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Sherlock Holmes y el cuadro mágico llegará el 17 de septiembre a las 12:30h al Teatro Lara de Madrid, donde estará en cartel durante varios meses.
Hace unos años, un lunes algo muermo, poco antes del almuerzo, sonó el teléfono de Sherlock Holmes. La mofletuda Condesa de Nata se había quedado patidifusa ante un medio robo: sí, su cuadro preferido todavía estaba en su sitio, pero los colores se habían esfumado. Sherlock y Watson observaron las huellas, la ventana, los cristales rotos, chuparon un poco la pipa, volvieron a observarlo todo, una vez más, pero con la lupa… y nada. No se enteraron de que estaban ante un cuadro mágico hasta que se pusieron las misteriosas gafas rojas y azules. Con ellas puestas, todo se transformó y pudieron atravesar el lienzo, para entrar en un mundo único. En el interior del cuadro se podía andar por el fondo del mar, cambiar el color de las flores con solo acariciarlas u observar como el faro se situaba en una montaña diferente cada vez que alguien saltaba. Y allí mismo fue dónde conocieron a los personajes clave para resolver el caso: una joven pizpireta que decía ser la hija del pintor que firmaba el cuadro; y un escurridizo profesor Moriarty que pretendía robar el tesoro que se escondía en aquella pintura. La aventura está servida. ¿Conseguirá Sherlock Holmes resolver el caso antes de llegar al blanco y negro? ¿Quién será, en realidad, la niña del cuadro? ¿Le sentará bien la falda a Moriarty cuando se disfrace de la abuela Joroña? Todas las respuestas, en el teatro.
Un musical diferente que traspasa el escenario del Lara
Una propuesta con formato original de Trencadís Produccions galardonada con diferentes premios del Teatro Musical en España e idea123 producida por qelart entertainment, apuesta por una irresistible historia basada en el archiconocido investigador londinense. Con Sherlock Holmes y el cuadro mágico, el público accederá al clásico mundo de misterio y diversión a través de los canales más insólitos: Todo un despliegue de tecnología que junto a una historia de ritmo trepidante y unas canciones creadas expresamente para la ocasión y con voces en directo, harán de esta visita al teatro una experiencia inolvidable.
Proyecciones en 3D
Turbina de olores
Cañones de serpentina
Cañones de CO2
Niebla artificial
Pompas de jabón
Efectos pirotécnicos aptos para teatro.
REPARTO Anthony Senén Edgar Moreno / Fabio Arrante Andrea Rodríguez
DIRECCIÓN: MAMEN MENGÓ TEXTO Y LETRAS: JOSEP MOLLÀ MÚSICA ORIGINAL: FRANCIS J. Dirección Musical: Víctor Lucas Diseño de luces: Doménec Mezquita Escenografía: Dora Piles Vestuario: Fausto y Farras S.L Peluquería y caracterización: Anthony Senén Ilustraciones y proyecciones: Carcoma – Creative Studio Design Diseño gráfico: Alejandro Rubio Fotografía y vídeo: Errebeene y Gonza Gallego RegidurÍa: Alejandro Rubio y Nacho Andrés www.sherlockholmeselmusical.es Producción: qelart entertainment Formato original: Trencadís Producciones & Idea123
El cantante de pop inglés Limahl, conocido entre otros éxitos por el tema The NeverEnding story asistirá al estreno del musical La historia interminable el próximo 5 de octubre en el Teatro Calderón de Madrid.
Limahl actuará el día del estreno junto al elenco e interpretará el éxito musical The NeverEnding Storyque le llevó a la fama en 1983. Un tema que ha vuelto a resurgir gracias a la serie de Netflix Stranger Things donde se ha recordado este mítico tema.
Los fans de esta década, los nostálgicos de la generación y todos aquellos que fueron niños en los 80, podrán disfrutar de esta actuación especial de Limahl y del estreno del musical a un precio único de 50 euros.
Esta superproducción musical, con una puesta en escena única, trasladará al espectador al mundo de Fantasia junto a los personajes míticos del libro escrito por Michael Ende, al que dará vida un elenco de 33 personas.
