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Marc Shaiman se ha convertido en una referencia de la música en las últimas décadas. Sus trabajos para cine en películas como Sister Act o El Regreso de Mary Poppins han sido grandes éxitos a los que suman infinidad de colaboraciones con su gran amiga Bette Midler. Tanto o más exitosas aún han sido sus incursiones teatrales como Hairspray o Charlie y la fábrica de chocolate que llegará a España a la vuelta del verano. Por no mencionar el televisivo hit que fue Smash. Hablamos con él en esta entrevista aprovechando su reconocimiento en el MOSMA de Málaga.
Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
Marc Shaiman llevó un programa de lo más apretado en sus días en Málaga. De hecho, el jueves pasado dio un inolvidable concierto de inauguración que «era solo yo (Marc) en el piano, con artistas extraordinarios cantando algunas canciones realmente espectaculares». Se refiere a Lorena Calero, María Adamuz, Albert Bolea, Sonia Villar y Gospel It Choir que para él «fueron una formación de ensueño, estoy muy agradecido». Desde luego, su paso por un festival tan importante para la visibilidad de los compositores como es el MOSMA ha sido «una forma fantástica de recordarle a la gente la importancia que tiene la música de cine en la narración de las historias, es un lenguaje que no conoce fronteras».
Málaga (España) 07/07/2022 Concierto de inauguración del Festival MOSMA “Una velada con Marc Shaiman”, en la Sala Unicaja de conciertos María Cristina.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
Hairspray y Charlie y la fábrica de chocolate, dos inolvidables títulos de su carrera en los escenarios
Si hay un título que ha marcado la carrera escénica de este inmenso compositor ese es Hairspray. El responsable de temas tan memorables como You can’t stop the beat nos comenta que tiene la «satisfacción de que al menos una cosa que hice terminó tan perfecta como uno podría desear». De hecho no puede evitar la satisfacción «de que la gente se alegre de algo que siento que representa la mejor parte de mí». La música de Shaiman ha inundado los escenarios de todo el mundo y el próximo país en hacerlo será España. Lo hará con uno de sus títulos más conocidos: Charlie y la fábrica de chocolate. Él espera que «sea una estupenda producción» y lamenta que «no haya coincidido el estreno con mi tiempo en España». Ojalá Marc se equivoque y pueda estar en septiembre en el Espacio Delicias y que os lo podamos contar DESDE MI BUTACA.
Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
«Bette Midler es la mejor artista de nuestro tiempo». Para Marc Shaiman, la protagonista de Hocus Pocus, con la que comparte una dilatada amistad desde hace 40 años tiene «un gran don para comunicar emociones». Con ella ha compartido momentos mágicos en escena como el que vivimos en los Oscar, donde interpretaron The place where lost things go, una de las joyas musicales que creó Shaiman para El regreso de Mary Poppins. Para él ese momento «fue una fantasía».
Siguiendo la estela de los Sherman Brothers
Marc Shaiman creció como niño de la generación de los 60 escuchando las melodías de los hermanos Sherman. Sus inolvidables canciones tuvieron una gran influencia en esos pequeños. De alguna forma fue consciente de ello cuando tuvo que hacerse cargo de la secuela. Fue muy «sobrecogedor» para él hacerse cargo de alguna forma de ese legado inolvidable. Es más, para Shaiman «conocer y pasar tiempo con Richard Sherman fue el mayor regalo que yo recibí trabajando en El regreso de Mary Poppins«.
Shaiman mira al futuro inmediato con esa sonrisa que con la que ha inundado de buen rollo Málaga: «Mi proyecto más inmediato es comer». Tras su arrollador paso por Málaga, donde recibió de manos de Antonio Banderas el reconocimiento del MOSMA tras un apoteósico concierto de clausura con dirección musical de Arturo Díez Boscovich, espera el estreno cinematográfico de Bros en septiembre. Además, en diciembre estrenará su musical Some Like Hot -su visión de Con faldas y a lo loco– en Broadway en el The Shubert Theatre.
Málaga (España) 19/07/2022 Concierto de clausura del festival MOSMA en el Teatro Cervantes, con “La gran noche de Marc Shaiman”.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes
Del 18 al 21 de julio tendrá lugar en Santander la IV edición de la Escuela de Verano de la Academia de las Artes Escénicas de España que este año llevará por título Santiago Ontañón: La escena social. La organización del curso en la capital cántabra ha sido posible gracias a la inestimable colaboración de la Vicepresidencia del Gobierno de Cantabria y la Universidad de Cantabria. Desde mi butaca COMUNICA se encargará este año de la campaña de comunicación de la Escuela.
