Marta Valverde: “Los artistas que se suben a un escenario a cantar, bailar e interpretar son verdaderos atletas”

Desde pequeña ha vivido el mundo del espectáculo en primera persona. Aprendió a cantar antes incluso de ser capaz de leer la letra de la primera canción que cantó encima de un escenario con sólo cinco años junto a su padre, el inolvidable Lorenzo Valverde. En el colegio, era la perfecta directora de cualquier función. Ya entonces se debía entrever el desparpajo y la naturalidad de una actriz que durante décadas ha conectado de manera instantánea con el público. Ella es la tercera integrante de ese trío del que tanto os hemos hablado esta semana. Cerramos estos siete días que hemos dedicado a consagrar el teatro musical con Marta Valverde, todo un referente del género.

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¿Cuáles son sus momentos favoritos de ¿Hacemos un trío?, Algo más que un cabaret?

El trío de Sondheim es muy emocionante. Es un número musical complicado a nivel vocal. Tiene una carga sentimental muy grande y cantarlo juntos es un plus. También cuando contamos nuestros comienzos, es muy entrañable y divertido. Estamos contando un trocito de la historia del teatro musical en España.

La suya fue una infancia entre cajas…

La primera vez que me subí a un escenario tenía sólo cinco años con mi padre. Me aprendí una canción con viñetas, no sabía ni leer entonces. He vivido entre cajas. Lo hemos mamado. Al haber sido parte de esta profesión desde bien pequeña, te preparas con más rigor. Mi padre nos inculcó el respeto al público. Te preparas más intensamente. Tienes unos referentes familiares que te hacen esforzarte día a día para seguir superándote en tu profesión. Yo jugaba con mis muñecas a interpretar. En el colegio, siempre hacía de directora de las obras de teatro. Lo llevo en la sangre. Toda mi familia se ha dedicado a la música.

¿Qué queda de esa niña que ‘jugaba’ a ser artista en la Marta Valverde que hoy se sube al escenario tantos años después?

Queda la esencia. Como artista evolucionas. Lo que sí te puedo decir es que cuando eres joven te piensas que sabes mucho sobre este oficio, pero con los años te das cuenta de que te queda tanto por aprender… Cada día es un reto subirse a un escenario.

Una vida entera haciendo musicales, ¿Se valora ahora por fin más a los profesionales del género?

Creo que sí. Yo he vivido cómo se denostaba también el género de la revista y la zarzuela, nuestros géneros musicales, que yo he tenido la suerte de representar. Yo me acuerdo del esfuerzo vocal que me exigía hacer zarzuela… Vivía por y para el teatro, no tenía ni vida social. Los artistas que se suben a un escenario a cantar, bailar e interpretar son verdaderos atletas. Requiere disciplina y tesón a raudales. Creo que la gente empieza a valorar la preparación física y vocal que exige.

De las vidas que ha vivido en el escenario, ¿Sería capaz de quedarse con una?

En primer lugar, El diario de Ana Frank. Era una historia muy dura y se incrementaba aún la emoción más por el hecho de que era real. Estábamos contando hechos reales. Teníamos que documentarnos al ser un personaje real. Salíamos destrozados por la emoción de la obra. Con el personaje tenía que llegar a un clímax emocional realmente impresionante. Otro personaje inolvidable para mi es la Fraulein Kost de Cabaret. Tocaba el acordeón, bailaba borracha, tenía momentos patéticos y cómicos. Soy una actriz de extremos. Ha sido una de las obras que más me ha emocionado hacer.

Si miramos hacia el futuro, ¿Con qué proyectos le gustaría seguir jugando a esta profesión a Marta Valverde?

Me conformo simplemente con seguir en esta profesión. Me gustaría seguir haciendo musicales con personajes cada vez más comprometidos y poder vivir de esta profesión que me apasiona. Es un lujo poder subirme a un escenario con gente como Natalia y Alberto, con los que disfruto tanto encima de un escenario. 

