Stage convoca audiciones para «Aladdin» que llegará en 2023 al Coliseum de Madrid

Stage Entertainment, productora de musicales líder en el sector y responsable de éxitos como “El Rey León de Disney”, “La Bella y la Bestia de Disney”, y otros títulos como “Anastasia”, “Tina”, o “Los Miserables” estrenará el próximo año el musical “Aladdín”.

Más de 10 millones de espectadores han disfrutado ya de este musical en todo el mundo del que actualmente hay 6 producciones en cartel (Estados Unidos, Alemania, Holanda, México y Japón) a las que se sumará, en 2023, la versión española.

The Wall Street Journal, o The New York Times, entre otros medios internacionales , han aplaudido la calidad de esta gran producción que llegará al teatro Coliseum, en la Gran Vía madrileña, en 2023.

“Aladdín” está basado en la película homónima de Disney de 1992, que era a su vez una adaptación de los populares cuentos arábicos ancestrales, entre ellos ‘Las mil y una noches’.

El musical cuenta la historia del joven Aladdín, que con la ayuda de un genio todopoderoso, emprende una aventura en la que pondrá a prueba su voluntad y moral. En este recorrido encuentra el amor verdadero y descubre que el valor de cada uno es un tesoro que todos llevamos dentro.

“Aladdín” de Disney, cuenta con una nueva partitura que incluye cinco populares canciones de la película estrenada en 1992 que se convirtió en un éxito de taquilla. La película ganó el Oscar a la Mejor Partitura Original, incluyendo el éxito “A Whole New World”, tema que obtuvo el Oscar a la Mejor Canción Original y que alcanzó el número 1 del Billboard.

Stage Entertainment contará así con dos grandes producciones de Disney de manera simultánea en la Gran Vía de Madrid, confirmando su posición, a nivel nacional, de productora líder indiscutible en el género musical. De cara a esta producción, Stage Entertainment España busca actores, cantantes y bailarines para personajes principales, secundarios y de reparto.

Todos los aspirantes a formar parte del elenco de esta gran producción, pueden registrarse a través de la siguiente página web www.stage.es/audiciones-aladdin , en la que se encuentra disponible la descripción de personajes. La inscripción para estas audiciones finaliza el domingo 10 de abril de 2022.

Stage Entertainment España comunicará a los candidatos que superen la preselección previa la participación en las mismas, y cuya primera ronda se realizará en Madrid la semana del 25 de abril de 2022.

Sobre Aladdín

«Aladdín», el exitoso musical basado en la película de animación ganadora del Oscar®, se estrenó en Broadway en el New Amsterdam Theatre con gran éxito de crítica el 20 de marzo de 2014 y rápidamente se consolidó como uno de los mayores éxitos de taquilla de los últimos años, batiendo 14 récords de espectadores en el New Amsterdam Theatre. En todo el mundo ha recibido a más de 14 millones de personas y puede verse actualmente en Broadway, en Tokio, en los Países Bajos, en Ciudad de México y en Stuttgart.

Producido por Disney Theatrical Productions, bajo la dirección de Thomas Schumacher, el espectáculo cuenta con la música de Alan Menken, ganador de un premio Tony y de ocho Oscar® («La Bella y la Bestia», «Newsies», «Sister Act»), las letras de Howard Ashman, ganador de dos Oscar («La Bella y la Bestia», «La Sirenita»), del tres veces ganador del premio Tony y del tres veces ganador del Oscar Tim Rice («Evita», «Aida») y del seis veces nominado al premio Tony Chad Beguelin («The Wedding Singer»), con un libro de Beguelin, y dirigido y coreografiado por el ganador del premio Tony Casey Nicholaw («The Book of Mormon»).

«Aladdín», adaptado de la película animada de Disney y de cuentos populares centenarios como «Las mil y una noches», cobra nueva vida teatral en este nuevo y audaz musical. El viaje de Aladdín sumerge al público en un emocionante mundo de audaces aventuras, comedia clásica y romance atemporal. Esta nueva producción cuenta con una partitura completa, que incluye las cinco canciones más queridas de la banda sonora ganadora del Oscar y otras escritas especialmente para su versión teatral.

La película de animación «Aladdín» fue estrenada por Disney en 1992 y fue un éxito de crítica y taquilla, convirtiéndose en la película más taquillera del año.

