Una temporada DESDE MI BUTACA en 20 flashes: Los Max entre cajas (Inédito)
Autor: carlosriveradiaz
Carmen Ruiz: "La magia del teatro está en la respuesta del público"
Señores directores de casting, queremos ver a Carmen Ruiz con un bombín al son del jazz en un espectáculo que emule los musicales de Bob Fosse. Currículum intachable. Televisión con series de éxito como Mujeres o Con el culo al aire. En teatro ha trabajado en montajes como La cantante calva. Y hasta tiene experiencia en cine. La han podido ver, por ejemplo, en Fin, compartiendo escenas con Maribel Verdú. Actriz versátil y de una naturalidad expresiva que siempre emociona, camaleónica, es capaz de adaptarse a cualquier medio sin pestañear. Si quieren verla en directo, no se pierdan No se elige ser un héroe, una brillante tragicomedia de David Desola que dirige Roberto Cerdá.
Llevabas un tiempo sin hacer teatro, ¿Qué te atrajo de No se elige ser un héroe?
Así es, llevaba unos dos años sin hacer teatro. Era imposible combinarlo con Fin y Con el culo al aire. Me ofrecieron este proyecto hace tiempo, pero quedó paralizado. Me gustó que eran personajes muy reales, que en un momento dado daban un giro a lo que aparentemente son. El conflicto sobre lo que llegarías a hacer por dinero también me atrajo. Con la crisis, este tema pasa aún más a primera plana. Otra cosa que me encanta es la construcción de los personajes. Ni los buenos no son tan buenos como parece ni los malos son tan malos. Es una comedia con un toque dramático muy potente. Además, he tenido la suerte de poder ensayar sin problemas. Los ensayos me coincidieron con un descanso del rodaje de la serie. Si he dicho que no a otros fantásticos proyectos teatrales ha sido por no tener tiempo material para el proceso de ensayos. Además, el equipo artístico y humano ha sido fantástico. Hemos tenido un director, Roberto Cerdá, que nos ha hecho enfrentarnos a nosotros mismos como actores. Ha sido un proceso muy enriquecedor.
Roberto Cerdá os ha dirigido, pero habéis contado también con Carlota Ferrer para definir los movimientos…
Carlota ha sido un apoyo muy importante para nosotros. Son personajes muy ‘físicos’ especialmente en el caso del personaje de Mirta, para el que se trabajó el movimiento de una emo con la muñeca rota. Yo interpreto a una actriz soberbia, y esa actitud física ante la vida y ante los demás la he tenido que trabajar junto a ella. Todo este trabajo ha ido muy unido al de Roberto. Ellos se entienden muy bien. Nos ha hecho estar conectados como equipo. Hemos trabajado tanto con ella que antes de cada representación hacemos ‘carlotismos’, ejercicios de preparación en grupo para adentrarnos en esta historia tan asfixiante. Tenemos una asfixia interna, no se trata de una materialización física en el sentido de sudar mucho, sino de sentimientos reprimidos que llevamos dentro.
Casi casi comenzaste con La Cantante Calva, una obra de Ionesco con nada menos que Yllana…
Se me ponen los pelos de punta de recordarlo. Conservo muy buenos amigos de aquella experiencia y, además, fue mi primera gran experiencia profesional. Yo estaba muy nerviosa. Hice de la Señora Martin y al casting se presentaron más de 300 personas. Pensaba que no me iban a coger, pero la experiencia con Yllana fue tan divertida… Con el director, Joe O’Curneen, lo pasamos muy bien. Fue una verdad aventura, conseguimos unir formas de trabajo muy distintas, aprendimos mucho los unos de los otros.
Y de repente, tu cara se hace conocida gracias a la serie Mujeres, ¿Crees que ha sido la clave del éxito de tu carrera?
Se empezó a emitir a la vez que Yo soy Bea, pero lo cierto es que me cogieron para hacer el serial gracias a Mujeres. Tengo mucho que agradecerle a ese maravilloso equipo con Dunia y Félix a la cabeza. Es una serie que llevo en mi corazón, fue mi primera experiencia televisiva. No había hecho ni un episódico, supuso para mi un máster en el campo del audiovisual. Luego llegó una serie diaria como Yo soy Bea e ¡Imagínate la mili que hice yo con esa serie! Desde entonces, he tenido parones, pero me ha sonreído esta profesión de una forma impresionante la verdad.
