El TAF de Estepona acoge mañana el estreno de LA ÚLTIMA TOURNÉ con Alaska y un gran elenco

Hace unos días el Teatro Alcázar de Madrid acogía la presentación de la gira de LA ÚLTIMA TOURNÉ de Félix Sabroso. En el elenco Manuel Bandera- que no pudo acudir por una grabación de televisión-, Alaska, Mario Vaquerizo, Cayetano Fernández, Bibiana Fernández y Marisol Muriel. Mañana levantará el telón este proyecto en el TAF de Estepona, que gestiona desde hace un tiempo SEDA, productora de este espectáculo. El productor, Lope García, quiso destacar que precisamente este espectáculo se estrene en gira en “los teatros más bonitos de España”. Para verlo en Madrid habrá que esperar hasta octubre de 2020.

Según comentó Lope García: “Félix Sabroso es un cómplice, un compañero de viaje y es el cuarto espectáculo que hacemos desde SEDA con él”. Con este montaje: “Literalmente damos la vuelta al teatro contando con el mejor equipo posible y es que tenemos el mejor reparto que cualquier productor podría soñar”. Esta obra vuelve a contar con el reparto de El amor está en el aire y El amor sigue en el aire, a los que se suman Marisol Muriel y Cayetano Fernández. La incorporación masculina del reparto quiso destacar que ha sido muy bien acogido en esta particular compañía. El protagonista de Un chico de revista interpreta a la última incorporación de la compañía. Para él, es un placer interpretar una comedia en la que le toca interpretar canción española con un reparto “que me produce risa solo verlos en escena”. Precisamente toda una institución en el campo de la Revista, el coreógrafo Luis Santamaría se ha encargado de los números musicales de una comedia que aunque no es un musical, cuenta con muchos guiños al género, como quiso resaltar el equipo.

Esta obra cuenta la historia de Norberto Pinti (Manuel Bandera), un director, autor y productor que regenta una pequeña compañía portátil de variedades que se ganan la vida por los pueblos de España en giras lustrosas y populares. Tras veinte años de éxitos viviendo en el faranduleo nómada, descubren que los géneros que tocan empiezan a desfasarse.

Comienzan los noventa y España despega económicamente y mira a Europa y al futuro. Cuando se les cae una gira de verano, Norberto decide que deben renovarse o morir, el espectáculo está cambiando, hay que hacer teatro comprometido, arte de verdad, se acabaron las Varietés, las vedettes. Es tiempo de elevarse al arte.

Cuando Norberto decide montar con elevadas intenciones, La comedia sin título de Lorca, la compañía se dispersa y seguirán a Norberto en esta nueva andadura.

Gerónimo Rauch, protagonista de EL MÉDICO, en una nueva entrega de las Entrevistas DESDE MI BUTACA

Esta es la historia de cómo un vídeo puede cambiar la historia de un artista. Gerónimo Rauch estaba en Argentina cuando llegó a manos de los responsables de Stage el vídeo de su paso por Jesucristo Superstar. Eso fue clave para que el artista fichara por la producción española de un musical en el que como intérprete “resucitaba” cada noche. Y de ahí personajes tan distintos como la Mary Sunshine de Chicago con la que aprendió a conectar con el juego que lleva implícito el teatro. Después llegaría el papel de su vida. Y es que con Los Miserables tocó el cielo con las manos tanto en España como en el exigente West End de Londres, donde repitió como el inolvidable protagonista de El Fantasma de la Ópera. Pero en el fondo, a pesar del reconocimiento a los artistas en la capital británica, Rauch ha descubierto que su lugar está aquí en España, el mejor lugar para vivir para él que ha creado su familia en Madrid. Desde hace unos meses está feliz por ser el protagonista de El médico que hoy cumple 1 año en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid. Para celebrarlo compartirá personaje con su “hermano pequeño” Dani Diges esta noche, pero esa es una historia que os contaremos en el próximo OPENING NIGHT. Nos acercamos al camerino de Rauch minutos antes de la función para charlar con un intérprete que cree firmemente que “cada uno va escribiendo su destino”.

¿Cómo fue incorporarte a un proyecto tan rodado como El médico?

Fue un poco caótico por la rapidez en que tuve que prepararme para el personaje. Maneja el ritmo del show y eso hace que sea una responsabilidad muy grande. Quizás el primer mes traté de seguir el camino de Adrián Salzedo, pero ya cuando estrené oficialmente pude hacer mi propio personaje. Es un musical que aún está evolucionando, para que se termine de escribir la Biblia del espectáculo estamos haciendo cambios constantemente. De hecho, hemos agilizado escenas, cambiado el orden de algunas canciones y se hace más dinámico el cambio de escenografía. Creo que así hemos quitado entre 10 y 15 minutos.

¿Cuáles son las claves de este espectáculo?

La clave es el libreto y la música. Todo lo demás es adorno. Sin una música y un libreto sólidos pierdes en un primer round. Tenemos una música inspiradora. Los productores están muy locos. Han invertido en que la escenografía sea excelente así como el vestuario de Lorenzo Caprille. No se ha escatimado en nada. Además, rompe con esa tendencia que se lleva en Broadway y en el West End de que sea muy acústico y es que nuestro musical es casi como un concierto.

Rauch junto al actor Joseán Moreno en una imagen promocional

Un musical hecho aquí por fin encuentra su sitio, ¿Está España preparada para que los musicales hechos en nuestras fronteras triunfen tras sonados fracasos?

