Santander se convierte en la capital de nuestra escena con la IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas

Del 18 al 21 de julio tendrá lugar en Santander la IV edición de la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que este año llevará por título Santiago Ontañón: La escena social. La organización del curso en la capital cántabra ha sido posible gracias a la inestimable colaboración de la Vicepresidencia del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Desde mi butaca COMUNICA se encargará este año de la campaña de comunicación de la Escuela.

Un año más, la Academia de las Artes Escénicas de España plantea una actividad en su Escuela de Verano. Por cuarta vez, se produce la colaboración entre varias instituciones públicas para ofrecer un programa que une rigor, excelencia y entretenimiento, para que jóvenes de diversas comunidades participen en un proyecto de formación. Este año, Cantabria es la referencia ideal para, a partir de una personalidad tan destacada del mundo de la escena como Santiago Ontañón, considerar, junto a su condición de artista plástico de primer nivel, la actualidad de la escena social en sus formas más destacadas. Todo ello de la mano de un nutrido grupo de experimentados ponentes del sector de las artes escénicas.

En palabras de Cayetana Guillén Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, La Escuela pretenderá un año más ser correa de transmisión del conocimiento entre diferentes generaciones de académicos y artistas. Por ello, es importante señalar el papel de la cultura como «motor para el desarrollo del espíritu crítico y el cambio social». También, Guillén Cuervo ha manifestado recientemente que es muy importante que la actividad de la Academia se extiendan por todos los rincones de España como es el caso de Santander en esta Escuela. Para ella: «Estos actos los hacemos con el objetivo de la descentralización de la Academia». Guillén Cuervo participará de forma activa en la Escuela con una especial mirada en el debato acerca de «Las artes escénicas y la diversidad étnico racial» que tendrá lugar el jueves 21 de julio a las 12 de la mañana. Servirá para poner de manifiesto que «han entrado los primeros profesionales racializados en la Academia». Así, la intérprete aboga por «Un trabajo de cambio social para abordar los estigmas con los que cargan, ¿Por qué a un actor español de origen marroquí sólo se le ofrecen papeles de terrorista o camello?, Él tiene que hacer Hamlet como otro cualquiera». Desde luego, en otros países como Francia «ves actores racializados haciendo de abogados o médicos sin justificar su ascendencia». Por descontado, España «tiene que caminar hacia allí».

La IV Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas se inaugurará el 18 de julio a las 9.00 horas con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, de la Universidad de Cantabria y de la Academia de las Artes Escénicas de España. El programa incluye propuestas del 18 al 21 de julio sobre distintas disciplinas de las artes escénicas como la danza, el teatro y la interpretación como se puede comprobar en el programa que compartimos íntegro a continuación.

Cayetana Guillén Cuervo junto a Pablo Zuloaga, vicepresidente del Gobierno de Cantabria

Programa Escuela de Verano

Lunes 18 de julio

9:00H- 9:30H INAUGURACIÓN

Con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, Universidad de Cantabria y Academia de las Artes Escénicas de España.

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Lluís Pasqual (director de escena, AAEE) “Lorca, recuperado”. Presenta: Anabel Díez (directora de escena, AAEE)

11.30H-12:00H “SANTIAGO ONTAÑÓN, LA BARRACA Y EL EXILIO”. “Las pasiones de Santiago Ontañón”, por Esther López Sobrado (investigadora y biógrafa de Santiago Ontañón)

12:00h-14:00H Mesa redonda. EN TORNO A ONTAÑÓN Y LA BARRACA.

Modera: Patricia Cercas (actriz, Vicepresidenta de ACEPAE, AAEE) Con Javier Huerta (profesor, investigador) y César Oliva (profesor, AAEE).

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”.

2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”.

21:00H Representación El retablillo de don Cristóbal. Compañía NAO D’AMORES. Dir: Ana Zamora. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES

Martes 19 de julio

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Ana Zamora (directora de escena). “El retablillo de don Cristóbal, entre la tradición y la vanguardia”.

11:30H-14:00H Mesa redonda. EL FUTURO QUE VIENE. Moderador: Carmen Márquez (profesora, AAEE) participan las creadoras-es: María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea, Joan Yago.

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos y directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”

2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”

21:00H PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL Lola Herrera. Ser actriz. El despertar de una pasión. Dir: Daniel Dicenta. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES

Miércoles 20 de julio

9:30H-11:00H SESIÓN CON Antonio Najarro (coreógrafo, AAEE): “Y LA DANZA CAMBIA EL MUNDO (Interpretar/Bailar)”

11.00H-13:00H JORNADA DE TEATRO SOCIAL CON XANFRÁ. Centro de música y escena del Raval. Las artes escénicas como herramientas para la cohesión social.

TALLER DE CUERPO, PALABRA Y SONIDO.

Cristina Gámiz. Actriz y Pedagoga Teatral. Profesora de Xanfrà

Ester Bonal. Profesora de música, directora de Xanfrà

13:00h-14:00H EXPOSICIÓN Y DEBATE sobre el trabajo en XANFRÀ. Presenta: Pilar Jódar (investigadora, AAEE)

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Teatro del Oprimido. Jordi Forcadas (Forn de teatre Pa’tothom)

2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL para intérpretes, dramaturgos y directores. Laila Ripoll (autora, directora de escena, AAEE): “Teatro y memoria: el acontecimiento y su representación”

21:00H VISITA CULTURAL POR LA CIUDAD DE SANTANDER (Incluye Palacio de Festivales)

Jueves 21 de julio

9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Helena Pimenta (directora de escena, AAEE): “Shakespeare: el asombro ante lo diferente “.