Un año más, la Academia de las Artes Escénicas de España plantea una actividad en su Escuela de Verano. Por cuarta vez, se produce la colaboración entre varias instituciones públicas para ofrecer un programa que une rigor, excelencia y entretenimiento, para que jóvenes de diversas comunidades participen en un proyecto de formación. Este año, Cantabria es la referencia ideal para, a partir de una personalidad tan destacada del mundo de la escena como Santiago Ontañón, considerar, junto a su condición de artista plástico de primer nivel, la actualidad de la escena social en sus formas más destacadas. Todo ello de la mano de un nutrido grupo de experimentados ponentes del sector de las artes escénicas.
En palabras de Cayetana Guillén Cuervo, Presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, La Escuela pretenderá un año más ser correa de transmisión del conocimiento entre diferentes generaciones de académicos y artistas. Por ello, es importante señalar el papel de la cultura como «motor para el desarrollo del espíritu crítico y el cambio social». También, Guillén Cuervo ha manifestado recientemente que es muy importante que la actividad de la Academia se extiendan por todos los rincones de España como es el caso de Santander en esta Escuela. Para ella: «Estos actos los hacemos con el objetivo de la descentralización de la Academia». Guillén Cuervo participará de forma activa en la Escuela con una especial mirada en el debato acerca de «Las artes escénicas y la diversidad étnico racial» que tendrá lugar el jueves 21 de julio a las 12 de la mañana. Servirá para poner de manifiesto que «han entrado los primeros profesionales racializados en la Academia». Así, la intérprete aboga por «Un trabajo de cambio social para abordar los estigmas con los que cargan, ¿Por qué a un actor español de origen marroquí sólo se le ofrecen papeles de terrorista o camello?, Él tiene que hacer Hamlet como otro cualquiera». Desde luego, en otros países como Francia «ves actores racializados haciendo de abogados o médicos sin justificar su ascendencia». Por descontado, España «tiene que caminar hacia allí».
La IV Escuela de Verano de la Academia de Artes Escénicas se inaugurará el 18 de julio a las 9.00 horas con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, de la Universidad de Cantabria y de la Academia de las Artes Escénicas de España. El programa incluye propuestas del 18 al 21 de julio sobre distintas disciplinas de las artes escénicas como la danza, el teatro y la interpretación como se puede comprobar en el programa que compartimos íntegro a continuación.
Cayetana Guillén Cuervo junto a Pablo Zuloaga, vicepresidente del Gobierno de Cantabria
Programa Escuela de Verano
Lunes 18 de julio
9:00H- 9:30H INAUGURACIÓN
Con la presencia de representantes de la Comunidad de Cantabria, Universidad de Cantabria y Academia de las Artes Escénicas de España.
9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Lluís Pasqual (director de escena, AAEE) “Lorca, recuperado”. Presenta: Anabel Díez (directora de escena, AAEE)
11.30H-12:00H “SANTIAGO ONTAÑÓN, LA BARRACA Y EL EXILIO”. “Las pasiones de Santiago Ontañón”, por Esther López Sobrado (investigadora y biógrafa de Santiago Ontañón)
12:00h-14:00H Mesa redonda. EN TORNO A ONTAÑÓN Y LA BARRACA.
Modera: Patricia Cercas (actriz, Vicepresidenta de ACEPAE, AAEE) Con Javier Huerta (profesor, investigador) y César Oliva (profesor, AAEE).
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”.
2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”.
21:00H Representación El retablillo de don Cristóbal. Compañía NAO D’AMORES. Dir: Ana Zamora. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES
Martes 19 de julio
9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Ana Zamora (directora de escena). “El retablillo de don Cristóbal, entre la tradición y la vanguardia”.
11:30H-14:00H Mesa redonda. EL FUTURO QUE VIENE. Moderador: Carmen Márquez (profesora, AAEE) participan las creadoras-es: María Goiricelaya, Paula Martínez, Álvaro Nogales, Adrián Perea, Joan Yago.