Este musical está haciendo historia. El gran musical anterior fue HNMPL pero tenía la música del grupo pop español por antonomasia. Este musical es épico, una aventura, se tocan las religiones, el amor prohibido y eso creo que ha enganchado al público.

Dejamos por un momento El médico y vamos a repasar tu carrera empezando por ese Jesucristo Superstar que te trajo a Madrid…

Fue mi renacer. Yo digo que mi personaje moría cada noche, pero yo estaba renaciendo. Venía de una etapa en Argentina muy dura. No conseguía curro tras estar en un reality. De repente tras verme en un vídeo de la producción argentina me llamaron para venirme a Madrid. Tengo mucho que agradecerle a este proyecto que incluso me permitió conocer a mi mujer y crear una familia. Mis mejores amigos españoles los conocí en ese musical de hecho.

Y después llegó un cambio de registro total en Chicago con Mary Sunshine…

Soy muy serio, responsable, no había vivido la experiencia de ser completamente otra persona, no me había transformado, era un puro juego, me abrió un mundo mágico, podía no juzgarme, aprovechaba en los momentos entre funciones para salir a la calle y ver la reacción de la gente. A este personaje le agradezco haberme conectado con el juego, vocalmente era antinatural, por eso buscan siempre a contratenores. Yo soy grandote y a los creativos les llevé una propuesta muy diferente a lo esperado.

Vuestro oficio es un “juego” que os hace regresar a ese niño que jugaba a ser otro, supongo que esa sensación la viviste especialmente la primera vez que te caracterizaste para este personaje…

Tras dos años de una experiencia tan intensa como la de Jesucristo quería un papel completamente diferente. Me veía joven para hacer el Billy Flint de Chicago la verdad. Lo que hice fue llamar a mi amigo Feliciano Sanromán, maquillador y peluquero, y le pedí que me hiciera mujer. Ese día me transformé para saber si me podría creer el personaje. Quería ser ella. Me saqué unas fotos y en el casting puse esas. Antes de ir a una audición tienes que creerte en el personaje. De esa foto se creó la apariencia que luego tuvo el personaje.

Y después llega el papel de tu vida con Los Miserables

La historia es larga. En 2008 en la época de Jesucristo ya me habían llamado para audicionar en Londres y estaba muy flaco, era muy joven y no me cogieron. Se me quedó la espina entonces. Yo ya me lo estaba creyendo el personaje. Gracias a Mary Sunshine el director musical me recomendó estudiar lírico. Así, sin querer me empecé a apasionar y estaba preparado sin saberlo. Fue mágico cuando me lo dieron aquí en España. Es el personaje de mi vida que siempre me acompañará. Tras grabarme cantando en inglés me llamaron para ir a Londres y fue increíble. Tuve que currármelo mucho sobre todo el acento. Estaba con clases de dicción y se estrenó y fue algo inolvidable.

Y después llegaría El Fantasma de la Ópera, ¿Cómo lo recuerdas?

Creo que cada uno va escribiendo su destino y yo le pedí audicionar a Cameron. Él me dejó y fue más mi capacidad de insistirlo lo que creo que les convenció de que podía hacerlo. Fue algo épico lo que viví con el Fantasma. Mi vida en Londres fue una vida prestada. Algo que yo no me imaginaba que iba a vivir. No estaba en mis planes. Hace cuatro años que me fui y pienso en lo increíble que fue.

Y de nuevo de vuelta a España, ¿Encuentras muchas diferencias entre Londres y Madrid?

A nivel profesional está cada vez más parecido, pero allí te valoran mucho más lo que haces. Es una industria muy bien engrasada, está todo muy bien establecido, pero para mí España es el mejor país del mundo para vivir.

De vuelta a España pudiste hacer Sunset Boulevard en una brevísima temporada en las islas…

Fue casi un milagro poder representarla, todo fue muy caótico. Tuvimos solo cuatro semanas de ensayos en una obra que tiene un texto enorme y a nivel técnico era difícil. Siempre que hablo con Paloma nos decimos que tenemos que hacerlo tarde o temprano. Se cayó el teatro que teníamos en Madrid y con ello la gira que íbamos a hacer. Así murió este proyecto.

¿Cuál es tu siguiente paso a nivel discográfico?

Estoy planificando ya mi siguiente etapa. Aún no sé si salir con repertorio original o con versiones, que me encanta apoderarme de otras canciones. Yo soy un intérprete y no un cantautor. Gracias a los discos he conseguido abrir fronteras y eso me encanta.

Sin duda, tu debut en el Teatro de la Zarzuela debió ser mágico…

A partir del No puede ser ya quité los nervios. Aprendí mucho desde ese show. Ahora estoy más relajado haciendo lo que me fluya.

Esta noche compartes escenario con Dani Diges con el que te alternas en el personaje protagonista de El médico

Es como mi hermano pequeño, tenemos una diferencia de 3 años o así. Tenemos una amistad muy bonita y para nada tenemos una competencia insana. No somos inseguros ninguno de los dos. Nos cuidamos, y no hemos querido vernos el uno al otro para hacer cada uno nuestra versión del personaje. Confiamos ciegamente en el equipo creativo y las directrices que nos dan. Cuando me dijeron que iba a alternarme en el personaje con él pensé que era la persona indicada con las ganas que tenía de volver a España él tras unos años fuera.

Aquí y ahora con un espectáculo como El médico, ¿Por qué el teatro es un gran lugar para contar historias para ti?