Has encadenado diversos trabajos televisivos como Con el culo al aire, llena de personajes tan propios de la picaresca española…
Desde luego. Son personajes que parecen sacados de la picaresca española. Son personajes que se buscan la vida, muy reales. Me encanta mi personaje, Eli, y sobre todo por la oportunidad que supone después de un personaje tan distinto como el de Elena en Cuestión de sexo, cuyos guionistas son los mismos que los de esta serie. Es muy segura, macarra. Me pareció un caramelo de personaje que no podía rechazar. Ese buen rollo que transmiten los personajes, lo tenemos también entre nosotros en el rodaje. Somos muchos y bastante bien avenidos. Somos un equipazo.
Supongo que grabar en un camping real convierte a la experiencia en algo muy especial…
Desde luego. Hemos parado la grabación el 25 de julio, pero nos faltan cinco capítulos de la temporada por grabar. En agosto, el camping tiene overbooking con las vacaciones. En julio hemos tenido de espectadores a los turistas que pasan unas semanas allí. Depende mucho de las inclemencias del tiempo. Pasamos muy mal el frío del invierno. Hemos estado a dos grados bajo cero con manga corta, pero bueno son gajes de este oficio que te hace grabar las escenas de verano en pleno invierno. El calorazo del verano lo soportamos un poco mejor la verdad.
Y has vuelto a coincidir con Raúl Arévalo en el cine y nada menos que en la Gran Manzana con La vida inesperada, ¿Cómo ha sido ese rodaje?
Ha sido una experiencia muy bonita. Hemos tenido cinco semanas de rodaje en Nueva York. A Raúl le conozco hace unos 15 años, desde que estudiamos juntos en Cristina Rota. Hemos hecho mucho teatro juntos, pero nunca pensamos que nos ‘liarían’ en el audiovisual. Encontrarnos en esta película ha sido como un sueño. Nos hemos dado cuenta de lo afortunados que somos por poder vivir de un oficio que amamos tanto.
De nuevo, te ha vuelto a dirigir Jorge Torregrosa tras la experiencia en Fin…
Lo conocía desde Mujeres, donde dirigió algunos episodios. Sabe mucho de la parte técnica, pero también del trabajo con los actores. Sabe lo que necesita y cómo transmitirlo. Lo quiero mucho y es un director estupendo.
Mutis a escena es una empresa pequeñita que ha apostado por un proyecto tan complejo como No se elige ser un héroe, ¿No es una verdadera locura en estos tiempos tan difíciles?
Es una gente maravillosa, muy apasionada del teatro. Han hecho un gran esfuerzo para sacarla adelante. Nos tratan muy bien. Si está en pie es gracias a su tesón y a su lucha. Tengo muchas ganas de hacer temporada en Madrid. Es un trabajo muy bonito, del que estamos muy orgullosos.
¿Por qué el teatro es un buen lugar para contar historias para Carmen Ruiz?
Es el que hace al actor. Cada día te enfrentas a un público nuevo y no se puede cortar ni repetir. El aquí y ahora es lo que da sentido a nuestro trabajo y eso solo lo consigues con el teatro, que es la raíz de esta profesión. Te hace estar abierto a cualquier tipo de medio. Creo que los actores no debemos ser encasillados en un medio concreto, sino adaptarnos. El que se adapta es que el sobrevive como actor. La magia del teatro reside en la respuesta del público. El teatro está vivo, es como la vida.
¿En qué momento se te metió el veneno del teatro dentro del cuerpo?
Desde pequeña he sido muy teatrera. Estaba siempre en las funciones del colegio. Luego la vida me llevó por otros derroteros. Lo que si es cierto es que un día me di cuenta que no podía seguir con un trabajo rutinario metida entre cuatro paredes mirando la pantalla de un ordenador. Empecé a formarme entonces y no he dejado de hacerlo, pienso que un actor debe estar reciclándose constantemente. Necesitamos buscar sucursales expresivas diferentes. Para mi los actores ingleses son el ejemplo a seguir, en constante reciclaje de su talento.
La televisión te da la oportunidad de entrar en las vidas de millones de espectadores todas las noches, ¿Ha sido la popularidad algo negativo para Carmen Ruiz?
La verdad es que no, solo encuentro muestras de cariño. Lo más curioso de la popularidad es que hay gente que me recuerda por todo lo que he hecho. Mi nombre no se lo saben, pero me enumeran todos mis trabajos. La gente es muy cariñosa. El papel de Eli gusta mucho, es muy gamberra y muy libre.