11.30H-12:00H ENCUENTROS. “Las artes escénicas y la diversidad étnico racial” Yeison García López (poeta, director del centro cultural ‘Espacio Afro’: Derecho de admisión.

12:00h-14:00H Mesa Redonda. Moderadora: Cayetana Guillén Cuervo (actriz, Presidenta de AAEE) Participantes: Ayoub El Hilali, Silvia Albert, Abdelatif Hwidar.

16.00 A 19.00H TALLERES

1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Jordi Forcadas

2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL. Laila Ripoll

19:15H EL SABOTEADOR, DE SANTIAGO ONTAÑÓN. LECTURA DRAMATIZADA. Dir. Francisco Valcarce (director de escena, AAEE)

Algunos datos biográficos sobre Santiago Ontañón

Fotograma de El verdugo

1903. Nace en Santander.

1920. Asiste al estreno de El maleficio de la mariposa, de García Lorca. Hace mención en sus memorias de que “fue un desastre”. Inicia su amistad con el poeta granadino.

1923. Hace en París una escenografía para el ballet ruso de Boris Kaniasev.

Es un conocido ilustrador en revistas, como La Esfera, Nuevo Mundo o Revista de Occidente.

1927. De vuelta en Madrid, diseña las escenografías de las zarzuelas Las golondrinas, de Usandizaga y Martínez Sierra, y La Revoltosa, de Chapí y Fernández Shaw-López Silva.

1931. Actor en la película El embrujo de Sevilla, de Benito Perojo.

1933. Escenografía de Bodas de sangre, de García Lorca, por la compañía de Josefina Díaz.

1934. Escenografía de Usted tiene ojos de mujer fatal, de Jardiel Poncela.

En estos años hace el reestreno de El sombrero de tres picos, de Falla; el

decorado de La tierra de Alvargonzález, poema de Antonio Machado para La

Barraca; y colabora con el teatro de guiñol La Tarumba, de Miguel Prieto.

1935. Dirige la película Los Claveles.

1937. Escenografía de Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, de García Lorca, a cargo de Anfístora, grupo animado por Pura Ucelay. Además de los decorados, Ontañón interpretó el protagonista, don Perlimplín.

1938. Escenografía de Numancia, de Cervantes, versión de Alberti, y La tragedia optimista, de Vichnevski, ambas dirigidas por María Teresa León, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Participa en El Mozo Azul, en donde publica Experiencia personal. Para el

Teatro de Urgencia de las Guerrillas del Teatro escribe El saboteador, La guasa y El bulo.

1940. Exilio en Chile. Matrimonio con Nana Bell. Coincide con Margarita Xirgu, a la que acompaña en Uruguay y Argentina.

1944. Escenografía de El adefesio, de Alberti, y La dama del alba, de Casona.

Continúa sus trabajos como ilustrador.

Regresa a España en donde llegará a realizar casi un centenar de escenografías. Interviene como actor en muchas películas, como El verdugo (1963), de Berlanga; De cuerpo presente (1967), de Eceiza; Varietés (1971), de Bardem; Cinco tenedores (1979), de Fernán Gómez, etc. De este tenemos la siguiente descripción de Ontañón: “Hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores, un amor y unos amores a los que él, fiel a su modestia, llama amistad”.

1988. Publica sus memorias, con el título Unos pocos amigos verdaderos.

1989. Fallece en Madrid.

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Las reseñas de Alberto Morate: CASTROPONCE

Teoría y praxis para una vanguardia del siglo XXI

El teatro existe

Poética del teatro y la política, si es que existiera la poética, que nadie sabe lo que es. Más que una reseña sobre un espectáculo teatral o un monólogo interpretativo o discursivo con tonos humorísticos, filosóficos, sociales y tintes agrupativos, o corporativos, no sé, que la palabra agrupativo el procesador de texto me la subraya en rojo y puede que esté mal, pero me da lo mismo.

En España, ¿cuántos pueden acudir a ver teatro en condiciones? O incluso, en malas condiciones. Es decir, eso de que proliferan por doquier grupos de aficionados teatrales que alimentan sus egos y su necesidad de compañía creando compañías, valga la redundancia, para representar a sus convecinos, no es tan sencillo en ese territorio vaciado, en esa España olvidada hasta por los políticos en sus campañas de propagandas electorales.

Sin embargo, Pablo Rosal, con Castroponce, un municipio vallisoletano perdido de la mano de los que se fueron yendo, utiliza el lugar para ofrecernos un simposio donde se analizará la Teoría y praxis de una vanguardia del siglo XXI. Por cierto, ¿qué es el siglo XXI?

Él mismo y él solito, como no podía ser de otra manera, por el ambiente rural en el que nos hallamos, nos relata con pelos y señales todas las circunstancias de ese congreso donde las mejores versiones de la cultura nos darán su parecer y las circunstancias culturales, teatrales y políticas en las que se desenvuelven.

Es una muy interesante situación de sillas vacías que no lo están, del efecto poético que llega a un rincón del país que casi nadie habita. No obstante, el encuentro y las ponencias, por llamarlas de alguna manera, se llevan a cabo con suficiente calidad intelectual y hasta se dispone de un piano y un músico que también se expresa adecuadamente.

Por lo tanto, no hay tremendismo. A pesar de la supervivencia, hay, como ya hemos dicho, humor, realismo, teatro en sí mismo, ideas, pareceres, causas y efectos.

Lo que hace que en el plano de la política y la teatralidad, se vea claramente que hay técnicas parecidas. Con la seriedad y sistematización de apertura a un mundo que está ahí, en lo oscuro, y nunca saldrá de aquello.