Yo necesito subirme al escenario con espectáculos así. El médico te mueve el espíritu y el alma. No creo que me veas nunca en un musical que no tenga contenido salvo en alguna cosa que por tema artístico me interese mucho. Tras cuatro años quería volver a Madrid y de repente me llamaron para El médico. Fue algo increíble que en ese momento me llamaran. Hay una historia muy importante que contar.

Un último mensaje como reclamo para atraer a los espectadores….

Es el musical que está cambiando la historia del género en España.

“Antológica de Zarzuela” llega este domingo a la Gran Vía de Madrid para “poner al Género en el lugar que se merece”

Antológica de Zarzuela es un espectáculo para mezzosoprano y tenor que llega los próximos tres domingos a las 12:30h al Teatro EDP GRAN VÍA. Este montaje se encuentra a caballo entre la reflexión, en la que se sumen los intérpretes líricos sobre qué hacer con un género al que se necesita dar una vuelta para llegar a otros públicos, y la risa al apostar por un tono burlesque “para atraer al público a través de nuevas fórmulas que le sean más agradables”, en palabras de Juanma Cifuentes que ha querido destacar un vestuario “que llena de luz el escenario”. Para el intérprete: “Es el momento de poner a la zarzuela en el lugar que se merece. Es un género más con unas características concretas”.

Para este montaje escénico: “Hemos intentado configurar un espectáculo de pequeño formato, huyendo de la magnitud de las grandes escenografías de la Zarzuela”, en palabras de Cifuentes. Para ello además de los dos intérpretes se ha contado con excepcionales profesionales como los bailarines, Fito Ruiz y Pedro Mancera, los pianistas Borja Mariño y Gabriel López y Carlos Pardo se ha encargado de la producción de esta espectáculo.

La intérprete femenina, Beatriz Lanza, quiso destacar que hay muy poca iniciativa privada en la Zarzuela por el alto coste. Además, para ella: “Es una pena que poco a poco por muchísimos complejos no se haga más Zarzuela”. Y es que según comenta: “Se han apropiado del Género ciertas personas”. El espectáculo quiere poner en valor que la Zarzuela es una música que expresa de lo que se ha hablado siempre. Y es que en el fondo, como comenta Lanza han pretendido: “Dar un espacio a nuestra música con la que nos hemos educado y que llevamos en el inconsciente colectivo”.

Juanma Cifuentes, también director y autor del montaje- pone en boca de los personajes conflictos que viven actualmente los intérpretes líricos: Desde si dejarlo para dedicarse al musical pasando por el hecho de qué hacer con el género y reflexiones varias con el público que -como han podido comprobar en Aranjuez y Zamora- responde con sus ocurrencias.

Para este espectáculo se ha contado con un repertorio bien conocido por el público, esos temas que al menos hemos escuchado en alguna ocasión sin saber que pertenecía a una Zarzuela. Es significativo como por ejemplo una compañía de seguros ha usado música del género en sus últimas campañas publicitarias. En las tablas de del EDP GRAN VÍA se podrán escuchar un variado repertorio que va de El Barberillo de Lavapiés a un final arrevistado que nos hará pensar que “tomar la vida en serio es una tontería” como comenzó a cantar Lanza durante la presentación a los medios.

Podéis conocer un poco más sobre el espectáculo en la entrevista que hicimos a Juanma Cifuentes y Beatriz Lanza.

Como siempre, agradecemos a los medios presentes en este Pase Gráfico por apoyar nuestras convocatorias. Estaremos muy atentos a las publicaciones de medios como RNE, LA GAVETA DE MIL COSAS, A GOLPE DE EFECTO, MADRIDTEATRO, ONDA MADRID, TELEMADRID y todos los medios que nos están acompañando dando difusión a este maravilloso espectáculo.

Opening Night: Sanpol y Tribueñe, dos salas con señas de identidad claras

En esta cartelera hiperbólica llena de propuestas en salas que programan una gran diversidad de obras para intentar atraer a todo tipo de públicos se agradece que existan teatros en los que uno sepa lo que va a encontrar: CALIDAD. Siempre con esa premisa se encuentran en cada producción dos espacios escénicos con nombre propio: Sanpol y Tribueñe que cuentan en cada producción con la aceptación del público y la crítica a la que precisamente damos la voz en este Opening Night para contar un poquito de EL VUELO DE CLAVILEÑO y EL JOROBADO DE NOTRE DAME, las nuevas producciones de estas salas que siguen enamorándonos temporada tras temporada.

El pasado viernes Tribueñe- más de década y media desde su apertura- nos volvió a regalar una buena muestra del buen hacer de Irina Kouberskaya en la revisión de nuestros clásicos. Esta vez se ha atrevido con El Quijote y con uno de los pasajes más divertidos. En El vuelo de Clavileño es capaz de hacernos reír con uno de nuestros clásicos, pero también como es seña de la casa nos proporciona imágenes muy interesantes. En la noche de estreno, no faltaron los críticos que halagaron este montaje como Eduardo Jaúdenes: “Una lectura sorprendente de este capítulo basada en el profundo estudio de los trovadores de los castillos cátaros, proporciona una nueva versión sobre las inmensas capacidades del ser humano. Es una triple lectura de la realidad, la subjetividad y el encantamiento”. Para Alberto Morate: “Nunca defraudan los montajes de Irina Kouberskaya, porque lee los textos buscando lo escondido, lo insospechado, lo intrínseco, lo visceral, y le da una vuelta de arte y belleza llenos de esplendor para solaz de nuestras ávidas mentes de espectador”. Al final de la representación, el público volvió a aplaudir en pie a esta compañía que ya se prepara para el estreno el 8 de noviembre de Amiga.