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN ESCÉNICA para intérpretes, dramaturgos y directores. Borja Ortiz de Gondra (autor, AAEE) “Yo es otro: autoficción y teatro”
2) TALLER DE INTERPRETACIÓN. Pepe Viyuela (actor, payaso y humorista) “Hazmerreír: técnicas de humor, o no”
21:00H PROYECCIÓN DEL DOCUMENTAL Lola Herrera. Ser actriz. El despertar de una pasión. Dir: Daniel Dicenta. SALA PEREDA DEL PALACIO DE FESTIVALES
Miércoles 20 de julio
9:30H-11:00H SESIÓN CON Antonio Najarro (coreógrafo, AAEE): “Y LA DANZA CAMBIA EL MUNDO (Interpretar/Bailar)”
11.00H-13:00H JORNADA DE TEATRO SOCIAL CON XANFRÁ. Centro de música y escena del Raval. Las artes escénicas como herramientas para la cohesión social.
TALLER DE CUERPO, PALABRA Y SONIDO.
Cristina Gámiz. Actriz y Pedagoga Teatral. Profesora de Xanfrà
Ester Bonal. Profesora de música, directora de Xanfrà
13:00h-14:00H EXPOSICIÓN Y DEBATE sobre el trabajo en XANFRÀ. Presenta: Pilar Jódar (investigadora, AAEE)
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Teatro del Oprimido. Jordi Forcadas (Forn de teatre Pa’tothom)
2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL para intérpretes, dramaturgos y directores. Laila Ripoll (autora, directora de escena, AAEE): “Teatro y memoria: el acontecimiento y su representación”
21:00H VISITA CULTURAL POR LA CIUDAD DE SANTANDER (Incluye Palacio de Festivales)
Jueves 21 de julio
9:30H-11:00H DIÁLOGOS CON Helena Pimenta (directora de escena, AAEE): “Shakespeare: el asombro ante lo diferente “.
11.30H-12:00H ENCUENTROS. “Las artes escénicas y la diversidad étnico racial” Yeison García López (poeta, director del centro cultural ‘Espacio Afro’: Derecho de admisión.
12:00h-14:00H Mesa Redonda. Moderadora: Cayetana Guillén Cuervo (actriz, Presidenta de AAEE) Participantes: Ayoub El Hilali, Silvia Albert, Abdelatif Hwidar.
16.00 A 19.00H TALLERES
1) TALLER DE CREACIÓN COLECTIVA. Jordi Forcadas
2) TALLER DE CREACIÓN TEATRAL. Laila Ripoll
19:15H EL SABOTEADOR, DE SANTIAGO ONTAÑÓN. LECTURA DRAMATIZADA. Dir. Francisco Valcarce (director de escena, AAEE)
Algunos datos biográficos sobre Santiago Ontañón
Fotograma de El verdugo
1903. Nace en Santander.
1920. Asiste al estreno de El maleficio de la mariposa, de García Lorca. Hace mención en sus memorias de que “fue un desastre”. Inicia su amistad con el poeta granadino.
1923. Hace en París una escenografía para el ballet ruso de Boris Kaniasev.
Es un conocido ilustrador en revistas, como La Esfera, Nuevo Mundo o Revista de Occidente.
1927. De vuelta en Madrid, diseña las escenografías de las zarzuelas Las golondrinas, de Usandizaga y Martínez Sierra, y La Revoltosa, de Chapí y Fernández Shaw-López Silva.
1931. Actor en la película El embrujo de Sevilla, de Benito Perojo.
1933. Escenografía de Bodas de sangre, de García Lorca, por la compañía de Josefina Díaz.
1934. Escenografía de Usted tiene ojos de mujer fatal, de Jardiel Poncela.
En estos años hace el reestreno de El sombrero de tres picos, de Falla; el
decorado de La tierra de Alvargonzález, poema de Antonio Machado para La
Barraca; y colabora con el teatro de guiñol La Tarumba, de Miguel Prieto.
1935. Dirige la película Los Claveles.
1937. Escenografía de Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, de García Lorca, a cargo de Anfístora, grupo animado por Pura Ucelay. Además de los decorados, Ontañón interpretó el protagonista, don Perlimplín.
1938. Escenografía de Numancia, de Cervantes, versión de Alberti, y La tragedia optimista, de Vichnevski, ambas dirigidas por María Teresa León, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
Participa en El Mozo Azul, en donde publica Experiencia personal. Para el
Teatro de Urgencia de las Guerrillas del Teatro escribe El saboteador, La guasa y El bulo.
1940. Exilio en Chile. Matrimonio con Nana Bell. Coincide con Margarita Xirgu, a la que acompaña en Uruguay y Argentina.
1944. Escenografía de El adefesio, de Alberti, y La dama del alba, de Casona.
Continúa sus trabajos como ilustrador.
