Las reseñas de Alberto Morate: MARÍA CALLAS. SFOGATO.

Alberto Morate se acercó anoche al Teatro Infanta Isabel al estreno de María Callas. Sfogato que hasta el domingo 31 de julio llenará de magia el escenario de este emblemático espacio escénico. Su reseña del espectáculo de SingUS Music lleva por título La Divina.

Hay gente predestinada a triunfar, incluso fracasando. Gente con un halo artístico tan poderoso que encandilará a las masas, lo que les llevará a tener también grandes pasiones, grandes amores, grandes éxitos, estrepitosos abucheos y desprecios. Nadie se puede abstraer al magnetismo de esos personajes.

María Callas fue La Divina. Despertó esas pasiones, iluminó esos corazones y destrozó otros, pero en contrapartida también se lo destrozaron a ella.

En María Callas, Sfogato de Pedro Víllora, el autor sitúa a la cantante en su última reclusión voluntaria, o forzada por las circunstancias, en su casa, con su ama de llaves, Bruna (Anabel Maurín) donde nos trae su vida en palabras, en recuerdos, en la gente que la espera fuera, en los dolores de sus amores, en los loores de sus triunfos, en un tiempo que se acaba pero que revive como María (Mabel del Pozo) y hace regresar a la Callas (Eva Marco) en una vuelta a los escenarios pero también a la intimidad de su soledad y de su corazón, por más que haya sido la fuerza pasional de luces, miserias, sombras y abundancias.

El director, Alberto Frías, trata con delicadeza el ambiente y los personajes, una habitación donde el esfuerzo, las dudas, el pasado,… es todo frágil, empaquetado, como para que no se deteriore lo que hay en su interior. Y en ese interior está ella, María Callas, partida en dos, como un viejo mueble antiguo de gran valor. Solo es capaz de recomponerla Bruna, su fiel asistenta que la oye gritar por dentro, pero la oye cantar por fuera, que procurará que no se desvanezca como humo y se disipe en el aire, aunque no pueda hacer nada por evitarlo, finalmente.

Con un texto justo y evocador de sus peripecias, pero emocional y sentido, las actrices y la cantante (Eva Marco) muestran su belleza interpretativa, mientras suena un piano que es como una brisa (Natalia Belenova) y los recuerdos de la diva, se nos hacen nuestros y se nos acercan.

La palabra llama al fuego de la pasión de una vida. Se condensa la voz divina en un escenario evocador de vitalidad ya apagada. Y canta. Y grita. Y susurra, y se confiesa, y no deja de soñar, hasta el último sueño definitivo, donde el público, puesto en pie, aplaudirá con energía este regalo como en los mejores tiempos de María Callas, soprano sfogato, La Divina.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Cuando Santander se convirtió en la capital de la escena nacional

«Santiago Ontañón era un hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores a los que él fiel a su modestia llama amistad»

Fernando Fernán Gómez

Este año la Academia de las Artes Escénicas de España ha encontrado un gran aliado en Cantabria. El apoyo incondicional por parte de la vicepresidencia del Gobierno con Pablo Zuloaga a la cabeza, ha hecho que esta cuarta edición de su tradicional escuela de verano haya sido un verdadero éxito. Los alumnos encantados con las actividades y las vivencias vividas en la ‘tierruca’ y los organizadores, felices por lo que ha dado de sí esta experiencia que ha tenido a la figura de Santiago Ontañón como eje central de la misma.

Lluís Pascual y Santiago Ontañón, protagonistas matinales en la primera jornada. El lunes comenzó en la Filmoteca de Cantabria esta Escuela de Verano con dos grandes protagonistas. La inauguración oficial contó con representación de las instituciones participantes como Gema Agudo del Gobierno de Cantabria y el vicerrector de la Universidad de Cantabria, Tomás Mantecón. El acto terminaría en primer lugar con la intervención telemática de Cayetana Guillén-Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, que quiso «dar la bienvenida a todos los que habéis parado vuestras vidas para estar aquí».

Por su parte, César Oliva, vicepresidente segundo de la Academia de las Artes Escénicas, quiso «agradecer a Carlos Troyano su desvelo para conseguir el nivel que entre todos hemos conseguido». Además quiso acabar con «la herencia de teatro comprometido de Ontañón para el que no he encontrado un mejor retrato que el que le hizo Fernando Fernán Gómez».

A continuación, Lluís Pascual fue el primer protagonista en una deliciosa conversación con Anabel Díez, que estos días ultima los preparativos de las emblemáticas Guerras Cántabras de Los Corrales de Buelna (Cantabria). Durante la charla, el director de escena comentó que lo imprescindible es que «el actor no puede prescindir de su pasado. Seguramente ninguno haya visto a José Bódalo haciendo el Don Juan de Montenegro. Eso no se olvida y cuando lo ves dices se puedo llegar hasta aquí y te planteas hasta dónde puedes llegar». Con respecto a Lorca, eje central de la conversación, destacó que «lo he hecho en muchos sitios del mundo y su bálsamo va llegando y eso que se pierde mucho con la traducción, pero es como con Shakespeare que hay tanto que algo queda».