La película ganó el Oscar a la mejor partitura original e introdujo la exitosa canción «A Whole New World», que ganó el segundo de los dos premios de la Academia de la película como mejor canción original. La grabación de Peabo Bryson/Regina Belle de la canción alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100.

El diseño de «Aladdín» corre a cargo del diseñador de escenografía Bob Crowley, ganador de siete premios Tony, la diseñadora de iluminación Natasha Katz, ganadora de seis premios Tony, el diseñador de vestuario Gregg Barnes, ganador de dos premios Tony, y el diseñador de sonido Ken Travis.

El equipo de producción también incluye al diseñador de ilusiones Jim Steinmeyer, al diseñador de peluquería Josh Marquette y a la diseñadora de maquillaje Milagros Medina-Cerdeira. El equipo musical está encabezado por el supervisor y director musical Michael Kosarin, que también ha creado los arreglos vocales y de música incidental, junto con el orquestador Danny Troob y el arreglista de música de baile Glen Kelly.

Anne Quart actúa como coproductora. Para más información AladdinTheMusical.com

STAGE ENTERTAINMENT ESPAÑA

Stage Entertainment España ha apostado en los últimos 21 años por acercar al gran público, siempre con la misma calidad, espectáculos sólo disponibles hasta hace pocos años en Broadway o en el West End londinense, y conseguir que cada visitante que entre a sus teatros tenga una experiencia única e irrepetible.

Así grandes éxitos como: “Cabaret”, “El fantasma de la Ópera”, “Cats”, “La Bella y la Bestia”, “Mamma Mia!”, “El Guardaespaldas”, “Chicago”, “Anastasia” o “Los Miserables”  han pasado por los escenarios de nuestro país, consiguiendo que más de 15 millones de espectadores hayan visto un musical producido por Stage Entertainment España.

En 2011 Stage Entertainment estrenó en el teatro Lope de Vega de Madrid la mayor producción musical jamás presentada en España: “El Rey León”. Este musical, el más longevo de nuestro país, celebra en 2021, el musical celebra su 10º aniversario alcanzando los 5.000.000 de espectadores, haciendo de este espectáculo un fenómeno a nivel nacional que se ha convertido en visita obligada para todos los que vienen a la capital madrileña.

En el teatro Coliseum, también en la Gran Vía madrileña, Stage Entertainment España ha estrenado en octubre de 2021 el musical “Tina”, convirtiendo a Madrid en la primera ciudad en acoger la primera producción de este musical en español.

Stage Entertainment vende en España más de 1 millón de entradas al año y es líder indiscutible del sector.

«La Historia Interminable», «El Médico» y «El Tiempo entre Costuras» saltan de las páginas de los libros a un evento en Fnac Callao

BEON Entertainment sigue apostando por el teatro musical en tiempos inciertos. A los estrenos recientes de la nueva producción de El Médico y El tiempo entre costuras sumará una nueva criatura escénica muy pronto. Se trata de la traslación a los escenarios de La Historia Interminable. En estos tres casos se trata de adaptaciones de obras literarias de vital importancia.

Es por ello que cobra especial interés el evento que han programado para el martes 29 de marzo en FNAC Callao a las 18.30h. Participarán Dario Regattieri (Ceo Beon.Entertainment y productor), Iván Macías (compositor de los tres musicales) y Félix Amador (adaptador de los libros) que darán una charla sobre cómo se convierte un bestseller en una producción de teatro musical. 

El médico se ha convertido en una obra impactante, con una música que toca el corazón, y un espectáculo que sintetiza a la perfección la novela, sin perder la esencia de la historia: el espíritu de superación y el amor verdadero hacia una vocación clara en la vida. Actualmente se puede ver en Espacio Delicias con un espléndido reparto liderado por nombres como los de Guido Balzaretti, Joseán Moreno y Cristina Picos. Estarán en la capital hasta el 24 de abril.

El tiempo entre costuras es una aventura apasionante en la que los talleres de alta costura, el glamour de los grandes hoteles, las conspiraciones políticas y las oscuras misiones de los servicios secretos se funden con la lealtad hacia aquellos a quienes queremos y con el poder irrefrenable del amor. Actualmente se puede ver en Espacio Delicias con un excepcional equipo con nombres como los de Laura Enrech o Joselu López. Estarán en Madrid hasta el 22 de mayo.

