Pedro Casablanc: “Es inquietante ver lo poco que hemos evolucionado desde Valle Inclán”

Un día, rodando Policías, Pedro Casablanc se encontraba junto al maestro Pou y le dijo: “Con lo mayores que somos y aquí estamos jugando a policías y ladrones”. De eso, de juego, tiene mucho una profesión en la que no es siempre fácil huir del foco mediático. Casablanc es uno de los rostros más reconocibles de la pequeña pantalla, pero ha intentado apartarse de ese falso oropel que suele rodear al show business. Todo lo ha podido una vocación que le ha llevado a interpretar a Valle Inclán sobre las tablas del Español con Tirano Banderas (hasta el 8 de diciembre en el templo escénico de la Plaza de Santa Ana).  El cine también ha llamado a su puerta con proyectos como Viral, que se acaba de estrenar en las salas españolas. Con este actor, crítico con una España en que no se valora demasiado la educación y la cultura, habló DESDE MI BUTACA. 

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¿Por qué cree Pedro Casablanc que Viral puede convertirse en un éxito?

La verdad es que habla de un mundo, el de las redes sociales que no comprendo y no me interesan mucho la verdad, pero el género de terror no muere nunca. Siempre acudiremos a él los que nos gusta pasar un mal rato en el cine. Además, es muy interesante al poner sobre la mesa la relación de la gente joven con las redes sociales, a las que mucha gente vive realmente enganchada.

¿Cómo ha sido el rodaje nocturno en un lugar tan reconocible como la Fnac de Callao?

No ha sido nada cómodo. Rodar de noche no me gusta nada, me cuesta mucho la verdad. Además, tenía todas las tardes una función de teatro, pero en el fondo ha sido un rodaje más, sin nada reseñable.

Estás acabando las representaciones de Tirano Banderas en el Español, ¿Qué le dice a Pedro Casablanc un autor como Valle Inclán en estos tiempos tan inciertos que estamos viviendo?

Me encanta que me hagas esta pregunta, soy un verdadero fanático de Valle. He tenido la suerte de hacer varias obras de este autor. Lo que más me inquieta es que su tiempo es demasiado similar a lo que está ocurriendo en nuestros días. Es alucinante ver como los males que criticaba en los años 20 y 30 se siguen repitiendo en pleno siglo XXI. Seguimos teniendo el mismo tipo de gobernantes y políticas caciquiles. Sus denuncias siguen sirviendo para el aquí y el ahora, eso le hace un autor valiosísimo. Además, es un artesano de la lengua que utiliza la palabra como nadie. Es el heredero de Rubén Darío y del Modernismo, palabras mayores.

¿Qué balance haces de la experiencia en el Teatro del Odéon?

Para mi, trabajar en el Odéon ha sido algo mágico, un sueño. Solo puedo sentir esta experiencia como un regalo. He sido invitado a una producción francesa- afortunadamente yo hablo francés perfectamente- con un director alemán de la categoría de Peter Stein, al que yo admiraba desde hace años…

Se dice que los franceses miman mucho su cultura, ¿Has tenido esa percepción en tu etapa allí?

Yo cogía el metro para ir al teatro y en la parada del Odéon había una estatua de Danton que rezaba: “La primera necesidad del pueblo después del pan es la educación”. Yo creo que eso se tiene muy en cuenta allí en Francia. Aquí, estamos viendo a qué niveles de educación se está llegando. La cultura empieza en el colegio y desde muy pequeños. Tiene que haber una necesidad por parte del país de que culturizar a la población es algo necesario. Yo creo que en Francia eso lo tienen muy claro. Siempre han tenido claro que preservar su cultura es la base, eso hace más libres a los ciudadanos. Más libres para decidir, para pensar, para comportarse cívicamente… Puede que tengan muchos defectos los franceses, pero tienen un mimo por su cultura realmente loable.

A pesar de ser parte de éxitos televisivos muy sonados, has sabido evitar toda esa parte de photocalls y flashes, ¿Ha sido muy difícil evitar la presión mediática o todo lo puede la vocación?