Regresa a España en donde llegará a realizar casi un centenar de escenografías. Interviene como actor en muchas películas, como El verdugo (1963), de Berlanga; De cuerpo presente (1967), de Eceiza; Varietés (1971), de Bardem; Cinco tenedores (1979), de Fernán Gómez, etc. De este tenemos la siguiente descripción de Ontañón: “Hombre leal, inteligente, libre, generoso, ingenioso, entrañable, apasionado, rebosante de amor y amores, un amor y unos amores a los que él, fiel a su modestia, llama amistad”.
1988. Publica sus memorias, con el título Unos pocos amigos verdaderos.
Desde que a finales de 2021 contáramos que llegaría al escenario de La Latina la adaptación escénica de Los chicos del coro han sido muchas las noticias sobre este proyecto que os hemos ido contando. La última fue conocer al reparto que dará vida a este musical que esperamos con mucha ilusión en DESDE MI BUTACA COMUNICA.
Hace unos días conocimos que sería Juan Luis Iborra, con el que tuvimos la suerte de coincidir cuando llevamos la prensa de Un chico de revista en gira hace unos años, el director de escena de este espectáculo tan esperado.
«Mi pasión son los musicales. Que me hayan ofrecido la dirección de Los chicos del coro es un regalo inesperado. Esta profesión a veces te sorprende con proyectos maravillosos. Los chicos del coro rebosa vida , emoción y música que te llega al corazón».
Alguna vez oí a mi madre esa expresión, “como geisha por arrozal”, y nunca supe qué quería decir realmente. Entendía “como”, entendía “geisha”, a pesar de mi adolescencia, sabía qué era “por”, y también sabía qué era un “arrozal”. Pero me costaba unir las cuatro palabras y me quedaba sin saber qué quería decir mi madre. Nunca se lo pregunté, porque me hacía gracia la expresión.
Y, hete aquí, que hoy me encuentro que la compañía Mstalla también la utiliza para su montaje donde, efectivamente, hay geishas y el arrozal es el escenario.
Pareciera que es un texto sin pies ni cabeza pero, muy al contrario, los tiene, los pies, las cabezas, los cuerpos, el humor, el absurdo, la intriga, el desorden, la positividad y, quizás, la sensualidad, el morbo, la crítica y, también, ¿por qué no?, la fusión gastronómica entre la cocina mediterránea y la japonesa, tan de moda últimamente por los cocineros Alberto Chicote, Dabiz Muñoz, y Ricardo Sanz, por ejemplo. Arroz y sushi, en una mezcla de teatro de intriga, de varietés, de zarzuela, de comedia astracanada y de teatro No. Es decir, elegancia, belleza, misterio, humor.
Pues eso, Como geishas por arrozal, con dirección de Eduardo Solís O’connor, por lo tanto también, un fusionado irlandés o vaya usted a saber.
De lo que se trata, (pero no se preocupen, no les voy a desvelar el argumento), es de proporcionar cierta dosis de sorpresa, de pasión, de polémica, de imprecisión, de vaguedad, (no por pocas ganas de hacer las cosas, sino porque nada hay más ambiguo que unos japoneses que se pirren por el flamenco), para que unas bailaoras/espías tengan que cargarse al heredero del imperio japonés. Y no desvelo nada, que esto viene en la sinopsis del grupo.
Sonia de Rojas, Estíbaliz Juncal, Gala Gancedo, Auxi Manzano, Jade-Shekina Santana se defienden y contradicen, son geishas y poetas, actrices y flamencas, amorosas y asesinas.
Este argumento desvela poco de la trama y no quedará más remedio que acercarse a verlo, porque cuanto menos, encontraremos una puesta en escena original y confusa, pero a propósito, donde el énfasis está en cómo lo hacen y no en qué es lo que dicen.
Creo que ahora he entendido mejor a mi materna cuando decía “como geisha por arrozal”, porque me estaba diciendo: vete a ver esta obra cuando la pongan, porque será inevitable que después escribas sobre ella.
Amén.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
¡Actuación, entre otras actividades, de una pareja musical-bailarina en las fiestas del pueblo! Pero, ¿esto qué es? ¿Dónde hemos venido a parar? ¡Tanta trayectoria, tantos buenos deseos, tantas ilusiones, y mira, en qué nos hemos convertido!
Así podrían hablar Santi y Noelia (Joan Negrié y Anna Moliner) una pareja sentimental y artística que después de más de una década siguen buscando su identidad.
