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Desde que a finales de 2021 contáramos que llegaría al escenario de La Latina la adaptación escénica de Los chicos del coro han sido muchas las noticias sobre este proyecto que os hemos ido contando. La última fue conocer al reparto que dará vida a este musical que esperamos con mucha ilusión en DESDE MI BUTACA COMUNICA.
Hace unos días conocimos que sería Juan Luis Iborra, con el que tuvimos la suerte de coincidir cuando llevamos la prensa de Un chico de revista en gira hace unos años, el director de escena de este espectáculo tan esperado.
«Mi pasión son los musicales. Que me hayan ofrecido la dirección de Los chicos del coro es un regalo inesperado. Esta profesión a veces te sorprende con proyectos maravillosos. Los chicos del coro rebosa vida , emoción y música que te llega al corazón».
Alguna vez oí a mi madre esa expresión, “como geisha por arrozal”, y nunca supe qué quería decir realmente. Entendía “como”, entendía “geisha”, a pesar de mi adolescencia, sabía qué era “por”, y también sabía qué era un “arrozal”. Pero me costaba unir las cuatro palabras y me quedaba sin saber qué quería decir mi madre. Nunca se lo pregunté, porque me hacía gracia la expresión.
Y, hete aquí, que hoy me encuentro que la compañía Mstalla también la utiliza para su montaje donde, efectivamente, hay geishas y el arrozal es el escenario.
Pareciera que es un texto sin pies ni cabeza pero, muy al contrario, los tiene, los pies, las cabezas, los cuerpos, el humor, el absurdo, la intriga, el desorden, la positividad y, quizás, la sensualidad, el morbo, la crítica y, también, ¿por qué no?, la fusión gastronómica entre la cocina mediterránea y la japonesa, tan de moda últimamente por los cocineros Alberto Chicote, Dabiz Muñoz, y Ricardo Sanz, por ejemplo. Arroz y sushi, en una mezcla de teatro de intriga, de varietés, de zarzuela, de comedia astracanada y de teatro No. Es decir, elegancia, belleza, misterio, humor.
Pues eso, Como geishas por arrozal, con dirección de Eduardo Solís O’connor, por lo tanto también, un fusionado irlandés o vaya usted a saber.
De lo que se trata, (pero no se preocupen, no les voy a desvelar el argumento), es de proporcionar cierta dosis de sorpresa, de pasión, de polémica, de imprecisión, de vaguedad, (no por pocas ganas de hacer las cosas, sino porque nada hay más ambiguo que unos japoneses que se pirren por el flamenco), para que unas bailaoras/espías tengan que cargarse al heredero del imperio japonés. Y no desvelo nada, que esto viene en la sinopsis del grupo.
Sonia de Rojas, Estíbaliz Juncal, Gala Gancedo, Auxi Manzano, Jade-Shekina Santana se defienden y contradicen, son geishas y poetas, actrices y flamencas, amorosas y asesinas.
Este argumento desvela poco de la trama y no quedará más remedio que acercarse a verlo, porque cuanto menos, encontraremos una puesta en escena original y confusa, pero a propósito, donde el énfasis está en cómo lo hacen y no en qué es lo que dicen.
Creo que ahora he entendido mejor a mi materna cuando decía “como geisha por arrozal”, porque me estaba diciendo: vete a ver esta obra cuando la pongan, porque será inevitable que después escribas sobre ella.
Amén.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
¡Actuación, entre otras actividades, de una pareja musical-bailarina en las fiestas del pueblo! Pero, ¿esto qué es? ¿Dónde hemos venido a parar? ¡Tanta trayectoria, tantos buenos deseos, tantas ilusiones, y mira, en qué nos hemos convertido!
Así podrían hablar Santi y Noelia (Joan Negrié y Anna Moliner) una pareja sentimental y artística que después de más de una década siguen buscando su identidad.
Se compenetran, pero tienen sus diferentes puntos de vista. Uno, él, pesimista, ella optimista, aunque después puedan cambiar las tornas. Se han exiliado de la música. Y viven por ella. Quieren y necesitan rescatarse, sentir los aplausos, conceder entrevistas, alcanzar sus sueños. Que no son otros que los aplausos, el reconocimiento, la liberación del deseo reprimido, el éxito que otros consiguen con menos méritos.
No, esto de vivir en medio de un camino pedregoso no es para débiles. Pero también se cansa uno. Y salen a relucir las debilidades, los oscuros pensamientos, los amenazantes delirios de grandeza, la pasión por lo que se hace y la poca recompensa.
