para vivir con este montaje yo sería feliz. No quiero ser una estrella ni ganar mucho dinero. Soy un trabajador como bien dijiste antes. Estoy muy de acuerdo con el Papa Francisco cuando dice que no tener trabajo es indigno. Solo pido vivir de esto sin que me toquen las partes nobles.

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Un vistazo al teatro que viene: “El Príncipe” de Maquiavelo sube el telón de la mano de Fernando Cayo y Juan Carlos Rubio

Un año más, iremos desgranando los estrenos que irán llegando en el final de temporada y comienzos de la siguiente. El primer gran estreno tendrá lugar mañana. El Príncipe, versionada por Juan Carlos Rubio y protagonizada por Fernando Cayo, llega al Corral de Comedias de Alcalá de Henares. Se podrá ver también el sábado 13 y domingo 14. Pasará por la Sala Negra de los Teatros del Canal del 16 de octubre al 8 de noviembre

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Tal y Cual Producciones y SEDA están al frente de esta producción que también podrá verse en el Festival de Teatro Clásico de Almagro. Maquiavelo escribió El Príncipe en 1513. Cinco siglos después, sus palabras siguen absolutamente vigentes. ¿No es aterrador pensar que, pase el tiempo que pase, las reglas del poder son siempre las mismas? En estos momentos de convulsión política, de mentiras, de corrupción, de abusos, echar una mirada al pasado nos puede ayudar a comprender mejor el presente. La clarividencia del análisis de Maquiavelo deja patente, una vez más, que el ejercicio del poder necesita de maniobras y decisiones que no siempre son éticamente afortunadas, pero ¿podríamos vivir sin ellas? Un fascinante debate que este espectáculo, interpretado por Fernando Cayo y con dirección de Juan Carlos Rubio, sube a las tablas en 2015. Un Estreno Mundial que no puede dejar indiferente a ningún ciudadano que dependa de las decisiones de sus gobernantes. Claro que, si lo pensamos un instante… ¿hay alguien que no dependa de eso?

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