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Hoy el Festival Internacional de Santander acoge una representación muy especial. Como es habitual en su programación -en la que hemos visto joyas como Soñando el carnaval de los animales de Títeres Etcétera de cuya comunicación nos encargamos- no falta la apuesta por el público familiar. Este año lo hará con DESDE EL MARhoy a las 19h en la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria.
Un universo marino de aventura, un espacio onírico en el que se aprecia el paso del tiempo: naufragios, objetos que los años han alterado, fragmentos y pedazos que tienen historias que contar. Este es el resumen de Desde el mar el espectáculo familiar con el que el Festival Internacional de Santander (FIS) -11 de agosto, 19.00 horas- quiere llegar a un público mucho más amplio, la familia, ofreciendo una novedosa ópera infantil a cargo de los coros infantiles y juveniles Coro Easo y la Escolanía Aila de Laredo.
Serán niños y niñas los protagonistas de este espectáculo músico-teatral, en versión ópera, una coproducción de la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival Internacional de Santander, sobre la obra “Les chants de la mer” de Roger Calmel. Gorka Miranda, como director de coro y artístico; Samara Oruña, directora de la escolanía y Mafalda Soloio, directora de escena son los responsables de este proyecto, denominado ITSASOTIK, que consigue desarrollar, de manera transversal, las capacidades artísticas de actores y espectadores, creando una obra sostenible en términos medioambientales, creativos y sociales.
La obra original de Calmel (1920-1998) narra la historia de una niña amante del mar que un día es recogida por unos marineros. En medio de una tormenta, la niña cae al agua y es tragada por un pez enorme, que la lleva a una playa; desde allí, unas aves marinas guían a la niña hacia una ciudad gris y sin vida. Allí se encuentra con un niño que repara estrellas, y juntos emprenden la tarea de «cambiar el corazón» de los habitantes de la ciudad.
Los textos originales, de Didier Rimaud, se han adaptado acertadamente a la realidad que existe en nuestros mares, haciendo hincapié en el grave problema que supone la presencia de plásticos en ellos. Una realidad que viven los más pequeños y cuyo cuidado necesita de su implicación. El atractivo de esta obra cuenta con muchas vertientes. Por un lado, son los niños los protagonistas de esta obra, proporcionándolos un espacio como el FIS en el que mostrar sus excelentes capacidades artísticas, poniéndolas en valor ante un público como el del Festival. Tanto la Scola Easo como Escolanía Aila de Laredo muestran la gran capacidad de estos jóvenes artistas.
Por otro lado, esta obra acerca la programación del FIS a un público mucho más joven, los niños, con una propuesta atractiva, realista, con la que pueden identificarse, a través de la música, la principal protagonista. Consigue, así mismo, explotar y expandir la creatividad e imaginación de los niños. No menos importante es lograr la implicación de las familias y agentes sociales, convirtiendo este proyecto en un tema participativo y colaborativo. Y todo ello de una forma sostenible.
EJES SOSTENIBLES
La creatividad es uno de los principales ejes sostenibles de esta obra. Se han minimizado los recursos materiales, como decorados o atrezzo, para lograr maximizar los mecanismos creativos e imaginativos, tanto de actores como de espectadores, pero sin mermar, en ningún caso, la calidad del espectáculo. Así mismo, las producciones de ópera y teatro suelen contar con recursos de un solo uso, elementos exclusivos para la ocasión. En este caso se trabaja con elementos reciclados, alquilados o de segunda mano, adquiriendo para este espectáculo muy pocos objetos nuevos, lo que minimiza el impacto ambiental. Por último, el soporte escénico de la obra ha sido previsto y gestionado con Emaús Fundación Social, entidad sin ánimo de lucro, y se elabora en talleres compartidos con personas en exclusión social.
La Historia Interminable el musical te invita a sobrevolar el Reino de Fantasia a lomos de Fújur y formar parte de su club de Piloto de Dragones, a través de una experiencia de realidad virtual 360º, completamente gratuita en el hall principal del Teatro Calderón. Estará abierta al público de martes a domingo de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas.
El teatro Calderón de Madrid, que albergará el estreno mundial del musical La historia interminable el próximo 5 de octubre, se ha convertido en una improvisada autoescuela donde obtener un carné para pilotar dragones. Una nueva activación que pone en marcha este verano la productora del musical, beon. Entertainment, para la promoción del espectáculo.
Todos los fans del bestseller de Michael Ende, amantes de la novela fantástica, familias, nacidos en los 80 o nostálgicos de esta década que se acerquen al hall de este céntrico teatro madrileño, tendrán la oportunidad de obtener el carné de Piloto de Dragones de forma totalmente gratuita. Los aspirantes a pilotos realizarán un viaje a lomos de Fújur, el dragón blanco de la suerte protagonista de esta historia, gracias a un proyecto de animación en el que se utilizan gafas oculus de realidad virtual. De esta manera los pilotos sobrevolarán el Reino de Fantasia, conocerán a los principales protagonistas de esta historia como el Comerrocas o Vetusta Morla y superarán diferentes pruebas hasta llegar a la Torre de Marfil. Solo aquellos que lo consigan obtendrán su carné. Una experiencia única para pertenecer a este selecto club.
El carné ofrecerá ventajas exclusivas a quienes superen la prueba. Además de ser los primeros en enterarse de todas las novedades sobre el espectáculo, tendrán un encuentro exclusivo con los creadores del musical y conocerán todos los secretos que se esconden entre bambalinas. También recibirán un cheque por valor de 10€, adquiriendo allí la entrada del musical, que podrán utilizar para la compra de merchandising. También participarán en sorteos, experiencias y mucho más.
