“Todas las noches de un día” de Alberto Conejero, ganadora del III Certamen para textos teatrales de la Asociación de Autores de Teatro

La entrega del Premio, dotado con 3.000 euros, tendrá lugar en el acto de clausura del XVI Salón internacional del libro teatral que se celebrará en Matadero Madrid del 6 al 8 de noviembre de 2015.

La Asociación de Autores de Teatro ha convocado el III Certamen para textos teatrales dirigido a los miembros de la AAT con el objetivo de estimular la labor de creación de sus asociados.

Se presentaron bajo plica un total de 53 originales y el jurado estuvo formado por Elena Cánovas (autora y directora teatral), Carmen Dólera (autora y directora teatral), Iñigo Guardamino (autor y director teatral) y Miguel Signes (autor teatral).

El jurado destacó: “La altura poética de la obra que, con un dominio ejemplar del lenguaje y de la estructura teatral, crea una atmósfera irreal y mágica, un universo cerrado que enmarca una historia conmovedora de amores imposibles e incomunicación”.

El XVI Salón Internacional del Libro Teatral se celebrará de nuevo en Matadero Madrid, del 6 al 8 de noviembre.

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Organizada por la Asociación de Autores de Teatro de España –que este año cumple 25 años-, vuelve la cita anual con el libro teatral que reúne de 30 a 50 expositores entre editoriales, librerías, asociaciones, centros de documentación y entidades culturales; los autores firmarán y presentarán sus libros; un amplio elenco de actores y directores de escena abordarán la dramatización de más de 25 obras breves de autores españoles, dirigidas a niños, jóvenes y adultos; el concurso de escritura Teatro Exprés, abierto a todo aquel que desee participar; y mesas redondas, debates, entregas de premios, encuentros de autores con traductores… Se estima, según cifras de pasadas convocatorias, que en total visitarán el Salón, con entrada libre durante sus tres días de duración, unas 7.000 personas. Toda una fiesta del libro teatral. Porque el teatro también se lee.

Biografía del premiado

Alberto Conejero (Jaén, 1978) es licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y doctor por la Universidad Complutense de Madrid.

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Es autor de los siguientes textos dramáticos: Todas las noches de un día, ganador del III Certamen de Textos Teatrales de la AAT; La piedra oscura, estrenado en el Teatro Solís de Montevideo, en el Centro Dramático Nacional de Madrid, en el Teatro de Arte de Moscú y en el II Festival de Teatro Español de Londres, Premio Ceres al Mejor Autor 2015 y publicado por Ediciones Antígona; La extraña muerte de una cupletista contada por su perro, publicado en II Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación Autor; Cliff (acantilado), ganador del IV Certamen LAM 2010, publicado por Fundación Autor y estrenado en Buenos Aires y en Madrid; Ushuaia, Premio Ricardo López de Aranda 2013, publicado por la Asociación de Directores de Escena; Húngaros, seleccionado para el XI Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea de Chile 2011, Premio Nacional de Teatro Universitario 2000 y publicado en Primer Acto.

Asimismo es autor de diversas traducciones y dramaturgias: Retablo de peregrinos para Las huellas de la Barraca 2010; El premio del bien hablar de Lope de Vega, La barca del infierno de Gil Vicente; El banquete (Fringe 2013); El examen de los ingenios de Juan de Huarte (Festival Almagro Off 2013) y La mujer del monstruo (Frinje 2015). Y de los libretos de los espectáculos musicales Versa est estrenado en la Catedral de Ávila en 2011 y La chica del XVII o el corral de los cuplés para el Corral de Comedias de Alcalá de Henares en 2011.