¿Te ha cambiado en algo tener una carrera a tus espaldas?
Desde luego que no, pienso que soy la misma que dio sus primeros pasos en la escuela de Cristina Rota. Eso sí, ahora me doy cuenta de todo lo que me queda por aprender. A medida que avanza mi camino en la interpretación, soy más consciente de mis carencias.
¿Con qué proyectos sueña Carmen Ruiz?
He tenido mucha suerte de encadenar proyectos maravillosos. En octubre empiezo a rodar la nueva película de Vicente Villanueva que se titula Móstoles no es lo que parece o la importancia de llamarse Encarna. Mi triunfo sería no dejar de trabajar nunca. Me encantaría hacer algo tipo Bob Fosse, un trabajo muy completo, dándolo todo en escena. Estaría dispuesta a prepararme musicalmente a tope. Me encantaría hacer una película de época, del siglo XVIII que me parece interesantísimo. Incluso estaría encantada de hacer algo muy friki, ¿Por qué no hacer una película de artes marciales? En definitiva, algo que me divierta y que me suponga todo un reto. No hay nada más maravilloso que esos musicales en los que el público está contigo bailando y cantando al unísono. Desde luego tendría que ponerme mucho las pilas, pero soñar es gratis.
Nave 73 apoya el teatro hecho por jóvenes
La sala de reciente creación, de la que ya os hemos hablado varias veces DESDE MI BUTACA, pone en marcha el Encuentro Internacional de Teatro Joven que constituye una apuesta decidida por las artes escénicas protagonizadas por jóvenes de distintas culturas. Nave 73 ofrece un espacio para el encuentro artístico y humano, aspirando a crear un punto de unión y un marco de trabajo que se convierta en un referente para jóvenes creadores de diferentes disciplinas artísticas. Pretenden convertir esta cita en una plataforma que ayude a la proyección de compañías emergentes que exploran nuevos lenguajes artísticos. Este proyecto nació el pasado año fruto de la colaboración entre el Ayuntamiento de la localidad sevillana de Mairena del Alcor y la Compañía Cerrado Por Obra, contando en su primera edición con la participación de 8 compañías procedentes de Irán, Holanda, Brasil y España. En el Encuentro que se celebrará en Nave 73, estarán presentes compañías venidas de medio mundo.
Entre la amplia programación del Encuentro Internacional de Teatro Joven destacamos en primer lugar la obra La procesión de la Santa Mentira, que ya pudimos disfrutar en la sala hace unos meses. La procesión de la Santa Mentira de Copatzin Borbón viene abalado por el éxito en su México natal. Allí, se ha convertido en todo un referente en el cabaret con un espectáculo que bebe del mejor cabaret político. Borbón sale a escena y nos invita a ser nosotros mismos. Me reconocía ayer que desde que vio El intérprete tiene a Asier Etxeandia como referente de lo que le gustaría llegar a conseguir como artista. Desde luego, es un referente acertado. La procesión de la Santa Mentira es un espectáculo desenfadado, divertido y lleno de, maravillosos, localismos mexicanos. Por supuesto, sale en un momento dado con el famoso gorro mexicano y se arranca con una ranchera, ¡Cómo no! Para la puesta en escena presentada ayer a modo de “previa”, ha incluido unos cuantos guiños a España, desde los sobres a el cura de Murcia, que le hacen conectar con el público español. Algunas de las cosas que cuenta y canta están “documentadas”, han ocurrido realmente en su tierra. Esa tierra donde hay beatas que rezan a “La Santa Papita” y políticos que se llenan los bolsillos a espuertas, ¿Les suena de algo? La procesión de la Santa Mentira es un grito a la tolerancia en el que una diosa mexicana conversa amistosamente con Cibeles. Y Borbón lo consigue, nos hacemos creyentes. Creyentes de su talento superlativo, de su fuerza, de su magnetismo y de las cosas que cuenta y ¡Cómo las cuenta! Un espectáculo para pasarlo bien, tequila incluido, pero también con momentos de reflexión. Verán que cuando se pone “serio” descubrirán a un actor camaleónico capaz de abarcar todos los registros. Señores programadores, no pierdan la oportunidad de dejarse hipnotizar por el influjo de esta procesión, por su colorista vestuario y escenografía, por este grito a la tolerancia. En definitiva, no dejen de apoyar el talento de este artista mexicano que merece hacer temporada en Madrid y que nos alegra que vuelva a la Nave 73 el próximo 17 de agosto a las 21:00h.