El musical, que está producido por Dario Regattieri con la productora beon. Entertainment, está basado en el libro escrito por Michael Ende, considerado como uno de los mejores libros de fantasía de la historia. Cuenta con música de Iván Macías y letra de Félix Amador, mientras que Federico Barrios Fierro se encargará de la dirección artística. La escenografía es obra de Ricardo Sánchez Cuerda, el diseño de la iluminación de Felipe Ramos y Jesús Díaz. Por su parte, Antonio Belart es el diseñador de vestuario. La dirección técnica recae en Pablo Santos, el diseño de sonido en Alejandro Martín y María José Santos es la directora vocal del espectáculo. Asimismo, KREAT FX es la empresa encargada de crear los animatronic, las figuras electrónicas que permitirán recrear los seres fantásticos que forman parte de esta historia. Completa el equipo creativo Aaron Domínguez, como responsable de caracterización.
Para dar vida a los personajes creados por Michael Ende ha sido necesario un exhaustivo casting. El elenco del musical lo encabezan Martina Hernández, Noelia Rincón, Alicia Scutelnicu, Karina Scutelnicu, Rocío Barroso, Claudia de Paz que se alternarán el papel de Bastian, y Marcos Sarnago, David Sarnago, Miguel Sánchez y Alonso Vaquero quienes darán vida a Atreyu. Junto a los protagonistas infantiles de la historia, se encuentran Teresa Abarca y AlbaCuartero que se meten en la piel de la Emperatriz Infantil. Por su parte, Joseán Moreno interpretará a Koreander; Teresa Ferrer a Xayide y Alex Forriols a Gmork. Completan el reparto: Gerard Mínguez, Pablo Badillo, Nil Carbonell, Ernesto Pigueiras, Gustavo Rodríguez, Ernesto Santos, Kristina Alonso, Sheila Paz, Rocío Martín, Ruth Ge, Tamara Suárez, José Guelez, Briel González, Zoe Buccolini, Elena González, Noelia Marlo, Marta Castro y Alex Abad.
El Palacio De Elsedo (Pámanes), también conocido como el palacio de los condes de Torrehermoza, es una gran joya arquitectónica del siglo XVIII que abrirá sus puertas por primera vez al público el próximo viernes 26 y sábado 27 de agosto para albergar la 1ª Edición del Festival de Música Clásica Palacio de Elsedo con la interpretación de la maravillosa ópera Dido y Eneas de Purcell. Las entradas ya están a la venta.
Entorno a dicha Ópera Estudio se reúnen cantantes de todas las nacionalidades para poder debutar un rol operístico en escena, facilitándoles completar paso a paso su formación musical y estar plenamente preparados para cumplir con los requisitos que exigen los teatros hoy en día, ya que tanto los directores como el público son cada vez más exigentes y cantar bien por sí solo ya no es suficiente; los cantantes también deben de resultar creíbles en el papel que representan, deben de actuar, motivar emociones en el público, moverse elegantemente y estar en forma para poder resistir físicamente sobre el escenario.
Se trata de una apuesta personal de Cristina Domínguez, ya que de momento se ha hecho sin ningún tipo de patrocinio pero sí con la inestimable ayuda de la Familia Santos implicada en el proyecto desde el primer momento y que generosamente ha cedido el Palacio de Elsedo para esta maravillosa propuesta cultural, abriéndolo así al público.
Con este proyecto que se impulsa a los profesionales del área de canto, teatro y música colabora el prestigioso director musical Christian Frattima Massimei, fundador de “Coín Du Roi”, la única compañía italiana especializada en ópera barroca y con la que se realiza una intensa investigación y red-proposición histórica de autores de música antigua.
Participa también la excelente repertorista Natasha Belenova con una amplia experiencia docente y Eva Marco, que llevará a cabo la difícil tarea de producir y dirigir la escena de esta joya del barroco inglés. Durante 70 intensos minutos, los espectadores podrán disfrutar de esta pequeña pero ambiciosa producción en la que se ha mimado hasta el último detalle.