Tengo claro que éste es un trabajo vocacional, yo he querido ser actor toda mi vida. No me han regalado nada en mi carrera, me lo he currado mucho la verdad. La parte ‘mediática’ de mi oficio está ahí, pero no la he necesitado. Empecé haciendo teatro independiente de una forma muy artesanal y la verdad es que me he enfrentado a los proyectos como retos que he sabido aprovechar. El teatro siempre ha sido mi casa, donde más he aprendido y bien es verdad que le debo mucho a la televisión con series como Policías. No he parado de hacer series de un cierto nivel. No me ha interesado nunca estar en el foco mediático, he intentado evitarlo y cuando me invitan a eventos y a festivales no suelo poder, siempre estoy haciendo teatro la verdad. Es una escusa buenísima desde luego. Con la parte vocacional cuentan unos políticos a los que no les interesa el teatro. Está claro que vamos a seguir haciéndolo a pesar de las dificultades, es imposible liberarse de algo tan apasionante como este oficio. 

Has tenido la suerte de To play (jugar) en proyectos históricos donde, imagino, has vuelto a encontrar el sentido último de esta profesión, ¿No?

Está muy bien la reflexión que haces. En francés también se dice jugar. Aquí decimos interpretar o actuar. Son como palabrejas muy grandes para lo que hacemos encima de un escenario, aunque sí es cierto que cada día me doy cuenta que la gente, que el público necesita de nosotros para que le contemos buenas historias. Hacer un histórico como en el caso de la mini serie que estoy haciendo ahora sobre el asesinato de Prim, con vestuario del XIX te da la oportunidad de redescubrir que esta profesión es un juego. Yo recuerdo que cuando hacía Policías con José María Pou, al que admiro muchísimo, le decía mientras estábamos corriendo escaleras abajo con una pistola que mira que somos mayores para jugar a estas cosas… Estamos al servicio de una cámara, pero en el fondo estamos jugando a ser policías deteniendo a unos malos que ni siquiera estaban ahí, ya que rodaban otro día.

Tras una larga carrera, ¿Con qué proyectos sueña Pedro Casablanc?

No tengo grandes sueños con respecto a la profesión. Yo solo le pido a este oficio poder seguir teniendo cierta estabilidad, vivir de esto en definitiva. Quiero que mi familia tenga un futuro. Está todo muy negro, pero no debemos perder la pasión ni la esperanza de que las cosas pueden ir a mejor. Me gustaría poder seguir contando buenas historias en todos los formatos, que no se privaticen los teatros y que la cultura por fin se convierta en un bien de interés nacional. Tengo la esperanza de que en el futuro se enseñe en las escuelas a amar el buen teatro y el buen cine…

¿Podrá el cine español conseguir un éxito “Viral”?

Hoy viernes se estrena una de las películas españolas más atractivas del año. Viral juega con el género mezclado con humor. La premisa es sencilla: Un espacio tan cotidiano como la Fnac de Callao se convierte en el escenario principal. De día, un lugar lleno de bullicio, pero cuando las luces se apagan, una nueva vida comienza en el mítico espacio de compras. Allí habitará por una semana un friki que si supera la prueba ganará 15.ooo euros en compras. Podría ser un éxito viral para nuestro cine. Cuenta con los ingredientes necesarios: Es divertida, inquietante, entretenida y cuenta con un puñado de buenos actores como Pablo Rivero, Pedro Casablanc, Aura Garrido y Juan Blanco. Todo ello hecho con un presupuesto lowcost y un uso del product placement hasta ahora inédito en España, haciendo de la marca la verdadera protagonista de esta película con final abierto y vocación de convertirse en trilogía. DESDE MI BUTACA estuvo en la presentación de la película en Madrid y habló con algunos de sus protagonistas…
Aura Garrido y Juan Blanco.
Aura Garrido y Juan Blanco.
Miguel Ángel Muñoz.
Miguel Ángel Muñoz.
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Escucha la entrevista a Pablo Rivero haciendo click en la foto.
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Lucas Figueroa dirige la cinta.

*Pronto subiremos la entrevista a otro de los protagonistas, Pedro Casablanc.

Naim Thomas: “Con el tiempo he aprendido a apreciar O.T”

Hoy Aquellas Luces de Neón apuntan a un actor que desde pequeño tuvo claro que su vida iba a transcurrir encima de un escenario. Lo vimos dando sus primeros pasos artísticos en el cine donde compartió escenas y juegos con algunos de los nombres más destacados del panorama nacional e internacional. Con los años entró en el primer O.T del que guarda algunos buenos recuerdos, pero admite que es una experiencia que no recomendaría a nadie. Todo lo pudo el trabajo y la perseverancia y desde hace unos años se ha convertido en un rostro habitual de nuestro teatro musical. Ahora combina  el mágico Aladín, un musical genial con Esta noche no estoy para nadie, el musical, que ayer se llevó el premio a mejor musical en gira, aunque Naim también estaba nominado como mejor actor, categoría que ganó Rubén Yuste.