Para conseguir el carné de piloto de dragones solo hay que pasarse por el hall principal del Teatro Calderón (Calle Atocha, 18) a partir del 12 de agosto desde las 17h. y hasta el 15 de septiembre. Esta actividad gratuita estará abierta de martes a domingo de 10h. a 14h. y de 17h. a 21h.
beon. Entertainment, la empresa líder en el sector del entretenimiento, cuenta con producciones destacadas como Antoine, el musical que cuenta la increíble historia de Antoine de Saint-Exupéry, el creador de ‘El Principito’, galardonado con el premio MAX 2021 al ‘Mejor Espectáculo Revelación’; El Médico el musical, basado en el bestseller de Noah Gordon que está de gira en la actualidad por los principales teatros del país o El tiempo entre costuras el musical, inspirado en la exitosa novela de María Dueñas, entre otros.
En la actualidad se encuentra preparando el musical ‘La Historia Interminable’, basado en la novela de Michael Ende cuyo estreno mundial tendrá lugar el 5 de octubre de este año en el Teatro Calderón de Madrid; mientras el musical ‘El Médico’ continúa su gira por España.
Entre los próximos trabajos de la compañía está también el estreno en 2023 de Forever Van Gogh con música de Ara Malikian y coreografías de Chevy Muraday. Un espectáculo en el que, a través de la música, la danza y las nuevas tecnologías descubriremos la vida del pintor a través de sus cuadros que cobrarán vida en escena.
beon. Entertainment ha estrenado también en los últimos meses, con enorme éxito de crítica y público, el musical El Tiempo entre Costuras basado en el libro de María Dueñas; obra que ha podido verse en las ciudades de Madrid, Zaragoza, Sevilla y Valencia. Además, ha realizado la coproducción del musical ¿Quién mató a Sherlock Holmes? dedicado al personaje más famoso de Conan Doyle.
En 2019 produjo el espectáculo ‘500+1′ con artistas de la talla como Rosana, Jorge Drexler, José Mercé entre otros. En plena pandemia puso en marcha el festival cultural bekultura Fest en tres ciudades diferentes: Madrid y dos en Sevilla, dando cobertura a todo tipo de registros. Desde la magia con el Mago Yunke; monologuistas como Alex O’ Dogherty, Martita de Graná o Santi Rodríguez; conciertos como Ryden, Ara Malikian, Miguel Poveda, Coque Malla, M Clan, Fandango, así como La noche de los Musicales, un tributo a las mejores canciones de musicales de la historia interpretados entre otros por Dani Diges, Gerónimo Rauch, Talía del Val, Joseán Moreno y Jana Gómez -acompañados en la dirección musical por Iván Macías- con más de 35 músicos en el escenario.
La veterana compañía valenciana lleva a escena una versión muy española de SANTIAGO SÁNCHEZ de Clacson, trombette e pernacchi, de Dario Fo y Franca Rame como cierre de lujo al ciclo estival de teatro Talía de la capital cántabra. Lo hará los días 12 y 13 de agosto a las 20h en el CASYC de Santander de la mano de Palco Tres Gestión. Como nos tienen acostumbrados en Imprebís el reparto está compuesto por excepcionales intérpretes que ya han trabajado anteriormente con ellos: Juan Gea, al que disfrutamos hace bien poco enVariaciones enigmáticas, Lola Moltó, Marta Chiner, Rafa Alarcón, Carles Montoliu, Carles Castillo y Víctor Lucas -también ayudante de dirección y cocreador de la música de este montaje.
Tras el éxito de Por los pelos, su primera colaboración, L’OM-IMPREBÍS y OLYMPIA METROPOLITANA se unen de nuevo para poner en escena una de las obras más delirantes del Premio Nobel de Literatura Dario Fo. El intento de secuestro de una alta personalidad de la sociedad española y la confusión de la cara de este con la de uno de sus empleados generan todo tipo de malentendidos y situaciones que nos hacen morir de la risa. Una sátira que pone al descubierto los intereses y manejos de la política, los jueces, la policía, las cloacas del Estado, las empresas y hasta de la medicina. Todo con la ironía y el humor del gran maestro italiano de la Comedia del Arte.
En los textos clásicos, como están libres de derechos de autor, ciertos individuos a los que se les llama gente también, creen que pueden hacer de su lectura un pan como unas tortas. Y pretenden modernizar a costa de erróneas innovaciones para acercar al público de hoy a los autores de ayer con estrambóticas puestas en escena, canciones, músicas, vestuarios e, incluso, lenguaje, obras de teatro a las que solo hay que tratarlas con respeto y comprendiendo qué es lo que dicen. Y, claro, así pasa lo que pasa. Que la palabra se distorsiona, que se cae en la chabacanería o que se desnorta el sentido de la obra primigenia.
De ahí que, la Cía. Kazo, con dirección de Juan Polanco, busque la yema de la esencia del zumo de la harina del maíz de la masa madre. Es decir, cual Cervantes que escribe la mejor novela de caballerías para criticar las novelas de caballerías, ellos ponen el punto de mira en los montajes donde creen que por añadir referencias actuales, ya están recreando un clásico de forma moderna.