Una apuesta personal de Cristina Domínguez
La directora artística del Festival de Ópera del Palacio de Elsedo es Cristina Domínguez, soprano lírica de reconocido prestigio y que ya ha participado varios años en el festival lírico que tradicionalmente se realizaba en la Plaza Porticada durante la Semana Grande. Tras finalizar la grabación de un disco junto con la filarmónica de Budapest del compositor Joan Valent (The CIRCULE SIMPHONY) la soprano madrileña ha aterrizado en Cantabria iniciando un bonito y ambicioso proyecto que comenzó el 16 de agosto con una OPERA ESTUDIO.
Palacio de Elsedo, un marco incomparable para Dido y Eneas
Este bellísimo y regio Palacio está declarado bien de interés cultural con la categoría de monumento en 1983 y se sitúa en la localidad de Pámanes del municipio de Liérganes, en Cantabria (España).
Construido entre 1710 y 1715 por el primer conde de Torre- Hermoza, Caballero de Calatrava se sucedieron en la posesión del Palacio distintas familias, entre ellas los Herreros, los austríacos Krassnning y por último los hermanos José Luis y Jesús Santos Díez, mecenas de las artes, que convirtieron su parte más noble en un maravilloso museo que alberga una de las mejores colecciones privadas del arte español del siglo XX tanto de pintura como escultura.
Charlamos con el protagonista de La Jaula de las locas de camino al Teatro Arriaga de Bilbao donde mañana estrena este musical que ya disfrutamos en Madrid y Barcelona. Dentro de su gira, las fiestas de la ciudad se convierten en un lugar ideal para sacar a relucir este «bálsamo de felicidad y buen humor». El público necesitaba de una historia como esta en este momento y Llácer admite satisfecho que la gente ha repetido en las plazas en las que han estado y que ha recibido muchos mensajes de agradecimiento. Mucho debe tener que ver el hecho de que «hemos venido a pasarlo bien y a que vosotros os lo paséis bien». Eso se transmitirá a buen seguro en el Arriaga hasta el 11 de septiembre gracias al carisma de este intérprete que esta ocasión compartirá personaje con Ivan Labanda con el que hablamos en la temporada en el Rialto de Madrid. Estarán acompañados en escena por intérpretes como Armando Pita y Muntsa Rius. La vida empieza hoy y la disfrutaremos a ritmo de musical DESDE MI BUTACA una temporada más.
C.R: Llegáis al Arriaga en pleno Aste Nagusia que siempre está plagada de color y de una extensa programación, ¿Cuáles son los ingredientes más importantes para ti de este musical para atrapar al público de Bilbao entre tantas propuestas?
A.LL: Yo creo que ‘se venderán la moto’ entre ellos. Si alguna cosa tiene es que como gusta tanto, las personas quieren volver con sus familiares. Nos ha pasado ya en la gira. Lo que hace grande a La Jaula de las locas son las personas que lo ven. Y tú me dirás ¿Qué tiene? Es un bálsamo de felicidad y buen humor. Es también una oda al amor, son dos horas y media de alegrías, de risas, de música… Como salimos de esta temporada tan convulsa salir ahora de golpe y poder reírte es algo que el público agradece ahora más que nunca. He recibido muchos mensajes de “muchas gracias” e incluso “es la primera vez que reía después de una pérdida reciente”… Es como muy terapeútico, la terapia del alma y la felicidad está en La jaula de las locas. Lo bueno es que como estamos un mes pueden ir por ejemplo al concierto de Aitana un día y otro venir a vernos.
C.R: Acompañado por otro referente de la escena como Armando Pita, en esta ocasión te divides las funciones con Iván Labanda, que se ha convertido en uno de los actores con los que más trabajas, ¿Qué has encontrado en la mirada de este estupendo actor que tanto te ha enganchado?
A.LL: Es impecable, es muy trabajador. Es un actor que funciona por retos. Por ejemplo en Cantando bajo la lluvia su reto era bailar muy bien. Aquí el reto es que yo también hago su personaje. Como yo llevo cuatro años haciéndolo, pues él se propone hacerlo mejor y lo ha trabajado súper bien.
C.R: “La vida empieza hoy, la flor de antaño no rebrotará, la vida empieza hoy, mañana solo es un quizás, quizás, quizás”, ¿Cuánto sentido han recobrado letras como estas para Ángel Llácer tras este tiempo oscuro que hemos vivido con la dichosa pandemia?