Aún con las emociones vividas la noche anterior en Tribueñe nos acercamos al Teatro Sanpol para disfrutar de EL JOROBADO DE NOTRE DAME en la mañana del sábado. Se trata de uno de los clásicos por antonomasia de la compañía residente, La Bicicleta, en el que destaca una estupenda escenografía que recrea la famosa catedral. El reparto vuelve a contar con Javier Ibarz como Frollo, Quim Capdevila esta vez como el Capitán que enamora a la gitana Esmeralda (Beatriz Costa) a los que se unen algunos de los intérpretes de Heidi, el musical: Gallo Ryan, Gema Bastante y Paco Morales junto al Quasimodo de Ángel Martínez en su primer papel en la sala. Para Aldo Ruiz, El Teatrero: “El montaje, magnífico, cuenta con la dirección original de Roman Stefanski y en esta ocasión ha sido redirigido por Natalia Jara. Julio Jaime Fischtel (dramaturgia) y Miguel Tubía (música) son los autores de la versión teatral, de la música y las pegadizas canciones de la obra”. Hasta el 10 de noviembre se podrá ver esta producción justo antes de recibir el estreno oficial de Heidi, el musical que será la propuesta estrella de estas Navidades.

Opening Night: Un frenético comienzo de temporada

Como ya avanzamos en la primera entrega de nuestros Opening Night, está siendo una auténtica locura de interesantes estrenos en el comienzo de la temporada 2019-2020. En esta ocasión tenemos planes para todos: Desde La Cubana al humor de Gila pasando por La jaula de las Locas sin olvidarnos de una estupenda obra que ultima funciones: El sirviente. Arriba el telón de este nuevo Opening Night,

Levantamos el telón y lo hacemos en orden cronólogico en que hemos disfrutado la función. La primera fue La jaula de las locas, a la que dedicamos una de nuestras ENTREVISTAS DESDE MI BUTACA con sus dos protagonistas. Precisamente, la pareja protagonista del espectáculo: Ángel Llàcer e Iván Labanda son dos de los principales valores de un musical que te invita a vivir intensamente. Su química traspasa la Cuarta Pared y llega a un público entregado que en la noche de estreno especial para la prensa aplaudieron con fervor sus intervenciones. Esta producción colorista y llena de pluma que se puede ver en el Rialto de Madrid ya triunfó en Barcelona, desde donde ha llegado adaptado al peculiar escenario de este espacio de la Gran Vía que se transforma en el club más alocado. Aún con el recuerdo de la emocionante interpretación de Alberto Vázquez en La Jaula de Grillos que vimos en el Amaya, no falta en esta puesta en escena claro el famoso I Am What I Am al que Llácer dota de una gran fuerza. Al final, público en pie disfrutando de una propuesta con visos de ser uno de los grandes musicales de la temporada.

Y saltamos del glamour de la Gran Vía al nuevo Off-Broadway que se ha creado en la Calle Ercilla de Madrid. Allí se encadenan varias salas del circuito alternativo en pocos metros. Una de ellas es La Encina Teatro que ha programado Por amor a Gila los viernes de octubre a las 22h. Rudy Chernicof, actor buen amigo de Miguel Gila, parte de una cena en la que se apostaron quién sería el más gracioso de los dos. El resultado es un monólogo en el que el bueno de Rudy, un trasunto de aquellos cómicos de la legua de antaño, nos regala un recorrido por algunos de los pasajes más divertidos y emotivos de la vida de Gila. Y de repente, se hace el silencio tras las risas cuando recuerda algunos pasajes más dramáticos y el público responde callado y cómplice. Al final, sin imitarlo, Rudy consigue que el alma de Gila se cuele por instantes en la sala. Él solo necesita ponerse una simple boina para que entendamos que habla con las palabras del maestro Gila. Emotivo y divertido homenaje que el público aplaudió con fervor el pasado viernes en su primera noche madrileña.

Hay quien dice que la vida es una obra de teatro, una representación que se lleva a su máximo esplendor en los actos sociales. La Cubana tras dar sus Campanas de Boda y hablar de la Gente Bien -qué pena que solo pudiese verse en Barcelona este espectáculo- se mete a organizar funerales. Sí, hay crisis y la compañía tiene que reciclarse en consonancia con los tiempos. Lo que pasa es que como son compañía teatral pues ese funeral viene ya durando como año y medio… Ahora, al bueno de Arturo le hacen la ceremonia en el Teatro Calderón. Todo un prohombre de la Cultura con grandes amigos en todo el mundo que no se quieren perder darle el último adiós. Y la verdad es que todos quieren mostrar sus habilidades desde la estríper, al bailarín de danza-fusión, por supuesto los grupos folclóricos madrileños pasando por el notario cuya habilidad artística preferimos no contarles para regocijo de sus sentidos el día que se pasen por este animado a la par que nada luctuoso funeral. Tan arrevistados como acostumbran, La Cubana nos vuelve a demostrar que se puede seguir una línea clara de continuidad artística sin dejar de sorprendernos. Simplemente por el hecho de que el talento es siempre ‘aplaudible’ y en cada montaje la compañía catalana se deja la piel. Bajo la batuta de Jordi Millán brillan los diez intérpretes de la compañía: Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Nuria Benet, Àlex Gonzàlez, Babeth Ripoll, Montse Amat, Toni Sans, Edu Ferrés- reciente FIRMA INVITADA en el blog– y Virginia Melgar.