Pablo Rosal nos conciencia de que todas estas ideas son ciertamente universales, y uno nunca debe dejar de renovarse en el campo cultural y artístico. Todo esto me lleva a recordar esa gran película de José Luis Cuerda, “Amanece que no es poco”, donde indefectiblemente cualquier cosa puede suceder en la España oculta.

Después de Castroponce, parece ser que el teatro existe, solo hay que saber descubrirlo.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Las reseñas de Alberto Morate: LA VENGANZA DE DON MENDO

Alberto Morate nos adentra en LA VENGANZA DE DON MENDO que acaba de estrenarse en el Teatro Reina Victoria de Madrid en unos días muy especiales para DESDE MI BUTACA COMUNICA y es que hemos tenido récord de visitas gracias a la reciente entrevista con Rafael Álvarez, ‘El Brujo’. Siéntense en sus butacas y disfruten de Las Reseñas de Alberto Morate que seguirán acompañándonos en los próximos meses.

Algo tendrá esta comedia para que más de cien años después se siga representando por doquier tanto por compañías profesionales como por grupos de teatro aficionados. Es divertida, tiene ritmo, sátira y, a pesar de estar en escrita en un falso verso, es decir, en ripio, con variedad de matices y rimas, se hace ferviente candidata a formar parte del repertorio de intérpretes con más o menos gracia.

Comedia perfecta, por tanto, podríamos decir, fresca e intemporal, que aunque requiere de diversos espacios, palacio, prisión, campamento militar, cueva con sus escondrijos, no resulta demasiado complicado solventarlo con figurines, paneles, telones pintados a la antigua usanza o, como en este caso, cubos paralelepípedos de cartón con los motivos necesarios para cada ocasión. Al igual que el vestuario, quizás más complicado, pero que con la complicidad del espectador podría pasarse por alto. No es el caso de este montaje, donde la compañía Saga, dirigida por José Saiz, cuida al detalle y pone todo el esmero.

De la misma manera, José Saiz que también la protagoniza, se ha tomado la licencia de añadir unos estrambotes escénicos musicales, es decir, al principio, en las transiciones entre actos y al final, y ¡vive Dios!, que no le quedan mal. Al contrario, aunque avisan que no es musical, efectivamente, no lo es, es un amago de musical, sin serlo, puesto que la función y el texto se desarrollan íntegros, palabra por palabra, dándole vida con el añadido de un mínimo de burbujas de agua bicarbonatada para acercarlo a la tendencia actual de hacer un musical de todo.

Cada representante está bien situado y, lo que más me gusta, es que José Saiz, nuestro Mendo en este momento, no resta protagonismo a los demás, pues no es ni excesivo ni histriónico, no exagera las formas ni recalca ciertos ademanes que ya he visto en otros actores. Es de agradecer ese servicio a la puesta en escena general, al elenco, a la no necesidad de hacer énfasis en la interpretación, pues el texto en sí, ya es suficientemente bueno y con gracia para no tener que exprimirlo hasta dejarlo en paños menores.

Puesta en escena más que meritoria, respetuosa, necesaria para que las nuevas generaciones se adentren en un teatro que no pasa de moda, y las generaciones ya baqueteadas comprueben que no todo son montajes raros, vanguardistas y polémicos.

Por cierto, hablamos de La venganza de don Mendo, de Pedro Muñoz Seca, por si alguien aún no se había enterado, una caricatura de tragedia, un astracán, que lo cortés no quita lo valiente, y aunque aquí no viene al caso, e independientemente de ideologías, la calidad no está reñida con las apreciaciones personales.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

‘El Brujo’: “Soy un niño feliz jugando con sus juguetes y compartiendo con el público ese juego”

Texto: Adaptación de la entrevista de Carlos Rivera para la UIMP

Fotografías: Juan Manuel Serrano para la UIMP

Vídeo: Grupo Trévol para la UIMP

Hoy nuestras «Notas desde la Menéndez Pelayo» extienden la alfombra roja para disfrutar de todo un clásico de nuestra escena. El miércoles tuvimos la oportunidad de charlar para la Universidad Internacional Menéndez Pelayo -donde estaremos como parte del Gabinete de Comunicación durante todo el verano- con Rafael Álvarez ‘El Brujo’ justo antes de la representación de Los dioses y Dios que puso en pie al público al final con el éxito viral Jerusalema. Durante la función, que parte libremente del Anfitrión que representó en el Festival de Mérida en 1994 con versión de José Luis Alonso de Santos y del que cuenta una anécdota, no faltaron guiños constantes a la actualidad. El CASYC se llenó de risas de un público entregado que no pudo evitar la carcajada con sus menciones a la Cumbre de la OTAN o a esos que al final se dan cuenta de que ha dedicado su vida solo a ver Telecinco. Siéntense en sus butacas y disfruten del poder de la palabra de este maestro de maestro en el arte de Talía. Arriba el telón de las ‘Escénicas en Casyc’ de la UIMP donde pudimos volver a comprobar que sigue siendo «un niño feliz jugando con sus juguetes y compartiendo con el público ese juego».

Un momento de Los Dioses y Dios en el CASYC captado por el fotógrafo Juan Manuel Serrano Arce

“Tras la pandemia, hay una mayor conciencia sobre la fuerza del teatro”. Para el intérprete: “Cuando salíamos al escenario, ese público que siguió acudiendo valoraba el hecho teatral de otra manera, con una mayor conciencia y emoción escénica y una gran gratitud y esto creo que ha reciclado el teatro”. De alguna forma, el intérprete sintió en ese momento “que la vida continuaba cuando ibas al teatro”. Para el actor, al contrario de la música, que está reviviendo este verano con una sobresaturación de oferta, “las gentes del teatro ya llevan un año en el camino de forma activa”. Fue precisamente el año pasado «cuando yo experimenté esa fuerza del público».