Natalia Millán: “En Velvet hemos hecho una piña”

Ya la tuvimos hace un mes DESDE MI BUTACA en una entrevista junto a Marta Poveda que os animamos a recuperar. La pillamos justo antes de subir el telón con uno de los últimos ‘bolos’ de ¿Hacemos un trío? Algo más que un cabaret. Esta semana HACEMOS UN MUSICAL DESDE MI BUTACA…

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¿Cuáles son sus momentos favoritos de ¿Hacemos un trío?, Algo más que un cabaret?

Sondheim es uno de los grandes de los musicales. Nos sigue emocionando cantar el trío que hacemos con una de sus canciones siempre. El arreglo que ha hecho el maestro César Belda es maravilloso. También es muy bonito el momento de My Fair Lady. Así, podemos revivir ese momento en que descubres tu vocación y das tus primeros pasos en el mundo del espectáculo. De alguna forma al empezar en aquel gran musical tan jovencitos teníamos la sensación de que estábamos viviendo una película. Por supuesto, también los momentos más personales que tenemos cada uno en el espectáculo. Es muy emocionante, está hecha desde el corazón. Sus ingredientes básicos son la emoción y el humor.

Has combinado este trío con tu intervención en la exitosa Velvet...

Mi intervención está a punto de terminar como estaba pactado, pero ha sido un auténtico privilegio ser parte de esa serie sobre todo por ese elenco de actores maravillosos. Con unos cuantos ya había trabajado antes y ha sido un placer trabajar con caras nuevas también, todos juntos hemos hecho piña. Uno de los descubrimientos para mi ha sido mi hija, Miriam Giovanelli. Es una mujer absolutamente sorprendente, por lo bella y por la calidad de su trabajo. He estado realmente a gusto haciendo la serie.

De las vidas que ha vivido en el escenario, ¿Sería capaz de quedarse con una?

Porcia de El mercader de Venecia, Velma Kelly de Chicago, Sally Bowles de Cabaret… Hay unos cuantos en realidad. En todos pones mucho, pero también te dan mucho por estar en obras de tanto peso.

Si miramos hacia el futuro, ¿Sigue Carmen Sotillo en el horizonte?

Ahora estoy comprometida con la CNTC durante una larga temporada, pero la ventaja de Cinco horas con Mario es que además de que me encanta hacerlo, es muy fácil juntar a la compañía. Sólo depende de que el productor, José Sámano, me pregunte por las fechas libres y lo podemos montar.

Natalia junto a Marta Poveda en Almagro.
Natalia junto a Marta Poveda en Almagro.

Un vistazo al teatro (musical) que viene: “50 Sombras El Musical”

50 Sombras El Musical, ha sido estrenado ya en Estados Unidos, Alemania, Holanda y Francia,con un grandísimo éxito de crítica y público, y ahora llega a España, en concreto al Teatro Nuevo Apolo de Madrid, donde estará representándose a partir del 8 de Octubre.

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50 Sombras El musical, es la comedia original basado en  la novela erótica actual más influyente: 50 sombras de Grey. Con más de 40 millones de copias de libros vendidas en todo el mundo, esta trilogía es, sin duda, la historia de amo y sexo que más ha dado que hablar en mucho tiempo. Lo que se cuenta en el libro ya todos los sabemos… pero, ¿Cómo lo han vivido los fogosos lectores y lectoras que andan repartidos por todo el mundo? En 50 Sombras El Musical, vivirás, o mejor dicho, revivirás, todas esas sensaciones, pensamientos y esa pasión desenfrenada…

Pam, Carol y Bea forman un club de lectura; Pam, la anfitriona del club ,decide a llevar a una de sus reuniones “50 sombras de Grey”; Ella tiene una mentalidad abierta y disfruta, junto a Bea, de las escenas más calientes del libro. Carol debido a su situación personal es la más reticente de todas, acaba de separarse de su marido y le cuesta encontrar su propia Diosa Interior… Mientras leen el libro de la imaginación de cada una brotan las diferentes escenitas…sí, sí…ESAS ESCENITAS…pero aderezadas con la visión particular de cada una de ellas sobre las figuras de Anastacia Steel , Christian Grey, Kate, José, Elliot… Un espectáculo con divertidos números musicales, esposas, mucho cuero y sin pelos en la lengua (o con ellos ). Tres rostros bien conocidos del teatro musical: Ángel Padilla, María Blanco y Sergio Arce encabezan el reparto de este musical que estará dirigido por Jesús Sanz-Sebastián, mientras que la dirección musical caerá en manos de Guillermo González en esta producción de Summum Music, SOM Produce y Arequipa Producciones.