A.LL: No, para mí no. La vida empieza hoy existe siempre tengamos o no pandemia. Hay que vivir el aquí y el ahora, yo siempre he sido así. Por eso yo creo que nos lo pasamos tan bien haciendo la función. La compañía realmente nos lo pasamos en grande. Hemos venido a pasarlo bien y a que vosotros os lo paséis bien. Cada función la hago y la deshago a diario. El público tiene la sensación de vivir algo único.
C.R: No queda nada así que te tengo que preguntar por Cantando Bajo la lluvia que llega a Madrid en poco más de un mes, ¿Cómo se enfrenta un director a una plaza tan competitiva como esta que nos llevará a tener un gran número de musicales a lo largo de la temporada?
A.LL: Yo lo que intento es hacer todo bien, conseguir que el producto sea bueno. Entonces lo que no pasará es que alguien me diga que está mal hecho. Me puede decir que no le ha gustado, pero no que está mal hecho. Yo creo que la calidad es una garantía por lo menos de que va a gustar al público. Al final funciona el boca a oreja y termina siendo un éxito. Yo no sé cómo estarán el resto de musicales, yo compito conmigo mismo. Soy como esos deportistas que no miran al otro, se miran a sí mismos. Lo que hagan los demás felicidades, pero yo miro con lupa mi propio trabajo.
C.R: Te comentaba que esta temporada va a haber mucha oferta, tú que has tenido la oportunidad de ver la evolución del género primero como actor de títulos como La tienda de los horrores y A little night music, ¿Cómo has visto la evolución del público y de los artistas del género?
A.LL: Con respecto al público, siempre es ‘de verdad’ y ha estado ahí. Lo que sí es verdad es que hay más nivel en los musicales. Hay más escuelas de teatro musical. Antes, los actores estudiaban texto y luego daban clases de canto y baile aparte. Tampoco está mal, pero ahora hay una formación más integral. Ahora hay más actores que saben cantar, pero antes no era tan habitual. Yo tuve la suerte de que sabía cantar y por eso hice musicales. En realidad yo era actor de texto de antes. Yo creo que ahora la industria del teatro musical empieza antes creando actores y actrices de musical con formación en interpretación, danza y canto. Por eso ahora también hay más musicales. Luego también está el hecho de que es un género que conecta más fácilmente con el espectador. La música siempre nos entra en el alma mejor que un texto. Cada melodía te lleva a un lugar. El musical tiene así un consumo más agradable.
C.R: En El llop os habéis acercado al mundo del teatro amateur, ¿Cuál es la mayor enseñanza que ha absorbido Ángel Llácer de estos actores que se dejan la piel en el escenario por el mero hecho de disfrutar con su hobby?
A.LL: Te reconcilia con una parte de tu vocación. Te hace recordar que tu profesión es vocacional. En el fondo esta es una profesión miserable, siempre moviéndote de aquí para allá, con la inestabilidad de hacia dónde iré después. A veces los actores se pierden buscando su carrera y se olvidan de lo demás. Cuando te acercas al teatro amateur recuerdas que no es una carrera que tienes que hacer como actor. Más bien es lo que tú quieres compartir y hacer sentir a la gente. Recuerdas que tu profesión es vocacional. Esto no se trata de ser un vendedor de productos. Se trata de saber qué quiero explicar, cómo y a quién se lo quiero explicar.
C.R: Y aquí y ahora después de este tiempo “raro” que hemos pasado en que muchos “teatreros” se lo han preguntado, ¿Por qué el teatro a pesar de las pantallas que nos rodean sigue siendo ese gran lugar para contar historias?
A.LL: El público lo tienes delante y todo es mucho más directo. Es muy diferente hacer el amor por videollamada que hacerlo en persona. Puedo sentir al público y hasta tocar a las señoras. Parece que a la televisión y el cine se lo comerán las plataformas, pero el teatro es imposible que acabe. El teatro no se puede comparar con nada, se vive únicamente en el lugar en el que estás.