Para el protagonista de Los dioses y Dios, el teatro “tiene una cosa muy especial que los conciertos no lo tienen por estar mediatizados por el sonido”. ‘El Brujo’ ha querido reivindicar que en el teatro “tienes esa misma fuerza pero íntima y cercana con un público al que te puedes dirigir como si estuviera en tu casa”.

En Mérida, como una rockstar
El imponente Teatro Romano de Mérida, con sus 3.000 localidades, “es lo más cercano que puede estar un actor a convertirse en una estrella del rock”. El intérprete nos comenta con una sonrisa que “es muy emocionante no solo por la cantidad de público”. Y una de las imágenes que se le vienen a la cabeza de tantas noches colgando el cartel de ‘no hay localidades’ es con la obra El asno de oro en la que “se quedó muchísima gente en la calle”. Un dato interesante es que el año pasado en plena pandemia consiguió reunir a 2.000 personas y comenta que “al subirme a ese escenario inmenso tuve una fuerte ovación y al final te das cuenta de que lo importante es la atmósfera que se crea en ese monumento. Es muy emocionante vivir algo así”.

La UIMP y el Brujo
“He venido a la UIMP desde mis tiempos de estudiante”, continúa el artista, que fue ‘Premio La Barraca’ en 2015 y se reconoce “un fiel seguidor de la institución». Recuerda con cariño aquellos “veranos maravillosos”, de los que reivindica “la confluencia de intelectuales, profesores, la intercomunicación de la gente y de los estudiantes”. Además “las representaciones de teatro tenían una mayor atención al ser un público más instruido y es que el teatro se nutre de la atención del público, cuanto más atenta está la gente tú más te creces”.

Foto de Juan Manuel Serrano Arce durante la entrevista

“Ha habido momentos de la historia reciente del teatro que se tenía a gala ofender a alguien”. ‘El Brujo’ ha rememorado como cuando comenzó en el oficio, hace más de 40 años, era impositivo ser especialmente “crítico”. Con el tiempo ha descubierto que “no es necesario ofender a nadie para que la gente se conmueva, se transforme y reflexione”. Para él, la clave está en que “si tú te ríes de ti mismo en primer lugar, nadie se ofende de que te rías de él”. Así “si tú haces una revisión crítica y humorística de tu propia condición, te sientes más libre y con más posibilidades de compartir complicidad con el espectador sea de la ideología que sea”.

El eterno juego del teatro
“Yo juego desde el primer momento en que me subí a un escenario”, comenta el artista, que desde sus comienzos haciendo teatro alternativo en los 70 y 80” ha tenido “el juego como protagonista”. Por eso, el intérprete sigue jugando cada vez que se sube a un escenario: “Cualquiera que me haya visto sabrá y podrá comprobar que soy como un niño feliz jugando constantemente con sus juguetes y compartiendo con el público ese momento de juego”.

Antonio Banderas y Andrew Lloyd Webber, Amigos Para Siempre para llevar el teatro musical en español a las mayores cotas de excelencia

Hoy, Andrew Lloyd Webber y Antonio Banderas han anunciado la creación de una empresa conjunta, Amigos Para Siempre (APS) para producir teatro, musicales y espectáculos de entretenimiento en directo, en español, incluidas algunas de las principales obras de Andrew Lloyd Webber en los principales mercados de habla hispana.

©Juan Naharro Gimenez

Colaboradores y amigos desde hace mucho tiempo, la empresa APS de Lloyd Webber y Banderas otorgará licencias, producirá y desarrollará proyectos para los mercados de habla hispana de todo el mundo, considerada una de las audiencias globales más grandes y de mayor y más rápido crecimiento. APS llegará a los principales mercados de habla hispana de todo el mundo, incluido EE. UU.

Really Useful Group, compañía fundada por Andrew Lloyd Webber, cederá a la nueva empresa conjunta los derechos escénicos de las versiones en español de los icónicos éxitos musicales de Lloyd Webber, incluidos The Phantom of the Opera, Sunset Boulevard, Starlight Express, Jesus Christ Superstar, Evita, Cinderella, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat and School of Rock.

Amigos Para Siempre (o Amics Per Semper en catalán) fue escrita por Andrew Lloyd Webber, con letra de Don Black, para los Juegos Olímpicos de Verano de 1992 celebrados en Barcelona. La canción fue interpretada, en la ceremonia de clausura, por Sarah Brightman y José Carreras.

Andrew Lloyd Webber: “Antonio Banderas no solo forma parte de la realeza del entretenimiento, sino que también es una de las mentes creativas más versátiles con las que he tenido el placer de trabajar. Es realmente emocionante asociarme con Antonio para presentar mi trabajo, así como otros títulos brillantes de Broadway y del West End, en nuevos mercados. Si bien ya millones de personas en todo el mundo de habla hispana aman nuestros espectáculos y nuestra música, el apetito por recibir más y el nivel de talento musical y teatral es extraordinario. Estoy impaciente por trabajar con Antonio para traer al mundo producciones en español de excepcional calidad».

©Juan Naharro Gimenez

Antonio Banderas: “Tuve el gran privilegio de trabajar mano a mano con Andrew durante la grabación y el rodaje de su célebre musical EVITA en 1996, pero fue cuando vi Jesucristo Superstar, durante la primera parte de la década de los setenta, cuando me enganché a la música, el teatro y el fabuloso talento de Andrew Lloyd Webber. No sería erróneo decir que me convertí en actor por la enorme influencia y la fuerte impresión que experimenté cuando vi los musicales de Andrew. Tener la oportunidad de volver a trabajar con uno de los más respetados y admirados compositores de todos los tiempos, ofreciendo sus magníficos trabajos a un público en español, es uno de los logros más destacados de mi carrera en el mundo del espectáculo.”