La Historia Interminable es una gran producción musical que nos transportará al espectador a un mundo mágico. A medida que se adentra enFantasía, Bastian deberá resolver también los misterios de su propio corazón. Tras sus castings de hace apenas unas semanas, el musical se prepara para su estreno en el Teatro Calderón de Madrid el próximo mes de octubre.

Antonio Banderas y Emilio Aragón formarán tándem creativo en GODSPELL

Antonio Banderas y Emilio Aragón se unen en el proyecto musical Godspell. Una coproducción del Teatro del Soho CaixaBank y Estudio Caribe.

Antonio Banderas y Emilio Aragón trabajan ya en su primer proyecto juntos, Godspell, el aclamado musical de Broadway creado en 1970 por John Michael Tebelak, con Música y Letra de Stephen Schwartz.

Godspell es un musical desenfadado que celebra la vida y las enseñanzas de Jesús a través de parábolas y relatos del Evangelio de San Marcos, representados en una serie de sketches. La producción cuenta con una aplaudida partitura que estuvo nominada al Tony, compuesta por una gran variedad musical que va del rock, pop al góspel y con grandes canciones como “Day by Day”, “Turn Back, O Man” o “Save the People”, entre otras.


En torno a 1974 se llevó a cabo una versión de este musical protagonizado por Juan Ribó que se estrenó con gran éxito en España, ahora Godspell volverá a los escenarios, casi cincuenta años después, bajo la dirección de Emilio Aragón y será el nuevo espectáculo musical del Teatro del Soho CaixaBank en coproducción con Estudio Caribe. Su estreno está previsto en Málaga, en la próxima temporada del Teatro del Soho CaixaBank.

Edu Soto será Willy Wonka en CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE

El mundialmente famoso Willy Wonka abrirá las puertas de su misteriosa fábrica en Espacio Ibercaja Delicias en Madrid a partir del 15 de septiembre. Edu Soto será el encargado de dar vida a este inolvidable personaje como ha avanzado la productora LETSGO hoy mismo.

El joven Charlie Bucket y otros cuatro ganadores del billete dorado, vivirán una experiencia que los cambiará para siempre. Guiados por los famosos trabajadores de la fábrica, los Oompa-Loompas, descubrirán el mundo imaginario de Wonka, en donde habrá cascadas de chocolate, ardillas locas, un gran elevador de cristal y muchas sorpresas.

Un musical basado en la increíble historia escrita por Roald Dahl.

¡Éxito mundial!

Charlie y la fábrica de chocolate, el musical, se estrenó por primera vez en el West End de Londres en 2013 rompiendo récords de taquilla hasta 2017. Después de varias temporadas exitosas, el musical llegó a Broadway en 2017 y giró por Estados Unidos en 2018; en 2019 inició su tour por Australia y hasta 2021, visitando Sydney, Melbourne, Brisbane y Perth. El musical se adaptó a otros idiomas y en 2019 se estrenó en Milán y Noruega; en 2021 llegó a Brasil, Francia y Dinamarca.

Marc Shaiman, compositor de las inolvidables El regreso de Mary Poppins y Hairspray, es el encargado de este dar magia musical a este gran espectáculo. Las letras las ha coescrito con Scott Whittman, también compañero de vida y de multitud de títulos del género.

¡Vive una experiencia musical única que podrás disfrutar en familia, con amigos o con quien quieras!

Espectáculo recomendado a partir de 7 años.

EQUIPO CREATIVO

DAVID GREIG

LIBRETO

MARC SHAIMAN

MÚSICA

SCOTT WITTMAN Y MARC SHAIMAN

LETRAS

FEDERICO BELLONE

DIRECTOR

JULIO AWAD

DIRECTOR MUSICAL

GILLIAN BRUCE

COREOGRAFÍA

FEDERICO BELLONE

DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA

CHIARA DONATO

DISEÑO DE VESTUARIO

VALERIO TIBERI

DISEÑO DE ILUMINACIÓN

SILVIA MONTESINOS

ADAPTACIÓN

IÑAKI FERNÁNDEZ

PRODUCTOR

GORKA FERNÁNDEZ

PRODUCTOR

El Teatro Circo de Albacete acoge el estreno nacional de CID el 7 de abril a las 20h

Ruy, Rodrigo Díaz, El de Vivar, El Cid, Sidi, El campeador, el buen vasallo, el que en buena hora ciñó espada, el de los mil nombres, el de los mil rostros, ya que cada uno se imagina al Cid de una manera. Y quien mejor nos pueden contar su historia son los habitantes de Vivar, los morocisleños, aquellos contemporáneos del Cid, los sin nombre.