Santiago Ontañón fue el protagonista absoluto en esa primera jornada matinal. El eje central de esta Escuela de Verano centró la ponencia de Esther López Sobrado que dio paso a un interesante coloquio entre Javier Huerta, César Oliva y Patricia Cerca. Uno de los aspectos dentro de la prolífica carrera de Ontañón que tiene más relieve es cómo consiguió que Margarita Xirgu volviese a los escenarios de su mano. Entre las imágenes más curiosas que pudimos ver en esta intensa jornada protagonizada por el que fuera uno de los escenógrafos de La Barraca está sin duda cuando se subió al escenario para interpretar Amor de Don Perlimplín con Belisa en su Jardín de Federico García Lorca.

Sin duda fue una velada muy especial para un espectador que acudió a la cita. Se trata del periodista y productor Fernando de Luis Orueta, familiar de Ontañón, que no dudó un momento en acudir para recordar al tío abuelo de su padre. A la salida de la charla compartió su satisfacción con el equipo de la Escuela de Verano y con sus seguidores en Twitter. La jornada matinal de esta Escuela de Verano fue retransmitida en streaming y se puede recuperar en la cuenta de Youtube de la Academia de las Artes Escénicas de España.

Por la tarde, fue el turno de los talleres de Borja Ortiz de Gondra y de Pepe Viyuela en sendos espacios de la Filmoteca de Cantabria que tuvieron una segunda parte en la tarde del martes. Por momentos, fue inevitable dejarse contagiar por la cascada de risas que se escuchaban procedentes del taller de clown de Pepe Viyuela que les hizo por unas horas despojarse de prejuicios para sacar ese niño interior que lleva todo payaso en su interior. Como cierre de esta intensa primera jornada se pudo disfrutar de El retablillo de don Cristobal bajo la mirada de NAO D’AMORES en un espacio muy especial. Se trata de la sala de talleres del Palacio de Festivales, cuyo responsable de programación, Carlos Troyano, ha sido uno de los impulsores de que esta Escuela de Verano haya sido un éxito en Santander.

Borja Ortiz de Gondra planteó un interesante taller sobre autoficción. Foto de Antonio Castro.
Pepe Viyuela durante la primera jornada del taller de clown bajo el objetivo de Antonio Castro

Aún con el buen sabor de boca de la noche anterior con su Retablillo de Don Cristobal, Ana Zamora impartió una ponencia sobre el mismo para comenzar la intensa segunda jornada que tuvo a los jóvenes creadores como protagonistas. En la sesión titulada EL FUTURO QUE VIENE pudimos disfrutar del talento de María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea y Joan Yago que dieron su visión del teatro y leyeron algunos de sus textos bajo la atenta mirada de Carmen Márquez, moderadora del apasionante encuentro que podéis encontrar en la grabación de esta segunda jornada. Completarían el día los talleres de Pepe Viyuela y Borja Ortiz de Gondra y la proyección en la Sala Pereda del Palacio de Festivales de Cantabria del documental de la Academia dedicado a Lola Herrera. Por cierto, otro de los protagonistas de la Escuela, Lluís Pascual, también cuenta con documental de la Academia.

Uno de los momentos del taller de Pepe Viyuela bajo el objetivo de Antonio Castro

Antonio Najarro llenó de ‘duende’ la Filmoteca de Cantabria desde primera hora de la mañana en la jornada del miércoles. Cayetana Guillén Cuervo se incorporó a la Escuela de Verano para presentar una de las sesiones más especiales de estos intensos días. Quiso presentar a este referente de la danza que desde la Academia de las Artes Escénicas de España «siempre está ahí». Najarro hizo una pequeña introducción antes de poner en movimiento a un alumnado al que se incorporó también Pepe Viyuela.

Encuentros mágicos bajo la atenta mirada de Antonio Castro

Queda testimonio de esa sesión a través de la grabación que podéis disfrutar en el Youtube de la Academia, al igual que la interesante sesión de teatro social de Xamfrá que se cerró con una charla moderada por Pilar Jódar. Ya por la tarde, los alumnos pudieron disfrutar de los talleres impartidos por Laila Ripoll y Jordi Forcadas que finalizarían en la siguiente jornada.

A última hora de la tarde, la Escuela de Verano recibió la visita del vicepresidente y consejero de Universidades, Igualdad, Cultura y Deporte de Cantabria, Pablo Zuloaga, que valoró positivamente el desarrollo de la cuarta edición de la Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas de España que ha tenido lugar desde este lunes hasta el jueves en el Palacio de Festivales de Cantabria y en la Filmoteca Mario Camus. Zuloaga además ha compartido en sus redes sociales la satisfacción por esta primera colaboración con la Academia de las Artes Escénicas que todo apunta a que se extenderá en el tiempo. Le acompañaron en el acto Gema Agudo, Carlos Troyano y parte de la Junta Directiva de la Academia encabezada por Cayetana Guillén Cuervo, César Oliva y Eduardo Vasco, director de la Escuela de Verano de este año.

Fotografía cedida por el Gobierno de Cantabria

Como colofón tras esta sesión en la que las publicaciones de la Academia estuvieron presentes como ese En dos trazos de César Oliva en el que una persona se reconoció entre los dibujos con mucha ilusión, tuvimos una visita muy especial por Santander en un autobús turístico que se llenó de risas y buen rollo a lo largo del trayecto.