Enmarcado dentro del Clasic Off (X Festival Experimental de Teatro Clásico) de Nave 73, en realidad lo que nos traen, en una gran puesta en escena, son Los melindres de Belisa de Lope de Vega, añadiendo precisamente esos estrambotes para darnos a entender que las cosas se hacen bien o mal, pero no es bueno hacer las cosas a medias. Hay sarcasmo y conciencia, ronroneos de interrupciones para que se note que la torta hecha con pan no siempre tiene que ser buena.
Son buenos ellos. Firmes, decididos, valientes, inquietos, juguetones, arriesgados pero, también, respetuosos y concienciados y, encima, dicen bien el verso. (Iba a poner declaman, pero me suena a otra cosa).
Se nota la complicidad entre director y elenco: Alba Amat, Luz Araque, Luis Burgaz, Dani Jara, Nacho León, Raquel Robles, Jesús Rodríguez, Cristina Subirats. Muestran ternura, pasión, alas de querer trascender, algo de miedo, o respeto por lo menos, voluntad, crecimiento, riqueza creativa, solo limitados por el texto del gran Lope, al que hacen suyo, porque él también quisiera que el “Arte Nuevo de hacer comedias en estos tiempos” no se anquilose, se adapte a estos nuevos tiempos pero, ojo, sabiendo que no todo vale y que no todos valen y hay que convencer y divertir a este público que lo agradecerá para que el teatro no se vaya muriendo.
Un pan como unas tortas, hacer algo con gran desacierto, pero no es el caso. Este pan es auténtico. Es divertido, lisonjero, tiene ritmo, tiene calidad, vayan a verlo.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
Alberto Morate se acercó anoche al Teatro Infanta Isabel al estreno de María Callas. Sfogato que hasta el domingo 31 de julio llenará de magia el escenario de este emblemático espacio escénico. Su reseña del espectáculo de SingUS Music lleva por título La Divina.
Hay gente predestinada a triunfar, incluso fracasando. Gente con un halo artístico tan poderoso que encandilará a las masas, lo que les llevará a tener también grandes pasiones, grandes amores, grandes éxitos, estrepitosos abucheos y desprecios. Nadie se puede abstraer al magnetismo de esos personajes.
María Callas fue La Divina. Despertó esas pasiones, iluminó esos corazones y destrozó otros, pero en contrapartida también se lo destrozaron a ella.
En María Callas, Sfogato de Pedro Víllora, el autor sitúa a la cantante en su última reclusión voluntaria, o forzada por las circunstancias, en su casa, con su ama de llaves, Bruna (Anabel Maurín) donde nos trae su vida en palabras, en recuerdos, en la gente que la espera fuera, en los dolores de sus amores, en los loores de sus triunfos, en un tiempo que se acaba pero que revive como María (Mabel del Pozo) y hace regresar a la Callas (Eva Marco) en una vuelta a los escenarios pero también a la intimidad de su soledad y de su corazón, por más que haya sido la fuerza pasional de luces, miserias, sombras y abundancias.
El director, Alberto Frías, trata con delicadeza el ambiente y los personajes, una habitación donde el esfuerzo, las dudas, el pasado,… es todo frágil, empaquetado, como para que no se deteriore lo que hay en su interior. Y en ese interior está ella, María Callas, partida en dos, como un viejo mueble antiguo de gran valor. Solo es capaz de recomponerla Bruna, su fiel asistenta que la oye gritar por dentro, pero la oye cantar por fuera, que procurará que no se desvanezca como humo y se disipe en el aire, aunque no pueda hacer nada por evitarlo, finalmente.
Con un texto justo y evocador de sus peripecias, pero emocional y sentido, las actrices y la cantante (Eva Marco) muestran su belleza interpretativa, mientras suena un piano que es como una brisa (Natalia Belenova) y los recuerdos de la diva, se nos hacen nuestros y se nos acercan.
La palabra llama al fuego de la pasión de una vida. Se condensa la voz divina en un escenario evocador de vitalidad ya apagada. Y canta. Y grita. Y susurra, y se confiesa, y no deja de soñar, hasta el último sueño definitivo, donde el público, puesto en pie, aplaudirá con energía este regalo como en los mejores tiempos de María Callas, soprano sfogato, La Divina.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
«Santiago Ontañón era un hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores a los que él fiel a su modestia llama amistad»
Fernando Fernán Gómez
Este año la Academia de las Artes Escénicas de España ha encontrado un gran aliado en Cantabria. El apoyo incondicional por parte de la vicepresidencia del Gobierno con Pablo Zuloaga a la cabeza, ha hecho que esta cuarta edición de su tradicional escuela de verano haya sido un verdadero éxito. Los alumnos encantados con las actividades y las vivencias vividas en la ‘tierruca’ y los organizadores, felices por lo que ha dado de sí esta experiencia que ha tenido a la figura de Santiago Ontañón como eje central de la misma.
Lluís Pascual y Santiago Ontañón, protagonistas matinales en la primera jornada. El lunes comenzó en la Filmoteca de Cantabria esta Escuela de Verano con dos grandes protagonistas. La inauguración oficial contó con representación de las instituciones participantes como Gema Agudo del Gobierno de Cantabria y el vicerrector de la Universidad de Cantabria, Tomás Mantecón. El acto terminaría en primer lugar con la intervención telemática de Cayetana Guillén-Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, que quiso «dar la bienvenida a todos los que habéis parado vuestras vidas para estar aquí».