Joan Yago escribe un texto redondo, sin flecos, emocionalmente perfecto aunque esté cargado de humor, porque también tiene una gran dosis de sentimientos. Lanza un grito tímido, pero contundente, sobre la profesión de cómico, de músico, de artista. ¡Cuántos bolos, cuántas penurias, cuántos pilones en los que nos estrellamos cuando acudimos a plazas en las que ni siquiera sabemos si tendremos público! Miles de preponderantes, que si se cobra poco, tarde y mal, que si nos ceden un espacio sin unos mínimos, que si no está anunciado, que si tal, que si pascual.
Y todo eso hace cuestionarse las relaciones personales. Hacer retrospectiva y ver si ha merecido la pena y, sobre todo, las alegrías. Hay veces que no solo se trata de abandonar la zona de confort, sino de plantearse si ese confort era auténtico. El dilema, no del ser o no ser, sino si lo estamos haciendo bien.
Joan Maria Segura Bernadas lo dirige con todo el cariño del mundo porque conoce el oficio. Porque quiere sacarle brillo a una superficie mate y le saca oro a una veta profunda. Y los dos intérpretes, Joan Negrié y Anna Moliner, inmensos, compenetrados, necesitados uno de la otra y viceversa, fuertes en su debilidad, incomprendidos en la comprensión que se tienen entre ellos.
Supervivientes en este You say Tomato, “tú dices tomate”, canción de Ella Fitzgerald y que marcará el hilo conductor de estos desvelos, de estos artistas, de estos esfuerzos, que merecen su recompensa. ¡De verdad, no dejen de verlo! Aunque no sean las fiestas del pueblo.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
Poética del teatro y la política, si es que existiera la poética, que nadie sabe lo que es. Más que una reseña sobre un espectáculo teatral o un monólogo interpretativo o discursivo con tonos humorísticos, filosóficos, sociales y tintes agrupativos, o corporativos, no sé, que la palabra agrupativo el procesador de texto me la subraya en rojo y puede que esté mal, pero me da lo mismo.
En España, ¿cuántos pueden acudir a ver teatro en condiciones? O incluso, en malas condiciones. Es decir, eso de que proliferan por doquier grupos de aficionados teatrales que alimentan sus egos y su necesidad de compañía creando compañías, valga la redundancia, para representar a sus convecinos, no es tan sencillo en ese territorio vaciado, en esa España olvidada hasta por los políticos en sus campañas de propagandas electorales.
Sin embargo, Pablo Rosal, con Castroponce, un municipio vallisoletano perdido de la mano de los que se fueron yendo, utiliza el lugar para ofrecernos un simposio donde se analizará la Teoría y praxis de una vanguardia del siglo XXI. Por cierto, ¿qué es el siglo XXI?
Él mismo y él solito, como no podía ser de otra manera, por el ambiente rural en el que nos hallamos, nos relata con pelos y señales todas las circunstancias de ese congreso donde las mejores versiones de la cultura nos darán su parecer y las circunstancias culturales, teatrales y políticas en las que se desenvuelven.
Es una muy interesante situación de sillas vacías que no lo están, del efecto poético que llega a un rincón del país que casi nadie habita. No obstante, el encuentro y las ponencias, por llamarlas de alguna manera, se llevan a cabo con suficiente calidad intelectual y hasta se dispone de un piano y un músico que también se expresa adecuadamente.
Por lo tanto, no hay tremendismo. A pesar de la supervivencia, hay, como ya hemos dicho, humor, realismo, teatro en sí mismo, ideas, pareceres, causas y efectos.
Lo que hace que en el plano de la política y la teatralidad, se vea claramente que hay técnicas parecidas. Con la seriedad y sistematización de apertura a un mundo que está ahí, en lo oscuro, y nunca saldrá de aquello.
Pablo Rosal nos conciencia de que todas estas ideas son ciertamente universales, y uno nunca debe dejar de renovarse en el campo cultural y artístico. Todo esto me lleva a recordar esa gran película de José Luis Cuerda, “Amanece que no es poco”, donde indefectiblemente cualquier cosa puede suceder en la España oculta.
Después de Castroponce, parece ser que el teatro existe, solo hay que saber descubrirlo.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
La nueva producción de SingUS afronta una nueva etapa tras su paso por salas como Garaje Lola para llegar al gran público en un escenario emblemático como el del Teatro Infanta Isabel de Madrid. Las cuatro únicas funciones tendrán lugar del 28 al 30 de julio a las 21:30h y el 31 de julio a las 21h con voces y música en riguroso directo. Las entradas ya están a la venta.