Selfie del elenco.
Selfie del elenco.

Un vistazo al teatro (musical) que viene: “Mar i Cel”

En 1974 nace Dagoll Dagom, compañía teatral formada por un grupo de estudiantes de Barcelona. Los textos de los poetas Rafael Alberti y Joan Salvat Papasseit fueron la base de los dos primeros montajes de la compañía: Yo era tonto y con lo que he visto me he hecho dos tontos del primero y Nocturn per acordió del citado autor catalán. A este espectáculo le seguirá No hablaré en clase (1976) que dos años después consigue granjearse el éxito en toda España con la primera de sus giras. Sin duda sin una producción como El Mikado (1986), Mar y cielo no hubiese sido posible. Tras ese espectáculo, la compañía catalana ya se vio capacitada para acometer su mayor empresa teatral hasta la fecha. El 7 de octubre de 1988 se estrenaría Mar i Cel en el Teatro Victoria de Barcelona, superando todo tipo de dificultades, como admitía su productora, Anna Rosa Cisquella:

Producir un musical así es un sueño. El primer día que pensamos en una compañía de veinte actores con orquesta en directo y un barco enorme sobre el escenario te parece imposible, pero con mucho esfuerzo ese sueño se ha hecho realidad. 

Las cifras que se manejaron para el proyecto son realmente impresionantes; se habló de que la producción, financiada en parte con dinero de la Generalitat catalana, costó unos 135 millones de pesetas de la época. A partir de entonces, la compañía se ha consolidado como un referente del género en España y ahora recupera su mayor éxito, Mar i Cel, que en principio sólo se verá en su versión catalana a partir del 20 de septiembre en el Teatro Victoria de Barcelona. Roger Berruezo como Saïd, Ana San Martín como Blanca, Pep Cruz como Joanot, Xavi Lite como Hassen, Júlia Jové como Idriss, Xavi Fernández como Don Carles, Toni Viñals como Ferran Rubén Yuste como Malek y Víctor Arbelo como Osman encabezan el reparto de esta revisión del clásico de la compañía catalana. 

Los moriscos, moros que quedaron en España después de la Reconquista fueron en principio más o menos tolerados, sobre todo en el reino de Valencia, donde los señores feudales los protegían porque cultivaban sus tierras. Sin embargo, con el paso de los siglos y con las tendencias centralistas de los Austrias, apoyadas por la Iglesia y la Inquisición, fueron obligados a bautizarse. Aunque bautizados, sin embargo, continuaron fieles a su lengua, religión y costumbres. Los esfuerzos más o menos pertinentes de la Iglesia para convertirlos e integrarlos fracasaron, lo que dio pie a que Felipe III, en 1609, ordenara expulsarlos a todos, siendo sus tierras repartidas entre los cristianos. A partir de esta premisa dramática se articula un musical que todos los amantes del género en España conocen muy bien. Xavier Bru de Sala escribió este espectáculo basado en la obra original de Ángel Guimerá con música de Albert Guinovart y dirección de Joan Lluís Bozzo.

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A través de las redes sociales, la compañía está mostrando los ensayos del musical.