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¿Cuáles son los puntos fuertes de un musical como Aladín?

Creo que los puntos fuertes de Aladín son: las canciones, el ritmo teatral y el mimo con el que está cuidado cada detalle en escena.

Supongo que estar en un musical como Aladín te hace recordar más que nunca el sentido último de esta profesión, el “to play” de los ingleses, ¿No?

Estar encima de un escenario debe basarse siempre en el “to play”, pero en este caso, como bien dices, es especialmente divertida. Yo, como persona, como actor, me lo paso muy bien en cada función y creo que es algo que el personaje lo pide, vivir el ahora.

Durante años hemos tirado ‘piedras contra nuestro propio tejado’ diciendo que en España el teatro musical no estaba ” a la altura” de los países anglosajones, una percepción que parece haber cambiado con éxitos autóctonos como Pegados o los musicales de Jana Producciones, ¿Qué diagnóstico harías de nuestro teatro musical?

Pues creo que el día que los musicales de grandes presupuestos no se hagan basándose en canciones conocidas, algo que funciona muy bien, empezaremos a estar a la altura de países como Inglaterra o EEUU. Considero que los actores cada vez son mejores y tienen una mejor formación específica para el teatro musical. 

Una carrera la tuya que comenzó muy jovencito y rodeado de grandes de la interpretación, ¿Con qué soñaba entonces Naim Thomas?, ¿Quería ser actor- cantante o era un simple juego?

Siempre estuve rodeado de este mundillo, desde muy pequeño, por mi padre. Ser cantante en mi familia era la consecuencia lógica. El tema de la actuación empezó como una casualidad, pero rápidamente se convirtió en mi profesión, desde los 7 años. Este trabajo es un juego, pero para nada es simple, más bien al contrario.

Momento clave en tu carrera fue tu paso por O.T, concurso del que te he oído decir en alguna entrevista que no recomendarías participar a nadie, ¿Cuál fue el lado positivo de aquella experiencia?

Tiene muchísimas partes positivas entrar en el concurso a nivel vivencial. Creo que me dejó recuerdos maravillosos, que con el tiempo aprendes a apreciarlos. En cuanto a recomendar a nadie, digamos que lo que pienso es que no volvería a entrar, no soy amigo de las recomendaciones.

¿Has tenido la tentación de tirar la toalla después de aquella experiencia ‘mediática’ o pudo más la pasión?

Pues no, no la he tenido. Soy muy fuerte mentalmente. Entré conociendo la profesión, y he vivido sus altibajos desde pequeño, no era una cuestión de pasión, era de paciencia y hacer bien tu trabajo. El trabajo acaba llegando y, sinceramente, no me puedo quejar.

No te conformas con Aladín y lo combinas con Esta noche no estoy para nadie el musical de Juan Carlos Rubio, ¿Cómo está resultando esta experiencia junto a una actriz de las tablas de Kiti Mánver?

Con Kiti ya había trabajado en Juntas pero no revueltas que también estaban Mónica Randall y Amparo Baró (Serie TVE1) en el año 96, tenía 16 añitos, pero no fui capaz de apreciar, por mi edad, el talento tan enorme que tiene. Es un huracán, lo absorbe todo a su paso, y no sólo eso, contagia, probablemente sea de los mejores profesionales con los que me he cruzado en mi vida. Y si a eso le añades trabajar un texto de Juan Carlos Rubio, uno de los mejores autores y directores contemporáneos en este país, pues ¿Qué te voy a contar? Ha sido una auténtica Master Class, sin duda.

Y de propina, nominación a los  Premios BROADWAY WORLD, ¿Cómo te sentiste en la noche de ayer en el Lope de Vega?

Pues bien, con ilusión que, de tres ediciones de los premios, me hayan nominado en 2 y tenga la posibilidad de disputar el premio con talentazos como Gerónimo Rauch, Carlos Hipólito, o Rubén Yuste. Es un honor. Creo que significa que, de caras a la gente, algo debo de estar haciendo bien. Hay que seguir trabajando y mejorando. Aunque espero no quedarme siendo el eterno finalista.

Escenario Cantabria: Las voces de la Ópera llegan al CASYC

El equipo de Palco Tres Gestión da voz a un género un tanto olvidado en los últimos años en la capital cántabra: La ópera. Gracias al ciclo Tesituras. Las voces de la Ópera pasarán por el CASYC de Santander destacados nombres de la lírica como Manuel Lanza, Aquiles Machado y Marina Pardo.