En palabras de Pedro Víllora, autor de la obra: «María Callas es, incluso hoy, la cantante más famosa del mundo. Sobre ella se han escrito infinidad de artículos y libros y se han realizado películas y documentales, y aun así sigue apasionando su misterio. Lo fue todo en el arte y lo perdió por amor y desamor. La pasión fue su motor: pasión por el arte, pasión por el amor. Marías Callas, Sfogato es un espectáculo íntimo que nos muestra a una mujer vulnerable, acosada por la prensa y los admiradores, pero también a una artista mayúscula, sin límites e invencible, como es propio de una soprano sfogato. Con la única compañía de Bruna, su ama de llaves y quizá la persona que más cerca estuvo de su intimidad, María nos desvela parte de sus secretos, los que la llenaron de vida y los que la llevaron a una muerte trágica a la corta edad de 53 años».
Alberto Frías, director de la obra y cofundador de SingUS junto a Eva Marco que participa en la función como intérprete, comenta que «Maria Callas, Sfogato pretende ser una celebración musical que ensalce al icono único que fue María Callas. Una Diva para la música y también para la vida y el amor». Para el protagonista de Payaso «esta obra mostrará a una María real, sin trampas y cámaras de por medio, una María que ve a Callas desde lejos y la admira y se disculpa por su vida vivida».
Sobre el escenario del Infanta Isabel veremos «una obra musical donde las grandes piezas de la vida de la Diva, se irán intercalando con un exquisito texto de Pedro Víllora y unas interpretaciones de lujo». Todo ello en riguroso directo.
Además, contará esta producción con escenografía de Juan Sebastián Domínguez y vestuario de Sabina Atlanta.
«Aplausos en los balcones durante el confinamiento, el «sí quiero» en el día de tu boda, un cumpleaños feliz antes de soplar las velas , los franceses cantando la marsellesa, el verano al ritmo de sus canciones pegadizas, las 4 estaciones de Vivaldi para construir la Iglesia Karl en Viena; la novena sinfonía compuesta por un Beethoven sordo, y que sin embargo revivía en sus recuerdos los trinos del violín, el lamento del oboe, la percusión latente tras un cambio de tempo, y las voces que celebraban la libertad a través de la oda a la Alegría. La vida es música y en los momentos importantes nos damos cuenta».
Alberto Frías, director de escena
Equipo Artístico de MARÍA CALLAS. SFOGATO.
Una obra de Pedro Víllora
CON MABEL DEL POZO COMO MARÍA, ANABEL MAURIN COMO BRUNA, EVA MARCO COMO CALLAS Y NATALIA BELENOVA AL PIANO
JUAN SEBASTIÁN DOMÍNGUEZ. Escenografía.
SABINA ATLANTA. Vestuario.
ENRIQUE TORO. Iluminación.
SARA ÁLVAREZ. Caracterización.
ALBERTO FRÍAS. Director de escena.
Una producción de SING·US
Información práctica Funciones del 28 al 30 de julio en el Teatro Infanta Isabel a las 21:30h y 31 de julio a las 21h. Entradas ya a la venta
Este otoño, Tintín aterrizará en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para vivir una nueva aventura: la mayor exposición monográfica creada hasta la fecha que permitirá explorar el universo creativo de Hergé, el dibujante belga que dio vida al reportero más famoso del mundo del cómic.
La exposición Hergé llega por fin a Madrid precedida de un enorme éxito de público y crítica en ciudades como París, Quebec, Odense, Seúl, Shanghái y Lisboa. Comisariada por el Musée Hergé de Bélgica, Hergé. The Exhibition está presentada en España por Sold Out en colaboración con el Círculo de Bellas Artes.
La muestra presentará una magnífica selección de documentos de valor incalculable, dibujos originales y muchas otras obras del multitalentoso artista y ‘padre’ de Tintín. Desde la ilustración hasta el cómic, con incursiones en la publicidad, viñetas en periódicos, el diseño de moda y las artes plásticas.
Además, por primera vez en España se mostrará parte de la colección privada de arte contemporáneo de Hergé, desvelando su faceta de gran coleccionista. El público también podrá ver las obras del propio Hergé, inspiradas por Modigliani, Klee, Miró y otros muchos grandes artistas.
En la exposición que llega a Madrid, se exhibirán además otros muchos tesoros de las colecciones del Musée Hergé, como dibujos originales, bocetos, clips de películas, modelos y obras de arte originales de Hergé.
El incansable reportero Tintín ya ha superado el umbral de los 90 años, aunque en pleno siglo XXI no ha perdido ni una pizca de actualidad y ha conquistado por derecho propio su lugar entre los grandes de la literatura universal. Las aventuras de Tintín siguen, todavía hoy, despertando pasiones: más reeditadas que nunca, inspiran a artistas, escritores, productores y directores de cine.