Por su parte, César Oliva, vicepresidente segundo de la Academia de las Artes Escénicas, quiso «agradecer a Carlos Troyano su desvelo para conseguir el nivel que entre todos hemos conseguido». Además quiso acabar con «la herencia de teatro comprometido de Ontañón para el que no he encontrado un mejor retrato que el que le hizo Fernando Fernán Gómez».
A continuación, Lluís Pascual fue el primer protagonista en una deliciosa conversación con Anabel Díez, que estos días ultima los preparativos de las emblemáticas Guerras Cántabras de Los Corrales de Buelna (Cantabria). Durante la charla, el director de escena comentó que lo imprescindible es que «el actor no puede prescindir de su pasado. Seguramente ninguno haya visto a José Bódalo haciendo el Don Juan de Montenegro. Eso no se olvida y cuando lo ves dices se puedo llegar hasta aquí y te planteas hasta dónde puedes llegar». Con respecto a Lorca, eje central de la conversación, destacó que «lo he hecho en muchos sitios del mundo y su bálsamo va llegando y eso que se pierde mucho con la traducción, pero es como con Shakespeare que hay tanto que algo queda».
Santiago Ontañón fue el protagonista absoluto en esa primera jornada matinal. El eje central de esta Escuela de Verano centró la ponencia de Esther López Sobrado que dio paso a un interesante coloquio entre Javier Huerta, César Oliva y Patricia Cerca. Uno de los aspectos dentro de la prolífica carrera de Ontañón que tiene más relieve es cómo consiguió que Margarita Xirgu volviese a los escenarios de su mano. Entre las imágenes más curiosas que pudimos ver en esta intensa jornada protagonizada por el que fuera uno de los escenógrafos de La Barraca está sin duda cuando se subió al escenario para interpretar Amor de Don Perlimplín con Belisa en su Jardín de Federico García Lorca.
Sin duda fue una velada muy especial para un espectador que acudió a la cita. Se trata del periodista y productor Fernando de Luis Orueta, familiar de Ontañón, que no dudó un momento en acudir para recordar al tío abuelo de su padre. A la salida de la charla compartió su satisfacción con el equipo de la Escuela de Verano y con sus seguidores en Twitter. La jornada matinal de esta Escuela de Verano fue retransmitida en streaming y se puede recuperar en la cuenta de Youtube de la Academia de las Artes Escénicas de España.
Por la tarde, fue el turno de los talleres de Borja Ortiz de Gondra y de Pepe Viyuela en sendos espacios de la Filmoteca de Cantabria que tuvieron una segunda parte en la tarde del martes. Por momentos, fue inevitable dejarse contagiar por la cascada de risas que se escuchaban procedentes del taller de clown de Pepe Viyuela que les hizo por unas horas despojarse de prejuicios para sacar ese niño interior que lleva todo payaso en su interior. Como cierre de esta intensa primera jornada se pudo disfrutar deEl retablillo de don Cristobal bajo la mirada de NAO D’AMORES en un espacio muy especial. Se trata de la sala de talleres del Palacio de Festivales, cuyo responsable de programación, Carlos Troyano, ha sido uno de los impulsores de que esta Escuela de Verano haya sido un éxito en Santander.
Borja Ortiz de Gondra planteó un interesante taller sobre autoficción. Foto de Antonio Castro.
Pepe Viyuela durante la primera jornada del taller de clown bajo el objetivo de Antonio Castro
Uno de los momentos del taller de Pepe Viyuela bajo el objetivo de Antonio Castro
Antonio Najarro llenó de ‘duende’ la Filmoteca de Cantabria desde primera hora de la mañana en la jornada del miércoles. Cayetana Guillén Cuervo se incorporó a la Escuela de Verano para presentar una de las sesiones más especiales de estos intensos días. Quiso presentar a este referente de la danza que desde la Academia de las Artes Escénicas de España «siempre está ahí». Najarro hizo una pequeña introducción antes de poner en movimiento a un alumnado al que se incorporó también Pepe Viyuela.
Encuentros mágicos bajo la atenta mirada de Antonio Castro
A última hora de la tarde, la Escuela de Verano recibió la visita del vicepresidente y consejero de Universidades, Igualdad, Cultura y Deporte de Cantabria, Pablo Zuloaga, que valoró positivamente el desarrollo de la cuarta edición de la Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas de España que ha tenido lugar desde este lunes hasta el jueves en el Palacio de Festivales de Cantabria y en la Filmoteca Mario Camus. Zuloaga además ha compartido en sus redes sociales la satisfacción por esta primera colaboración con la Academia de las Artes Escénicas que todo apunta a que se extenderá en el tiempo. Le acompañaron en el acto Gema Agudo, Carlos Troyano y parte de la Junta Directiva de la Academia encabezada por Cayetana Guillén Cuervo, César Oliva y Eduardo Vasco, director de la Escuela de Verano de este año.
Fotografía cedida por el Gobierno de Cantabria
Como colofón tras esta sesión en la que las publicaciones de la Academia estuvieron presentes como ese En dos trazos de César Oliva en el que una persona se reconoció entre los dibujos con mucha ilusión, tuvimos una visita muy especial por Santander en un autobús turístico que se llenó de risas y buen rollo a lo largo del trayecto.