Esta es la historia del Cid contada a través de sus hermanos, de los que desde que nació hasta que murió no se separaron de su Señor a través de la interpretación de Antonio Campos, acompañado con la música de La Musgaña, imprescindibles, con más de treinta y cinco años de folk Ibérico respetando la tradición y cultura heredadas de nuestros antepasados.

Antonio Campos ha avanzado en BEKULTURA los primeros detalles de este proyecto.


El Cid Campeador, tiene un magnetismo qué seduce, que te atrapa y si no fuera así no hablaríamos de la cantidad de cides que se han versionado desde que murió hasta hoy. Pocos personajes históricos han ge nerado tantas y tan dispares opiniones en el mundo, el guerrero que más esculturas tiene a lo largo y ancho del planeta, un personaje de tal envergadura que ha sido analizado y estudiado, relatado y comprendido desde diferentes ángulos, ideologías, etapas y que a lo largo de mil años se lo han apropiado diferentes dirigentes, poderes o políticos como campaña, eslogan o ideal.

Intelectuales de toda índole se han arrojado unos a otros las veracidades del mito y los estudios históricos, se le ha versionado y añadido tantas historias y etapas de su vida que el verdadero Rodrigo ha quedado sepultado en multitud de capas de tal manera que ya no sabemos quién fue en realidad.

Nosotros tampoco es que queramos llegar a la verdad absoluta, pero si sacar la esencia de Rodrigo Díaz a través del teatro, ya que este medio exige exprimir cualquier historia hasta la última gota para llegar a lo esencialmente dramático y la única mano que puede estrujar dicha historia es el director de CID.

Este director llega al teatro para trasladar el tono a los actores, el cuerpo de baile, los músicos, los cantantes y los extras que participaran en el montaje. Para ello ira desgranando cada escena y representando los cuadros más importantes del cantar que un juglar anónimo escribió cien años después de la muerte del Cid.

En esta explicación vamos viendo como el director se va perdiendo en su propia pasión, esa pasión que quiere trasladar a los interpretes para que una vez puesta en pie la obra transmitan que son algo más que una compañía esporádica de teatro.

Ensalza la vida del Cid, un hombre que se hizo así mismo, sin ayuda de nadie, en un mundo hostil donde la guerra era el pan de cada día y las fronteras la delgada línea donde se movía junto a un ejército de mercenarios, entre moros y cristianos, que consiguió seducir lo suficiente hasta crear un bloque homogéneo que seguían a su caballero hasta los confines de la tierra, conquistando palmo a palmo para seguir sobreviviendo.

Este entusiasmo por el personaje le revela que el teatro tiene las mismas sombras y luces que aquella historia y época. Este director sirve a su amo y señor, el teatro, por mucho que este lo desprecie o lo destierre, porque una sola caricia de este oficio, un patio de butacas casi lleno bastará para seguir sirviéndolo, porque el tea tro es como una especie de opio que se va fumando poco a poco y no se puede dejar a lo largo de la vida, el teatro te da y el te quita como al Cid su Rey le daba y le quitaba
.
Porque una conquista no se hace con una sola persona si no que se realiza con un equipo, como en el teatro, donde es importante desde la primera sastra hasta el último actor como si fueran una familia, algo que hoy día es imposible ya que todos somos mercenarios que tenemos que sobrevivir en el montaje donde mas paguen o el que más bolos haga.

Porque abrirse camino por aquellas fronteras e ir conquistando territorios es la misma andanza que una compañía tiene que realizar para que la contraten en una comunidad que no es la suya, taifas o reinos infranqueables que se tienen que asediar y crear estrategias para poder entrar en un teatro y demostrar al público y al gestor que ejerce como taifas, que ese espacio le pertenece, que tu arte es digno ya que ha conquistado a un público que a llegado a la catarsis y que se a estremecido en su butaca y ahora reclamarama dicha compañía.