Fotografías de Antonio Castro de algunos de los momentos de la tercera jornada

Helena Pimenta abrió la jornada final. Después de tres días de intensas vivencias, tocó el turno de cerrar esta interesante IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España. La directora de escena quiso en su apasionante charla compartir su experiencia con las obras de Shakespeare que sirvió para desmentir tópicos como que «la mujer de Shakespeare era una víctima» como se puede comprobar en la grabación de la jornada. Completaría la jornada matinal dos interesantes sesiones sobre los artistas racializados en las artes escénicas. Tras la ponencia de Yeison García López, Cayetana Guillén Cuervo moderó un interesante encuentro entre Ayoub El Hilali, Silvia Albert Sopale y Abdelatif Hwidar. La presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España quiso destacar «que en la Academia abrimos una puerta para que los profesionales racionalizados pudiesen trabajar desde dentro». Guillén Cuervo admite que empezó a ser especialmente sensible al tema a lo largo de las funciones de Puertas abiertas con Ayoub El Hilali, con el que se ha «hermanado». El final de la jornada matinal estuvo marcado por la entrega de diplomas a los entusiasmados alumnos. Toda esta jornada matinal también está recogida en la grabación.

Ya por la tarde, Jordi Forcadas y Laila Ripoll impartieron la sesión de final de sus talleres antes del cierre de lujo de la Escuela. La compañía cántabra La Machina volvió al origen de esta Escuela de 2022, la figura de Santiago Ontañón. Así sobre el escenario de la Sala de Talleres del Palacio de Festivales de Cantabria se pudo disfrutar de la lectura dramatizada de la obra El saboteador dirigida por Francisco Valcarce que nos permitió ver en la tierruca a intérpretes como Agus Ruiz, cántabro habitual en los montajes de directores como Paco Azorín y muy pronto junto a Darío Facal. Al final, una cálida ovación que podríamos hacer extensible a todo el equipo de gestión de la Academia que está detrás de los focos y que con la Escuela ha convertido a Santander en la capital de la escena por una semana. Por supuesto no queremos olvidar a todos los medios como LA RAZÓN, TVE, RNE, EL DIARIO MONTAÑÉS, ONDA CERO, CADENA SER, COPE y un largo etcétera que han dado cobertura a esta campaña de comunicación especial de DESDE MI BUTACA COMUNICA.

Borja Ortiz de Gondra: «El teatro nos hace conectar directamente con el corazón del público»

A solo unas horas de que levante el telón la IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que comunicaremos en Santander charlamos con uno de sus destacados participantes. El académico Borja Ortiz de Gondra impartirá un taller muy especial y aprovechará su estancia en Santander para presentar libro en Gil. Esta Escuela de verano tan especial llega en colaboración con el Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Siéntense en sus butacas y disfrutan de la autoficción de la familia Gondra.

¿Con qué expectativas te enfrentas a esta Escuela de verano de la Academia?

B.O.D.G: Me enfrento con muchas ganas de ver cuáles son los intereses de las personas que se han apuntado. No son gente que estudian en discursos regulares. Por eso me interesa mucho saber que es lo que les puede interesar de lo que yo les pueda aportar. Es importante también salir del contexto más académico para hacer un taller más participativo. Quiero que podamos intercambiar experiencias y sobre todo comunicarles lo que yo vengo haciendo en los últimos años que es la autoficción.

¿Cómo se va a desarrollar el taller Yo es otro: autoficción y teatro?

B.O.D.G: La idea es hacer una taller adaptado a los alumnos. Como tengo alumnos que son actores, directores o dramaturgos, planteo el taller para que les sea útil a todos ellos. Quiero compartir con ellos una serie de técnicas a las que me he tenido que enfrentar tanto como autor como en la faceta de actor. Pretendo dar herramientas para que en puedan usarlas en su propia autoficción en su campo. También impartiré algo de teoría sobre todos las de Sergio Blanco. Él es quien más y mejor ha teorizado sobre ello.

Dicen que la unión hace la fuerza, ¿Qué crees que aporta al colectivo de las artes escénicas que exista la academia e iniciativas como la Escuela de verano?

B.O.D.G: Es un foro y un lugar donde miembros de diferentes profesiones podemos encontrarnos, reunirnos y debatir. Creo que ha sido muy importante esta unión de la diversidad. Hasta ahora cada uno pertenecíamos a un colegio profesional y además estaba muy separado el teatro de la danza y la música. Esta idea de que podamos compartir espacios hace que presentemos un frente unido. Sobre todo que demos de cara a la sociedad una imagen de algo que es muy importante que es la cultura de este país. Creo que las artes escénicas son uno de los componentes fundamentales de la cultura, que es uno de los integrantes de la marca España.

B.O.D.G: Con respecto a la Escuela de Verano me parece una iniciativa perfecta para dos tipos de público. Por un lado, para personas que no son necesariamente profesionales, pero muy interesados en las artes escénicas. Es una manera de que los profesionales nos pongamos en contacto con ellos y les devolvamos algo a la sociedad. Por otro lado, están algunos que están comenzando su carrera en la profesión y que se acerca para aprender de nosotros y compartir cuál ha sido nuestro camino y nuestra trayectoria. Es algo que yo defiendo mucho lo de pasar el testigo a las siguientes generaciones. El teatro es un camino de memoria, todos venimos de alguien que vino antes de nosotros y tenemos que pasar el testigo al que está detrás de nosotros. Por eso soy muy partidario de estas escuelas y de trabajar con la gente que está empezando.