C.R: Todos (y más los que estáis delante de un foco) tenemos una imagen pública un tanto distinta a la del día a día, ¿Cómo es el Ángel Llácer de las distancias cortas cuando cae la máscara y está entre amigos?
A.LL: ¡Tendréis que hacer el amor conmigo para descubrirlo!
C.R: Nada más que añadir jejeje
C.R: ¿Con qué expectativas se enfrenta Ángel Llácer a la nueva temporada de Tu cara me suena?
C.R: Siempre va bien, yo siempre estoy feliz. Es como volver a tu casa de vacaciones. Es mi lugar de bienestar de estos diez años y cada edición es una sorpresa.
C.R: Un último llamamiento para los bilbainos…
A.LL: Si quieren regalar felicidad a sus seres queridos que les compren una entrada. La jaula es una fiesta que se comparte.
Hoy subirá el telón del Gran Teatro CaixaBank Principe Pío de Madrid ¡Chakapum!, un espectáculo que se define como una fusión sin prejuicios de un concierto y una obra de teatro, de rumba, rock y otros estilos musicales, pero ante todo es una celebración de la vida.
¡CHAKAPUM! despliega, a partir de un recuerdo de la infancia de Litus, un caleidoscopio de escenas en las que se realiza un viaje emocional por la vida de su protagonista a la vez que se hace un repaso vivo a la historia de la rumba. Pero es también un “homenaje a los currantes de la música, a la profesión”, en palabras del propio Litus. El público podrá vibrar con versiones de temas que están arraigados en nuestra historia de artistas como El Gato Pérez, Los Amaya o Peret. La fiesta de la vida y la música traspasará el escenario en un fin de fiesta inesperado.
Con un elenco de siete actores y actrices camaleónicas llenas de energía y una banda en directo de seis músicos capitaneados por Pablo Novoa, el espectáculo mostrará el “poder de la música como herramienta transformadora de la realidad”, uno de los objetivos de su autor Joan Grau. Para ello, la directora de escena Xénia Reguant ha contado con el escenógrafo Jose Novoa para la creación de un espacio emocional, sentimental, donde se dan cita los recuerdos y la música. También se podrá disfrutar de las proyecciones de la artista Mürfila que incluyen imágenes de grandes referentes de la rumba y otras de la vida real de Litus. Elementos que ayudan a contar este viaje y a potenciar lo icónico que tiene la rumba.
Este montaje es uno de los proyectos más personales de Litus, cantante de La Banda de Late Motiv y uno de los integrantes del exitoso montaje teatral Lehman Trilogy. “La rumba tiene que ver con cómo conocí la música. Con mi familia. Con cómo aprendí mi profesión”, explica Litus. “Tengo un recuerdo mágico de las sobremesas de mis padres cuando yo era un niño. Es un recuerdo que, con los años, ha tomado una textura de sueño”.
En palabras de su directora, “En ¡Chakapum!, conoceremos a los grandes fundadores del género, desgranaremos todo lo que compone la rumba catalana, todo lo que compone Litus y lo que nos compone como humanos”. Xènia Reguant da más detalles: “Pasaremos por Cuba, Terrassa, Tossa de Mar. Entre rumba, tiempo, contratiempo, movimiento incesante y pequeños ambientes construidos con dos cubos y una escalera capaces de transformarse en todos los escenarios posibles, llegaremos al ¡Chakapum! Siempre acompañados de una rumba que evolucionará con el espectáculo hasta llegar a una sonoridad moderna y actual”.
El espectáculo pone de manifiesto que la rumba está viva y es eléctrica porque te pone en movimiento. ¡Chakapum! es una experiencia única producida por El Terrat (The Mediapro Studio) y que podrás vivir del 12 de agosto al 4 de septiembre en La Estación Gran Teatro Caixabank Principe Pío.
Hoy el Festival Internacional de Santander acoge una representación muy especial. Como es habitual en su programación -en la que hemos visto joyas como Soñando el carnaval de los animales de Títeres Etcétera de cuya comunicación nos encargamos- no falta la apuesta por el público familiar. Este año lo hará con DESDE EL MARhoy a las 19h en la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria.