Desi, el Sancho de Antonio Alcántara

En estos momentos, La 1 repone un episodio de la longeva Cuéntame cómo pasó. Sobreimpresionado aparece “Homenaje a Roberto Cairo”. Con ello siento que de alguna forma, los secundarios se convierten por un día en protagonistas. Ha sido tan inesperado que ha sido un mazazo mayor aún. San Genaro no será lo mismo sin Desi. Cairo tenía esa capacidad que tienen los secundarios de saber ser un vecino más, alguien con el que podríamos compartir rellano. Y por supuesto, esa capacidad de ser el Sancho Panza del Quijote particular. Desi fue el Sancho de Antoñito Alcántara en mil y una aventuras a lo largo de más de una década luchando contra molinos que parecían gigantes, como ese intento de golpe de estado del que fue el primero en informar en la teleserie de la pública. Y también tenía esa capacidad innata de ‘chupaplanos’, tan característica de nuestros secundarios. Cuando entraba en el primigenio Bar de Tinín o más tarde en el Bistró, nuestra mirada se fijaba inevitablemente en un actor de magnética conexión inmediata con el público. Cairo dedicó su vida a un oficio en el que también destacó en películas como Fugitivas. Se nos va un vecino, casi uno más de la familia. Seguro que allá donde esté se reunirá con Cervan, el entrañable quiosquero que interpretó Tony Leblanc. Quizás se conviertan en pareja cómica, ¡Súbele una manzana por si acaso!

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Un vistazo al teatro (musical) que viene: “Excítame”

Excítame es un thriller musical de pequeño formato cuya trama nos sumerge en una relación secreta y un asesinato. El asesinato forma parte de la trama pero no es el conflicto dramático principal, sino el devenir de esta relación. La manipulación, el intercambio de roles de poder y el giro final inesperado, conforman en su conjunto el suspense y sustentan el drama del espectáculo. Se podrá ver del 11 de septiembre al 19 de octubre en la Sala 2 del Teatro Fernán Gómez.

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Chicago, 1924. Nathan Leopold y Richard Loeb, dos estudiantes universitarios, tienen una relación de amistad un tanto especial. Después de participar en varios delitos menores, Richard, obsesionado con las teorías de Nietzsche y el concepto del superhombre, convence a Nathan para cometer un asesinato. La víctima, un niño escogido al azar, es persuadido para dar una vuelta en un flamante coche en el que termina asesinado de forma brutal.  El plan, aparentemente perfecto, se desvanece cuando la policía encuentra unas gafas en el lugar del crimen. La investigación conduce a los dos amigos, que intentarán esquivar la pena capital con una débil coartada. La evidencia les condenará a prisión de por vida. La relación entre ambos se irá complicando según avancen los acontecimientos y pondrá en entredicho los intereses reales de una amistad contaminada por el sometimiento, la pasión, el amor y el sexo.

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Este musical original de Stephen Dolginoff estará dirigido por José Luis Sixto mientras que de la dirección musical se encargará Aday Rodríguez. El espectáculo, uno de los más atractivos de la presente temporada sin ninguna duda, estará protagonizado por Alejandro de los Santos, David Tortosa y  Marc Parejo, estos dos últimos se alternarán en el papel de Richard Loeb.