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El minuto de Luis Bermejo

Si queréis tener una experiencia teatral única sólo os puedo recomendar que corráis a la Sala Pequeña del Español. Sobran los adjetivos, los calificativos a un espectáculo soberbio, kamikaze y con un halo poético que sobrecoge. Un texto de José Ramón Fernández, pulido por Fernando Soto​ para conseguir un trabajo de Luis Bermejo que estremece, ¿Sabes esa sensación mágica cuando dejas de ver al actor y ves al personaje descarnado en escena? Poco más o menos es lo que ocurre en El Minuto del Payaso. En este minuto en que tiene que demostrar nuestro protagonista que es capaz de hacer un número que la audiencia de un late show pueda ver una y otra vez, Bermejo despliega todo su arco emocional en un trabajo medido al detalle, aunque siempre pueden irse en mitad de la función unas ancianas con mucho calor y acompañarlas hasta la puerta con sumo desparpajo… Cosas del directo… y de las envidiables tablas de este actor-payaso de excepción. Y tras hacernos reír en plan destroyer, este payaso que echa todas las culpas de sus males a Miliki, nos deja clavados en la butaca en esta nueva producción del Teatro del Zurdo. Una sola cosa más para acabar: Papapancho. Y no, no me he vuelto loco, sólo me he dejado llevar por El minuto del payaso.

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“Los Caciques” encabeza los estrenos teatrales de octubre

El estreno de Los Caciques de Carlos Arniches es el plato fuerte de una cartelera a la que volverá Famélica. Delirare, El Principito y Constelaciones completan el menú para el mes que viene.

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Un momento de los ensayos de “Los Caciques”.

Estrenos

Delirare (Del 1 al 4 de octubre en el Teatro Galileo)

DELIRARE sucede en la cubierta de un transatlántico del Crucero Antillas y Caribe Sur , que como destino final tiene la pequeña isla Curaçao, situada en la costa occidental de Venezuela. Delirare es el nombre de buque que surca este océano inmenso. Sobre esa cubierta, cada noche, aparecen y desaparecen como por arte de magia pasajeros y miembros de la tripulación que velan el sueño de sus clientes.

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Famélica (A partir del 8 de octubre en el Teatro Lara)

Si tu trabajo no te apasiona,si tu trabajo no coincide con tu pasión, si tu trabajo te parece desagradable pero inútil, un gesto, una mirada, una palabra pueden en cualquier momento traicionarte (Juan Mayorga)
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            Los Caciques (Del 9 de octubre al 22 de noviembre en el Teatro María Guerrero)
Érase una vez, en una ciudad de España, un partido político y su alcalde llevan más de treinta y cuatro años ejerciendo el caciquismo y la corrupción. Se les notifica la llegada de un inspector del gobierno, que debe analizar sus cuentas. El alcalde siguiendo su tendencia natural, se propone comprar la voluntad del inspector con todo tipo de agasajos, homenajes, regalos y dinero. Sin embargo, aparecen en la ciudad un sobrino y su tío, con intención de solicitar la mano de la sobrina del alcalde. Éstos son confundidos por el inspector del gobierno, provocando todo tipo de divertidos malentendidos.
Marisol Ayuso y Fernando Conde lideran el reparto coral de
Marisol Ayuso y Fernando Conde lideran el reparto coral de “Los Caciques”.

Continúan en cartel

San Bernardo (Domingos en el Teatro del Arte)

Todo se prepara para la cena de prejubilación forzosa por privatización de Andrés como conductor del metropolitano, el padre de una familia de clase media española. La Selección Española de Fútbol se enfrenta a Holanda en el primer partido del Mundial de Brasil. Mara, la madre, utiliza de nuevo sus dotes culinarias como amalgama de una hipócrita vida familiar de arraigada tradición católica. El regreso al hogar de Bobby, el hijo pequeño, desata las pasiones familiares. Solo queda la estación de San Bernardo como imagen para unos recuerdos y unas ilusiones no realizadas.

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Constelaciones (De jueves a domingo en los Teatros Luchana)

Una tarde cualquiera. Marianne y Roland se encuentran en una barbacoa. Ella es física cuántica, él, apicultor urbano. A partir de ese instante las posibilidades serán infinitas. El libre albedrío, la amistad, la teoría del multiverso cuántico, el amor y la miel se unirán para crear infinitos universos y descubrir el secreto de la inmortalidad. En el amor las posibilidades son infinitas, imagina lanzar un dado seis mil veces  en los Luchana.

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El Principito (Sábados a las 16:30h en el Teatro Cofidis Alcázar)

Un espectáculo creado por el reconocido bailarín y coreógrafo internacional José Tirado, con un elenco de altísimo nivel, adaptado al lenguaje y sensibilidad de los niños a partir de 4 años  y dotado de una forma teatral que se integra plenamente en la coreografía revelando la historia del Principito con todos los mecanismos escénicos disponibles: teatro, danza, canto y audiovisuales.