Un universo marino de aventura, un espacio onírico en el que se aprecia el paso del tiempo: naufragios, objetos que los años han alterado, fragmentos y pedazos que tienen historias que contar. Este es el resumen de Desde el mar el espectáculo familiar con el que el Festival Internacional de Santander (FIS) -11 de agosto, 19.00 horas- quiere llegar a un público mucho más amplio, la familia, ofreciendo una novedosa ópera infantil a cargo de los coros infantiles y juveniles Coro Easo y la Escolanía Aila de Laredo.
Serán niños y niñas los protagonistas de este espectáculo músico-teatral, en versión ópera, una coproducción de la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival Internacional de Santander, sobre la obra “Les chants de la mer” de Roger Calmel. Gorka Miranda, como director de coro y artístico; Samara Oruña, directora de la escolanía y Mafalda Soloio, directora de escena son los responsables de este proyecto, denominado ITSASOTIK, que consigue desarrollar, de manera transversal, las capacidades artísticas de actores y espectadores, creando una obra sostenible en términos medioambientales, creativos y sociales.
La obra original de Calmel (1920-1998) narra la historia de una niña amante del mar que un día es recogida por unos marineros. En medio de una tormenta, la niña cae al agua y es tragada por un pez enorme, que la lleva a una playa; desde allí, unas aves marinas guían a la niña hacia una ciudad gris y sin vida. Allí se encuentra con un niño que repara estrellas, y juntos emprenden la tarea de «cambiar el corazón» de los habitantes de la ciudad.
Los textos originales, de Didier Rimaud, se han adaptado acertadamente a la realidad que existe en nuestros mares, haciendo hincapié en el grave problema que supone la presencia de plásticos en ellos. Una realidad que viven los más pequeños y cuyo cuidado necesita de su implicación. El atractivo de esta obra cuenta con muchas vertientes. Por un lado, son los niños los protagonistas de esta obra, proporcionándolos un espacio como el FIS en el que mostrar sus excelentes capacidades artísticas, poniéndolas en valor ante un público como el del Festival. Tanto la Scola Easo como Escolanía Aila de Laredo muestran la gran capacidad de estos jóvenes artistas.
Por otro lado, esta obra acerca la programación del FIS a un público mucho más joven, los niños, con una propuesta atractiva, realista, con la que pueden identificarse, a través de la música, la principal protagonista. Consigue, así mismo, explotar y expandir la creatividad e imaginación de los niños. No menos importante es lograr la implicación de las familias y agentes sociales, convirtiendo este proyecto en un tema participativo y colaborativo. Y todo ello de una forma sostenible.
EJES SOSTENIBLES
La creatividad es uno de los principales ejes sostenibles de esta obra. Se han minimizado los recursos materiales, como decorados o atrezzo, para lograr maximizar los mecanismos creativos e imaginativos, tanto de actores como de espectadores, pero sin mermar, en ningún caso, la calidad del espectáculo. Así mismo, las producciones de ópera y teatro suelen contar con recursos de un solo uso, elementos exclusivos para la ocasión. En este caso se trabaja con elementos reciclados, alquilados o de segunda mano, adquiriendo para este espectáculo muy pocos objetos nuevos, lo que minimiza el impacto ambiental. Por último, el soporte escénico de la obra ha sido previsto y gestionado con Emaús Fundación Social, entidad sin ánimo de lucro, y se elabora en talleres compartidos con personas en exclusión social.
La Historia Interminable el musical te invita a sobrevolar el Reino de Fantasia a lomos de Fújur y formar parte de su club de Piloto de Dragones, a través de una experiencia de realidad virtual 360º, completamente gratuita en el hall principal del Teatro Calderón. Estará abierta al público de martes a domingo de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas.
El teatro Calderón de Madrid, que albergará el estreno mundial del musical La historia interminable el próximo 5 de octubre, se ha convertido en una improvisada autoescuela donde obtener un carné para pilotar dragones. Una nueva activación que pone en marcha este verano la productora del musical, beon. Entertainment, para la promoción del espectáculo.