Fotografías de Antonio Castro de algunos de los momentos de la tercera jornada
Helena Pimenta abrió la jornada final. Después de tres días de intensas vivencias, tocó el turno de cerrar esta interesante IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España. La directora de escena quiso en su apasionante charla compartir su experiencia con las obras de Shakespeare que sirvió para desmentir tópicos como que «la mujer de Shakespeare era una víctima» como se puede comprobar en la grabación de la jornada. Completaría la jornada matinal dos interesantes sesiones sobre los artistas racializados en las artes escénicas. Tras la ponencia de Yeison García López, Cayetana Guillén Cuervo moderó un interesante encuentro entre Ayoub El Hilali, Silvia Albert Sopale y Abdelatif Hwidar. La presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España quiso destacar «que en la Academia abrimos una puerta para que los profesionales racionalizados pudiesen trabajar desde dentro». Guillén Cuervo admite que empezó a ser especialmente sensible al tema a lo largo de las funciones de Puertas abiertas con Ayoub El Hilali, con el que se ha «hermanado». El final de la jornada matinal estuvo marcado por la entrega de diplomas a los entusiasmados alumnos. Toda esta jornada matinal también está recogida en la grabación.
Ya por la tarde, Jordi Forcadas y Laila Ripoll impartieron la sesión de final de sus talleres antes del cierre de lujo de la Escuela. La compañía cántabra La Machina volvió al origen de esta Escuela de 2022, la figura de Santiago Ontañón. Así sobre el escenario de la Sala de Talleres del Palacio de Festivales de Cantabria se pudo disfrutar de la lectura dramatizada de la obra El saboteador dirigida por Francisco Valcarce que nos permitió ver en la tierruca a intérpretes como Agus Ruiz, cántabro habitual en los montajes de directores como Paco Azorín y muy pronto junto a Darío Facal. Al final, una cálida ovación que podríamos hacer extensible a todo el equipo de gestión de la Academia que está detrás de los focos y que con la Escuela ha convertido a Santander en la capital de la escena por una semana. Por supuesto no queremos olvidar a todos los medios como LA RAZÓN, TVE, RNE, EL DIARIO MONTAÑÉS, ONDA CERO, CADENA SER, COPE y un largo etcétera que han dado cobertura a esta campaña de comunicación especial de DESDE MI BUTACA COMUNICA.
A solo unas horas de que levante el telón la IV Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que comunicaremos en Santander charlamos con uno de sus destacados participantes. El académico Borja Ortiz de Gondra impartirá un taller muy especial y aprovechará su estancia en Santander para presentar libro en Gil. Esta Escuela de verano tan especial llega en colaboración con el Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Siéntense en sus butacas y disfrutan de la autoficción de la familia Gondra.
¿Con qué expectativas te enfrentas a esta Escuela de verano de la Academia?
B.O.D.G: Me enfrento con muchas ganas de ver cuáles son los intereses de las personas que se han apuntado. No son gente que estudian en discursos regulares. Por eso me interesa mucho saber que es lo que les puede interesar de lo que yo les pueda aportar. Es importante también salir del contexto más académico para hacer un taller más participativo. Quiero que podamos intercambiar experiencias y sobre todo comunicarles lo que yo vengo haciendo en los últimos años que es la autoficción.
¿Cómo se va a desarrollar el taller Yo es otro: autoficción y teatro?
B.O.D.G: La idea es hacer una taller adaptado a los alumnos. Como tengo alumnos que son actores, directores o dramaturgos, planteo el taller para que les sea útil a todos ellos. Quiero compartir con ellos una serie de técnicas a las que me he tenido que enfrentar tanto como autor como en la faceta de actor. Pretendo dar herramientas para que en puedan usarlas en su propia autoficción en su campo. También impartiré algo de teoría sobre todos las de Sergio Blanco. Él es quien más y mejor ha teorizado sobre ello.
Dicen que la unión hace la fuerza, ¿Qué crees que aporta al colectivo de las artes escénicas que exista la academia e iniciativas como la Escuela de verano?
B.O.D.G:Es un foro y un lugar donde miembros de diferentes profesiones podemos encontrarnos, reunirnos y debatir. Creo que ha sido muy importante esta unión de la diversidad. Hasta ahora cada uno pertenecíamos a un colegio profesional y además estaba muy separado el teatro de la danza y la música. Esta idea de que podamos compartir espacios hace que presentemos un frente unido. Sobre todo que demos de cara a la sociedad una imagen de algo que es muy importante que es la cultura de este país. Creo que las artes escénicas son uno de los componentes fundamentales de la cultura, que es uno de los integrantes de la marca España.
B.O.D.G: Con respecto a la Escuela de Verano me parece una iniciativa perfecta para dos tipos de público. Por un lado, para personas que no son necesariamente profesionales, pero muy interesados en las artes escénicas. Es una manera de que los profesionales nos pongamos en contacto con ellos y les devolvamos algo a la sociedad. Por otro lado, están algunos que están comenzando su carrera en la profesión y que se acerca para aprender de nosotros y compartir cuál ha sido nuestro camino y nuestra trayectoria. Es algo que yo defiendo mucho lo de pasar el testigo a las siguientes generaciones. El teatro es un camino de memoria, todos venimos de alguien que vino antes de nosotros y tenemos que pasar el testigo al que está detrás de nosotros. Por eso soy muy partidario de estas escuelas y de trabajar con la gente que está empezando.
Además presentas libro, ¿Cómo será la velada en la librería Gil con Guillermo Balbona?