Además presentas libro, ¿Cómo será la velada en la librería Gil con Guillermo Balbona?

B.O.D.G: Me hace especial ilusión presenta la novela Nunca serás un verdadero Gondra en Santander. La librería Gil es una de las de mayor tradición y solera de España y es una cita obligada para los escritores. Me sentaré con el periodista Guillermo Balbona para charlar sobre la novela, la autoficción y de hasta qué punto esta novela cuenta mi vida y lo que vivimos los vascos de mi generación. También se pondrá sobre la mesa el caso de toda esa gente que como yo nos fuimos por el mundo a buscar nuestra propia identidad, luchar contra esas raíces que le atenazaban. La novela cuenta la vida que llevé en Nueva York cuando trataba de desconectarme de mis orígenes. Charlaremos distendidamente y firmaré libros.

Por último, aquí y ahora ¿Por qué el teatro sigue siendo un gran lugar para contar historias para Borja Ortiz de Gondra?

B.O.D.G: En este punto de mi vida hay historias que nacen para el teatro y otras para la narrativa. El teatro tiene una inmediatez que nos hace conectar directamente con el corazón del público. Lo he comprobado especialmente en las obras recientes, en las que he estado como actor. También exige una concentración absoluta del público, pero también una entrega. Hay algo muy grande e único para mí. Es el hecho de tener cara a cara al público y sentir su respiración, sobre todo para contar historias tan íntimas y dolorosas como las mías. Por otra parte, he sentido que ciertas cosas de los Gondra no podían caber en un escenario. Necesitaban mucho más desarrollo y por eso escribí la novela. En el libro, la aproximación al lector es otra, tiene que crearte un interés más reposado, más poco a poco, pero me he dado cuenta de que el gusto por la literatura, por ser un orfebre de las palabra, es lo que más han destacado los lectores. La novela transmite ese gusto por el lenguaje y eso solo puede ocurrirte con una lectura reposada. La novela y el teatro son complementarios y yo voy a seguir escribiendo historias seguramente de los Gondra y optaré por uno u otro género en función de lo que necesite contar.

César Oliva: «Santiago Ontañón realzó el sentido social del teatro»

Este año, como ya os avanzamos, la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas tendrá lugar del 18 al 21 de julio en Santander de la mano del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Hablamos con el director de escena César Oliva, vicepresidente segundo de la Academia, sobre este evento que convertirá a la capital cántabra en el centro de las artes escénicas de nuestro país durante una semana con la figura del cántabro Santiago Ontañón como eje central. Además, se podrá ver en todo el mundo ya que se retransmitirá en streaming en el Canal de Youtube de la Academia.

¿Cómo afronta la Escuela de Verano 2022?

César Oliva: Con la ilusión de ser el primer curso de esta nueva Junta Directiva, lo que significa una evolución en los contenidos, de la mano del nuevo director Eduardo Vasco.

Este año se dedica la Escuela a Santiago Ontañón, ¿Cuál fue su mayor aportación a las artes escénicas?

César Oliva: Una de las aportaciones de las que más orgullosos nos sentimos es partir de Ontañon como motivador del curso. Su posición ante el teatro siempre fue de búsqueda de nuevas formas, con contenidos que realzan el sentido social del teatro.

¿Cuáles son los mayores retos a los que se enfrentan las artes escénicas tras la pandemia?

César Oliva: Buscar el sentido del teatro en una sociedad, y una profesión, tan castigada por la pandemia. El sentido y la forma que debe encontrar tras ello. Temas tan complejos merecen que nos planteemos un congreso o encuentro en el que la profesión indague y busque soluciones. Pensamos que 2023 será un buen momento para realizar ese encuentro.

Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro sigue siendo un gran lugar para contar historias para César Oliva?

César Oliva: Esa es la principal misión del teatro, contar historias, junto a que esas historias proporcionen motivos de reflexión. Los antiguos lo llamaban catarsis; hoy nos conformamos con toma de conciencia. Toma de conciencia que pueden tener el drama como género usual, pero también la comedia lo es. Por supuesto.

Marc Shaiman: «Conocer a Richard Sherman fue el mayor regalo de hacer El regreso de Mary Poppins»

Marc Shaiman se ha convertido en una referencia de la música en las últimas décadas. Sus trabajos para cine en películas como Sister Act o El Regreso de Mary Poppins han sido grandes éxitos a los que suman infinidad de colaboraciones con su gran amiga Bette Midler. Tanto o más exitosas aún han sido sus incursiones teatrales como Hairspray o Charlie y la fábrica de chocolate que llegará a España a la vuelta del verano. Por no mencionar el televisivo hit que fue Smash. Hablamos con él en esta entrevista aprovechando su reconocimiento en el MOSMA de Málaga.

Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”. Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Marc Shaiman llevó un programa de lo más apretado en sus días en Málaga. De hecho, el jueves pasado dio un inolvidable concierto de inauguración que «era solo yo (Marc) en el piano, con artistas extraordinarios cantando algunas canciones realmente espectaculares». Se refiere a Lorena Calero, María Adamuz, Albert Bolea, Sonia Villar y Gospel It Choir que para él «fueron una formación de ensueño, estoy muy agradecido». Desde luego, su paso por un festival tan importante para la visibilidad de los compositores como es el MOSMA ha sido «una forma fantástica de recordarle a la gente la importancia que tiene la música de cine en la narración de las historias, es un lenguaje que no conoce fronteras».