Todos los fans del bestseller de Michael Ende, amantes de la novela fantástica, familias, nacidos en los 80 o nostálgicos de esta década que se acerquen al hall de este céntrico teatro madrileño, tendrán la oportunidad de obtener el carné de Piloto de Dragones de forma totalmente gratuita. Los aspirantes a pilotos realizarán un viaje a lomos de Fújur, el dragón blanco de la suerte protagonista de esta historia, gracias a un proyecto de animación en el que se utilizan gafas oculus de realidad virtual. De esta manera los pilotos sobrevolarán el Reino de Fantasia, conocerán a los principales protagonistas de esta historia como el Comerrocas o Vetusta Morla y superarán diferentes pruebas hasta llegar a la Torre de Marfil. Solo aquellos que lo consigan obtendrán su carné. Una experiencia única para pertenecer a este selecto club.
El carné ofrecerá ventajas exclusivas a quienes superen la prueba. Además de ser los primeros en enterarse de todas las novedades sobre el espectáculo, tendrán un encuentro exclusivo con los creadores del musical y conocerán todos los secretos que se esconden entre bambalinas. También recibirán un cheque por valor de 10€, adquiriendo allí la entrada del musical, que podrán utilizar para la compra de merchandising. También participarán en sorteos, experiencias y mucho más.
Para conseguir el carné de piloto de dragones solo hay que pasarse por el hall principal del Teatro Calderón (Calle Atocha, 18) a partir del 12 de agosto desde las 17h. y hasta el 15 de septiembre. Esta actividad gratuita estará abierta de martes a domingo de 10h. a 14h. y de 17h. a 21h.
beon. Entertainment, la empresa líder en el sector del entretenimiento, cuenta con producciones destacadas como Antoine, el musical que cuenta la increíble historia de Antoine de Saint-Exupéry, el creador de ‘El Principito’, galardonado con el premio MAX 2021 al ‘Mejor Espectáculo Revelación’; El Médico el musical, basado en el bestseller de Noah Gordon que está de gira en la actualidad por los principales teatros del país o El tiempo entre costuras el musical, inspirado en la exitosa novela de María Dueñas, entre otros.
En la actualidad se encuentra preparando el musical ‘La Historia Interminable’, basado en la novela de Michael Ende cuyo estreno mundial tendrá lugar el 5 de octubre de este año en el Teatro Calderón de Madrid; mientras el musical ‘El Médico’ continúa su gira por España.
Entre los próximos trabajos de la compañía está también el estreno en 2023 de Forever Van Gogh con música de Ara Malikian y coreografías de Chevy Muraday. Un espectáculo en el que, a través de la música, la danza y las nuevas tecnologías descubriremos la vida del pintor a través de sus cuadros que cobrarán vida en escena.
beon. Entertainment ha estrenado también en los últimos meses, con enorme éxito de crítica y público, el musical El Tiempo entre Costuras basado en el libro de María Dueñas; obra que ha podido verse en las ciudades de Madrid, Zaragoza, Sevilla y Valencia. Además, ha realizado la coproducción del musical ¿Quién mató a Sherlock Holmes? dedicado al personaje más famoso de Conan Doyle.
En 2019 produjo el espectáculo ‘500+1′ con artistas de la talla como Rosana, Jorge Drexler, José Mercé entre otros. En plena pandemia puso en marcha el festival cultural bekultura Fest en tres ciudades diferentes: Madrid y dos en Sevilla, dando cobertura a todo tipo de registros. Desde la magia con el Mago Yunke; monologuistas como Alex O’ Dogherty, Martita de Graná o Santi Rodríguez; conciertos como Ryden, Ara Malikian, Miguel Poveda, Coque Malla, M Clan, Fandango, así como La noche de los Musicales, un tributo a las mejores canciones de musicales de la historia interpretados entre otros por Dani Diges, Gerónimo Rauch, Talía del Val, Joseán Moreno y Jana Gómez -acompañados en la dirección musical por Iván Macías- con más de 35 músicos en el escenario.