B.O.D.G: Me hace especial ilusión presenta la novela Nunca serás un verdadero Gondra en Santander. La librería Gil es una de las de mayor tradición y solera de España y es una cita obligada para los escritores. Me sentaré con el periodista Guillermo Balbona para charlar sobre la novela, la autoficción y de hasta qué punto esta novela cuenta mi vida y lo que vivimos los vascos de mi generación. También se pondrá sobre la mesa el caso de toda esa gente que como yo nos fuimos por el mundo a buscar nuestra propia identidad, luchar contra esas raíces que le atenazaban. La novela cuenta la vida que llevé en Nueva York cuando trataba de desconectarme de mis orígenes. Charlaremos distendidamente y firmaré libros.
Por último, aquí y ahora ¿Por qué el teatro sigue siendo un gran lugar para contar historias para Borja Ortiz de Gondra?
B.O.D.G: En este punto de mi vida hay historias que nacen para el teatro y otras para la narrativa. El teatro tiene una inmediatez que nos hace conectar directamente con el corazón del público. Lo he comprobado especialmente en las obras recientes, en las que he estado como actor. También exige una concentración absoluta del público, pero también una entrega. Hay algo muy grande e único para mí. Es el hecho de tener cara a cara al público y sentir su respiración, sobre todo para contar historias tan íntimas y dolorosas como las mías. Por otra parte, he sentido que ciertas cosas de los Gondra no podían caber en un escenario. Necesitaban mucho más desarrollo y por eso escribí la novela. En el libro, la aproximación al lector es otra, tiene que crearte un interés más reposado, más poco a poco, pero me he dado cuenta de que el gusto por la literatura, por ser un orfebre de las palabra, es lo que más han destacado los lectores. La novela transmite ese gusto por el lenguaje y eso solo puede ocurrirte con una lectura reposada. La novela y el teatro son complementarios y yo voy a seguir escribiendo historias seguramente de los Gondra y optaré por uno u otro género en función de lo que necesite contar.
César Oliva: Con la ilusión de ser el primer curso de esta nueva Junta Directiva, lo que significa una evolución en los contenidos, de la mano del nuevo director Eduardo Vasco.
Este año se dedica la Escuela a Santiago Ontañón, ¿Cuál fue su mayor aportación a las artes escénicas?
César Oliva: Una de las aportaciones de las que más orgullosos nos sentimos es partir de Ontañon como motivador del curso. Su posición ante el teatro siempre fue de búsqueda de nuevas formas, con contenidos que realzan el sentido social del teatro.
¿Cuáles son los mayores retos a los que se enfrentan las artes escénicas tras la pandemia?
César Oliva:Buscar el sentido del teatro en una sociedad, y una profesión, tan castigada por la pandemia. El sentido y la forma que debe encontrar tras ello. Temas tan complejos merecen que nos planteemos un congreso o encuentro en el que la profesión indague y busque soluciones. Pensamos que 2023 será un buen momento para realizar ese encuentro.
Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro sigue siendo un gran lugar para contar historias para César Oliva?
César Oliva: Esa es la principal misión del teatro, contar historias, junto a que esas historias proporcionen motivos de reflexión. Los antiguos lo llamaban catarsis; hoy nos conformamos con toma de conciencia. Toma de conciencia que pueden tener el drama como género usual, pero también la comedia lo es. Por supuesto.
Marc Shaiman se ha convertido en una referencia de la música en las últimas décadas. Sus trabajos para cine en películas como Sister Act o El Regreso de Mary Poppins han sido grandes éxitos a los que suman infinidad de colaboraciones con su gran amiga Bette Midler. Tanto o más exitosas aún han sido sus incursiones teatrales como Hairspray o Charlie y la fábrica de chocolate que llegará a España a la vuelta del verano. Por no mencionar el televisivo hit que fue Smash. Hablamos con él en esta entrevista aprovechando su reconocimiento en el MOSMA de Málaga.
Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
Marc Shaiman llevó un programa de lo más apretado en sus días en Málaga. De hecho, el jueves pasado dio un inolvidable concierto de inauguración que «era solo yo (Marc) en el piano, con artistas extraordinarios cantando algunas canciones realmente espectaculares». Se refiere a Lorena Calero, María Adamuz, Albert Bolea, Sonia Villar y Gospel It Choir que para él «fueron una formación de ensueño, estoy muy agradecido». Desde luego, su paso por un festival tan importante para la visibilidad de los compositores como es el MOSMA ha sido «una forma fantástica de recordarle a la gente la importancia que tiene la música de cine en la narración de las historias, es un lenguaje que no conoce fronteras».
Málaga (España) 07/07/2022 Concierto de inauguración del Festival MOSMA “Una velada con Marc Shaiman”, en la Sala Unicaja de conciertos María Cristina.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
Hairspray y Charlie y la fábrica de chocolate, dos inolvidables títulos de su carrera en los escenarios
Si hay un título que ha marcado la carrera escénica de este inmenso compositor ese es Hairspray. El responsable de temas tan memorables como You can’t stop the beat nos comenta que tiene la «satisfacción de que al menos una cosa que hice terminó tan perfecta como uno podría desear». De hecho no puede evitar la satisfacción «de que la gente se alegre de algo que siento que representa la mejor parte de mí». La música de Shaiman ha inundado los escenarios de todo el mundo y el próximo país en hacerlo será España. Lo hará con uno de sus títulos más conocidos: Charlie y la fábrica de chocolate. Él espera que «sea una estupenda producción» y lamenta que «no haya coincidido el estreno con mi tiempo en España». Ojalá Marc se equivoque y pueda estar en septiembre en el Espacio Delicias y que os lo podamos contar DESDE MI BUTACA.
Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
«Bette Midler es la mejor artista de nuestro tiempo». Para Marc Shaiman, la protagonista de Hocus Pocus, con la que comparte una dilatada amistad desde hace 40 años tiene «un gran don para comunicar emociones». Con ella ha compartido momentos mágicos en escena como el que vivimos en los Oscar, donde interpretaron The place where lost things go, una de las joyas musicales que creó Shaiman para El regreso de Mary Poppins. Para él ese momento «fue una fantasía».
Siguiendo la estela de los Sherman Brothers
Marc Shaiman creció como niño de la generación de los 60 escuchando las melodías de los hermanos Sherman. Sus inolvidables canciones tuvieron una gran influencia en esos pequeños. De alguna forma fue consciente de ello cuando tuvo que hacerse cargo de la secuela. Fue muy «sobrecogedor» para él hacerse cargo de alguna forma de ese legado inolvidable. Es más, para Shaiman «conocer y pasar tiempo con Richard Sherman fue el mayor regalo que yo recibí trabajando en El regreso de Mary Poppins«.
Shaiman mira al futuro inmediato con esa sonrisa que con la que ha inundado de buen rollo Málaga: «Mi proyecto más inmediato es comer». Tras su arrollador paso por Málaga, donde recibió de manos de Antonio Banderas el reconocimiento del MOSMA tras un apoteósico concierto de clausura con dirección musical de Arturo Díez Boscovich, espera el estreno cinematográfico de Bros en septiembre. Además, en diciembre estrenará su musical Some Like Hot -su visión de Con faldas y a lo loco– en Broadway en el The Shubert Theatre.
Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
Del 18 al 21 de julio tendrá lugar en Santander la IV edición de la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que este año llevará por título Santiago Ontañón: La escena social. La organización del curso en la capital cántabra ha sido posible gracias a la inestimable colaboración de la Vicepresidencia del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Desde mi butaca COMUNICA se encargará este año de la campaña de comunicación de la Escuela.
Un año más, la Academia de las Artes Escénicas de España plantea una actividad en su Escuela de Verano. Por cuarta vez, se produce la colaboración entre varias instituciones públicas para ofrecer un programa que une rigor, excelencia y entretenimiento, para que jóvenes de diversas comunidades participen en un proyecto de formación. Este año, Cantabria es la referencia ideal para, a partir de una personalidad tan destacada del mundo de la escena como Santiago Ontañón, considerar, junto a su condición de artista plástico de primer nivel, la actualidad de la escena social en sus formas más destacadas. Todo ello de la mano de un nutrido grupo de experimentados ponentes del sector de las artes escénicas.
En palabras de Cayetana Guillén Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, La Escuela pretenderá un año más ser correa de transmisión del conocimiento entre diferentes generaciones de académicos y artistas. Por ello, es importante señalar el papel de la cultura como «motor para el desarrollo del espíritu crítico y el cambio social». También, Guillén Cuervo ha manifestado recientemente que es muy importante que la actividad de la Academia se extiendan por todos los rincones de España como es el caso de Santander en esta Escuela. Para ella: «Estos actos los hacemos con el objetivo de la descentralización de la Academia». Guillén Cuervo participará de forma activa en la Escuela con una especial mirada en el debato acerca de «Las artes escénicas y la diversidad étnico racial» que tendrá lugar el jueves 21 de julio a las 12 de la mañana. Servirá para poner de manifiesto que «han entrado los primeros profesionales racializados en la Academia». Así, la intérprete aboga por «Un trabajo de cambio social para abordar los estigmas con los que cargan, ¿Por qué a un actor español de origen marroquí sólo se le ofrecen papeles de terrorista o camello?, Él tiene que hacer Hamlet como otro cualquiera». Desde luego, en otros países como Francia «ves actores racializados haciendo de abogados o médicos sin justificar su ascendencia». Por descontado, España «tiene que caminar hacia allí».
La IV Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas se inaugurará el 18 de julio a las 9.00 horas con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, de la Universidad de Cantabria y de la Academia de las Artes Escénicas de España. El programa incluye propuestas del 18 al 21 de julio sobre distintas disciplinas de las artes escénicas como la danza, el teatro y la interpretación como se puede comprobar en el programa que compartimos íntegro a continuación.
Cayetana Guillén Cuervo junto a Pablo Zuloaga, vicepresidente del Gobierno de Cantabria
Programa Escuela de Verano
Lunes 18 de julio
9:00H- 9:30H INAUGURACIÓN
Con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, Universidad de Cantabria y Academia de las Artes Escénicas de España.
9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Lluís Pasqual (director de escena, AAEE) “Lorca, recuperado”. Presenta: Anabel Díez (directora de escena, AAEE)
11.30H-12:00H “SANTIAGO ONTAÑÓN, LA BARRACA Y EL EXILIO”. “Las pasiones de Santiago Ontañón”, por Esther López Sobrado (investigadora y biógrafa de Santiago Ontañón)
12:00h-14:00H Mesa redonda. EN TORNO A ONTAÑÓN Y LA BARRACA.
Modera: Patricia Cercas (actriz, Vicepresidenta de ACEPAE, AAEE) Con Javier Huerta (profesor, investigador) y César Oliva (profesor, AAEE).
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”.
2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”.
21:00H Representación El retablillo de don Cristóbal. Compañía NAO D’AMORES. Dir: Ana Zamora. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES
Martes 19 de julio
9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Ana Zamora (directora de escena). “El retablillo de don Cristóbal, entre la tradición y la vanguardia”.