Una de las razones por las que cualquier aficionado se acercó, se acerca y se acercará a la lírica es sin duda, el hecho de haber escuchado y haberse emocionado con alguna de las arias inmortales de este genero. Las arias son los pilares sobre los que se asienta toda la obra, son los momentos más esperados de una representación, son las piezas más conocidas, y también las más hermosas. Son además, los momentos de lucimiento del intérprete. En un aria el compositor exhibe toda su maestría con la seguridad de que va a quedar grabada en la mente y el corazón del público. Las arias son en definitiva, los momentos culminantes de cualquier representación operística. El aficionado sabe, que las voces tanto masculinas como femeninas, no son todas iguales y que además los compositores crean y componen los personajes destinándolos a ser cantados e interpretados por un cantante o una cantante con unas características vocales especificas. Hemos diseñado este Ciclo, para todos. Para los aficionados y para un público nuevo, para que todos podamos disfrutar de algunos de esos momentos culminantes de diversas óperas.Este ciclo parte de la idea de acercarnos a la ópera a través de las distintas voces de la lírica. Serán seis recitales con piano. Una soprano, una mezzosoprano, un bajo, un barítono, un tenor y un contratenor recorrerán las distintas tesituras que dan vida a los más variados personajes del repertorio operístico.

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Aquellas (Micro)Luces de neón

Aquellas luces de neón se vuelven hoy micro, pero no por ello dejan de ser macroemociones compartidas. El género del musical no se nutre sólo de grandes propuestas, sino también de espectáculos más pequeñitos, a los que daremos voz también en esta sección. En este caso se trata de un proyecto en el que se aúnan Microteatro por dinero y Stage Entertaiment, que como sabrán los lectores de este blog, es la mayor productora de musicales en España. Desde el 25 de noviembre y hasta el 29 de diciembre pasarán por el espacio de Loreto y Chicote un buen puñado de musicales que servirán seguro como caldo de cultivo para la creación de proyectos más grandes en el futuro. Micromontajes escritos, dirigidos y producidos por profesionales españoles, de los que destacaremos algunos en este post. No están todos los que son, pero siempre podréis echarle un vistazo al programa completo en la web de Stage.

La primera propuesta de la que os hablamos es De espaldas, el micromusical que ha creado y dirigido la actriz Eva Diago, que hoy estrena en el Palau de las Arts de Valencia Los Miserables, donde repite como Madame Thénardier. Chico entra en bar. Chica de espaldas en mesa. Surge la curiosidad, el morbo, la seducción y la estrategia para conseguir que se vuelva… ¿Que pasará?  Los intérpretes son Sergio Arce, nominados a los Premios Broadway World Spain por Evil Dead, y Merche Magro.

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El segundo micromusical del que os hablamos es Si quieres dulce no pidas calamares de David Pintó y Marc Sambola. Nuestros dos protagonistas están decididos a dar un paso adelante en su relación (él quiere ir a vivir con su pareja y ella quiere bajar del tren; quiere romper) pero el azar, que nos la juega constantemente, les propiciará un encuentro muy especial en el parque. Tras su paso por el concurso La Voz, Lola Dorado derrochará sobre el microespacio esa cualidades vocales que la llevaron a ganarse el cariño del público. Estará acompañada por Diego Rodriguez, un rostro habitual en nuestros musicales.

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Otra propuesta interesante será Cuento atrás, en la que David Ordinas nos cuenta como 5 años después de que se rompiera el hechizo que convirtió a la bestia en Príncipe, Bella y su marido no pasan por su mejor momento como pareja. Sobre el escenario serán pareja malavenida Malia Conde y Gonzalo Alcaín, concursante de la actual edición de La Voz. No será la única propuesta de Ordinas en este Por un micromusical. El otro micromusical será En un encender y apagar, donde también actúa. Muestra, en un encender y apagar, la lucha de un actor para seguir dedicándose a lo que más desea, los retos y obstáculos que deberá superar y cómo los vence. Le  acompañan en escena Pablo Puyol y Victor Massán.