Los Ceres, la gran noche del teatro español

Tercera edición de los Premios Ceres, organizados por el Festival de Teatro Clásico de Mérida y ya se han convertido en todo un referente. Lo primero que puedo decir es que estoy de acuerdo con el palmarés de este año de lleno, cosa poca habitual por otra parte. Creo que algo tiene que ver  que el jurado esté integrado por los profesionales de los medios de comunicación que día a día dedican sus esfuerzos a que el teatro encuentre su lugar como Marcos Ordóñez, Juan Ignacio García Garzón, Daniel Galindo, Machús Osinaga y Liz Perales entre otros. Si además, se consigue una gala en la que de verdad el teatro es el protagonista, pues miel sobre hojuelas. Anoche, sobre las piedras de Mérida resonaron las voces de los autores clásicos y ¡De qué manera! en voz y carne de actores como una deslumbrante Carmen Machi, a la sazón diosa Ceres, la gran protagonista de la noche. También sonaron las voces de Miguel Poveda y Ana Belén, los artistas favoritos de la homenajeada de la noche, Concha Velasco que agradeció a Jesús Cimarro la recuperación de la grandeza del festival: “A través de ti hemos recuperado algo que habíamos perdido. Gracias y felicidades”. Fue la propia actriz la que pidió directamente al productor pisar Mérida con Hécuba: “Siempre quise ser actriz, vivir otras vidas y he llamado a las puertas de muchos productores”. La actriz, con energías renovadas, mira hacia el futuro con ilusión con esa Olivia y Eugenio que la llevará de nuevo a las tablas. El otro homenajeado de la noche fue Andrea D’Odorico con uno de los discursos más reivindicativos en el que defendió que una sociedad en la que “las administraciones apoyan aeropuertos sin aviones, el teatro debería recobrar su lugar”. Una pequeña representación kamikaze citó a Lorca: “El teatro es un barómetro que marca la grandeza o el descenso de un país”. Misántropo ha sido el mejor espectáculo de la temporada. El mejor actor, Lluís Homar admitió que lloró un poquito cuando recibió la noticia de este premio: “El viaje de esta obra ha sido maravilloso y ha sido muy rico a nivel profesional y personal”. Magüi Mira, premiada como mejor directora, reivindicó que desde el teatro se contasen historias de hoy. Fueron premiados también profesionales como Jordi Galcerán y Kiti Mánver en una noche en la que el mapping volvió a asombrar al público asistente. Pepón Nieto reivindicó al recoger el Premio del Público para El eunuco un teatro hecho para el público. Precisamente ese gran éxito del festival tendrá un largo recorrido por toda España. Ha sido una gran noche para el teatro que sirve como balance de la temporada pasada y como pistoletazo de salida a un nuevo curso teatral que seguirá emocionándonos con nuevas historias.

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Stage Entertainment: Una factoría de sueños que cumple 15 años

El 2 de diciembre de 1999 llegaba a España la primera producción del musical La Bella y la Bestia, bajo la producción de Rock and Pop, hoy conocida como Stage Entertainment. Comenzaba entonces  una edad dorada para el género que se ha afianzado en España gracias al empeño de esta productora que cumple 15 años. Repasamos algunos de sus logros en esta semana dedicada al musical DESDE MI BUTACA.

Tras el éxito de esta gran historia de amor de la factoría Disney en el Lope de Vega, que permaneció en cartel 27 meses, se atrevieron a innovar, una seña que se mantendrá a lo largo de los años en la empresa, estrenando todo un clásico contemporáneo del género: Rent. Desde aquella producción en octubre de 2000 en el Teatro Coliseum de Madrid, muchos amantes del género piden su vuelta a los escenarios como comentábamos en un artículo anterior. En ese reparto estuvieron algunos rostros que triunfarían en muchos títulos del género como Ignasi Vidal, Miquel Fernández o Daniel Anglés.

En 2001 ya como CIE España llegó a España todo un clásico del musical: My Fair Lady, protagonizado por José Sacristán y Paloma San Basilio. Ese mismo año llegó a Barcelona el musical Notre Dame de París. Ya en 2002, llegó un nuevo reto para la empresa con nombre propio: El fantasma de la ópera, también en el Lope de Vega, el espacio escénico por antonomasia de los grandes musicales en Madrid. Todo un reto que se saldó con la ovación del público y con críticas extraordinarias. Julio Bravo de ABC dijo de esta producción: “El fantasma de la ópera necesita un reparto de grandes cantantes. Y en Madrid lo hay. El reparto mantiene el nivel exigible para una producción que, si no dieciséis años como lleva en cartel en Londres, sí pasará a buen seguro una larga temporada en la Gran Vía”.

Andrew Lloyd Webber asistió al estreno de "El fantasma de la ópera" en España.
Andrew Lloyd Webber asistió al estreno de “El fantasma de la ópera” en España.