Se compenetran, pero tienen sus diferentes puntos de vista. Uno, él, pesimista, ella optimista, aunque después puedan cambiar las tornas. Se han exiliado de la música. Y viven por ella. Quieren y necesitan rescatarse, sentir los aplausos, conceder entrevistas, alcanzar sus sueños. Que no son otros que los aplausos, el reconocimiento, la liberación del deseo reprimido, el éxito que otros consiguen con menos méritos.
No, esto de vivir en medio de un camino pedregoso no es para débiles. Pero también se cansa uno. Y salen a relucir las debilidades, los oscuros pensamientos, los amenazantes delirios de grandeza, la pasión por lo que se hace y la poca recompensa.
Joan Yago escribe un texto redondo, sin flecos, emocionalmente perfecto aunque esté cargado de humor, porque también tiene una gran dosis de sentimientos. Lanza un grito tímido, pero contundente, sobre la profesión de cómico, de músico, de artista. ¡Cuántos bolos, cuántas penurias, cuántos pilones en los que nos estrellamos cuando acudimos a plazas en las que ni siquiera sabemos si tendremos público! Miles de preponderantes, que si se cobra poco, tarde y mal, que si nos ceden un espacio sin unos mínimos, que si no está anunciado, que si tal, que si pascual.
Y todo eso hace cuestionarse las relaciones personales. Hacer retrospectiva y ver si ha merecido la pena y, sobre todo, las alegrías. Hay veces que no solo se trata de abandonar la zona de confort, sino de plantearse si ese confort era auténtico. El dilema, no del ser o no ser, sino si lo estamos haciendo bien.
Joan Maria Segura Bernadas lo dirige con todo el cariño del mundo porque conoce el oficio. Porque quiere sacarle brillo a una superficie mate y le saca oro a una veta profunda. Y los dos intérpretes, Joan Negrié y Anna Moliner, inmensos, compenetrados, necesitados uno de la otra y viceversa, fuertes en su debilidad, incomprendidos en la comprensión que se tienen entre ellos.
Supervivientes en este You say Tomato, “tú dices tomate”, canción de Ella Fitzgerald y que marcará el hilo conductor de estos desvelos, de estos artistas, de estos esfuerzos, que merecen su recompensa. ¡De verdad, no dejen de verlo! Aunque no sean las fiestas del pueblo.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
Poética del teatro y la política, si es que existiera la poética, que nadie sabe lo que es. Más que una reseña sobre un espectáculo teatral o un monólogo interpretativo o discursivo con tonos humorísticos, filosóficos, sociales y tintes agrupativos, o corporativos, no sé, que la palabra agrupativo el procesador de texto me la subraya en rojo y puede que esté mal, pero me da lo mismo.
En España, ¿cuántos pueden acudir a ver teatro en condiciones? O incluso, en malas condiciones. Es decir, eso de que proliferan por doquier grupos de aficionados teatrales que alimentan sus egos y su necesidad de compañía creando compañías, valga la redundancia, para representar a sus convecinos, no es tan sencillo en ese territorio vaciado, en esa España olvidada hasta por los políticos en sus campañas de propagandas electorales.
Sin embargo, Pablo Rosal, con Castroponce, un municipio vallisoletano perdido de la mano de los que se fueron yendo, utiliza el lugar para ofrecernos un simposio donde se analizará la Teoría y praxis de una vanguardia del siglo XXI. Por cierto, ¿qué es el siglo XXI?
Él mismo y él solito, como no podía ser de otra manera, por el ambiente rural en el que nos hallamos, nos relata con pelos y señales todas las circunstancias de ese congreso donde las mejores versiones de la cultura nos darán su parecer y las circunstancias culturales, teatrales y políticas en las que se desenvuelven.
Es una muy interesante situación de sillas vacías que no lo están, del efecto poético que llega a un rincón del país que casi nadie habita. No obstante, el encuentro y las ponencias, por llamarlas de alguna manera, se llevan a cabo con suficiente calidad intelectual y hasta se dispone de un piano y un músico que también se expresa adecuadamente.
Por lo tanto, no hay tremendismo. A pesar de la supervivencia, hay, como ya hemos dicho, humor, realismo, teatro en sí mismo, ideas, pareceres, causas y efectos.
Lo que hace que en el plano de la política y la teatralidad, se vea claramente que hay técnicas parecidas. Con la seriedad y sistematización de apertura a un mundo que está ahí, en lo oscuro, y nunca saldrá de aquello.