Y dejamos para el final la menos ‘festiva’ de las funciones que hemos visto estos días. El Sirviente se despedirá del Teatro Español este domingo y sus dos protagonistas brillan tanto que solo por verlos en escena ya merece la pena pasarse por la madrileña Plaza de Santa Ana. Eusebio Poncela y Pablo Rivero se marcan un duelo interpretativo de altura en esta función que está aplaudiendo día tras día el público madrileño. La productora SEDA en una temporada frenética tras el estreno de Parque Lezama y muy pronto La última turné, es parte activa de esta función que os recomendamos no os perdáis en estos últimos días en Madrid.

La Firma Invitada: Edu Ferrés de La Cubana

Si la vida es una obra de teatro llena de momentos que son mera representación nadie mejor que La Cubana para llevar a escena algo tan ‘teatral’ como ciertos funerales. Adiós Arturo ha llegado al Teatro Calderón de Madrid tras una extensa gira de la que ya os hablamos a su paso por Torrelavega (Cantabria). Esta vez damos la palabra como Firma Invitada a Edu Ferrés, la última incorporación de la compañía.

Mi relación con La Cubana empieza como espectador, como admirador y profesionalmente como compañero que algún día sueña con subirse a las tablas con ellos algún día.

En 2010 realizaron un casting para acceder a un curso completamente gratuito durante un mes. ¿El objetivo? Enseñar su particular forma de hacer. A los pocos días entendí lo que significaba ‘’La Cubana’’, era algo totalmente distinto a lo que conocía como actor.

Unos cuantos afortunados aprendimos en aquel curso la importancia de observar, de mezclar realidad y ficción en entornos muy reales. Aprendimos a extraer el teatro que hacemos en nuestras vidas cotidianas y que pasa inadvertido como teatro, para ponerlo sobre un escenario o en la misma calle.

Pasaron unos años después de ese curso y yo ya vivía en Madrid, con mi propia compañía de teatro y mi vida ‘’asentada’’ en la capital hasta que un buen día Jordi (el director) me llamó y me preguntó: “¿Hola Edu, qué estás haciendo?’’ Ahí empezó mi segunda experiencia con La Cubana, ésta vez sería para poner en práctica todo lo aprendido en aquel curso.

El montaje empezó con 4 meses de intenso trabajo. Jornadas completas metidos en la sala de ensayo, probando, proponiendo, descartando, corrigiendo y aprendiendo a crear desde la paciencia y el detalle. Lo que más me costó fue adaptar lo que ya sabía como profesional a la forma de hacer de La Cubana. Es un lenguaje teatral muy específico y Jordi Milán es muy insistente en ese sentido, hasta que no lo hagas de esa forma tan específica, no cesará en sus intentos por conseguirlo. Mezcla situaciones surrealistas con escenas muy reconocibles por todos, personajes muy humanos pero a su vez ‘’excéntricos’’ que puestos todos en el escenario algún atrevido podría decir que se trata de una ‘’caricatura’’, pero no lo es, son personajes que están viviendo de verdad en situaciones extremas que les obligan a ser extremos.

Una vez termina el proceso de ensayo, sabes que el espectáculo nunca dejará de crecer. Cualquier nota puede eliminarse, variar y evolucionar. Precisamente ésta forma de hacer, hace que estés siempre alerta y nunca te relajes, en el buen y el mal sentido de la palabra relajar. Formar parte de La Cubana no significa solamente interpretar, significa formar parte del artesanal oficio del teatro.

Entramos en Madrid con 340 funciones a nuestras espaldas, más de 205.000 espectadores y 30 ciudades visitadas. Ha sido un año y medio lleno de viajes, montajes, horas comiendo techo, paseos por ciudades que no conocía, aprendiendo la cultura y la gastronomía de cada sitio, adaptándonos a cada público que es muy variopinto en éste país y eso es una maravilla… En definitiva, es una experiencia muy intensa, en ocasiones llegas a pensar que no existe nada más que tu oficio y te das cuenta que es normal, vives por y para el teatro y es por eso que es muy importante saber abstraerse de vez en cuando para poder coger aire y seguir.

Desde el minuto uno, supe que La Cubana sería una experiencia vital que quedará para siempre y por eso, toca disfrutarla todo lo que se pueda y exprimirla, ya no queda nadie que haga lo que se hace en ésta casa.

Ahora toca disfrutar unos meses en casa (Madrid) y compartir con todo el público lo que llevamos construyendo durante casi dos años. ¡Os esperamos en el Teatro Calderón!

Àngel Llàcer e Ivan Labanda nos sumergen en “La Jaula de las Locas”

En nuestra nueva entrega de las Entrevistas Desde Mi Butaca nos acercamos al Teatro Rialto para charlar con Àngel Llàcer e Ivan Labanda, protagonistas de La Jaula de las Locas.

Ivan Labanda

¿Cuáles son las claves de La Jaula de las Locas?

Las claves son los temas que trata como el amor, la felicidad, ser uno mismo. La química también se transmite, somos una pequeña gran familia que contagia al espectador, es imposible que no llegue la magia que se crea en escena.

¿Cómo es compartir escena con el director de la función?

Es un privilegio. Es uno de los mejores directores con los que he trabajado y, a la vez, amigo desde hace muchos años. Me alegro de que la gente redescubra al actor de comedia que tiene dentro. Es casi más gamberro que yo, me hace reír.

¿Distingue Àngel Llàcer la faceta de actor de la de director?

Cuando se pone en modo compañero de escena se pone siempre de tu lado. Eso no quita que si va algo que está mal te lo diga.