En 2003 llegaría Cabaret, uno de los grandes éxitos de la productora, que además tendría una larga vida en gira. Sin duda, uno de los grandes éxitos en la carrera de Natalia Millán, a la que tendremos a lo largo de esta semana de nuevo DESDE MI BUTACA. También en 2003, llegaría Cats. En noviembre de 2004, la entonces Stage Holding estrenó Mamma Mia, éxito sin precedentes en Madrid, Barcelona y en gira. Alberto Vázquez estuvo en el reparto lugar en el que también estuvieron Nina y Marta Valverde, a la que tendremos el próximo domingo como broche de lujo a esta semana dedicada al musical.

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En enero de 2005, ya tomó el nombre actual, Stage Entertainment. En este punto, hacemos un alto en el recorrido por los musicales para citar las producciones que, fuera del género, ha producido la empresa que dirige Julia Gómez Cora. En este 2005, la empresa estrena El graduado con Ángela Molina y Juan Díaz. Antes, en 2002, Nancho Novo estrenó Esperando al cavernícola, el mayor éxito de la carrera teatral del actor. También en 2005, se produjo el estreno de Victor Victoria con Paloma San Basilio y Paco Valladares. A partir de entonces, se suceden los estrenos de montajes como Los productores, que juntó a un tándem de lo más mediático: Santiago Segura y José Mota. Toda una apuesta de riesgo que se tradujo en grandes críticas, pero con una tibia respuesta de un público aún no preparado para una apuesta sólo apta para ‘iniciados’ en el mundo del musical. Como curiosidad, contar que en el reparto estaba Miguel del Arco, antes de volverse un director ‘kamikaze’. Jesucristo Superstar, Chicago, High School Musical, que tuvo como protagonistas a la ganadora del Goya Macarena García y al eurovisivo Dani Diges, además de una nueva producción de La Bella y la Bestia, fueron los montajes que produjo Stage en una etapa de apuesta decidida por consolidar el género en nuestro país.

Miguel del Arco junto a Santiago Segura.
Miguel del Arco junto a Santiago Segura.

Los Miserables, punto y aparte en la trayectoria de Stage Entertainment. Más allá del reto (y el riesgo) que siempre supone montar un espectáculo de estas características, la producción pasará a la historia por conseguir que uno de sus protagonistas, Gerónimo Rauch, diese el salto al West End. Tras su éxito en Madrid y Barcelona, la productora soñó un proyecto a priori casi imposible: Llevar el musical de gira. Hace unos días volví a ver el musical en el Palacio de Euskalduna de Bilbao y en ese momento volví a constatar que lo habían conseguido. Durante años, las giras de los musicales eran versiones reducidas de los espectáculos vistos en Madrid, pero lo conseguido con Los Miserables es algo simplemente increíble. El público que abarrotaba el Euskalduna en su estreno el pasado 21 de agosto valoraba precisamente eso, que se trajese la misma calidad en gira. Y precisamente de giras sabe mucho esta productora, que ha girado con gran éxito La bella y la bestia, Chicago y Cabaret entre otras.

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Una imagen de la producción en gira de “Los miserables”.

La Gran Vía sigue rugiendo al ritmo de El rey león. En octubre de 2011 llegó al Lope de Vega la mayor producción de un musical en España: El rey león. Tres años después, el espectáculo sigue poniendo el cartel de “No hay localidades” casi a diario. Una apuesta difícil y más en tiempos de crisis, pero que demuestra que el público sigue demandando que le sigan contando grandes historias o (pequeñas) grandes historias. Precisamente de pequeñas grandes historias se nutrió una interesante iniciativa, nacida del acuerdo entre la productora y Microteatro por dinero, de la que dimos sabida cuenta en este blog. Y si miramos hacia el futuro, el proyecto más inmediato es Sister Act, que en esta ocasión llegará a Barcelona.

¿Qué fue de… Jimmy Castro de “El Club Disney”?

Muchos crecimos viéndole en la pequeña pantalla. Ya entonces, en sus labores Disney, tuvo que demostrar sus dotes para la interpretación en un programa tan dinámico y divertido como El Club Disney, después rebautizado como Zona Disney. Por el mítico programa pasaron muchas caras en la presentación, pero sin duda la de Castro fue una de las que han quedado en el imaginario colectivo de varias generaciones. Además, fue de los presentadores que más tiempo estuvo en antena con este programa. Su vena de comunicador nato hizo que conectase al instante con el público.