Considerado como el padre del cómic europeo, el genio creativo de Hergé ha abierto caminos decisivos para el 9º arte y su influencia es aún visible en el mundo del comic contemporáneo. No solo es el maestro de la «línea clara», y el creador de Tintín, sino también un artista de múltiples talentos: diseñador gráfico, publicista, guionista y pintor. Reconocido como uno de los grandes artistas del siglo XX, Hergé es un creador universal cuyas obras son totalmente vigentes en la actualidad. Con más de 250 millones de álbumes en todo el mundo, su obra ha sido traducida a 128 lenguas y dialectos.
Los visitantes a Hergé. The Exhibiton podrán a explorar los procesos creativos detrás sus álbumes más emblemáticos, su trabajo en el estudio, sus influencias marcadamente cinematográficas, su diálogo con el arte contemporáneo, sus diferentes pasos como creador, desde el modelado de objetos o edificios hasta la coloración.
Se ha abierto una wait list en Feverpara quien desee conseguir las primeras entradas. Más información y entradas a la venta a partir del próximo miércoles 6 de julio en herge-exhibition.com.
INFORMACIÓN PRÁCTICA
Lugar Círculo de Bellas Artes de Madrid Calle de Alcalá, 42
Fechas Del 5 de octubre de 2022 al 19 de febrero de 2023
Horarios De martes a domingo de 10:00 a 21:00h. Lunes cerrado excepto festivos | Último pase 1 hora antes del cierre.
Precios desde: Entrada general (+13 años): 14,90€ Entrada Niño (4 a 12 años): 8€ Entrada Niño (0 a 4 años): gratuita
Socios del CBA, estudiantes, mayores de 65 años, miembros de familia numerosa, poseedores de Carné Joven y personas con discapacidad en un grado igual o superior al 33% podrán disfrutar de un 15% de descuento sobre el precio de la entrada general. Solo válido en compras en las taquillas del Círculo de Bellas Artes. Descuento aplicable todos los días de la semana. No acumulable a otras promociones. Imprescindible acreditar condición necesaria para aplicar el descuento en cada caso.
*Estos precios no incluyen gastos de gestión (1,50€ por entrada). Mismos gastos de gestión aplicables para venta online y en taquillas. Se recomienda la compra online para garantizar la visita y evitar colas en el recinto de exposiciones.
Espacio Ibercaja Delicias acoge desde el próximo 29 de septiembreTim Burton, el laberinto,una experiencia inmersiva creada por LETSGO que se estrena a nivel mundial y que llega a Madrid de la mano del propio Tim Burton.
La experiencia, que parte de bocetos originales que han sido cedidos por el creador para la ocasión, consiste en realizar un recorrido por un excitante laberinto que mostrará las diferentes épocas del cineasta visitando estancias ambientadas con luces, tecnología, música, escenografía y vestuario de sus obras.
Tim Burton, el laberinto se convierte así en una experiencia única, un excitante viaje al universo creativo del director de cine, productor, escritor y dibujante que desde la década de los 80 asombra a niños y mayores con largometrajes como Beetlejuice, Batman, Eduardo Manostijeras, Pesadilla antes de Navidad, La Novia Cadáver, Sweeney Todd y Charlie y la Fábrica de Chocolate.
El visitante realizará un viaje a la mente del genio de aproximadamente una hora de duración y podrá sumergirse en personajes y secuencias icónicas de su extensa y laureada filmografía.
El cineasta se convertirá en el primer Embajador de Madrid, una distinción de reciente creación por la que el Ayuntamiento de Madrid premiará a personalidades que a nivel internacional realizan una destacada labor en beneficio de la ciudad de Madrid.
Tim Burton, el laberinto abre en Espacio Ibercaja Delicias, un epicentro con vida propia donde vibrar con los mejores espectáculos del momento. Con una superficie de 18.400 metros cuadrados, está situado en la parte trasera del Museo del Ferrocarril, en pleno centro de la capital.
Esta inolvidable experiencia se podrá visitar de jueves a domingo con pases cada 30 minutos. Las entradas ya están a la venta a través de la web: timburtonlaberinto.com
Alberto Morate nos adentra en LA VENGANZA DE DON MENDO que acaba de estrenarse en el Teatro Reina Victoria de Madrid en unos días muy especiales para DESDE MI BUTACA COMUNICA y es que hemos tenido récord de visitas gracias a la reciente entrevista con Rafael Álvarez, ‘El Brujo’. Siéntense en sus butacas y disfruten de Las Reseñas de Alberto Morate que seguirán acompañándonos en los próximos meses.
Algo tendrá esta comedia para que más de cien años después se siga representando por doquier tanto por compañías profesionales como por grupos de teatro aficionados. Es divertida, tiene ritmo, sátira y, a pesar de estar en escrita en un falso verso, es decir, en ripio, con variedad de matices y rimas, se hace ferviente candidata a formar parte del repertorio de intérpretes con más o menos gracia.