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Juan Carlos Rubio: “El teatro es el mejor espacio para contar sentimientos inmediatos”

Se abre la puerta y nos indican “Quedan 30 minutos para la representación”. Estamos metidos ‘entre cajas’ justo antes de comenzar la representación de Las heridas del viento.  Han tenido una tarde frenética, acaban de grabar la función y Juan Carlos Rubio busca un momento para atender a DESDE MI BUTACA.  La que es sin duda su experiencia teatral más personal seguirá emocionando al público del hall del Lara unos cuantos días más. Han prorrogado, pero no es la única buena noticia para Rubio. El lunes que viene estará presente en los Premios Broadway World Spain donde su obra No estoy para nadie, el musical opta a cuatro categorías.  Este gran transmisor de la emoción humana, ha sido capaz de alternar comedias alocadas como Tres con montajes tan hondos como esta maravillosa Las heridas del viento o Humo con el tristemente desaparecido Juan Luis Galiardo. En un espacio tan querido por él como el Lara ha sabido exprimir el ‘jugo emocional’ de dos actores que pasan por uno de los mejores momentos de su carrera. Insisto, todos lo que amen el teatro, no deben perderse por nada del mundo esta delicatessen emocional.

¿Por qué has querido contar la historia de Las heridas del viento en este momento de tu vida?

Me pedía el cuerpo hablar de sentimientos después de unos años centrado en la comedia. Mi padre está muy mayor y esta función tiene un punto de melancolía al hablar de las deudas pendientes, de la capacidad de perdonar y seguir hacia adelante… Me apetecía hacer un balance de mi vida a través de esta función. Además, en España solo había estado el montaje de Miami, que yo traje como productor. Es la primera vez que se ha montado este texto en España. Lo he querido hacer con una mirada muy particular. Es un ejercicio teatral desnudo, quería que  los actores se desnudasen emocionalmente en escena y yo les sirvo de apoyo en cada función.

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¿Es difícil desligarte de tu faceta de autor cuando diriges tus propios textos?

Como director, corrijo las cosas de mis textos que veo que no me funcionan. Como director me planteaba problemas que por la noche, cuando dormía con el autor, resolvía. Han sido un mínimo de modificaciones, pero las justas para adaptarlo a este traje a medida que he construido para Dani, Kiti y yo mismo.

¿Qué le une a Juan Carlos Rubio a sus dos compañeros en la obra?

A Kiti me unen ocho años de trabajo, de admiración, de cariño y de entrega. He encontrado en ella el mejor vehículo para contar mis historias. Es una actriz capaz de enfrentarse con el mismo atino a la comedia, el drama e incluso es capaz de ponerse a cantar. Con Dani ya trabajé en La monja alférez y pensé que era el actor ideal para este personaje. Estoy muy feliz de que decidiese aceptar este proyecto.

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¿Cómo fue esa experiencia de La monja alférez en el María Guerrero?

En este país echamos muy pocas miradas atrás a nuestra propia historia. Domingo Miras fijó su mirada en un personaje histórico muy rico. Cuando me ofrecieron dirigir el texto me sentí un privilegiado por poder contar la historia de un ser tan gigantesco como fue esta mujer. Además, Miras es amigo desde hace un montón años y eso le daba un plus de interés a la experiencia. Fue realmente divertido montar este circo escénico.

¿No tuvo miedo de ‘dar el cante’ Juan Carlos Rubio con Esta noche no estoy para nadie, el musical?

La verdad es que no, sobre todo por los actores de los que me he rodeado: David Ordinas, Naim Thomas y Gisela (nominados a los Premios Broadway World), Bruno Squarcia… Solo Kiti no había hecho musicales y ha estado un año recibiendo clases de Ángel Ruiz. Ella se lanza de cabeza en cada proyecto. Canta muy bien la verdad. He querido contar una historia en la que tenemos el plus de las canciones fantásticas que han compuesto Raúl Gama e Isabel Montero. 

¿Qué le evoca a Juan Carlos Rubio un espacio como el hall del Lara?

Me siento como en casa. Es la cuarta función que hago en los últimos dos años y medio. La gente que trabaja aquí ama el teatro. Se trabaja muy bien en este hall que tiene una vida pasada, pero una efervescencia tal que tiene asegurado su futuro.  

¿Por qué el teatro es para ti el mejor lugar para contar historias?

El teatro es el mejor espacio para contar sentimientos inmediatos. Me encanta la comunicación con el público y más en una función como Las heridas del viento, en la que se les habla directamente. Es un espacio de reunión en vivo. Cuando ríen y lloran lo hacen al unísono. Es algo mágico que hace que cada noche sea una experiencia irrepetible.