Porque encontrar actores y actrices que sean lo suficientemente generosos como para entregarse al teatro, a su voz, a sus gestos y al time de las tablas que son sus verdaderas armas sin pensar en una alfombra roja o el falso glamur, es tan difícil como encontrar un soldado fronterizo que sea fiel a un solo señor.

Al fin y al cabo, este director hace de su Cid un referente, un concepto teatral para entender el oficio haciendo una crítica mordaz a la situación de crisis eterna que tiene este oficio donde los que no están en la corte estatal de un Centro Dramático Nacional se tienen que mover a través de los bolos, esa línea delgada fronteriza entre sobrevivir o morir en el intento. Una reflexión desde la butaca sobre el trabajo teatral para entenderlo como un alimento espiritual tan indispensable como el material, un teatro que además de divertir invita a la reflexión, una propuesta donde el teatro está dentro del propio teatro

Las reseñas de Alberto Morate: LA PROFESORA DE LITERATURA, Basado en hechos reales, quizás

Hay personas a las que el éxito les hace cambiar. Y también el fracaso. O que quieren vivir otras vidas de repente y, lo que es peor, sin preocuparse del daño que van dejando a su paso. Dejan, no solo de habitar las casas, sino las almas, los cuerpos y los sentimientos de quien compartió con ellos los esfuerzos y proyectos.

No surge de repente el fogonazo. Se va fraguando despacio, lo que ocurre de repente es la decisión que se toma, acordonando fatigas, tristezas, silencios, olvidos, oscuridades que no quieren que el tiempo abra, porque eso nunca se ha olvidado.

No solo se arrastran maletas en un cambio drástico de relaciones. Se condiciona la risa, la forma de ver el panorama, el suelo se convierte en fango. Hay seres que piensan solo en ellos, pero van acumulando restos de naufragios. Puede que se estremezcan de vez en cuando, pero no deja de ser un fraude, escaparate de lo que quieren mostrar, mas son solo adornos sin valor humano.

En La profesora de literatura, adaptación al teatro en español de la novela de la austríaca Judith W. Taschler, con dirección del argentino-alemán Marcelo Díaz, hay todo lo mencionado anteriormente, y literatura. Literatura real y ficticia, inventada y vivida, sin poder saber dónde empieza una y dónde acaba otra, los personajes mezclados en ellas, después de tantos años, siguiendo un relato basado en hechos reales, quizás, que hicieron mucho daño.

David Aramburu y Patricia Gorlino son los protagonistas de este periplo a través de los años. Siguen los pasos de la seducción de nuevo, después de bastantes años. Pero se conocían de antes, demasiado bien, o quizás, no tanto. El triunfador que coronó el éxito gracias a ella, la profesora de literatura que escribe en la sombra sus padecimientos y, puede ser, también, su venganza. Nos van contando cómo se distanciaron, cómo se reencuentran, cómo fue lo que pudo haber sido y como solventan su desvinculado pasado.

Cada uno tiene sus justificaciones, cada uno trata de compensarlo, y cada uno leerá su relato a su manera, según le convenga, para que la narración tenga el suficiente suspense, la tensión necesaria, la literatura adecuada al lector que los está escuchando, ellos mismos, nosotros, los fantasmas de ese pasado.

Con una interpretación justa y medida, contenida, comprometida y atrayente, sin más armas que el texto, y la voz, y el buen hacer, la expresión, la rehumanización de personajes que ya estaban gastados. Con miedo a comprometerse de nuevo, comprometidos con el público, empuñarán la pistola de los sentimientos, y dispararán sin remedio, dando de lleno en el corazón de ambos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: LA RUEDA, vida de un cómico, obreros

Siglo XVI. Nace un cómico que será el ancestro de todos nuestros grandes actores de ahora y de los que vendrán luego. Un representante anónimo al que hoy llamaríamos secundario, de reparto, de elenco. De eso se nutre nuestra mejor cantera de actrices y actores en todos los tiempos. Es verdad que sobresalen unos cuantos. Que algunos llegan a Hollywood, que otros están en todos los montajes, espectáculos, series y demás eventos, que solo unos pocos llegan a elegir lo que quieren interpretar, mientras el gran grueso de los intérpretes de nuestro país sobreviven entre trabajo y trabajo, esperando una llamada, un proyecto nuevo, que se cuente con ellos para algo efectivo y duradero. Esa es la gran industria de nuestro cine, nuestro teatro, nuestras series, nuestros programas de radio, nuestros doblajes, nuestros pequeños monólogos representados en salas de barrio que hacen grande el teatro obrero. Porque estos cómicos lo son. Obreros. Los que no tienen nombre, los que les suena a la gente, los auténticos creadores para que un espectáculo sea perfecto.