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Abierto calendario de prensa

Desdemibutacacom@gmail.com

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El 8 de octubre vuelve “Famélica” de Juan Mayorga al Teatro Lara

La obra se podrá disfrutar los días 8, 15, 22 y 29 de octubre, 12 y 19 de noviembre en el Teatro Lara

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Si tu trabajo no te apasiona, si tu trabajo no coincide con tu pasión, si tu trabajo te parece desagradable pero inútil, un gesto, una mirada, una palabra pueden en cualquier momento traicionarte. Si así fuese, en cualquier momento podrías ser convocado a cierto proyecto cuyo nombre no puedo por ahora desvelar. El nombre quizá te parezca inadecuado, pero ¿qué importa cómo se llame si por fin vas a ser feliz allí, ¡en tu puesto de trabajo!? Mientras tanto, mientras llega el momento de que seas convocado, te invito a ver “Famélica”. He escrito esta obra para la compañía La Cantera, en diálogo permanente con Jorge Sánchez y sus estupendos actores, quienes han ido levantando teatro a partir de esbozos garabateados en el reverso de cuadernos contables, a partir de borradores llenos de tachones que pergeñé en horas de melancolía en medio de la euforia de los mercados, a partir de esquemas cuya famélica base es una vaga intuición acerca de lo que temes y deseas y ocultas. Acerca de lo que temes y deseas y ocultas cada mañana cuando ves ante ti las puertas del edificio corporativo.

Juan Mayorga

ABIERTO CALENDARIO DE PRENSA

Carlos Rivera Díaz
Desdemibutacacom@gmail.com

La Firma Invitada: Peris Romano, el hombre detrás del éxito de “Los Miércoles No Existen”

Creo que la intrahistoria y el proceso de trabajo que hay detrás de Los miércoles no existen ha sido muy poco convencional, y si llego a saber todo lo que iba a ocurrir en estos 3 años, hubiera ido acompañado de una cámara de manera permanente. Tendría un documental de lo más interesante, un viaje humano y profesional, culminado ahora con el estreno de la película y el arranque de la quinta temporada sobre las tablas.

Trataré de contar la versión corta de la historia, a ver si me sale.

A mediados de 2012, en plena crisis, termino de escribir el guión de la que esperaba fuera mi segunda película. En ese momento el sector está descolocado, todo es incertidumbre y las perspectivas no son buenas. No es que no se produzca cine, pero se hace con cuentagotas. Sólo algunos privilegiados levantaban sus proyectos. Si yo quería ser uno de ellos, tenía que encontrar la manera de llamar la atención.

En pleno boom teatral, con el nacimiento de nuevos espacios y un público receptivo a nuevas propuestas, me surge la posibilidad de adaptar mi guión a un escenario. Era la primera vez que hacía teatro, así que con respeto, pero sin miedo, me lance. En esos momentos era la mejor manera de enseñar mi historia. Trataría de hacer “en directo” la película que tenía en la cabeza. Pensé que así, tras leer mi guión, el posible productor podría visualizarla y diferenciarla (o no) del resto de propuestas que le llegaban.

Os ahorraré el proceso, pero el resultado o lo que me salió de un “ya que me pongo” fue: dos repartos en días alternos de jueves a domingo, 12 actores, 2 músicos, un mismo texto y dos maneras de interpretarlo. El tono de uno de los repartos seria más Indie, intimista, tipo Sundance. El otro comercial, a por la comedia taquillera. Ah sí, y música en directo. Y ya que nos ponemos que canten los actores. Bailar no mucho, que siempre queda mal.

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Es decir, podías ver un mismo guión, interpretado de dos maneras muy diferentes, pero que funcionaban y tenían sentido. Nadie se imitaba, todos hacían una versión de su personaje. Incluso el repertorio de los músicos cambiaba dependiendo de si actuaba con un reparto u otro. Podías ver la versión “Indie” con música comercial y la versión “taquillera” con Indie-pop, y en cuanto cambiaba un actor todo era nuevo, diferente, pero con el mismo resultado satisfactorio. A estas alturas ha habido múltiples versiones y todas han sido únicas.