Comedia perfecta, por tanto, podríamos decir, fresca e intemporal, que aunque requiere de diversos espacios, palacio, prisión, campamento militar, cueva con sus escondrijos, no resulta demasiado complicado solventarlo con figurines, paneles, telones pintados a la antigua usanza o, como en este caso, cubos paralelepípedos de cartón con los motivos necesarios para cada ocasión. Al igual que el vestuario, quizás más complicado, pero que con la complicidad del espectador podría pasarse por alto. No es el caso de este montaje, donde la compañía Saga, dirigida por José Saiz, cuida al detalle y pone todo el esmero.
De la misma manera, José Saiz que también la protagoniza, se ha tomado la licencia de añadir unos estrambotes escénicos musicales, es decir, al principio, en las transiciones entre actos y al final, y ¡vive Dios!, que no le quedan mal. Al contrario, aunque avisan que no es musical, efectivamente, no lo es, es un amago de musical, sin serlo, puesto que la función y el texto se desarrollan íntegros, palabra por palabra, dándole vida con el añadido de un mínimo de burbujas de agua bicarbonatada para acercarlo a la tendencia actual de hacer un musical de todo.
Cada representante está bien situado y, lo que más me gusta, es que José Saiz, nuestro Mendo en este momento, no resta protagonismo a los demás, pues no es ni excesivo ni histriónico, no exagera las formas ni recalca ciertos ademanes que ya he visto en otros actores. Es de agradecer ese servicio a la puesta en escena general, al elenco, a la no necesidad de hacer énfasis en la interpretación, pues el texto en sí, ya es suficientemente bueno y con gracia para no tener que exprimirlo hasta dejarlo en paños menores.
Puesta en escena más que meritoria, respetuosa, necesaria para que las nuevas generaciones se adentren en un teatro que no pasa de moda, y las generaciones ya baqueteadas comprueben que no todo son montajes raros, vanguardistas y polémicos.
Por cierto, hablamos de La venganza de don Mendo, de Pedro Muñoz Seca, por si alguien aún no se había enterado, una caricatura de tragedia, un astracán, que lo cortés no quita lo valiente, y aunque aquí no viene al caso, e independientemente de ideologías, la calidad no está reñida con las apreciaciones personales.
Alberto Morate tiene el teatro como modus vivendi. Durante más de 40 años ha sido profesor de dramatización, ha dirigido grupos de teatro, ha escrito obras y ha interpretado ocasionalmente como actor. Desde el año 2014 también reseña funciones y espectáculos. Realiza sus crónicas con un estilo peculiarmente poético, haciendo hincapié en el tema, y comentando las representaciones desde un punto de vista emocional, social y humano.
Texto: Adaptación de la entrevista de Carlos Rivera para la UIMP
Fotografías: Juan Manuel Serrano para la UIMP
Vídeo: Grupo Trévol para la UIMP
Hoy nuestras «Notas desde la Menéndez Pelayo» extienden la alfombra roja para disfrutar de todo un clásico de nuestra escena. El miércoles tuvimos la oportunidad de charlar para la Universidad Internacional Menéndez Pelayo -donde estaremos como parte del Gabinete de Comunicación durante todo el verano- con Rafael Álvarez ‘El Brujo’ justo antes de la representación de Los dioses y Dios que puso en pie al público al final con el éxito viral Jerusalema. Durante la función, que parte libremente del Anfitrión que representó en el Festival de Mérida en 1994 con versión de José Luis Alonso de Santos y del que cuenta una anécdota, no faltaron guiños constantes a la actualidad. El CASYC se llenó de risas de un público entregado que no pudo evitar la carcajada con sus menciones a la Cumbre de la OTAN o a esos que al final se dan cuenta de que ha dedicado su vida solo a ver Telecinco. Siéntense en sus butacas y disfruten del poder de la palabra de este maestro de maestro en el arte de Talía. Arriba el telón de las ‘Escénicas en Casyc’ de la UIMP donde pudimos volver a comprobar que sigue siendo «un niño feliz jugando con sus juguetes y compartiendo con el público ese juego».
Un momento de Los Dioses y Dios en el CASYC captado por el fotógrafo Juan Manuel Serrano Arce
“Tras la pandemia, hay una mayor conciencia sobre la fuerza del teatro”. Para el intérprete: “Cuando salíamos al escenario, ese público que siguió acudiendo valoraba el hecho teatral de otra manera, con una mayor conciencia y emoción escénica y una gran gratitud y esto creo que ha reciclado el teatro”. De alguna forma, el intérprete sintió en ese momento “que la vida continuaba cuando ibas al teatro”. Para el actor, al contrario de la música, que está reviviendo este verano con una sobresaturación de oferta, “las gentes del teatro ya llevan un año en el camino de forma activa”. Fue precisamente el año pasado «cuando yo experimenté esa fuerza del público».