©Juan Naharro Gimenez

The Really Useful Group (RUG) es propiedad exclusiva de Andrew Lloyd Webber para producir, licenciar y promocionar sus espectáculos y su música en todo el mundo. Producciones de Andrew Lloyd Webber’s: The Phantom of the Opera, Joseph And The Amazing Technicolor Dreamcoat, Jesus Christ Superstar, School of Rock – The Musical, Starlight Express, Evita y muchas otras están actualmente interpretándose y de gira en los principales mercados del mundo. Cada año, el contenido de The Really Useful Group es visto por cientos de millones de personas.

Banderas inauguró su proyecto más personal: el Teatro del Soho Caixabank en 2019. Dirigió y protagonizó A Chorus Line, la primera producción en español de la compañía, y recientemente ha dirigido y protagonizado también su segunda producción en español, Company.

Este proyecto de empresa conjunta está supervisado por Emanuel Nuñez, director general de NuCo Media Group, y por la presidenta de Really Useful Group, Jessica Koravos.

Andrew Lloyd Webber

Andrew Lloyd Webber ha compuesto las partituras de algunos de los musicales más famosos del mundo. Desde Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat (1969) hasta Cinderella (2021), su trabajo se ha representado en los escenarios de todo el mundo. Antes de que llegara la pandemia de COVID, Lloyd Webber tuvo espectáculos continuamente en el West End durante 48 años y en Broadway durante 41. Cuando Sunset Boulevard se unió a School Of Rock, CATS y The Phantom Of the Opera, igualó el récord de Rodgers & Hammerstein de tener en cartel cuatro espectáculos simultáneamente en Broadway. Pertenece al selecto grupo de artistas con estatus EGOT, habiendo recibido premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony.

Lloyd Webber es propietario de seis teatros de Londres, incluido el icónico London Palladium y Theatre Royal, Drury Lane. Reabierto en julio de 2021, este último ha sido completamente restaurado y renovado con un costo de más de 60 millones de libras. Es uno de los mayores proyectos realizado nunca por un propietario de un teatro privado. Su mantra de que cada centavo de las ganancias obtenidas en sus teatros se reinvierte de nuevo en los edificios, ha permitido un trabajo considerable en sus salas durante la pandemia, incluida la remodelación completa y el cambio de butacas del Gillian Lynne.

Lloyd Webber cree firmemente en la importancia de la educación musical y la diversidad en las artes. La Fundación Andrew Lloyd Webber concede 30 becas de artes escénicas cada año para talentosos estudiantes con necesidades financieras y apoya una variedad de proyectos como el Music In Secondary School Trust y financia investigaciones sobre la diversidad en el teatro.

Andrew Lloyd Webber fue nombrado caballero en 1992 y recibió un título de Par vitalicio en 1997. Para conmemorar su 70 cumpleaños, Harper Collins publicó su autobiografía más vendida, Unmasked, en marzo de 2018.

Esa conmemoración tan especial también tuvo una versión discográfica, Unmasked (The Platinum Collection), de cuya campaña de comunicación nos encargamos en España en DESDE MI BUTACA COMUNICA de la mano de Universal Music Spain.

Antonio Banderas

Desde su éxito en la industria del cine estadounidense, Antonio Banderas es considerado como uno de los principales actores internacionales de su generación. Ha sido reconocido por la crítica por sus actuaciones en cine, televisión y teatro, así como por su faceta como director. En 2005, descubrió una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Nacido en Málaga, España, Banderas asistió a la Escuela de Arte Dramático de su ciudad natal y al graduarse, comenzó su carrera como actor trabajando en una pequeña compañía de teatro con sede allí. Más tarde se mudó a Madrid y se convirtió en miembro de la compañía del prestigioso Teatro Nacional.

En 1982, Banderas fue elegido por el escritor y director Pedro Almodovar para protagonizar Laberinto de Pasiones. Fue la primera de las ocho películas que ha hecho hasta la fecha con el director manchego: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios ¡Átame!. El éxito internacional de estas películas le permitió iniciar su carrera en Hollywood. Más tarde protagonizó La piel que habito y Dolor y Gloria, ambas escritas y dirigidas por Almodóvar.

Banderas ha trabajado con algunos de los mejores directores y actores de Hollywood: Evita, de Alan Parker, frente a Madonna, por la que recibió su primera nominación al Globo de Oro como Mejor Actor; Desperado de Robert Rodríguez, junto a Salma Hayek, y su secuela Érase una vez en México, junto a Johnny Depp; Pecado Original con Angelina Jolie; La Máscara del Zorro, de Martin Campbell, junto a Catherine Zeta-Jones, por la que recibió su segunda nominación al Globo de Oro como Mejor Actor, y su secuela, La Leyenda del Zorro; de Femme Fatale de Brian de Palma; Entrevista con el vampiro, de Neil Jordan, con Tom Cruise y Brad Pitt; La Casa de los espíritus, de BilleAugust, con Meryl Streep y Glenn Close; y Filadelfia de Jonathan Demme, junto a Tom Hanks y Denzel Washington. Fue nominado a su tercer Globo de Oro como Mejor Actor por su actuación como el infame “Pancho Villa” en HBO, en la serie del mismo título.