En fin, me salto los pormenores de lo que supuso para todos aquello en ensayos, logística, tiempo, desgaste y voy directo al balance de lo que teníamos antes del estreno: propuesta arriesgada, 6 únicas semanas en una pequeña sala fuera de circuito y recién inagurada (la desaparecida El Sol de York). Actores conocidos, otros menos y sin contar familia y amigos, las redes sociales como única plataforma de lanzamiento… ¿Quién coño va a venir a vernos? Como algunos espectadores decían, ¡era una puta Gynkana!

Pero el milagro ocurrió.

Arrancamos un 21 de marzo de 2013, y desde el primer fin de semana nos vimos superados. De las 170 localidades que tenía la sala, agotamos todas casi a diario durante las primeras 6 semanas. Y fue a más. El boca a boca crecía y ampliamos nuestra estancia hasta un total de 13 semanas, lo que nos puso en el mapa y dimos el salto al circuito comercial. Al Teatro Lara, nada menos. Donde seguimos creciendo.

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El resto, dejando a un lado los momentos malos y bajonas habituales, también os lo podéis imaginar.

Desde entonces han sido 5 temporadas en Madrid, hemos visitado más de 20 ciudades y han visto la función cerca de 90.000 espectadores.

Los miércoles no existen ha sido un “work in progress” increíble. Ha sido un trabajo vivo y en continua evolución. No es habitual tener la oportunidad de corregir o pulir un texto tanto viendo los avances función a función; o tener a más de 20 actores exprimiendo las historias y los personajes, aportando su impronta y además poder elegir lo mejor de todos ellos; o probar semana a semana lo que has trabajado con el público que te “señala” donde aciertas o fallas, donde se divierte, se aburre o se emociona.

Todo nos superó tanto, que nunca llamé a un productor para que fuera a ver la función. Al final vinieron ellos y aquí estoy, hablando de la película. ¡Quien me lo iba a decir!

Mirando atrás y tratando de analizar lo sucedido lo más objetivamente posible (si eso puede ser), creo que el éxito de Los miércoles no existen se debe a la conexión con lo que contamos y cómo lo contamos. Le hablamos de tú a tú al público. Todo lo que le sucede a los personajes en el escenario es verdad y el espectador de manera inevitable acaba empatizando, conectando e identificándose.

En los tiempos que corren la gente necesita golpes de realidad desde un punto de vista optimista a la vez que realista. Sí, hay drama, pero también mucha comedia. Es una manera diferente de contar la vida. O la menos, mi manera, la nuestra, la de los miércoles…

Creo que la adaptación al cine no solo cuenta una historia, si no que además reúne y refleja en la pantalla lo que ha sido toda esta experiencia. Es el resultado del trabajo de mucha gente y, estaré agradecido eternamente a todos los que empezaron esto conmigo.

Gorka Otxoa, Irene Anula, Luís Callejo, Daniel Guzmán, Javier Rey, William Miller, Mónica Regueiro, Maite Pérez Astorga, Armando del Río, Ester Rodríguez, Alberto Matesanz, Bárbara Grandío, Eva Ugarte, Marta Solaz, Diana Palazón y Dani Muriel.

Gracias a todos ellos y muchos más, los miércoles existirán para siempre.

Junto a María León en la adaptación cinematográfica.
Junto a María León en la adaptación cinematográfica.

“Los Caciques” según Ángel Fernández Montesinos

Entre la colección de sainetes, farsas y comedias creadas por Don Carlos Arniches, (Alicante, 11 de octubre de 1866- Madrid 16 abril de 1943) siempre me interesaron, entre toda su producción, dos títulos que alcanzaron centenares de representaciones en su época y que contienen una profunda crítica social: La señorita de Trevélez y Los Caciques, esta última, estrenada en el Teatro de la comedia de Madrid en 1920.

¿Porqué vuelven ahora a los escenarios Los Caciques? La respuesta es bien sencilla, por su rabiosa actualidad. En la misma raíz de la obra, en su temática reside su actualización. Es una comedia de enredo pero con una soterrada crítica social y política, donde se demuestra, una vez más, que el humor es un poderoso instrumento para combatir los defectos de una sociedad. Cuando escribe Carlos Arniches la comedia, en su reparto figuraban 23 personajes. En aquellos años los dueños de los teatros, que a la vez eran empresarios de compañía, solicitaban a los autores obras destinadas para las compañías numerosas llamadas: Compañía Titular. Eran otros tiempos…. Yo, años más tarde tuve el privilegio de dirigir en el 2001, una versión tradicional de esta comedia, subrayada con los trajes y escenografía de Antonio Mingote.