Para el protagonista de Los dioses y Dios, el teatro “tiene una cosa muy especial que los conciertos no lo tienen por estar mediatizados por el sonido”. ‘El Brujo’ ha querido reivindicar que en el teatro “tienes esa misma fuerza pero íntima y cercana con un público al que te puedes dirigir como si estuviera en tu casa”.
En Mérida, como una rockstar El imponente Teatro Romano de Mérida, con sus 3.000 localidades, “es lo más cercano que puede estar un actor a convertirse en una estrella del rock”. El intérprete nos comenta con una sonrisa que “es muy emocionante no solo por la cantidad de público”. Y una de las imágenes que se le vienen a la cabeza de tantas noches colgando el cartel de ‘no hay localidades’ es con la obra El asno de oro en la que “se quedó muchísima gente en la calle”. Un dato interesante es que el año pasado en plena pandemia consiguió reunir a 2.000 personas y comenta que “al subirme a ese escenario inmenso tuve una fuerte ovación y al final te das cuenta de que lo importante es la atmósfera que se crea en ese monumento. Es muy emocionante vivir algo así”.
La UIMP y el Brujo “He venido a la UIMP desde mis tiempos de estudiante”, continúa el artista, que fue ‘Premio La Barraca’ en 2015 y se reconoce “un fiel seguidor de la institución». Recuerda con cariño aquellos “veranos maravillosos”, de los que reivindica “la confluencia de intelectuales, profesores, la intercomunicación de la gente y de los estudiantes”. Además “las representaciones de teatro tenían una mayor atención al ser un público más instruido y es que el teatro se nutre de la atención del público, cuanto más atenta está la gente tú más te creces”.
Foto de Juan Manuel Serrano Arce durante la entrevista
“Ha habido momentos de la historia reciente del teatro que se tenía a gala ofender a alguien”. ‘El Brujo’ ha rememorado como cuando comenzó en el oficio, hace más de 40 años, era impositivo ser especialmente “crítico”. Con el tiempo ha descubierto que “no es necesario ofender a nadie para que la gente se conmueva, se transforme y reflexione”. Para él, la clave está en que “si tú te ríes de ti mismo en primer lugar, nadie se ofende de que te rías de él”. Así “si tú haces una revisión crítica y humorística de tu propia condición, te sientes más libre y con más posibilidades de compartir complicidad con el espectador sea de la ideología que sea”.
El eterno juego del teatro “Yo juego desde el primer momento en que me subí a un escenario”, comenta el artista, que desde sus comienzos haciendo teatro alternativo en los 70 y 80” ha tenido “el juego como protagonista”. Por eso, el intérprete sigue jugando cada vez que se sube a un escenario: “Cualquiera que me haya visto sabrá y podrá comprobar que soy como un niño feliz jugando constantemente con sus juguetes y compartiendo con el público ese momento de juego”.
Hoy, Andrew Lloyd Webber y Antonio Banderas han anunciado la creación de una empresa conjunta, Amigos Para Siempre (APS) para producir teatro, musicales y espectáculos de entretenimiento en directo, en español, incluidas algunas de las principales obras de Andrew Lloyd Webber en los principales mercados de habla hispana.
Colaboradores y amigos desde hace mucho tiempo, la empresa APS de Lloyd Webber y Banderas otorgará licencias, producirá y desarrollará proyectos para los mercados de habla hispana de todo el mundo, considerada una de las audiencias globales más grandes y de mayor y más rápido crecimiento. APS llegará a los principales mercados de habla hispana de todo el mundo, incluido EE. UU.
Really Useful Group, compañía fundada por Andrew Lloyd Webber, cederá a la nueva empresa conjunta los derechos escénicos de las versiones en español de los icónicos éxitos musicales de Lloyd Webber, incluidos The Phantom of the Opera, Sunset Boulevard, Starlight Express, Jesus Christ Superstar, Evita, Cinderella, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat and School of Rock.
Amigos Para Siempre (o Amics Per Semper en catalán) fue escrita por Andrew Lloyd Webber, con letra de Don Black, para los Juegos Olímpicos de Verano de 1992 celebrados en Barcelona. La canción fue interpretada, en la ceremonia de clausura, por Sarah Brightman y José Carreras.