¿Cuál es el mayor reto al que te has enfrentado con este espectáculo?

Desde luego la edad, siempre lo ha representado gente más mayor. Tiene un hijo de 20 años. La función está por encima de todo y una vez que te pones una peluca y el vestuario, te conviertes en el personaje.

¿Cómo es haber formado parte con tu voz de El regreso de Mary Poppins?

Pasé un casting que llegó a Estados Unidos y me hizo una ilusión tremenda. Poder formar parte de una película original de Disney, cantar las canciones… Le pusimos mucho amor y en el resultado se nota.

Además, interpretas a personajes conocidos en televisión…

Es una noria que va a toda velocidad. El truco está en ni siquiera planteárselo. Yo voy, lo hago lo mejor posible y lo disfruto. Procuro no pensarlo demasiado.

Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro es un gran lugar para contar historias para ti?

Para un actor, el teatro es lo que te mantiene vivo, es como nuestro gimnasio, emocionar al público cada noche es indescriptible, es como si te chutaras vitaminas cada noche. No se puede comparar con nada.

Último llamamiento para que venga el público a veros…

Vengan a ver La Jaula de las Locas. Saldrán felices del teatro, creo que es uno de los lugares más especiales. El hecho escénico te cambia, te modifica, les aseguro que saldrán mucho más felices y emocionados de lo que entraron.

Àngel Llàcer

En una semana en que toca darlo todo para vender la criatura escénica que les llevó a ser el musical de la temporada en Barcelona, Àngel Llàcer sabe muy bien lo que quiere trasmitir desde la dirección y el papel protagonista de una obra por la que no parece haber pasado el tiempo: “Habla de las personas, lo que cambia es lo que nos rodea, las preocupaciones son las mismas. Habla de ser uno mismo, que te aceptes y que te acepten los demás”. En esa misma línea transcurre el tema principal de la obra, I am what I Am: “Aunque salga vestido de mujer canto diciendo que yo, Ángel, soy lo que soy y que aquí estoy y quien quiera venir conmigo que venga y quien no pues no pasa nada. Nunca la hago como una canción de reivindicación de los derechos. Es lo único que me da miedo de este espectáculo. Después de casi 200 representaciones aún cuando empieza la canción que es sin música lo único que pienso es si voy a coger el tono”. Y delante de la prensa se tira a la piscina y atina con el tono al afinar las primeras notas de un número que vuelve a ovacionar el público con este montaje en el que “con mi sola presencia, el teatro se convierte en un cabaret”, comenta entre risas el jurado de Tu Cara Me Suena que es a la vez Albin, Zaza, el Tío Albert: “con el que el público se ríe mucho” y la madre del joven protagonista: “que ni tiene nombre”.

De vuelta a La tienda de los Horrores. Contaba con solo 25 años cuando Àngel Llàcer se enfrentó a uno de sus primeros grandes retos como actor. Nada menos que el protagonista, Seymour, de uno de los musicales más deliciosos de Alan Menken. Ahora, mientras protagoniza musical en Madrid, su dirección de la nueva producción del musical en Barcelona está cosechando un gran éxito. Para él: “Ha sido como revivir un tiempo pasado. Dirigiendo esta nueva producción me acordaba de las letras de la otra producción y me salían de hecho al ensayar esta vez”.

Para el artista, La tienda de los horrores: “Es un musical en mayúsculas. La música es tan importante y cada número es tan brutal y te llega tanto que es como cuando vas a un concierto de música clásica y disfrutas mucho. Algo así pasa con esta obra. Es un MUSICAL. Cada canción tiene su fuerza, está dentro de una historia, pero nos lo planteamos como un concierto. Un numerazo tras otro, sales de ahí convencido de lo poderosa que es la música”.

La Firma Invitada: Los Quintana

LOS QUINTANA cumplen 25 años sobre los escenarios y lo celebran con sus mejores momentos, sus personajes más divertidos y su inconfundible sello de humor. Un espectáculo de antología para disfrutar y reír de principio a fin. Lo hacen en una única velada, el 21 de octubre en el Teatro Calderón. Ellos son LA FIRMA INVITADA para contarnos en primera persona cómo ha sido este cuarto de siglo sobre los escenarios.

Somos los argentinos David y Fernando Quintana. Eran los años 90 y en Buenos Aires se respiraba cultura en todos lados.Las propuestas teatrales se tomaban la ciudad y nosotros queríamos ser parte de ese fenómeno.
Comenzamos a estudiar teatro y eran tantas las ganas de hacer cosas que no podíamos esperar a la muestra de fin de año.

Es por eso que decidimos lanzarnos por nuestra cuenta y empezamos como un juego, a crear pequeñas escenas con personajes y situaciones que tenían algo de comedia y que a nuestros amigos cercanos y familiares, les causaba mucha gracia y ahí entendimos que el humor y la comedia era lo nuestro.

Nuestras primeras rutinas eran sketches que nosotros mismos escribíamos y que acompañábamos con canciones las cuales también parodiábamos. De ahí descubrimos la “fonomímica”, el arte de sincronizar perfectamente el movimiento de labios con una banda sonora. Nuestros personajes siempre fueron, en su mayoría, mujeres. El mundo femenino es mucho más rico para nosotros a la hora de contar historias.

Trabajamos mucho en Buenos Aires y en algunas provincias de Argentina. Lo que hacíamos gustaba y nos iba muy bien, pero la situación del país no nos acompañaba y ya cansados de vivir en crisis, decidimos partir.