Málaga (España) 07/07/2022 Concierto de inauguración del Festival MOSMA “Una velada con Marc Shaiman”, en la Sala Unicaja de conciertos María Cristina. Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Hairspray y Charlie y la fábrica de chocolate, dos inolvidables títulos de su carrera en los escenarios

Si hay un título que ha marcado la carrera escénica de este inmenso compositor ese es Hairspray. El responsable de temas tan memorables como You can’t stop the beat nos comenta que tiene la «satisfacción de que al menos una cosa que hice terminó tan perfecta como uno podría desear». De hecho no puede evitar la satisfacción «de que la gente se alegre de algo que siento que representa la mejor parte de mí». La música de Shaiman ha inundado los escenarios de todo el mundo y el próximo país en hacerlo será España. Lo hará con uno de sus títulos más conocidos: Charlie y la fábrica de chocolate. Él espera que «sea una estupenda producción» y lamenta que «no haya coincidido el estreno con mi tiempo en España». Ojalá Marc se equivoque y pueda estar en septiembre en el Espacio Delicias y que os lo podamos contar DESDE MI BUTACA.

Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”. Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

«Bette Midler es la mejor artista de nuestro tiempo». Para Marc Shaiman, la protagonista de Hocus Pocus, con la que comparte una dilatada amistad desde hace 40 años tiene «un gran don para comunicar emociones». Con ella ha compartido momentos mágicos en escena como el que vivimos en los Oscar, donde interpretaron The place where lost things go, una de las joyas musicales que creó Shaiman para El regreso de Mary Poppins. Para él ese momento «fue una fantasía».

Siguiendo la estela de los Sherman Brothers

Marc Shaiman creció como niño de la generación de los 60 escuchando las melodías de los hermanos Sherman. Sus inolvidables canciones tuvieron una gran influencia en esos pequeños. De alguna forma fue consciente de ello cuando tuvo que hacerse cargo de la secuela. Fue muy «sobrecogedor» para él hacerse cargo de alguna forma de ese legado inolvidable. Es más, para Shaiman «conocer y pasar tiempo con Richard Sherman fue el mayor regalo que yo recibí trabajando en El regreso de Mary Poppins«.

Shaiman mira al futuro inmediato con esa sonrisa que con la que ha inundado de buen rollo Málaga: «Mi proyecto más inmediato es comer». Tras su arrollador paso por Málaga, donde recibió de manos de Antonio Banderas el reconocimiento del MOSMA tras un apoteósico concierto de clausura con dirección musical de Arturo Díez Boscovich, espera el estreno cinematográfico de Bros en septiembre. Además, en diciembre estrenará su musical Some Like Hot -su visión de Con faldas y a lo loco– en Broadway en el The Shubert Theatre.

Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”. Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Santander se convierte en la capital de nuestra escena con la IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas

Del 18 al 21 de julio tendrá lugar en Santander la IV edición de la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que este año llevará por título Santiago Ontañón: La escena social. La organización del curso en la capital cántabra ha sido posible gracias a la inestimable colaboración de la Vicepresidencia del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Desde mi butaca COMUNICA se encargará este año de la campaña de comunicación de la Escuela.

Un año más, la Academia de las Artes Escénicas de España plantea una actividad en su Escuela de Verano. Por cuarta vez, se produce la colaboración entre varias instituciones públicas para ofrecer un programa que une rigor, excelencia y entretenimiento, para que jóvenes de diversas comunidades participen en un proyecto de formación. Este año, Cantabria es la referencia ideal para, a partir de una personalidad tan destacada del mundo de la escena como Santiago Ontañón, considerar, junto a su condición de artista plástico de primer nivel, la actualidad de la escena social en sus formas más destacadas. Todo ello de la mano de un nutrido grupo de experimentados ponentes del sector de las artes escénicas.

En palabras de Cayetana Guillén Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, La Escuela pretenderá un año más ser correa de transmisión del conocimiento entre diferentes generaciones de académicos y artistas. Por ello, es importante señalar el papel de la cultura como «motor para el desarrollo del espíritu crítico y el cambio social». También, Guillén Cuervo ha manifestado recientemente que es muy importante que la actividad de la Academia se extiendan por todos los rincones de España como es el caso de Santander en esta Escuela. Para ella: «Estos actos los hacemos con el objetivo de la descentralización de la Academia». Guillén Cuervo participará de forma activa en la Escuela con una especial mirada en el debato acerca de «Las artes escénicas y la diversidad étnico racial» que tendrá lugar el jueves 21 de julio a las 12 de la mañana. Servirá para poner de manifiesto que «han entrado los primeros profesionales racializados en la Academia». Así, la intérprete aboga por «Un trabajo de cambio social para abordar los estigmas con los que cargan, ¿Por qué a un actor español de origen marroquí sólo se le ofrecen papeles de terrorista o camello?, Él tiene que hacer Hamlet como otro cualquiera». Desde luego, en otros países como Francia «ves actores racializados haciendo de abogados o médicos sin justificar su ascendencia». Por descontado, España «tiene que caminar hacia allí».