Andrew Lloyd Webber: “Antonio Banderas no solo forma parte de la realeza del entretenimiento, sino que también es una de las mentes creativas más versátiles con las que he tenido el placer de trabajar. Es realmente emocionante asociarme con Antonio para presentar mi trabajo, así como otros títulos brillantes de Broadway y del West End, en nuevos mercados. Si bien ya millones de personas en todo el mundo de habla hispana aman nuestros espectáculos y nuestra música, el apetito por recibir más y el nivel de talento musical y teatral es extraordinario. Estoy impaciente por trabajar con Antonio para traer al mundo producciones en español de excepcional calidad».
Antonio Banderas: “Tuve el gran privilegio de trabajar mano a mano con Andrew durante la grabación y el rodaje de su célebre musical EVITA en 1996, pero fue cuando vi Jesucristo Superstar, durante la primera parte de la década de los setenta, cuando me enganché a la música, el teatro y el fabuloso talento de Andrew Lloyd Webber. No sería erróneo decir que me convertí en actor por la enorme influencia y la fuerte impresión que experimenté cuando vi los musicales de Andrew. Tener la oportunidad de volver a trabajar con uno de los más respetados y admirados compositores de todos los tiempos, ofreciendo sus magníficos trabajos a un público en español, es uno de los logros más destacados de mi carrera en el mundo del espectáculo.”
The Really Useful Group (RUG) es propiedad exclusiva de Andrew Lloyd Webber para producir, licenciar y promocionar sus espectáculos y su música en todo el mundo. Producciones de Andrew Lloyd Webber’s: The Phantom of the Opera, Joseph And The Amazing Technicolor Dreamcoat, Jesus Christ Superstar, School of Rock – The Musical, Starlight Express, Evita y muchas otras están actualmente interpretándose y de gira en los principales mercados del mundo. Cada año, el contenido de The Really Useful Group es visto por cientos de millones de personas.
Banderas inauguró su proyecto más personal: el Teatro del Soho Caixabank en 2019. Dirigió y protagonizó A Chorus Line, la primera producción en español de la compañía, y recientemente ha dirigido y protagonizado también su segunda producción en español, Company.
Este proyecto de empresa conjunta está supervisado por Emanuel Nuñez, director general de NuCo Media Group, y por la presidenta de Really Useful Group, Jessica Koravos.
Andrew Lloyd Webber
Andrew Lloyd Webber ha compuesto las partituras de algunos de los musicales más famosos del mundo. Desde Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat (1969) hasta Cinderella (2021), su trabajo se ha representado en los escenarios de todo el mundo. Antes de que llegara la pandemia de COVID, Lloyd Webber tuvo espectáculos continuamente en el West End durante 48 años y en Broadway durante 41. Cuando Sunset Boulevard se unió a School Of Rock, CATS y The Phantom Of the Opera, igualó el récord de Rodgers & Hammerstein de tener en cartel cuatro espectáculos simultáneamente en Broadway. Pertenece al selecto grupo de artistas con estatus EGOT, habiendo recibido premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony.
Lloyd Webber es propietario de seis teatros de Londres, incluido el icónico London Palladium y Theatre Royal, Drury Lane. Reabierto en julio de 2021, este último ha sido completamente restaurado y renovado con un costo de más de 60 millones de libras. Es uno de los mayores proyectos realizado nunca por un propietario de un teatro privado. Su mantra de que cada centavo de las ganancias obtenidas en sus teatros se reinvierte de nuevo en los edificios, ha permitido un trabajo considerable en sus salas durante la pandemia, incluida la remodelación completa y el cambio de butacas del Gillian Lynne.
Lloyd Webber cree firmemente en la importancia de la educación musical y la diversidad en las artes. La Fundación Andrew Lloyd Webber concede 30 becas de artes escénicas cada año para talentosos estudiantes con necesidades financieras y apoya una variedad de proyectos como el Music In Secondary School Trust y financia investigaciones sobre la diversidad en el teatro.
Andrew Lloyd Webber fue nombrado caballero en 1992 y recibió un título de Par vitalicio en 1997. Para conmemorar su 70 cumpleaños, Harper Collins publicó su autobiografía más vendida, Unmasked, en marzo de 2018.
Esa conmemoración tan especial también tuvo una versión discográfica, Unmasked (The Platinum Collection), de cuya campaña de comunicación nos encargamos en España en DESDE MI BUTACA COMUNICAde la mano de Universal Music Spain.
Antonio Banderas
Desde su éxito en la industria del cine estadounidense, Antonio Banderas es considerado como uno de los principales actores internacionales de su generación. Ha sido reconocido por la crítica por sus actuaciones en cine, televisión y teatro, así como por su faceta como director. En 2005, descubrió una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Nacido en Málaga, España, Banderas asistió a la Escuela de Arte Dramático de su ciudad natal y al graduarse, comenzó su carrera como actor trabajando en una pequeña compañía de teatro con sede allí. Más tarde se mudó a Madrid y se convirtió en miembro de la compañía del prestigioso Teatro Nacional.