Dani Llull nos lo trae en La Rueda: La vida de un cómico. Nos plantea un pleito, nos sitúa en situación, nos lo pone fácil, nos lo creemos. Pausadamente en algunos momentos, en otros con ritmo frenético, nos habla del Renacimiento, de las puertas del teatro posterior, el Barroco, el del siglo de oro, nos cuenta de emperadores y leguleyos, de afamados ya como poetas, como teatreros, como buenas gentes que se quieren ganar un sueldo haciendo creer y creando, saliendo por esos caminos que no sé si son de dios, porque siempre están llenos de barro y polvo, porque les crujen los huesos en las carretas que los transportan, porque están al amparo de un noble venido a menos.

En un alarde de bululú inmenso, Dani Llull se acompaña de una partenaire que le pone poesía a su monólogo, que le pone música y lo hace etéreo. Es Marina Barba con su chelo, con su elegancia en los gestos, con la ternura de un sueño, con la personificación de un hecho que nos cuenta Alonso de Alameda trasmutado desde aquel entonces hasta nuestro mundo nuestro.

Palabras y movimiento, fingimiento verdadero, el hambre de entonces, la situación de ahora, dios uno y trino, siempre el misterio.

Acudimos predispuestos, quien viene al teatro viene sabiendo que viene a un engaño, pero no es el caso de este actor grande aunque sea pequeño. (Perdón por el guiño, Dani, pero me lo has puesto a huevo). Nos sentamos y ya tenemos la sonrisa en la cara, aunque con estas máscaras que no son de la comedia del arte, sino de la comedia del bicho sempiterno, y el actor, el cómico, el representante, nos ofrece corazón a raudales, ternura, historia, emoción, para que comamos de la cultura del teatro en el día del teatro y todos los días que vengan luego.

Somos actores y espectadores que pagamos dinero y queremos la recompensa a tanto esfuerzo. Aunque aún no haya quien entienda que el arte también es necesario para no volvernos locos en estos convulsos tiempos.

Siglo XVI y siglo XXI, ¡qué poco avanzamos en ciertos aspectos! Por eso, son necesarios estos trabajos de cómicos arriesgados y con un gran oficio en su acervo. Por favor, no dejen de verlo.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: EL PELIGRO DE LAS BUENAS COMPAÑÍAS, algo está fallando

Cita de familia. Dos hermanas bien avenidas, dos cuñados felices, aparentemente. El cuñado perfecto, el que todo lo sabe, el cuñadísimo; y el renegón, el aquejado, el de los mosqueos. Pero, eso sí, tremendamente educados, respetuosos, unidos, aunque estén resquebrajados. Uno triunfador, otro sin trabajo. Pero precisamente quien reniega es el del éxito. Algo está fallando. Todo no puede ser tan perfecto, se dice Tristán, todo no puede ser tan malo, se dice Félix, hasta en el nombre van acompasados. Y ellas, cómplices, pero transparentes, una afectada por la actitud del primero, la otra callada para no molestar al héroe del momento. De todos los buenos momentos.

Familia fantástica de iluminadas relaciones. Todos tocan el piano. Todos abren su alma al público. Todos son pacientes (y medianamente sinceros).

Javier Gomá nos pone a estas dos parejas en la tesitura de si es bueno ser bueno siempre, o nos perjudica por derecho. Personas anónimas en sus desastres, silenciosas en sus monotonías, alegres en sus progresos.

Pero que el buen humor no falte, ya sea el mal el que impere, ya sea el bien el que está primero. Sonreír ante todo. La sonrisa es signo de inteligencia, y de sentimientos. De ilusión, de nuevos comienzos. Así nos la trae el autor y, su director, Juan Carlos Rubio, siguiendo sus propias directrices, comedia dulce de luces encendidas, de humanos y no de monstruos, de palabras tiernas, de situaciones no comprometidas, de suavidad en el entorno.