La IV Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas se inaugurará el 18 de julio a las 9.00 horas con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, de la Universidad de Cantabria y de la Academia de las Artes Escénicas de España. El programa incluye propuestas del 18 al 21 de julio sobre distintas disciplinas de las artes escénicas como la danza, el teatro y la interpretación como se puede comprobar en el programa que compartimos íntegro a continuación.

Cayetana Guillén Cuervo junto a Pablo Zuloaga, vicepresidente del Gobierno de Cantabria

Programa Escuela de Verano

Lunes 18 de julio

9:00H- 9:30H INAUGURACIÓN

Con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, Universidad de Cantabria y Academia de las Artes Escénicas de España.

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Lluís Pasqual (director de escena, AAEE) “Lorca, recuperado”. Presenta: Anabel Díez (directora de escena, AAEE)

11.30H-12:00H “SANTIAGO ONTAÑÓN, LA BARRACA Y EL EXILIO”. “Las pasiones de Santiago Ontañón”, por Esther López Sobrado (investigadora y biógrafa de Santiago Ontañón)

12:00h-14:00H Mesa redonda. EN TORNO A ONTAÑÓN Y LA BARRACA.

Modera: Patricia Cercas (actriz, Vicepresidenta de ACEPAE, AAEE) Con Javier Huerta (profesor, investigador) y César Oliva (profesor, AAEE).

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”.

2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”.

21:00H Representación El retablillo de don Cristóbal. Compañía NAO D’AMORES. Dir: Ana Zamora. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES

Martes 19 de julio

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Ana Zamora (directora de escena). “El retablillo de don Cristóbal, entre la tradición y la vanguardia”.

11:30H-14:00H Mesa redonda. EL FUTURO QUE VIENE. Moderador: Carmen Márquez (profesora, AAEE) participan las creadoras-es: María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea, Joan Yago.

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos y directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”

2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”

21:00H PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL Lola Herrera. Ser actriz. El despertar de una pasión. Dir: Daniel Dicenta. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES

Miércoles 20 de julio

9:30H-11:00H SESIÓN CON Antonio Najarro (coreógrafo, AAEE): “Y LA DANZA CAMBIA EL MUNDO (Interpretar/Bailar)”

11.00H-13:00H JORNADA DE TEATRO SOCIAL CON XANFRÁ. Centro de música y escena del Raval. Las artes escénicas como herramientas para la cohesión social.

TALLER DE CUERPO, PALABRA Y SONIDO.

Cristina Gámiz. Actriz y Pedagoga Teatral. Profesora de Xanfrà

Ester Bonal. Profesora de música, directora de Xanfrà

13:00h-14:00H EXPOSICIÓN Y DEBATE sobre el trabajo en XANFRÀ. Presenta: Pilar Jódar (investigadora, AAEE)

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Teatro del Oprimido. Jordi Forcadas (Forn de teatre Pa’tothom)

2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL para intérpretes, dramaturgos y directores. Laila Ripoll (autora, directora de escena, AAEE): “Teatro y memoria: el acontecimiento y su representación”

21:00H VISITA CULTURAL POR LA CIUDAD DE SANTANDER (Incluye Palacio de Festivales)

Jueves 21 de julio

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Helena Pimenta (directora de escena, AAEE): “Shakespeare: el asombro ante lo diferente “.

11.30H-12:00H ENCUENTROS. “Las artes escénicas y la diversidad étnico racial” Yeison García López (poeta, director del centro cultural ‘Espacio Afro’: Derecho de admisión.

12:00h-14:00H Mesa Redonda. Moderadora: Cayetana Guillén Cuervo (actriz, Presidenta de AAEE) Participantes: Ayoub El Hilali, Silvia Albert, Abdelatif Hwidar.

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Jordi Forcadas

2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL. Laila Ripoll

19:15H EL SABOTEADOR, DE SANTIAGO ONTAÑÓN. LECTURA DRAMATIZADA. Dir. Francisco Valcarce (director de escena, AAEE)

Algunos datos biográficos sobre Santiago Ontañón

Fotograma de El verdugo

1903. Nace en Santander.

1920. Asiste al estreno de El maleficio de la mariposa, de García Lorca. Hace mención en sus memorias de que “fue un desastre”. Inicia su amistad con el poeta granadino.

1923. Hace en París una escenografía para el ballet ruso de Boris Kaniasev.

Es un conocido ilustrador en revistas, como La Esfera, Nuevo Mundo o Revista de Occidente.

1927. De vuelta en Madrid, diseña las escenografías de las zarzuelas Las golondrinas, de Usandizaga y Martínez Sierra, y La Revoltosa, de Chapí y Fernández Shaw-López Silva.

1931. Actor en la película El embrujo de Sevilla, de Benito Perojo.

1933. Escenografía de Bodas de sangre, de García Lorca, por la compañía de Josefina Díaz.

1934. Escenografía de Usted tiene ojos de mujer fatal, de Jardiel Poncela.

En estos años hace el reestreno de El sombrero de tres picos, de Falla; el

decorado de La tierra de Alvargonzález, poema de Antonio Machado para La

Barraca; y colabora con el teatro de guiñol La Tarumba, de Miguel Prieto.