Los internautas se vuelcan con la memoria de Fernán Gómez

Como muchos ya sabrán, hoy es el aniversario de la muerte del maestro Fernando Fernán Gómez, aunque en esta ocasión el letrero que daba nombre al otrora Teatro Fernando Fernán Gómez ya no estará para rememorar su brillante trayectoria. Al parecer, volverá a ser renombrado con el nombre de antaño, Centro Cultural de la Villa, por haber quedado en la memoria colectiva de los madrileños con ese nombre. Puede que para los espectadores que “ya peinan canas” sea así, pero la gente más joven, entre la que me incluyo, lo conocemos e identificamos con el recordado intérprete. Los tuits por parte de personalidades del mundo de la cultura y por muchos ciudadanos anónimos hablan por si solos.

La Firma Invitada: Concha López Piña de Ediciones Antígona

Haciendo suya la máxima de que el teatro también se lee tres amantes del teatro y la filosofía montaron Ediciones Antígona, que en poco tiempo se ha convertido en la editorial de referencia para la dramaturgia española contemporánea. Una de sus creadoras, Concha López Piña, hace un repaso a su interesante labor de difusión teatral. Sí, el teatro también se lee. 

¡QUE SÍ, QUE SÍ!, QUE EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE

Este lema, que acuñamos junto a la Asociación de Autores de Teatro (AAT) refleja claramente lo que hacemos en Ediciones Antígona, una editorial especializada en teatro y filosofía ubicada en pleno centro de Madrid. Son casi diez años los que han pasado desde que estos tres amantes del teatro y compañeros en la Facultad de Filosofía (Ignacio Pajón Leyra, Isaac Juncos Cianca y Concha López Piña) decidiéramos montar una editorial especializada. Desde entonces, hemos ido creciendo poco a poco y hemos luchado por darle al texto teatral la visibilidad que se merece. Gracias a este esfuerzo recibimos el Premio a la Mejor Labor Editorial 2012 de manos de la AAT. Si tuviera que destacar un rasgo común en todos los autores que firman nuestro catálogo teatral diría que todos sus textos tienen como marca una dimensión literaria, con independiencia y al margen de su puesta en escena, que los hace valiosos y dignos de perdurar en el tiempo y que los convierte en el testimonio cultural de la dramaturgia de una época, nuestra época. Esta es, sin duda, la seña distintiva de Ediciones Antígona. De esta forma conviven en armonía bajo nuestro sello obras que comenzaron su recorrido en el circuito off —”Tour de force” de Fernando J. López, “Praga” de Javier de Dios o “Cordón umbilical” de Daniel de Vicente—, éxitos de taquilla y referentes en la escena contemporánea —”El crédito” de Jordi Galcerán, “Juicio a una zorra” y “Deseo” de Miguel del Arco, “Tres”, “100m²” y, puede que próximamente, “Las heridas del viento” de Juan Carlos Rubio, “La Llamada” de Javier Ambrossi y Javier Calvo, “Microporno por dinero” de Pablo Álvarez…— y dramaturgos nuevos y no tan nuevos que, aun sin el espaldarazo del estreno, todavía, sus obras son icono y paradigma de dramaturgia de nuestro siglo —Santiago Martín Bermúdez (Premio Nacional de Literatura Dramática), Alberto Conejero (Premio Ricardo López Aranda 2013), Pablo Iglesias Simón (Finalista del Premio Born de Teatro en 2008 y 2011), José Manuel Corredoira, Carlos J. Álvarez…. A todo esto se suman, además y para nuestra felicidad, muchas empresas y personas que también creen en el poder del teatro escrito y con las que colaboramos para conseguir difundir el texto dramático. Desde la agencia y productora teatral QdeQuintanilla (con la que tenemos un acuerdo de edición de las obras de los autores que representa), pasando por la AAT (fomentando la lectura del teatro en centros de enseñanza), la RESAD (con la que editamos una colección de estudios teatrales y obras de teatro en digital) y el Teatro Alfil (editando algunas de las obras más relevantes que pasan por su escenario). Y vendrán más, y seremos más, y habrá más colaboraciones, más autores, más proyectos, más textos, más teatro, en definitiva…, de los que hablaremos en el segundo acto.

El equipo de Ediciones Antígona recoge el Premio a la Mejor Labor Editorial.
El equipo de Ediciones Antígona recoge el Premio a la Mejor Labor Editorial. Foto de Rubén Sintes.