Los intérpretes bien situados en el colectivo familiar. Fernando Cayo convergiendo en cierto pesimismo sin perder el humor, arrostrando el peso de quien pone el punto sobre las íes, del que no lo ve todo tan bello. Ernesto Arias, el hombre bueno, el que abre ventanas y es fraterno, el que ampara, el que no presume, el que, a la larga, es El Peligro de las Buenas Compañías, porque siempre lo ponen como ejemplo. Carmen Conesa, gritando sin alzar la voz que quiere su autonomía, su libertad, el derecho a decidir qué es lo que quiero. Y Miriam Montilla, la abnegada y melancólica mujer a la que le viene el sollozo por dentro, que no pierde la sonrisa, que a todo le pone atención sin misterios.

Pueden abrirse ciertas grietas en las relaciones, cuídense de que todo sea modélico. Pero no desconfíen de quien les quiere, porque siempre serán humanos buenos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Tras sus candidaturas a los Max, «Conquistadores» llega a Pinto y Madrid

“Conquistadores”, una co-producción de Proyecto Cultura y la Junta de Extremadura que desmitifica la conquista de América a través del teatro del absurdo ha sido seleccionada como candidata a mejor espectáculo revelación y mejor autor revelación en los Max. Tras pasar por el Teatro Villa de Móstoles el 18 de febrero, el día 26 de marzo estarán en el Teatro Francisco Rabal de Pinto y el 14 de mayo en el Centro Cultural Pilar Miró de Madrid.

Estrenado en abril de 2021 en el Gran Teatro de Cáceres, se ha representado en la Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo, el Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola o en la Feria de Artes Escénicas y Musicales de Castilla-La Mancha entre otros muchos lugares, y llegan ahora a nuestra comunidad con el apoyo de la Red de Teatros de Madrid. Tendremos oportunidad de verlo hasta en tres ocasiones durante el primer semestre del año. Tras pasar por el Teatro Villa de Móstoles el 18 de febrero, el día 26 de marzo estarán en el Teatro Francisco Rabal de Pinto y el 14 de mayo en el Centro Cultural Pilar Miró de Madrid.El punto de partida de este espectáculo son tres conquistadores extremeños anónimos que forman parte de una tripulación embarcada a América -entonces tierra desconocida-. La obra alterna las peripecias de éstos con la recreación humorística de acontecimientos históricos vividos por personajes como los Reyes Católicos, Colón, Vasco Núñez de Balboa, Malinche, Hernán Cortés, Inés Suárez, Francisco Pizarro o Pedro de Valdivia, entre otros.La obra, dicen sus responsables, se ríe de los mitos y las miserias de aquella época.Con cerca de cuarenta funciones en 10 meses, “Conquistadores” ha sido seleccionado como espectáculo ‘Recomendado’ por la Red de Teatros del País Vasco, incluido en el Circuito de Artes Escénica de la Comunidad Valenciana, y forma parte del catálogo la Red de Teatros de Andalucía.
Dirigida por Pedro Luis López Bellot a partir de un texto de J.P. Cañamero tres actores -Chema Pizarro, Amelia David y Francis J. Quirós- asumen los distintos personajes envueltos en un espacio sonoro creado por Álvaro Rodríguez Barroso.

Llega la grabación de A CHORUS LINE con Antonio Banderas

La aclamada producción de Antonio Banderas disponible ya en Craft Recordings / Concord Theatricals


El álbum incluye la canción adicional exclusiva “What I did for love” en español, cantada por Antonio Banderas, Laura Benanti (Ganadora del Premio Tony) y la compañía del Teatro del Soho CaixaBank

Craft Recordings / Concord Theatricals ha lanzado hoy el álbum de la aclamada producción española de A Chorus Line, producido por Antonio Banderas, Teatro del Soho CaixaBank y John Breglio. La primera grabación en español del icónico musical está disponible ya en CD en España y en todas las plataformas digitales de música a nivel mundial.


El álbum incluye la canción adicional exclusiva “What I Did For Love” con Laura Benanti, ganadora del Premio Tony, quien protagonizó en 2003 junto a Banderas la reposición del musical Nine que se hizo en Broadway. Benanti la interpreta junto a Antonio Banderas y la compañía del Teatro del Soho CaixaBank, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Málaga (OFM) y bajo la batuta de Arturo Díez-Boscovich, responsable de los arreglos y la orquestación de esta versión. Desde hoy está disponible un nuevo video musical con la actuación “What I Did For Love” y ya lo puedes disfrutar.