1935. Dirige la película Los Claveles.

1937. Escenografía de Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, de García Lorca, a cargo de Anfístora, grupo animado por Pura Ucelay. Además de los decorados, Ontañón interpretó el protagonista, don Perlimplín.

1938. Escenografía de Numancia, de Cervantes, versión de Alberti, y La tragedia optimista, de Vichnevski, ambas dirigidas por María Teresa León, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Participa en El Mozo Azul, en donde publica Experiencia personal. Para el

Teatro de Urgencia de las Guerrillas del Teatro escribe El saboteador, La guasa y El bulo.

1940. Exilio en Chile. Matrimonio con Nana Bell. Coincide con Margarita Xirgu, a la que acompaña en Uruguay y Argentina.

1944. Escenografía de El adefesio, de Alberti, y La dama del alba, de Casona.

Continúa sus trabajos como ilustrador.

Regresa a España en donde llegará a realizar casi un centenar de escenografías. Interviene como actor en muchas películas, como El verdugo (1963), de Berlanga; De cuerpo presente (1967), de Eceiza; Varietés (1971), de Bardem; Cinco tenedores (1979), de Fernán Gómez, etc. De este tenemos la siguiente descripción de Ontañón: “Hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores, un amor y unos amores a los que él, fiel a su modestia, llama amistad”.

1988. Publica sus memorias, con el título Unos pocos amigos verdaderos.

1989. Fallece en Madrid.

Juan Luis Iborra: «Los chicos del coro rebosa vida, emoción y música que te llega al corazón»

Desde que a finales de 2021 contáramos que llegaría al escenario de La Latina la adaptación escénica de Los chicos del coro han sido muchas las noticias sobre este proyecto que os hemos ido contando. La última fue conocer al reparto que dará vida a este musical que esperamos con mucha ilusión en DESDE MI BUTACA COMUNICA.

Hace unos días conocimos que sería Juan Luis Iborra, con el que tuvimos la suerte de coincidir cuando llevamos la prensa de Un chico de revista en gira hace unos años, el director de escena de este espectáculo tan esperado.

Hemos hablado con el también académico y miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España para que nos cuente cómo se enfrenta a este nuevo montaje tras un éxito reciente apabullante como ha sido ese maravilloso Una noche con ella:

«Mi pasión son los musicales. Que me hayan ofrecido la dirección de Los chicos del coro es un regalo inesperado. Esta profesión a veces te sorprende con proyectos maravillosos. Los chicos del coro rebosa vida , emoción y música que te llega al corazón».

Las reseñas de Alberto Morate: COMO GEISHAS POR ARROZAL

Arroz y sushi

Alguna vez oí a mi madre esa expresión, “como geisha por arrozal”, y nunca supe qué quería decir realmente. Entendía “como”, entendía “geisha”, a pesar de mi adolescencia, sabía qué era “por”, y también sabía qué era un “arrozal”. Pero me costaba unir las cuatro palabras y me quedaba sin saber qué quería decir mi madre. Nunca se lo pregunté, porque me hacía gracia la expresión.

Y, hete aquí, que hoy me encuentro que la compañía Mstalla también la utiliza para su montaje donde, efectivamente, hay geishas y el arrozal es el escenario.

Pareciera que es un texto sin pies ni cabeza pero, muy al contrario, los tiene, los pies, las cabezas, los cuerpos, el humor, el absurdo, la intriga, el desorden, la positividad y, quizás, la sensualidad, el morbo, la crítica y, también, ¿por qué no?, la fusión gastronómica entre la cocina mediterránea y la japonesa, tan de moda últimamente por los cocineros Alberto Chicote, Dabiz Muñoz, y Ricardo Sanz, por ejemplo. Arroz y sushi, en una mezcla de teatro de intriga, de varietés, de zarzuela, de comedia astracanada y de teatro No. Es decir, elegancia, belleza, misterio, humor.

Pues eso, Como geishas por arrozal, con dirección de Eduardo Solís O’connor, por lo tanto también, un fusionado irlandés o vaya usted a saber.

De lo que se trata, (pero no se preocupen, no les voy a desvelar el argumento), es de proporcionar cierta dosis de sorpresa, de pasión, de polémica, de imprecisión, de vaguedad, (no por pocas ganas de hacer las cosas, sino porque nada hay más ambiguo que unos japoneses que se pirren por el flamenco), para que unas bailaoras/espías tengan que cargarse al heredero del imperio japonés. Y no desvelo nada, que esto viene en la sinopsis del grupo.

Sonia de Rojas, Estíbaliz Juncal, Gala Gancedo, Auxi Manzano, Jade-Shekina Santana se defienden y contradicen, son geishas y poetas, actrices y flamencas, amorosas y asesinas.

Este argumento desvela poco de la trama y no quedará más remedio que acercarse a verlo, porque cuanto menos, encontraremos una puesta en escena original y confusa, pero a propósito, donde el énfasis está en cómo lo hacen y no en qué es lo que dicen.

Creo que ahora he entendido mejor a mi materna cuando decía “como geisha por arrozal”, porque me estaba diciendo: vete a ver esta obra cuando la pongan, porque será inevitable que después escribas sobre ella.

Amén.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: YOU SAY TOMATO

La profesión de cómico, de músico, de artista

¡Actuación, entre otras actividades, de una pareja musical-bailarina en las fiestas del pueblo! Pero, ¿esto qué es? ¿Dónde hemos venido a parar? ¡Tanta trayectoria, tantos buenos deseos, tantas ilusiones, y mira, en qué nos hemos convertido!