Como decía antes, ya por aquel entonces demostró su vena interpretativa de alguna forma. De ahí que parezca normal que le llegasen proyectos como la película No digas nada (2007) o más recientemente la serie Los hombres de paco (2008). Desde entonces, poco o nada sabía de este showman, creo que es el término más apropiado.

Una foto promocional de "Los hombres de Paco".
Una foto promocional de “Los hombres de Paco”.

Hace cosa de un par de semanas me llegó a través de Facebook un cortometraje, ¿Y por qué no? Inmediatamente llamó mi atención al ver que Castro no sólo protagoniza, sino que también dirige y escribe esta historia que seguro que no os dejará indiferentes.

Hace unos días, revisando el elenco de Un cuento de invierno, vista ayer en el CASYC de Santander dentro de las actividades culturales de la UIMP, encontré de nuevo a Jimmy. A pesar de su dilatada carrera en televisión y sus coqueteos con el cine, el teatro y más ¡Shakespeare! es siempre una prueba de fuego. Pues bien, Castro no ha perdido ni una pizca de esa mirada de pícaro con la que encandiló a la audiencia. Y siendo pícaro, se gana el respeto del público desde el momento en que pisa las tablas. Desconozco su recorrido teatral, pero admito que anoche se llevó buena parte de mis aplausos a la compañía Siosi Teatro, que ha construido una luminosa y economicista puesta en escena. Es una muestra de perseverancia, de empeño, de querer seguir en un camino tan difícil después de haber tocado el éxito mediático con la punta de los dedos. En esta carrera de fondo que es la interpretación, parece que el otrora Chico Disney ha sabido encarrilar su carrera.

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Mary Poppins, un clásico que nos sigue llenando de MAGIA cincuenta años después

Uno de mis recuerdos infantiles asociados a la televisión se asocia al mundo Disney. Además del mítico programa Club Disney, se creó un espacio semanal en Telecinco, los sábados por la tarde, llamado Cine Disney. A pesar de lo poco original del título del contenedor cinematográfico de la cadena que ahora rellena su programación con, ojo al dato, ¡28 horas a la semana del cutrerio de Chelo García Cortés, Belén Esteban and co! La primera película que recuerdo haber visto en ese espacio fue Mary Poppins, aunque es cierto que creo que ya la había visto antes gracias a una copia del videoclub que marcó mi infancia. La última vez que vi Mary Poppins fue hace sólo unos meses gracias a una excelsa edición en DVD llena de jugosos extras, incluido un número del montaje de Broadway que tuve la suerte de ver en 2010. Cuando estuve en Broadway, lo tuve claro. Tenía que ser mi prioridad ver el musical que, estoy seguro, hizo que se despertarse en mi la PASIÓN por ese género que día a día se va afianzando en nuestro país. Y sí, en el teatro neoyorquino vi a la niñera más famosa ¡Volando! sobre el patio de butacas, ¿Cómo olvidarlo? Hace cincuenta años contar esta historia fue una apuesta de riesgo del amigo Walt Disney que se empeñó en adaptar al cine las historias de P.L Travers, como muestra la reivindicable cinta  Saving Mr Banks. Supongo que para un espectador de la época sería cuestión de segundos pensar que lo veían en pantalla era simplemente MAGIA. Yo sigo teniendo esa percepción cada vez que la vuelvo a ver. Ahora que lo pienso, creo me voy de estreno, aunque la película se estrenase hace medio siglo, pero cada vez es distinto. Y lo siento, no la veré en VO, que también he visto en varias ocasiones. Me quedo con el doblaje en castellano, que a fin de cuentas fue el que marcó mi infancia y me sigue gustando escuchar eso de “Con un poco de azúcar…” y tantas melodías maravillosas. Por otros cincuenta años de MAGIA, esperemos que pronto la tengamos sobrevolando la Gran Vía, ¿Va de sueños la cosa no? 

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