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Pero los tiempos cambian. ¿Cómo hacer que Los Caciques puedan volver a la escena, con su humor, sus personajes y su sátira feroz? Escribiendo una nueva versión respetando el espíritu del autor, conservando los mejores diálogos, sus principales personajes y eliminando otros pero no sus parlamentos. Siguiendo, en fin, su trama, siendo totalmente fieles a la obra de Arniches para demostrar, una vez más, que el humor es un instrumento tan válido como otros para elaborar una profunda crítica social desde el escenario.

Imaginen una ciudad de España, una cualquiera, en la que un Ayuntamiento administra el dinero de los contribuyentes de una manera digamos “ligera” y evidentemente “corrupta” y sigamos imaginando que un buen día, anuncian la llegada de un Inspector enviado por el Gobierno para revisar las cuentas… Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia…

Los caciques divierten dejando una reflexión, como dice el protagonista al final de la obra: “Los españoles no seremos felices, hasta que no acabemos de una vez para siempre con Los Caciques.”

La Firma Invitada: Javier de Dios López

Si el talento es un don y las aptitudes se educan, la técnica se aprende. Y al hacerlo potenciamos el talento y mejoramos nuestras aptitudes.

El curso pasado, en su primera sesión, presenté el Máster en Escritura Dramática a los alumnos como un espacio de creación en el que íbamos a poner sobre la mesa todos los recursos, todas las herramientas que conforman la técnica de la escritura teatral. ¿Con qué fin? Con el fin de conocerlas, ejercitarlas en la práctica y valorarlas a la hora de elegir las más propicias para contar la historia que necesitamos escribir.

Porque de eso se trata, de escribir teatro, de plasmar en forma dramática lo que vive en nuestra imaginación y necesitamos contar.

Las guías de nuestro viaje serían los grandes textos y dramaturgias de la Historia del Teatro, y nos acompañarían la valiosa orientación de especialistas universitarios y el magisterio de un impresionante equipo de autores y autoras en activo que conducirían a los alumnos por los caminos de la creación, de tú a tú, trabajando mano a mano las ideas que surgieran tanto en clase como fuera de ella para ir dando forma al proyecto de cada uno, a la obra personal y única.

Estamos a punto de iniciar la II edición del Máster en Escritura Dramática que comienza en octubre y lo hacemos con esos mismos planteamientos. Organizado desde la Asociación de Autores de Teatro de España y la Universidad de Alcalá, con la colaboración inestimable de Fundación SGAE, el Máster vuelve a contar con un gran equipo que, junto al hecho de ser el único máster dedicado exclusivamente a la escritura teatral, hacen de él una propuesta única. A falta de confirmar algunas participaciones, los alumnos del curso 2015-16 tendrán como profesores a (por orden alfabético) José Luis Alonso de Santos, Jesús Campos, Alberto de Casso, Alberto Conejero, Maxi de Diego, Blanca Doménech, Yolanda Dorado, Juana Escabias, Julio Escalada, Eduardo Galán, Guillermo Heras, Juan Pablo Heras, Fernando J. López, Santiago Martín Bermúdez, Ignacio del Moral, Berta Muñoz, Antonio Onetti, Yolanda Pallín, Ignacio Pajón, Manuel Pérez, Julián Quintanilla, Mar Rebollo, Laila Ripoll, Juan Carlos Rubio, Susana Sánchez, Pedro Víllora y quien firma estas palabras. Como coordinador del Máster, para todos ellos no tengo sino agradecimiento por su generosidad y entrega a este proyecto tan especial.

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Allá vamos un curso más. Como novedad, este curso añadimos a la modalidad presencial la posibilidad de cursar el Máster online. Invitamos a subir a bordo a todo aquel que, de un modo u otro, ame la palabra sobre el escenario y quiera hacer de ella el medio de expresión de su imaginación.

(Información completa sobre el Máster en Escritura Dramática en www.aat.es, el plazo de preinscripción se acaba de ampliar hasta el 25 de septiembre)