Banderas produjo y codirigió el musical con Baayork Lee e interpretó el papel de Zach en A Chorus Line, que se estrenó en el Teatro del Soho CaixaBank en Málaga, España en 2019. Ahora se está representando en el Teatro Calderón de Madrid hasta el 17 de abril y en el Teatro Tívoli de Barcelona estará desde el 23 de abril hasta el 29 de mayo. La producción fue finalista en la categoría de mejor espectáculo musical en los Premios Max de las Artes Escénicas 2020. Hablamos con Antonio Banderas en la presentación del musical en Madrid.

Banderas comentó: “Los últimos dos años nos han dado una apreciación de las artes más profunda. A Chorus Line celebra la perseverancia de los artistas y la alegría que nos brinda esta forma de arte tan querida. Estoy muy contento de que por fin podamos compartir la música de esta producción con todo el mundo. Es muy significativo tener esta oportunidad de salir con la primera grabación completamente en español de A Chorus Line y espero que todos puedan apreciarla.”


«Estamos muy contentos de presentar este maravilloso álbum de la producción de Antonio”, dijo Sean Patrick Flahaven, el Director Ejecutivo de Obras Teatrales de la empresa Concord. “Escuchar esta icónica música en español con intérpretes tan excelentes y una orquesta sustancial nos recuerda el poder que tiene el teatro musical en su capacidad de trascender barreras”.


Los intérpretes que participan en el álbum de ACL España son Antonio Banderas (y por orden alfabético) Angie Alcázar, Kristina Alonso, Albert Bolea, Anna Coll, Daniel Délyon, Alberto Escobar, Roberto Facchin, Diana Girbau, Cassandra Hlong, Aaron Cobos, Fran Moreno, Beatriz Mur, Ivo Pareja-Obregón, Pablo Puyol, Estibalitz Ruiz, Fran Del Pino, Lorena Santiago, Sarah Schielke, Miguel Ángel Belotto, Juan José Marco, Fernando Mariano, Graciela Monterde, Lucrecia Petraglia, Zuhaitz San Buenaventura, Aida Sánchez, Lucía Castro, Marcela Nava, Pol Galcerá, Luis Ochoa y Elena Rueda. La producción española de A Chorus Line incluye música de Marvin Hamlisch, letra de Edward Kleban y libreto de James Kirkwood y Nicholas Dante, cuenta con la dirección musical es de Arturo Díez-Boscovich, la traducción de la letra al español es de Roser Batalla, y la traducción del texto al español es de Ignacio García May. La orquestación es de Jonathan Tunick, Bill Byers y Hershy Kay. A Chorus Line fue concebido, originalmente dirigido y coreografiado por Michael Bennett.

El álbum ha sido producido por Antonio Banderas y Teatro del Soho CaixaBank, con producción ejecutiva de Marc Montserrat-Drukker. El montaje y la mezcla de sonido fueron realizados por David Ruiz, Daniel Pineda y Francisco Oliva, y masterizado por Oscar Zambrano.


Lista de Canciones:

  1. Espero Conseguirlo (Opening: I Hope I Get It)
  2. La Línea (The Line)
  3. Yo Lo Sé Hacer (I Can Do That)
  4. En El Ballet (At The Ballet)
  5. Cantar (Sing!)
  6. Montaje 1 (Montage Pt. 1) Hola Doce (Hello Twelve, Hello Thirteen, Hello Love)
  7. Montaje 2 (Montage Pt. 2)Nada (Nothing)
  8. Montaje 3 (Montage Pt. 3) Madre (Mother)
  9. Montaje 4 (Montage Pt. 4) Pásamela (Gimme The Ball)
  10. Baile, Diez. Look, Tres (Dance: Ten; Looks: Three)
  11. Música Y Espejos (The Music And The Mirror)
  12. One (Ensayos) (One)
  13. Lo que hice por amor (What I Did For Love)
  14. One (Saludos) (Reprise/Finale)
  15. BONUS: What I Did For Love (featuring Laura Benanti)