En 2003, Banderas obtuvo una nominación al Tony como Mejor Actor en un Musical por su debut en Broadway en la producción de Nine de la Roundabout Theatre Company, un musical inspirado en 8 ½ de Fellini. También recibió un premio Drama Desk al mejor actor, un premio Outer Critics Circle, un premio Drama League y el premio Theatre World. Nine, dirigida por David Leveaux, también fue protagonizada por Chita Rivera.

Hizo su debut como director con Locos en Alabama, protagonizada por Melanie Griffith. Su segundo largometraje como director fue la película española El Camino De Los Ingleses (titulada Summer Rainin the U.S.), una historia sobre la mayoría de edad que sigue los primeros amores, lujurias y obsesiones de amigos de vacaciones a fines de la década de 1970.

Otros de sus créditos cinematográficos incluyen: Life Itself, Beyond The Edge, The Music of Silence, Security, Black Butterfly, The 33, Automata, Knights of Cups, The Expendables 3, Sponge Bob: Sponge Out Of Water, Machete Kills, Justin and the Knights of Valor, Ruby Sparks, Haywire, Black Gold, Day of the Falcon, Puss In Boots, Conocerás al hombre de tus sueños, The Big Bang, The Other Man, Shrek 2 y Shrek the Third, Shrek Forever After Take the Lead, Spy Trilogía para niños, Miami Rhapsody, Four Rooms, Assassins, Never Talk to Strangers, Two Much, The 13th Warrior, Play it to the Bone y Ballistic: Ecksvs.

En 2018, protagonizó la serie limitada Genius: Picasso de National Geographic, en la que recibió nominaciones al Emmy, Globo de Oro, Critics Choice y Premio SAG como actor principal en una serie limitada.

En 2019, Banderas inauguró el Teatro del Soho Caixabank Theatre con la producción en español del clásico musical A Chorus Line, que dirigió y protagonizó y, en 2022, dirigió y protagonizó la producción en español del musical Company. Sobre ambos espectáculos hemos hablado ampliamente en nuestro blog y redes sociales.

En 2020, Banderas fue nominado al Oscar por la Academia Cine Americana y al Globo de Oro como Mejor Actor por su convincente interpretación de ‘Salvador Mallo’ en el drama autobiográfico de Pedro Almodóvar Dolor y Gloria. También ganó el premio Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes 2019 y el de Mejor Actor en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por su increíble actuación, así como el premio Goya de la Academia de Cine de España en la categoría de Mejor Actor.

Entre sus próximos estrenos están la esperada próxima entrega de la franquicia de Indiana Jones, Indiana Jones 5, junto a Harrison Ford y Phoebe Waller. Está trabajando en la secuela de la película animada El gato con botas: El último deseo, que se estrenará en diciembre. También protagoniza el thriller negro The Enforcer para Millennium Films.

Rafael Álvarez «El Brujo» inaugura el miércoles las Escénicas en el CASYC de la UIMP

Dentro del 90 aniversario de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, vuelve el tradicional ciclo Escénicas en el CASYC. El padrino de lujo en este verano será el veterano Rafael Álvarez «El Brujo» que con Los dioses y Dios llegará a Santander el miércoles 29 de mayo a las 20h. Las entradas tendrán un precio de 15 euros para público general y con entrada con invitación para la comunidad UIMP. El intérprete, Premio Nacional de Teatro, fue reconocido con el VIII Premio La Barraca a las Artes Escénicas de la UIMP en 2015.

Los dioses y Dios es un recorrido sorprendente, emocionante y cómico por la mitología o mitologías a las que se aferra el ser humano cuando se asoma al abismo de lo desconocido. Dilucidar el misterio de la vida es el anhelo incesante de toda sabiduría. De momento no hay ciencia que pueda iluminar el origen desconocido, o el destino final de la existencia. Por eso existe el arte, la metáfora, el cuento, el teatro, el relato. El verdadero interés de los mitos griegos es que la cultura del mediterráneo hizo a sus dioses a su imagen y semejanza, algo que no había ocurrido en otras culturas.

Malena Alterio y Luis Bermejo cerrarán el recorrido de la espléndida LOS QUE HABLAN con carácter benéfico en Santander

Malena Alterio junto a Luis Bermejo con Los que hablan y una gala de celebración de la diversidad culminan las conmemoraciones de los 40 años de vida de ASPACE Cantabria

Una emotiva gala lleva al escenario de CASYC, el viernes 1 de julio, la historia y protagonistas de esta entidad creada por madres y padres de niños con parálisis cerebral hace cuatro décadas

Los que hablan, una función que solo os podemos recomendar encarecidamente DESDE MI BUTACA, cierra una gira de más de 110 funciones por todo el territorio nacional con éxito de crítica y público, el sábado 2 de julio, también en CASYC. Estuvimos hace unos días en el Teatro del Barrio con Malena Alterio como compartimos en nuestro Instagram.

La recaudación de las entradas de ambos actos será íntegramente donada para ASPACE Cantabria

A principios de los 80 era realmente excepcional ver en nuestras calles a personas con discapacidad. Más aún -si es que hubo algún caso- verlas en películas o sobre los escenarios. Campeones, de Javier Fesser, con un elenco de protagonistas con diversidad funcional acompañando a Javier Gutiérrez, ganó el Goya a la mejor película en 2018. Y dio la vuelta radicalmente a esta excepcionalidad. Hoy son numerosas y valiosas artísticamente las posibilidades de ver en la pantalla y teatros a personas con capacidades diversas.

Esto es así gracias al tesón y coraje de personas como Irene Valle y Azucena García, madres de niños con parálisis cerebral. Ante este diagnóstico de sus pequeños, ambas constataron que, a finales del siglo XX, el sistema sanitario, educativo y asistencial no tenía en cuenta las necesidades específicas de sus hijos e hijas ni las suyas. ¿Qué hicieron ante ese desamparo? Encontraron a familias en una situación similar, se unieron y crearon ASPACE Cantabria. De esta manera, ayudaron a la sociedad cántabra a no dejar atrás a ninguno de sus miembros.