Julián López: “Me hace mucha ilusión formar parte de la saga Torrente”

La comedia para él es una actitud frente a la vida. Tras curtirse en la televisión con sus compañeros ‘chanantes’, Julián López se ha convertido en un rostro imprescindible del cine, la televisión y el teatro. Ahora está con su amigo Raúl Cimas haciendo ‘de reír’ con el espectáculo Toda la verdad sobre el oso hormiguero sobre las tablas del Teatro Cofidis Alcázar (29 de noviembre y 27 de diciembre a las 23:00h). Este espectáculo lo combinará con la quinta entrega de Torrente y con la serie Con el culo al aire, a la que se ha incorporado en su tercera temporada. No podíamos empezar con mejor padrino El humorismo ibérico, una nueva sección en la que intentaremos desentrañar los entresijos del humor más nuestro de la mano de sus protagonistas.

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Si tuvieses que definir el humor que impregna Toda la verdad sobre el oso hormiguero, ¿Cómo lo harías?

Es un humor con la personalidad de las series que Raúl y yo, junto al resto de nuestros compañeros, hicimos: La Hora Chanante, Muchachada Nui y Museo Coconut. Es absurdo, es surrealista, es cotidiano, es costumbrista…

Una vez definido ese humor tan característico, ¿Qué le dirías al público que no entiende vuestro ‘humorismo manchego’ Para que se acerque a veros?

Es que no es un show de humor manchego. Es decir, por supuesto que puede haber reminiscencias de ese tipo de humor, pero ya en las series mencionadas anteriormente no todo era “mancheguismo”. Con lo cual, cualquier persona puede venir a vernos y disfrutarlo. De cualquier parte de España. Incluso de otros países. Incluso de otros planetas.

López y Cimas protagonizan "Toda la verdad sobre el oso hormiguero".
López y Cimas protagonizan “Toda la verdad sobre el oso hormiguero”.

A los que os dedicáis al humor, parece que siempre se os pide ser siempre divertidos ¿Qué ha sido lo más surrealista que te ha ocurrido con un fan cuando no estabas actuando?

Yo creo que tratarte como a uno de tus personajes es lo más surrealista. Aunque entiendo que es la parte que ven de ti y se quedan con eso.

¿Has tenido una ‘vocación cómica’ o te dedicas a esto por pura casualidad?

Vocación cómica siempre he tenido. Aunque más que vocación, actitud frente a la vida. Ahora, eso si, todo ha sido fruto de una serie de casualidades que han hecho que me vuelque en la faceta de cómico y actor. En realidad, mi formación es como músico.

¿Es peligroso meter en ciertos temas el humor o crees que todo se puede pasar por el inteligente filtro de la carcajada?

Todo gag que esté bien construido y que tenga un buen sentido cómico es válido, independientemente de la temática. Hay que abrir la mente más…

Dentro de poco te veremos en Con el culo al aire, ¿Cómo está resultando la nueva experiencia televisiva?

Muy contento. No es fácil incorporarte a un proyecto ya rodado (era la primera vez que me pasaba) y me han acogido genial. Hay un gran equipo y es muy agradable trabajar así. En la próxima temporada (la 3ª de la serie) ya se podrá ver a mi personaje, Rubén.

Se acaba de publicar que estarás en el quinto Torrente, ¿Sientes una responsabilidad extra al ser parte de una saga ya legendaria del cine español?

La responsabilidad es la misma. Aunque, lógicamente, estamos hablando de la mayor saga de nuestro cine, con un peso muy grande dentro del género de la comedia. Me hace mucha ilusión formar parte en esta quinta entrega…

Si miramos hacia el futuro, ¿Tienes algún proyecto más entre manos?

Encadenaré el rodaje de Torrente 5 con el de otra película. Y más tarde espero que haya 4ª temporada de la serie. Mientras tanto también continuaré con la gira de Toda la verdad sobre el oso hormiguero, junto a Raúl Cimas.

Escenario Cantabria: Ábrego, Maridos y Mujeres y Ron Lalá

Esta semana en Escenario Cantabria nos acercamos a algunas de las propuestas que podremos ver en Cantabria en las próximas semanas. La primera de las citas será esta misma tarde en la Filmoteca de Cantabria y con carácter de estreno absoluto a las 20:30h dentro de MUECA que recoge una selección de propuestas escénicas made in Cantabria.