Pablo Rosal nos conciencia de que todas estas ideas son ciertamente universales, y uno nunca debe dejar de renovarse en el campo cultural y artístico. Todo esto me lleva a recordar esa gran película de José Luis Cuerda, “Amanece que no es poco”, donde indefectiblemente cualquier cosa puede suceder en la España oculta.
Después de Castroponce, parece ser que el teatro existe, solo hay que saber descubrirlo.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
La nueva producción de SingUS afronta una nueva etapa tras su paso por salas como Garaje Lola para llegar al gran público en un escenario emblemático como el del Teatro Infanta Isabel de Madrid. Las cuatro únicas funciones tendrán lugar del 28 al 30 de julio a las 21:30h y el 31 de julio a las 21h con voces y música en riguroso directo. Las entradas ya están a la venta.
En palabras de Pedro Víllora, autor de la obra: «María Callas es, incluso hoy, la cantante más famosa del mundo. Sobre ella se han escrito infinidad de artículos y libros y se han realizado películas y documentales, y aun así sigue apasionando su misterio. Lo fue todo en el arte y lo perdió por amor y desamor. La pasión fue su motor: pasión por el arte, pasión por el amor. Marías Callas, Sfogato es un espectáculo íntimo que nos muestra a una mujer vulnerable, acosada por la prensa y los admiradores, pero también a una artista mayúscula, sin límites e invencible, como es propio de una soprano sfogato. Con la única compañía de Bruna, su ama de llaves y quizá la persona que más cerca estuvo de su intimidad, María nos desvela parte de sus secretos, los que la llenaron de vida y los que la llevaron a una muerte trágica a la corta edad de 53 años».
Alberto Frías, director de la obra y cofundador de SingUS junto a Eva Marco que participa en la función como intérprete, comenta que «Maria Callas, Sfogato pretende ser una celebración musical que ensalce al icono único que fue María Callas. Una Diva para la música y también para la vida y el amor». Para el protagonista de Payaso «esta obra mostrará a una María real, sin trampas y cámaras de por medio, una María que ve a Callas desde lejos y la admira y se disculpa por su vida vivida».
Sobre el escenario del Infanta Isabel veremos «una obra musical donde las grandes piezas de la vida de la Diva, se irán intercalando con un exquisito texto de Pedro Víllora y unas interpretaciones de lujo». Todo ello en riguroso directo.
Además, contará esta producción con escenografía de Juan Sebastián Domínguez y vestuario de Sabina Atlanta.
«Aplausos en los balcones durante el confinamiento, el «sí quiero» en el día de tu boda, un cumpleaños feliz antes de soplar las velas , los franceses cantando la marsellesa, el verano al ritmo de sus canciones pegadizas, las 4 estaciones de Vivaldi para construir la Iglesia Karl en Viena; la novena sinfonía compuesta por un Beethoven sordo, y que sin embargo revivía en sus recuerdos los trinos del violín, el lamento del oboe, la percusión latente tras un cambio de tempo, y las voces que celebraban la libertad a través de la oda a la Alegría. La vida es música y en los momentos importantes nos damos cuenta».
Alberto Frías, director de escena
Equipo Artístico de MARÍA CALLAS. SFOGATO.
Una obra de Pedro Víllora
CON MABEL DEL POZO COMO MARÍA, ANABEL MAURIN COMO BRUNA, EVA MARCO COMO CALLAS Y NATALIA BELENOVA AL PIANO
JUAN SEBASTIÁN DOMÍNGUEZ. Escenografía.
SABINA ATLANTA. Vestuario.
ENRIQUE TORO. Iluminación.
SARA ÁLVAREZ. Caracterización.
ALBERTO FRÍAS. Director de escena.
Una producción de SING·US
Información práctica Funciones del 28 al 30 de julio en el Teatro Infanta Isabel a las 21:30h y 31 de julio a las 21h. Entradas ya a la venta
Este otoño, Tintín aterrizará en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para vivir una nueva aventura: la mayor exposición monográfica creada hasta la fecha que permitirá explorar el universo creativo de Hergé, el dibujante belga que dio vida al reportero más famoso del mundo del cómic.
La exposición Hergé llega por fin a Madrid precedida de un enorme éxito de público y crítica en ciudades como París, Quebec, Odense, Seúl, Shanghái y Lisboa. Comisariada por el Musée Hergé de Bélgica, Hergé. The Exhibition está presentada en España por Sold Out en colaboración con el Círculo de Bellas Artes.