España siempre fue un destino a conquistar con nuestro producto, pero las cuentas no nos daban; entonces decidimos cruzar la cordillera y llegamos a Chile.

Ahí sucedió todo. Nuestra propuesta gustó ¡y mucho!. Se amplió el elenco y de ahí nacimos Los Quintana como compañía de teatro presentando más de veinte espectáculos en todo Chile y gran parte de Latinoamérica.

Cruzamos el charco y llegamos a España de la mano de nuestro productor, quien nos descubrió en Santiago de Chile.

Nos presentamos en varias ocasiones en distintos teatros de Madrid, y eso dio lugar a convocar a otros artistas y formar un elenco estable en España.

Aquí estrenamos “NOĆ, un auténtico vodevil” y “Las Chicas del Zapping”, ambos espectáculos con buenas críticas y convocatoria de público.

Y así, sin darnos cuenta, estamos cumpliendo 25 años sobre los escenarios y qué mejor motivo para festejarlos que con una función especial, una “Gala”, donde mostraremos nuestras mejores rutinas, el próximo lunes 21 de octubre a las 20:30 horas en el Teatro Calderón de Madrid.

Nos acompañarán en esta única función los talentosos artistas: Carlos Chacón, Ricky Mata, José Cobrana y Joan Salas.

Opening Night: Música y risas para todos los públicos

Opening night, it’s opening night
It’s Max Bialystock’s latest show
Will it flop or will it go?
The cast is taking its final bow
Here comes the audience now

The doors are open, they’re on their way
Let’s hear what they have to say

“Los Productores” de Mel Brooks

Seguro que muchas veces os habéis preguntado cómo son esas noches de estreno (y mañanas, que para algo damos alcance también al teatro familiar). Estrenamos nueva sección en la que prometemos contar el ambiente de los grandes estrenos teatrales en Madrid. En esta primera entrega, teatro musical con Taller de corazones, musical familiar con Heidi y comedia con La función que sale mal.

El sábado 21, el Teatro Sanpol estrenó Heidi, el musical, su gran producción de esta temporada. Tras el éxito de Caperucita Roja, la sala ha vuelto a contar con las melodías de Jaume Carreras que alternan pasajes musicales de lo más animados al más puro estilo Alan Menken con momentos más introspectivos -especialmente en el caso del abuelo de Heidi, que tiene algunos pasajes musicales realmente memorables- que podrían recordar al mismísimo Stephen Sondheim. Palabras mayores para un espectáculo familiar ante el que el público va a saber responder. Todo ello bajo la sabia dirección de alguien que conoce tanto al público familiar como Natalia Jara. A las 12h se levantó el telón y en ese momento se volvió a sentir la magia que ha hecho durante 37 años del Sanpol todo un referente para el público familiar. Y de nuevo, grandes y pequeños se dejaron llevar por la historia con la que han crecido varias generaciones. El reparto está compuesto por veteranos intérpretes que dan la mano a las nuevas generaciones.

En escena, encontramos la solvencia de cuatro intérpretes con muchas tablas: Javier Ibarz como el abuelo que consigue emocionar al público, Paco Morales, estupendo en su vuelta a los escenarios madrileños tras su extenso periplo escénico mexicano, Karmele Aranburu que parece haber nacido para interpretar a la Señorita Rottenmeier y esa energía contagiosa que imprime Blanca Degá como la Tía Dete. Todo ello entremezclado con la frescura que dan a la escena Ainhoa Molina, Gema Bastante y Gallo Ryan. Al acabar, una gran ovación para la espléndida compañía que este sábado y domingo despedirán la función a modo de previas. La buena noticia es que estarán de nuevo en el Sanpol del 23 de noviembre al 5 de enero y estamos seguros se volverá a repetir la gran ovación.

El lunes 23 tuvo lugar el estreno oficial del nuevo musical original de La Espiral Mágica en los Teatros Luchana. Se trata del primer acercamiento de la compañía al público adulto tras exitosas experiencias como El pequeño conejito blanco. En Taller de Corazones, se han rodeado de un elenco de dos espléndidos intérpretes: Naím Thomas que emocionó al público en su estreno y Anabel García que, en fin, como ha demostrado encima de las tablas del Sanpol precisamente durante años, es pura magia. Georgina Cort- también habitual del Sanpol- es la directora de este proyecto que cuenta con una bellísima partitura original de Josep Ferré que el público aplaudió en su estreno. El lunes 30, última oportunidad de disfrutarla -por ahora- en los Luchana.

Y las huellas del Sanpol nos llevan directos a la que será, sin duda, una de las grandes comedias de la temporada. En el Teatro La Latina se ha estrenado esta semana un título de infalible resultado: La función que sale mal. Y en el elenco nos encontramos más de un intérprete que han hecho teatro musical familiar. Es el caso de Felipe Ansola- habitual en la producciones del Sanpol por ejemplo- que interpreta a un muerto que podríamos decir que no estaba muerto… que estaba de parranda… Y no, no hago mucho spoiler, vean la función y lo sabrán… La gracia cómica de Carla Postigo – a la que hemos visto en las producciones de José Luis Gago y Estrella Blanco como Oliver Twist– se entremezcla con otro estupendo intérprete que tiene su propia compañía de teatro familiar: David Ávila. Otro nombre que siempre es un placer ver en un elenco: César Camino como el regidor amante de Perales… A tenor de lo visto en su estreno, las risas están aseguradas con esta función que, a pesar de las pocas funciones previas que lleva, ya comienza a funcionar como un preciso mecanismo de relojería suiza. Y es que precisamente para que esta función salga ‘mal’ todo tiene que salir muy ‘bien’.