El viernes 1 de julio a las 19:30 h, una gala celebra y conmemora este viaje, con sus protagonistas sobre el escenario. El acto contará con la colaboración generosa de Belén de Benito fotógrafa santanderina que trabaja para diversos medios nacionales y que ha seguido desde su cámara el cotidiano de ASPACE; Malabara Circocompañía y escuela de artes circenses de Torrelavega; y la pieza de danza “El imán de la esfera te abraza”, una creación de DANZALIARTE que lleva al escenario a bailarines de su compañía con personas usuarias de ASPACE Cantabria y que es el nuevo espectáculo de Alia Dodivena, fruto su trabajo desde hace nueve años con personas con discapacidad. La gala será también un homenaje in memoriam a Antonio Ruiz Bedia, antiguo director de la entidad y figura fundamental en su desarrollo y crecimiento.

Las entradas se pueden adquirir en la taquilla de CASYC Santander o en el siguiente enlace.

Malena Alterio y Luis Bermejo

El sábado 2 de julio, a las 19:30 h, pone el broche de oro al cumpleaños de ASPACE Cantabria una producción de Teatro del Barrio: Los que hablanque cierra también su gira con esta función benéfica. Malena Alterio y Luis Bermejo, bajo la batuta de Pablo Rosal, viajan a Santander para esta despedida.

Estrenada en octubre de 2020 en el Teatro de La Abadía, de Madrid, Los que hablan surgía como reacción a una época, la actual, en la que la palabra sencillamente ha perdido su integridad y su acción. “Podríamos plantearnos, con la suma irresponsabilidad de que es bandera nuestro utilizado presente, participar de esta barbarie, de este aquelarre, de esta, como aquella, quema de libros, y bien cargados de cinismo, oportunismo y cualquier otro ardid, perpetrar más entretenimiento para el gozo de la desventurada civilización. Pero en un gesto ignoto, siempre hacia lo desconocido, nos proponemos con una audacia extemporánea permitir que lo divino de la palabra renazca en nuestras vidas forzadas a no creer”, expresaba Rosal en el programa de mano de la pieza. Así reivindicaba su voluntad de “resignificar la palabra con una inocencia nacida en el siglo XXI, a eso nos disponemos”. 

Año y medio después, decenas de miles de personas han visto ya el que resultó uno de los fenómenos teatrales de la pasada temporada. En el Teatro Central de Sevilla, el Auditorio Centro Niemeyer de Avilés, el Teatro Gayarre de Pamplona, el Teatro Lava de Valladolid, el Teatro de la Abadía en Madrid… En medio de un tiempo pandémico, con cierres de teatros y limitaciones de aforo, este centenar de funciones es todo un éxito. 

Los que hablan pretende reencontrar, borradas todas las pistas, la experiencia del personaje originario del escenario, la experiencia animal del primer hablante. El molde, el maniquí. Presentar ante el espectador seres pre-culturales, siempre frágiles, en la cuerda floja, nunca acabados, antes de conseguir ser alguien. Mostrar al ser humano suspendido, tembloroso. Desposeerlo de esta absurda seguridad que ha obtenido desesperadamente y presenciar gloriosamente sus probaturas, sus honestos fracasos. 

Darnos el gusto de observar con ternura todo lo que el ser humano ha añadido al alma, por interés del ego. Este es el sacrificio que propone nuestra obra. 

No es la novedad lo que ansía este espectáculo, sino devolvernos la elementalidad, congregar a los espectadores en un gran e íntimo ‘No sé’. He aquí su apuesta artística: su ética. No podemos vanagloriarnos de que lo que se necesita hoy día es hacer menos si lo hacemos a través de una historia y un discurso, que no deja de añadir, de ser la forma victoriosa de nuestro tiempo. Se trata de un espectáculo de verdadera renuncia al drama. Se trata de comprender realmente lo que el silencio es. 

Dejar morir la palabrería y encontrarnos al fondo, todos, callados. 

Las entradas se pueden adquirir en la taquilla de CASYC Santander o en el siguiente enlace.

Las personas y entidades participantes en ambas citas colaboran de manera solidaria. La organización quiere dar las gracias a Belén de Benito, Malabara Circo, Danzaliarte, Teatro del Barrio, Malena Alterio, Luis Bermejo y a la Fundación Caja Cantabria.

Las reseñas de Alberto Morate: LOS FARSANTES. Ficciones que no son mentiras.

Despertar y creer que lo que has soñado es realidad. O que lo que vivimos no deja de ser un sueño, de intentar conseguir lo imposible, de deseos que se frustran constantemente, de gente que pasa alrededor nuestro y nos influyen y nos creemos sus historias y nos inventamos una nuevas para que se las crean ellos.

Todos fingimos, todos somos farsantes en ciertos momentos de nuestra vida. La cuestión es creérnoslo nosotros también, discernir entre lo que es cierto y lo imaginado, entre las despedidas y los regresos.

Alguien es nuestro hilo conductor. Nuestro nexo, con quien nos multiplicamos o nos dividimos, con quien nos descubre nuestro secreto o, simplemente, nos acompaña en ese transitar en el que nos movemos.

En Los farsantes hay historias paralelas, que nunca se tocan, pero van hacia un mismo destino. Otras que se cruzan, ficciones que no son mentiras, sombras de nosotros mismos, recuerdos, sórdidas relaciones, miedos.