La muestra presentará una magnífica selección de documentos de valor incalculable, dibujos originales y muchas otras obras del multitalentoso artista y ‘padre’ de Tintín. Desde la ilustración hasta el cómic, con incursiones en la publicidad, viñetas en periódicos, el diseño de moda y las artes plásticas.
Además, por primera vez en España se mostrará parte de la colección privada de arte contemporáneo de Hergé, desvelando su faceta de gran coleccionista. El público también podrá ver las obras del propio Hergé, inspiradas por Modigliani, Klee, Miró y otros muchos grandes artistas.
En la exposición que llega a Madrid, se exhibirán además otros muchos tesoros de las colecciones del Musée Hergé, como dibujos originales, bocetos, clips de películas, modelos y obras de arte originales de Hergé.
El incansable reportero Tintín ya ha superado el umbral de los 90 años, aunque en pleno siglo XXI no ha perdido ni una pizca de actualidad y ha conquistado por derecho propio su lugar entre los grandes de la literatura universal. Las aventuras de Tintín siguen, todavía hoy, despertando pasiones: más reeditadas que nunca, inspiran a artistas, escritores, productores y directores de cine.
Considerado como el padre del cómic europeo, el genio creativo de Hergé ha abierto caminos decisivos para el 9º arte y su influencia es aún visible en el mundo del comic contemporáneo. No solo es el maestro de la «línea clara», y el creador de Tintín, sino también un artista de múltiples talentos: diseñador gráfico, publicista, guionista y pintor. Reconocido como uno de los grandes artistas del siglo XX, Hergé es un creador universal cuyas obras son totalmente vigentes en la actualidad. Con más de 250 millones de álbumes en todo el mundo, su obra ha sido traducida a 128 lenguas y dialectos.
Los visitantes a Hergé. The Exhibiton podrán a explorar los procesos creativos detrás sus álbumes más emblemáticos, su trabajo en el estudio, sus influencias marcadamente cinematográficas, su diálogo con el arte contemporáneo, sus diferentes pasos como creador, desde el modelado de objetos o edificios hasta la coloración.
Se ha abierto una wait list en Feverpara quien desee conseguir las primeras entradas. Más información y entradas a la venta a partir del próximo miércoles 6 de julio en herge-exhibition.com.
INFORMACIÓN PRÁCTICA
Lugar Círculo de Bellas Artes de Madrid Calle de Alcalá, 42
Fechas Del 5 de octubre de 2022 al 19 de febrero de 2023
Horarios De martes a domingo de 10:00 a 21:00h. Lunes cerrado excepto festivos | Último pase 1 hora antes del cierre.
Precios desde: Entrada general (+13 años): 14,90€ Entrada Niño (4 a 12 años): 8€ Entrada Niño (0 a 4 años): gratuita
Socios del CBA, estudiantes, mayores de 65 años, miembros de familia numerosa, poseedores de Carné Joven y personas con discapacidad en un grado igual o superior al 33% podrán disfrutar de un 15% de descuento sobre el precio de la entrada general. Solo válido en compras en las taquillas del Círculo de Bellas Artes. Descuento aplicable todos los días de la semana. No acumulable a otras promociones. Imprescindible acreditar condición necesaria para aplicar el descuento en cada caso.
*Estos precios no incluyen gastos de gestión (1,50€ por entrada). Mismos gastos de gestión aplicables para venta online y en taquillas. Se recomienda la compra online para garantizar la visita y evitar colas en el recinto de exposiciones.
Espacio Ibercaja Delicias acoge desde el próximo 29 de septiembreTim Burton, el laberinto,una experiencia inmersiva creada por LETSGO que se estrena a nivel mundial y que llega a Madrid de la mano del propio Tim Burton.
La experiencia, que parte de bocetos originales que han sido cedidos por el creador para la ocasión, consiste en realizar un recorrido por un excitante laberinto que mostrará las diferentes épocas del cineasta visitando estancias ambientadas con luces, tecnología, música, escenografía y vestuario de sus obras.
Tim Burton, el laberinto se convierte así en una experiencia única, un excitante viaje al universo creativo del director de cine, productor, escritor y dibujante que desde la década de los 80 asombra a niños y mayores con largometrajes como Beetlejuice, Batman, Eduardo Manostijeras, Pesadilla antes de Navidad, La Novia Cadáver, Sweeney Todd y Charlie y la Fábrica de Chocolate.