Hoy no me quiero levantar es el nuevo proyecto teatral que Ábrego Producciones estrena en 2013. Esta obra para público adulto responde al esquema de producción de la compañía basado en el equilibrio entre principios éticos y estéticos en la puesta en escena. Por un lado se trata de abordar uno de los problemas más acuciantes que acechan a nuestro sistema educativo y por ende a toda la sociedad, tal como es el del acoso escolar, también llamado bullyingEste fenómeno de raíces violentas, que en demasiadas ocasiones va asociado a conductas xenófobas, es más habitual de lo esperado. Ábrego que caracteriza su trabajo por un fuerte compromiso con los temas que más preocupan a la sociedad, pretende con esta obra reflexionar sobre el tema e incluso servir de profilaxis en las mentes de los jóvenes espectadores, pero también en las de padres y educadores. La obra trata de mostrar verosimilitud y causar el efecto de que, los hechos que se reflejan en la escena están extraídos de la realidad, lo cual, causa una fuerte impresión en el espectador. Por otro, y esto es uno de los rasgos definitorios del trabajo de la compañía, la puesta en escena se plantea de forma rica en matices y con una dosis importante de búsqueda en los recursos dramáticos que se utilizan, tanto de los interpretativos, como de los efectos visuales, musicales y video gráficos. En definitiva se trata de una apuesta de teatro social con estética contemporánea, acorde tanto a los tiempos que vivimos en cuanto a presencia de medios tecnológicos aplicados a la vida cotidiana, como a la necesidad del teatro de búsqueda e investigación permanente.

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La segunda parada de este Escenario Cantabria la haremos en el Palacio de Festivales. El laureado Maridos y mujeres, del que ya os hablamos DESDE MI BUTACA a su paso por el Teatro de la Abadía, hará parada en Santander el sábado 23 y domingo 24 de noviembre a las 20:30h. En su primera estancia en el templo de la escena madrileño comentamos esto en el artículo titulado El amor, ese gran desconocido : “La relación de Woody Allen con el teatro ha sido desde sus comienzos muy intensa. Ha escrito teatro, pero curiosamente lo que más hemos visto en España ultimamente son adaptaciones al teatro de sus películas. Ese es el caso de Maridos y mujeres, una de los  mayores éxitos cinematográficos del genio neoyorquino. José Luis Guarner traduce la comedia de Allen con asombroso atino, nada suena forzado ni poco natural. Suena a Allen incluso en la lengua de Don Quijote. Maridos y mujeres es una apasionante  experiencia escénica, especialmente para los que tengan la suerte de sentarse en uno de  los sillones del escenario. Con el inevitable referente de La función por hacer, vivimos la emoción de un reparto que da vida y carne a los textos del creador de Misterioso asesinato en Manhattan (…) “. Álex, escritor y profesor de literatura, y su mujer Carlota, que trabaja en una revista de arte, no dan crédito cuando se enteran de que sus mejores amigos, Alicia y José Luis, aparentemente una pareja perfecta, han decidido separarse. A partir de esta noticia, la pareja comienza a plantearse si su matrimonio se basa en una relación realmente sólida. DESDE MI BUTACA os revelamos en imagen las relaciones de estas parejas interpretadas por  Luis Bermejo, José Luis Torrijo, Miranda Gas, Elisabet Gelabert, Fernando Soto y Nuria Mencía.

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Y con la última cita de este Escenario Cantabria nos metemos de lleno en el mes de diciembre. Antes de sumergirse En un lugar del Quijote, los chicos de Ron Lalá harán parada en el Palacio de Festivales de Santander. El 1 de diciembre a las 19:00h dentro del ciclo “+ Palacio”  traerán su Siglo de Oro, Siglo de Ahora (Folía) que ya ha triunfado en los teatros de toda España. Con su estilo socarrón y directo, la compañía intentará acercar al público más joven al teatro del Siglo de Oro. En este viaje de ida y vuelta desde el Siglo de Oro hasta la actualidad, la Folía (“locura”) abre un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo con toda la libertad del humor, la emoción de la música en directo y la belleza del verso. Los textos y la música original se entrelazan con fragmentos, referencias, personajes y versos de la tradición del teatro clásico español e universal. Siglo de Oro, Siglo de Ahora es un homenaje, un juego, un desafío… y un cóctel de carcajadas para todo tipo de espectadores. Una compañía de cómicos de la legua desembarca en el escenario para ofrecer su Folía; una fiesta de “nuevos entremeses”, piezas cómicas breves originales que juegan con la tradición clásica para arrojar una mirada crítica y mordaz sobre nuestro presente. Ha llegado Siglo de Oro, Siglo de Ahora. Teatro, música en directo y humor; Ron Lalá presenta una visión profunda, iconoclasta y viva de nuestro teatro clásico. El viaje al pasado de unos “cómicos de la legua” del siglo XXI.