Pablo Remón juega con las palabras, las situaciones, los personajes, los tiempos, los espacios, el argumento en sí mismo que parece que se va construyendo poco a poco. Pero sabe que todo es un juego. Un juego de atardeceres, de soledades, de inquietudes, de cadáveres que no mueren, de fantasmas del pasado, de nieve que cae y nos deja en silencio.

Los actores son los artífices del engaño, que no es tal. Es solo una irrealidad, un soñar despiertos, una verdad maquillada, una mentira que no es piadosa, sino que hace crecer a los personajes por dentro.

Ellos y ellas, Javier Cámara, Francesco Carril, Bárbara Lennie y Nuria Mencía en mil y un personajes, en teatro haciendo cine, en directo, pero también en diferido cuando nos cuentan su pasado, en compañía mientras están en soledad, en acercamiento mientras están lejos.

No decae el ritmo de este redoble de corazón, de este escenario vacío pero no desierto. De este sueño vivido, de esta sátira sobre lo que es plagio y lo que es original, sobre las vidas que no queremos vivir y las que nos imaginamos, sobre las relaciones entre individuos que no paran de hablar pero se comunican poco, sobre lo que quiero y lo que deseo y lo que tengo.

Magnífica interpretación de todo el elenco, uno a una y todos juntos, creyéndonoslo. No dejen de pensar que por disimular no dejamos de ser menos verdaderos. Aunque al final sea un lío todo esto.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.

Santander será epicentro de las artes escénicas en julio

Un año más, la Academia de las Artes Escénicas de España plantea una actividad en su Escuela de Verano. Por cuarta vez, se produce la colaboración entre varias instituciones públicas para ofrecer un programa que une rigor, excelencia y entretenimiento, para que jóvenes de diversas comunidades participen en un proyecto de formación. Este año, Cantabria es la referencia ideal para, a partir de una personalidad tan destacada del mundo de la escena como Santiago Ontañón, considerar, junto a su condición de artista plástico de primer nivel, la actualidad de la escena social en sus formas más destacadas. Las actividades se desarrollarán entre el Palacio de Festivales de Cantabria y la Filmoteca Mario Camus. Nombres como los de Cayetana Guillén Cuervo, Pepe Viyuela, Laila Ripoll, Lluis Pascual, Ana Zamora, Lluis Pascual, César Oliva, Antonio Najarro, Borja Ortiz de Gondra, Helena Pimenta, Ana Zamora, Ignacio García May y Javier Huerta -que también impartirá un curso este verano en la UIMP– entre otros nombres. Eduardo Vasco será el director de este curso que contará con 50 horas lectivas. Del 18 al 21 de julio Santander se convertirá por primera vez en uno de los centros estratégicos de las artes escénicas de toda España.

Ayer Cayetana Guillén Cuervo, Presidenta de la AAE, de la mano del Vicepresidente de Cantabria Pablo Zuloaga, de la Directora General de Acción Cultural Gema Agudo, de Carlos Troyano, responsable de programación del Palacio de Festivales de Cantabria y el rector de la Universidad de Cantabria, Ángel Pazos, entre otros presentaron esta iniciativa de la Academia de las Artes Escénicas de España.

Las reseñas de Alberto Morate: ENTRE COPAS. Brindemos por ello.

El vino, aunque no lo bebamos, es nuestra esencia. Somos un país vitivinícola, de recios sarmientos, de buena uva, de caldos de prestigio. Pero qué pocos entienden sobre ello. Hablan, presumen, lo catan, lo prueban, pero se quedan en eso. Y el vino, me lo enseñó mi padre, es algo más. Es el sudor claro y enfrentado de quien hace un esfuerzo por ofrecernos un placer.

El vino es memoria, es historia, es arraigo. Pero también literatura, juerga, amistad, encuentros, amor. Sobre todo amor, brindis sonriendo.

Con una copa de vino me siento estupendo. Mis manos están ocupadas. Siento el aroma, aprecio el color, me acompaña el misterio. Y si a eso le añado una buena compañía, está todo hecho.

Entre copas es una comedia amable, de todo lo citado anteriormente. Encuentros, amor, incluso olvido, esperanza, necesidad, espejo. El texto es de Rex Pickett, que no es riojano ni de la Ribera del Duero, ni de Valdepeñas, ni tiene denominación de origen, pero puso empeño.

Alrededor del vino se construye una historia de insatisfacción y de aventura, de comienzo y no solo de gesto. Quien aprecia el vino es más honesto. Quien lo toma como entretenimiento solamente no sale escaldado, pero queda seco.

Una historia aparentemente banal, una despedida de soltero, se convierte en un golpe, en un beso, en un exprimir la uva, en un devenir que depende de quién deguste el mejor vino, de quién sepa consumirlo y querer hacerlo su destino, su propósito, su objetivo, su último verso.

Juanjo Artero, Patxi Freytez, Ana Villa y Elvira Cuadrupani son las dos parejas con distintos gustos a la hora de paladear lo que pueden ganar o perder, lo próximo o cercanos que nos encontremos de los otros. No solo es cuestión de cantidad, sino de calidad y saber sacarle provecho. Pero provecho humano, de amor, de vida entre dos, de abrazos, de aproximación, de no sentirse ni más ni menos. Lo hacen con ritmo, con desparpajo, con soltura escénica, con divertimento que nos traspasan a los espectadores, brindemos por ello.

Garbi Losada lo dirige, no es la culpable de todo esto, es la enóloga que sabe apreciar el sabor de un sentimiento. Al fin y al cabo, una copa de vino es mucho más que una bebida que debería permitirnos ser sinceros. Entre copas, entre vinos, anda el juego, entre vinos nos hacemos personajes excelsos.

Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.