El visitante realizará un viaje a la mente del genio de aproximadamente una hora de duración y podrá sumergirse en personajes y secuencias icónicas de su extensa y laureada filmografía.
El cineasta se convertirá en el primer Embajador de Madrid, una distinción de reciente creación por la que el Ayuntamiento de Madrid premiará a personalidades que a nivel internacional realizan una destacada labor en beneficio de la ciudad de Madrid.
Tim Burton, el laberinto abre en Espacio Ibercaja Delicias, un epicentro con vida propia donde vibrar con los mejores espectáculos del momento. Con una superficie de 18.400 metros cuadrados, está situado en la parte trasera del Museo del Ferrocarril, en pleno centro de la capital.
Esta inolvidable experiencia se podrá visitar de jueves a domingo con pases cada 30 minutos. Las entradas ya están a la venta a través de la web: timburtonlaberinto.com
Alberto Morate nos adentra en LA VENGANZA DE DON MENDO que acaba de estrenarse en el Teatro Reina Victoria de Madrid en unos días muy especiales para DESDE MI BUTACA COMUNICA y es que hemos tenido récord de visitas gracias a la reciente entrevista con Rafael Álvarez, ‘El Brujo’. Siéntense en sus butacas y disfruten de Las Reseñas de Alberto Morate que seguirán acompañándonos en los próximos meses.
Algo tendrá esta comedia para que más de cien años después se siga representando por doquier tanto por compañías profesionales como por grupos de teatro aficionados. Es divertida, tiene ritmo, sátira y, a pesar de estar en escrita en un falso verso, es decir, en ripio, con variedad de matices y rimas, se hace ferviente candidata a formar parte del repertorio de intérpretes con más o menos gracia.
Comedia perfecta, por tanto, podríamos decir, fresca e intemporal, que aunque requiere de diversos espacios, palacio, prisión, campamento militar, cueva con sus escondrijos, no resulta demasiado complicado solventarlo con figurines, paneles, telones pintados a la antigua usanza o, como en este caso, cubos paralelepípedos de cartón con los motivos necesarios para cada ocasión. Al igual que el vestuario, quizás más complicado, pero que con la complicidad del espectador podría pasarse por alto. No es el caso de este montaje, donde la compañía Saga, dirigida por José Saiz, cuida al detalle y pone todo el esmero.
De la misma manera, José Saiz que también la protagoniza, se ha tomado la licencia de añadir unos estrambotes escénicos musicales, es decir, al principio, en las transiciones entre actos y al final, y ¡vive Dios!, que no le quedan mal. Al contrario, aunque avisan que no es musical, efectivamente, no lo es, es un amago de musical, sin serlo, puesto que la función y el texto se desarrollan íntegros, palabra por palabra, dándole vida con el añadido de un mínimo de burbujas de agua bicarbonatada para acercarlo a la tendencia actual de hacer un musical de todo.
Cada representante está bien situado y, lo que más me gusta, es que José Saiz, nuestro Mendo en este momento, no resta protagonismo a los demás, pues no es ni excesivo ni histriónico, no exagera las formas ni recalca ciertos ademanes que ya he visto en otros actores. Es de agradecer ese servicio a la puesta en escena general, al elenco, a la no necesidad de hacer énfasis en la interpretación, pues el texto en sí, ya es suficientemente bueno y con gracia para no tener que exprimirlo hasta dejarlo en paños menores.
Puesta en escena más que meritoria, respetuosa, necesaria para que las nuevas generaciones se adentren en un teatro que no pasa de moda, y las generaciones ya baqueteadas comprueben que no todo son montajes raros, vanguardistas y polémicos.
Por cierto, hablamos de La venganza de don Mendo, de Pedro Muñoz Seca, por si alguien aún no se había enterado, una caricatura de tragedia, un astracán, que lo cortés no quita lo valiente, y aunque aquí no viene al caso, e independientemente de ideologías, la calidad no está reñida con las apreciaciones personales.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
Agencia de comunicación cultural especializada en gestión de campañas de prensa y redes sociales para teatro, cine, música y todo tipo de eventos culturales. Contacto: Desdemibutacacom@gmail.com
Un profesor que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés en la España de 1966, se entera de que John Lennon está en Almería rodando una película. Decidido a conocerle, emprende el camino y en su ruta recoge a un chico de 16 años que se ha fugado de casa y a una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Entre los tres nacerá una amistad inolvidable.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 