En 1982, Banderas fue elegido por el escritor y director Pedro Almodovar para protagonizar Laberinto de Pasiones. Fue la primera de las ocho películas que ha hecho hasta la fecha con el director manchego: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios y ¡Átame!. El éxito internacional de estas películas le permitió iniciar su carrera en Hollywood. Más tarde protagonizó La piel que habito y Dolor y Gloria, ambas escritas y dirigidas por Almodóvar.
Banderas ha trabajado con algunos de los mejores directores y actores de Hollywood: Evita, de Alan Parker, frente a Madonna, por la que recibió su primera nominación al Globo de Oro como Mejor Actor; Desperado de Robert Rodríguez, junto a Salma Hayek, y su secuela Érase una vez en México, junto a Johnny Depp; Pecado Original con Angelina Jolie; La Máscara del Zorro, de Martin Campbell, junto a Catherine Zeta-Jones, por la que recibió su segunda nominación al Globo de Oro como Mejor Actor, y su secuela, La Leyenda del Zorro; de Femme Fatale de Brian de Palma; Entrevista con el vampiro, de Neil Jordan, con Tom Cruise y Brad Pitt; La Casa de los espíritus, de BilleAugust, con Meryl Streep y Glenn Close; y Filadelfia de Jonathan Demme, junto a Tom Hanks y Denzel Washington. Fue nominado a su tercer Globo de Oro como Mejor Actor por su actuación como el infame “Pancho Villa” en HBO, en la serie del mismo título.
En 2003, Banderas obtuvo una nominación al Tony como Mejor Actor en un Musical por su debut en Broadway en la producción de Nine de la Roundabout Theatre Company, un musical inspirado en 8 ½ de Fellini. También recibió un premio Drama Desk al mejor actor, un premio Outer Critics Circle, un premio Drama League y el premio Theatre World. Nine, dirigida por David Leveaux, también fue protagonizada por Chita Rivera.
Hizo su debut como director con Locos en Alabama, protagonizada por Melanie Griffith. Su segundo largometraje como director fue la película española El Camino De Los Ingleses (titulada Summer Rainin the U.S.), una historia sobre la mayoría de edad que sigue los primeros amores, lujurias y obsesiones de amigos de vacaciones a fines de la década de 1970.
Otros de sus créditos cinematográficos incluyen: Life Itself, Beyond The Edge, The Music of Silence, Security, Black Butterfly, The 33, Automata, Knights of Cups, The Expendables 3, Sponge Bob: Sponge Out Of Water, Machete Kills, Justin and the Knights of Valor, Ruby Sparks, Haywire, Black Gold, Day of the Falcon, Puss In Boots, Conocerás al hombre de tus sueños, The Big Bang, The Other Man, Shrek 2 y Shrek the Third, Shrek Forever After Take the Lead, Spy Trilogía para niños, Miami Rhapsody, Four Rooms, Assassins, Never Talk to Strangers, Two Much, The 13th Warrior, Play it to the Bone y Ballistic: Ecksvs.
En 2018, protagonizó la serie limitada Genius: Picasso de National Geographic, en la que recibió nominaciones al Emmy, Globo de Oro, Critics Choice y Premio SAG como actor principal en una serie limitada.
En 2019, Banderas inauguró el Teatro del Soho Caixabank Theatre con la producción en español del clásico musical A Chorus Line, que dirigió y protagonizó y, en 2022, dirigió y protagonizó la producción en español del musical Company. Sobre ambos espectáculos hemos hablado ampliamente en nuestro blog y redes sociales.
En 2020, Banderas fue nominado al Oscar por la Academia Cine Americana y al Globo de Oro como Mejor Actor por su convincente interpretación de ‘Salvador Mallo’ en el drama autobiográfico de Pedro Almodóvar Dolor y Gloria. También ganó el premio Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes 2019 y el de Mejor Actor en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por su increíble actuación, así como el premio Goya de la Academia de Cine de España en la categoría de Mejor Actor.
Entre sus próximos estrenos están la esperada próxima entrega de la franquicia de Indiana Jones, Indiana Jones 5, junto a Harrison Ford y Phoebe Waller. Está trabajando en la secuela de la película animada El gato con botas: El último deseo, que se estrenará en diciembre. También protagoniza el thriller negro The Enforcer para Millennium Films.
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Un profesor que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés en la España de 1966, se entera de que John Lennon está en Almería rodando una película. Decidido a conocerle, emprende el camino y en su ruta recoge a un chico de 16 años que se ha fugado de casa y a una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Entre los tres nacerá una amistad inolvidable.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 