Así podrían hablar Santi y Noelia (Joan Negrié y Anna Moliner) una pareja sentimental y artística que después de más de una década siguen buscando su identidad.

Se compenetran, pero tienen sus diferentes puntos de vista. Uno, él, pesimista, ella optimista, aunque después puedan cambiar las tornas. Se han exiliado de la música. Y viven por ella. Quieren y necesitan rescatarse, sentir los aplausos, conceder entrevistas, alcanzar sus sueños. Que no son otros que los aplausos, el reconocimiento, la liberación del deseo reprimido, el éxito que otros consiguen con menos méritos.

No, esto de vivir en medio de un camino pedregoso no es para débiles. Pero también se cansa uno. Y salen a relucir las debilidades, los oscuros pensamientos, los amenazantes delirios de grandeza, la pasión por lo que se hace y la poca recompensa.

Joan Yago escribe un texto redondo, sin flecos, emocionalmente perfecto aunque esté cargado de humor, porque también tiene una gran dosis de sentimientos. Lanza un grito tímido, pero contundente, sobre la profesión de cómico, de músico, de artista. ¡Cuántos bolos, cuántas penurias, cuántos pilones en los que nos estrellamos cuando acudimos a plazas en las que ni siquiera sabemos si tendremos público! Miles de preponderantes, que si se cobra poco, tarde y mal, que si nos ceden un espacio sin unos mínimos, que si no está anunciado, que si tal, que si pascual.

Y todo eso hace cuestionarse las relaciones personales. Hacer retrospectiva y ver si ha merecido la pena y, sobre todo, las alegrías. Hay veces que no solo se trata de abandonar la zona de confort, sino de plantearse si ese confort era auténtico. El dilema, no del ser o no ser, sino si lo estamos haciendo bien.

Joan Maria Segura Bernadas lo dirige con todo el cariño del mundo porque conoce el oficio. Porque quiere sacarle brillo a una superficie mate y le saca oro a una veta profunda. Y los dos intérpretes, Joan Negrié y Anna Moliner, inmensos, compenetrados, necesitados uno de la otra y viceversa, fuertes en su debilidad, incomprendidos en la comprensión que se tienen entre ellos.

Supervivientes en este You say Tomato, “tú dices tomate”, canción de Ella Fitzgerald y que marcará el hilo conductor de estos desvelos, de estos artistas, de estos esfuerzos, que merecen su recompensa. ¡De verdad, no dejen de verlo! Aunque no sean las fiestas del pueblo.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: CASTROPONCE

Teoría y praxis para una vanguardia del siglo XXI

El teatro existe

Poética del teatro y la política, si es que existiera la poética, que nadie sabe lo que es. Más que una reseña sobre un espectáculo teatral o un monólogo interpretativo o discursivo con tonos humorísticos, filosóficos, sociales y tintes agrupativos, o corporativos, no sé, que la palabra agrupativo el procesador de texto me la subraya en rojo y puede que esté mal, pero me da lo mismo.

En España, ¿cuántos pueden acudir a ver teatro en condiciones? O incluso, en malas condiciones. Es decir, eso de que proliferan por doquier grupos de aficionados teatrales que alimentan sus egos y su necesidad de compañía creando compañías, valga la redundancia, para representar a sus convecinos, no es tan sencillo en ese territorio vaciado, en esa España olvidada hasta por los políticos en sus campañas de propagandas electorales.

Sin embargo, Pablo Rosal, con Castroponce, un municipio vallisoletano perdido de la mano de los que se fueron yendo, utiliza el lugar para ofrecernos un simposio donde se analizará la Teoría y praxis de una vanguardia del siglo XXI. Por cierto, ¿qué es el siglo XXI?

Él mismo y él solito, como no podía ser de otra manera, por el ambiente rural en el que nos hallamos, nos relata con pelos y señales todas las circunstancias de ese congreso donde las mejores versiones de la cultura nos darán su parecer y las circunstancias culturales, teatrales y políticas en las que se desenvuelven.

Es una muy interesante situación de sillas vacías que no lo están, del efecto poético que llega a un rincón del país que casi nadie habita. No obstante, el encuentro y las ponencias, por llamarlas de alguna manera, se llevan a cabo con suficiente calidad intelectual y hasta se dispone de un piano y un músico que también se expresa adecuadamente.

Por lo tanto, no hay tremendismo. A pesar de la supervivencia, hay, como ya hemos dicho, humor, realismo, teatro en sí mismo, ideas, pareceres, causas y efectos.

Lo que hace que en el plano de la política y la teatralidad, se vea claramente que hay técnicas parecidas. Con la seriedad y sistematización de apertura a un mundo que está ahí, en lo oscuro, y nunca saldrá de aquello.

Pablo Rosal nos conciencia de que todas estas ideas son ciertamente universales, y uno nunca debe dejar de renovarse en el campo cultural y artístico. Todo esto me lleva a recordar esa gran película de José Luis Cuerda, “Amanece que no es poco”, donde indefectiblemente cualquier cosa puede suceder en la España oculta.

Después de Castroponce, parece ser que el teatro existe, solo hay que saber descubrirlo.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.