Si os gusta esta nueva sección, esperamos nos acompañéis en una nueva entrega que dedicaremos a los próximos estrenos de la cartelera incluido La jaula de las locas que ya estamos deseando ver el próximo miércoles y Por amor a Gila el viernes 4 de octubre. Presentimos que habrá muchas más Opening Night esta temporada.

Rudy Chernicof: “Gila nos enseñó que para hacer humor no hace falta ser idiota”

El actor argentino homenajea al maestro Gila en un espectáculo que estará los viernes de octubre a las 22h en La Encina Teatro de Madrid.

¿Cómo nace este Por Amor a Gila?

La historia de este espectáculo se crea en el año 2000 que yo voy a Barcelona a hacer El señor del baño. Yo era amigo de Gila de su época en Argentina y de hecho me dirigió en un espectáculo. Cuando llegué a España me regaló sus memorias en las que, además, me menciona. Nos fuimos a cenar y él me pidió que pusiese humor a sus memorias, que no tenían mucho de comedia al tratar temas como la Guerra Civil, y el que perdía pagaba la cena. Aunque Miguel era de Chamberí, llevaba mucho en Barcelona, así que algo de sangre catalana le quedaba y yo soy de origen judío. Por lo que ninguno queríamos pagar. Yo no lo imito, uso una boina y parafraseo lo que él decía en sus memorias. Yo era el ‘ruso’ para él y para nosotros los españoles sois los ‘gallegos’. Llega un momento en que quedamos en pagar a medias, pero yo le cuento un chiste. Y el final del espectáculo acaba con unas palabras muy sentidas de Gila que decía que le gustaría que su nombre estuviese escrito entre los grandes nombres y yo le termino diciendo: “¡Bravo, Miguel! No te has muerto, te has vuelto invisible. ¡Bravo, Miguel! y que se ponga”.

¿Cómo fue el recibimiento de Gila en Argentina?

Tuvo tanto o más éxito que en España. Vivió 20 años, hizo teatro, tv, cine y hasta me dirigió en un espectáculo. Dejó un sello muy importante allá. Por supuesto que Gila es español, pero para la gente con más de 40 años todos los conocen. Me encanta coger el metro aquí y que de repente alguien me diga: ¿Está el enemigo? La gente se ha quedado con la parte más cómica de Gila, pero él tuvo mucho sufrimiento como yo cuento en el espectáculo, aunque con humor. La gente muerta de risa se mezcla con alguna lagrimita en este espectáculo. Incluso hago un rap con una frase suya que me dice: “Ruso, la fauna política y militar con el pretexto de defender una bandera mandan a ese matadero que es la guerra, ruso, me cago en la guerra gane quien gane”. Precisamente el rap que canto en su honor se llama Me cago en la guerra.

¿Cuál es el mayor legado que ha dejado Miguel Gila?

Que para hacer humor no hace falta ser idiota.

Durante tu carrera has trabajado en muchos espectáculos unipersonales, ¿Cómo te definirías a nivel artístico?

Gila me conoció como monologuista y aquí en España me he dedicado mucho a ese género. También soy actor de comedia. Como dice mi página web, soy un actor todoterreno. He pasado por todo. He participado en la parte de más glamour de este oficio, pero nunca esperé a que me sonase el teléfono para montar un espectáculo. Yo invento un espectáculo y me lo autogestiono. Además, en España tengo que hablar de Pablo Silva que me produce estupendamente aquí. Tengo que confesarte que cuando me puse el traje de productor lo hice sin que se me cayesen los galones, pero prefiero tener un equipo de trabajo.

Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro y en concreto la comedia es la mejor forma para contar historias para ti?

La comedia es una de las maneras más perfectas de explicar este mundo loco. Gila hablaba de la Guerra y decía que no tenían dinero para armas, pero se subían a una bicicleta y se insultaban…. Así era el humor de Gila. Él destripa algo tan terrible como la guerra.

¿Cómo es en pleno 2019 seguir montando en cualquier lugar como hacían los Cómicos de la Legua?

Soy un cómico de la legua y de la lengua… Fíjate que hasta he montado en lugares que no están en el mapa, pero también en grandes teatros. He hecho espectáculos en francés, en italiano, pero me gusta más en español claro. Charles Aznavour dijo que el retiro no era su idioma, yo lo hago mío. Voy a seguir por vocación y la gente que se retira termina muy mal. Yo hasta que el cuerpo aguante, hasta que me desenchufen. Tengo tanta energía que si me desenchufan tendría que seguir a pilas.

¿Cuánto de juego tiene este oficio para Rudy, cuánto de to play como dicen los ingleses? ¿Sientes que de alguna forma es una derivación de ese juego infantil de querer ser el indio de la manada?

Me parece muy buena pregunta. Cada vez que me subo a un escenario soy un niño. Los actores somos niños que hacemos creer que somos Hamlet al público. Cuando me bajo de escena me voy a cenar, pero esto no deja de ser un juego infantil. Es como cuando yo tenía 6 años y jugaba a ser doctor y daba inyecciones y cuando me llamaba mi madre para comer iba para allá.

Un último llamamiento para ir a ver Por amor a Gila

En los tiempos que corren, la risa y la emoción son muy necesarias. Vengan, es un homenaje a Gila y el espectáculo gusta muchísimo.

RAFAEL ÁLVAREZ, EL BRUJO, PADRINO DEL ESPECTÁCULO