La veterana compañía valenciana lleva a escena una versión muy española de SANTIAGO SÁNCHEZ de Clacson, trombette e pernacchi, de Dario Fo y Franca Rame como cierre de lujo al ciclo estival de teatro Talía de la capital cántabra. Lo hará los días 12 y 13 de agosto a las 20h en el CASYC de Santander de la mano de Palco Tres Gestión. Como nos tienen acostumbrados en Imprebís el reparto está compuesto por excepcionales intérpretes que ya han trabajado anteriormente con ellos: Juan Gea, al que disfrutamos hace bien poco enVariaciones enigmáticas, Lola Moltó, Marta Chiner, Rafa Alarcón, Carles Montoliu, Carles Castillo y Víctor Lucas -también ayudante de dirección y cocreador de la música de este montaje.
Tras el éxito de Por los pelos, su primera colaboración, L’OM-IMPREBÍS y OLYMPIA METROPOLITANA se unen de nuevo para poner en escena una de las obras más delirantes del Premio Nobel de Literatura Dario Fo. El intento de secuestro de una alta personalidad de la sociedad española y la confusión de la cara de este con la de uno de sus empleados generan todo tipo de malentendidos y situaciones que nos hacen morir de la risa. Una sátira que pone al descubierto los intereses y manejos de la política, los jueces, la policía, las cloacas del Estado, las empresas y hasta de la medicina. Todo con la ironía y el humor del gran maestro italiano de la Comedia del Arte.
En los textos clásicos, como están libres de derechos de autor, ciertos individuos a los que se les llama gente también, creen que pueden hacer de su lectura un pan como unas tortas. Y pretenden modernizar a costa de erróneas innovaciones para acercar al público de hoy a los autores de ayer con estrambóticas puestas en escena, canciones, músicas, vestuarios e, incluso, lenguaje, obras de teatro a las que solo hay que tratarlas con respeto y comprendiendo qué es lo que dicen. Y, claro, así pasa lo que pasa. Que la palabra se distorsiona, que se cae en la chabacanería o que se desnorta el sentido de la obra primigenia.
De ahí que, la Cía. Kazo, con dirección de Juan Polanco, busque la yema de la esencia del zumo de la harina del maíz de la masa madre. Es decir, cual Cervantes que escribe la mejor novela de caballerías para criticar las novelas de caballerías, ellos ponen el punto de mira en los montajes donde creen que por añadir referencias actuales, ya están recreando un clásico de forma moderna.
Enmarcado dentro del Clasic Off (X Festival Experimental de Teatro Clásico) de Nave 73, en realidad lo que nos traen, en una gran puesta en escena, son Los melindres de Belisa de Lope de Vega, añadiendo precisamente esos estrambotes para darnos a entender que las cosas se hacen bien o mal, pero no es bueno hacer las cosas a medias. Hay sarcasmo y conciencia, ronroneos de interrupciones para que se note que la torta hecha con pan no siempre tiene que ser buena.
Son buenos ellos. Firmes, decididos, valientes, inquietos, juguetones, arriesgados pero, también, respetuosos y concienciados y, encima, dicen bien el verso. (Iba a poner declaman, pero me suena a otra cosa).
Se nota la complicidad entre director y elenco: Alba Amat, Luz Araque, Luis Burgaz, Dani Jara, Nacho León, Raquel Robles, Jesús Rodríguez, Cristina Subirats. Muestran ternura, pasión, alas de querer trascender, algo de miedo, o respeto por lo menos, voluntad, crecimiento, riqueza creativa, solo limitados por el texto del gran Lope, al que hacen suyo, porque él también quisiera que el “Arte Nuevo de hacer comedias en estos tiempos” no se anquilose, se adapte a estos nuevos tiempos pero, ojo, sabiendo que no todo vale y que no todos valen y hay que convencer y divertir a este público que lo agradecerá para que el teatro no se vaya muriendo.
Un pan como unas tortas, hacer algo con gran desacierto, pero no es el caso. Este pan es auténtico. Es divertido, lisonjero, tiene ritmo, tiene calidad, vayan a verlo.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
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Un profesor que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés en la España de 1966, se entera de que John Lennon está en Almería rodando una película. Decidido a conocerle, emprende el camino y en su ruta recoge a un chico de 16 años que se ha fugado de casa y a una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Entre los tres nacerá una amistad inolvidable.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 