11:30H-14:00H Mesa redonda. EL FUTURO QUE VIENE. Moderador: Carmen Márquez (profesora, AAEE) participan las creadoras-es: María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea, Joan Yago.
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos y directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”
2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”
21:00H PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL Lola Herrera. Ser actriz. El despertar de una pasión. Dir: Daniel Dicenta. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES
Miércoles 20 de julio
9:30H-11:00H SESIÓN CON Antonio Najarro (coreógrafo, AAEE): “Y LA DANZA CAMBIA EL MUNDO (Interpretar/Bailar)”
11.00H-13:00H JORNADA DE TEATRO SOCIAL CON XANFRÁ. Centro de música y escena del Raval. Las artes escénicas como herramientas para la cohesión social.
TALLER DE CUERPO, PALABRA Y SONIDO.
Cristina Gámiz. Actriz y Pedagoga Teatral. Profesora de Xanfrà
Ester Bonal. Profesora de música, directora de Xanfrà
13:00h-14:00H EXPOSICIÓN Y DEBATE sobre el trabajo en XANFRÀ. Presenta: Pilar Jódar (investigadora, AAEE)
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Teatro del Oprimido. Jordi Forcadas (Forn de teatre Pa’tothom)
2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL para intérpretes, dramaturgos y directores. Laila Ripoll (autora, directora de escena, AAEE): “Teatro y memoria: el acontecimiento y su representación”
21:00H VISITA CULTURAL POR LA CIUDAD DE SANTANDER (Incluye Palacio de Festivales)
Jueves 21 de julio
9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Helena Pimenta (directora de escena, AAEE): “Shakespeare: el asombro ante lo diferente “.
11.30H-12:00H ENCUENTROS. “Las artes escénicas y la diversidad étnico racial” Yeison García López (poeta, director del centro cultural ‘Espacio Afro’: Derecho de admisión.
12:00h-14:00H Mesa Redonda. Moderadora: Cayetana Guillén Cuervo (actriz, Presidenta de AAEE) Participantes: Ayoub El Hilali, Silvia Albert, Abdelatif Hwidar.
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Jordi Forcadas
2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL. Laila Ripoll
19:15H EL SABOTEADOR, DE SANTIAGO ONTAÑÓN. LECTURA DRAMATIZADA. Dir. Francisco Valcarce (director de escena, AAEE)
Algunos datos biográficos sobre Santiago Ontañón
Fotograma de El verdugo
1903. Nace en Santander.
1920. Asiste al estreno de El maleficio de la mariposa, de García Lorca. Hace mención en sus memorias de que “fue un desastre”. Inicia su amistad con el poeta granadino.
1923. Hace en París una escenografía para el ballet ruso de Boris Kaniasev.
Es un conocido ilustrador en revistas, como La Esfera, Nuevo Mundo o Revista de Occidente.
1927. De vuelta en Madrid, diseña las escenografías de las zarzuelas Las golondrinas, de Usandizaga y Martínez Sierra, y La Revoltosa, de Chapí y Fernández Shaw-López Silva.
1931. Actor en la película El embrujo de Sevilla, de Benito Perojo.
1933. Escenografía de Bodas de sangre, de García Lorca, por la compañía de Josefina Díaz.
1934. Escenografía de Usted tiene ojos de mujer fatal, de Jardiel Poncela.
En estos años hace el reestreno de El sombrero de tres picos, de Falla; el
decorado de La tierra de Alvargonzález, poema de Antonio Machado para La
Barraca; y colabora con el teatro de guiñol La Tarumba, de Miguel Prieto.
1935. Dirige la película Los Claveles.
1937. Escenografía de Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, de García Lorca, a cargo de Anfístora, grupo animado por Pura Ucelay. Además de los decorados, Ontañón interpretó el protagonista, don Perlimplín.
1938. Escenografía de Numancia, de Cervantes, versión de Alberti, y La tragedia optimista, de Vichnevski, ambas dirigidas por María Teresa León, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
Participa en El Mozo Azul, en donde publica Experiencia personal. Para el
Teatro de Urgencia de las Guerrillas del Teatro escribe El saboteador, La guasa y El bulo.
1940. Exilio en Chile. Matrimonio con Nana Bell. Coincide con Margarita Xirgu, a la que acompaña en Uruguay y Argentina.
1944. Escenografía de El adefesio, de Alberti, y La dama del alba, de Casona.
Continúa sus trabajos como ilustrador.
Regresa a España en donde llegará a realizar casi un centenar de escenografías. Interviene como actor en muchas películas, como El verdugo (1963), de Berlanga; De cuerpo presente (1967), de Eceiza; Varietés (1971), de Bardem; Cinco tenedores (1979), de Fernán Gómez, etc. De este tenemos la siguiente descripción de Ontañón: “Hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores, un amor y unos amores a los que él, fiel a su modestia, llama amistad”.
1988. Publica sus memorias, con el título Unos pocos amigos verdaderos.
Agencia de comunicación cultural especializada en gestión de campañas de prensa y redes sociales para teatro, cine, música y todo tipo de eventos culturales. Contacto: Desdemibutacacom@gmail.com
Un profesor que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés en la España de 1966, se entera de que John Lennon está en Almería rodando una película. Decidido a conocerle, emprende el camino y en su ruta recoge a un chico de 16 años que se ha fugado de casa y a una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Entre los tres nacerá una amistad inolvidable.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 