Otro plato fuerte del Encuentro será la representación de la compañía Sinfín Teatro con Fo. Los pintores no tienen recuerdos, un espectáculo teatral homenaje a Darío Fo, autor de los textos, a través de los rasgos más destacados del cine clásico, del clown, las farsas, etc. Fo es, en realidad, una conocida pieza cómica de Darío Fo llamada Los pintores no tienen recuerdos. En la obra, dos pintores un poco chapuzas llegan a un burdel para realizar uno de sus trabajos. Allí, la ignorancia y torpeza de uno de ellos les hace cometer un extraño asesinato que intentarán ocultar de infinidad de maneras antes de que se entere la dueña de local. Fo pretende ser un homenaje al teatro cómico, al clown y las farsas. Un homenaje que pretende mezclar la esencia original del teatro con la magia y la singularidad del cine clásico y de algunas de sus más importantes figuras como los hermanos Marx, Charles Chaplin, Mack Sennett o Harol Lloyd entre otros. La cita con este montaje será el 15 de agosto a las 21h.
También destacan en el programa escénico los montajes Jon Säter. El Pacto (Murcia), premiada como mejor representación en la IV Semana Gótica de Madrid, Mi única fe (Argentina, México, Colombia), presentes recientemente en el Festival Fringe ’13 de Matadero Madrid.
Fangoria y Keane brillan en el Santander Music
Y tras el horror musical perpetrado por Hidrogenesse en la noche del jueves, no es solo una opinión personal, se lo escuché a muchísimos espectadores… comenzaron las «variedades minimalistas» de Fangoria tras una época en que las plumas habían sido protagonistas de sus shows. A ritmo de la inicial Perlas ensangrentadas, el grupo de Alaska y Nacho Canut puso a bailar al variopinto público de la Campa. Entre las miles de personas que pasaron por el Santander Music en su primera jornada había gente de todas las edades. Eso solo lo consigue alguien como Alaska, una moderna… sin pretenderlo como ella repite recurrentemente en las entrevistas. Y partir de ahí nos deleitó con una «tormenta solar perfecta» que nos dejó «absolutamente» fascinados cuando le puso una vela a Santa Sara Montiel. Y una vez más nos invitaron al «baile de la vanidad» en el que descubrimos que era una «desfachatez» ver más «dramas que comedias» en nuestra vida. Y es que «a quién le importa» lo que digan los demás, «ni tú nadie puede cambiarme». Una noche perfecta, pelín corta por cuestión de horarios ‘festivaleros’, que nos dejó «bailando» con el Ballet Fantasía en una velada mágica en Santander, sin aparición de la lluvia y una temperatura de lo más agradable.
Y el otro plato fuerte del festival fue la actuación de los británicos Keane en la noche de viernes. Considerados en sus inicios como los ‘descendientes naturales’ de The Beatles consiguieron meterse al público en el bolsillo desde que sonaron los primeros acordes de éxitos como Everybody is changing, This is the last time y Sovereign Light Cafe. Haciendo del piano su gran seña de identidad, el vocalista del grupo, Tom Chaplin, no dejó de sorprender en toda la noche por su esforzado y macarrónico spanglish con frases como «Me encanta la comida española. He comido tanto jamón ibérico que mi estómago va a estallar». Una noche para recordar en la que Keane demostraron que el título de grupo más querido por los británicos es más que merecido. Un vibrante directo, de nuevo demasiado corto, que supone sin duda uno de los puntos álgidos de la historia del Santander Music 2013 que este año ha cumplido cinco años trayendo a la Campa de la Magdalena a artistas de la talla de Dover, Calvin Harris o Manel entre otros.
Dreams come true. Ya a la venta la primera temporada de "Smash".
Cuando las emociones son tan fuertes que ya no puedes hablar, cantas
Neil Meron. Productor ejecutivo de Smash.
Smash es una serie sobre la superación personal de una serie de personajes que intentan llegar a la cumbre de Broadway. Tras dos temporadas en antena, por fin se puede disfrutar en nuestro país de la primera temporada de la serie en dvd de la mano de Universal. Smash nos muestra una ciudad de estampa. Estamos en el New York de los musicales, el del Times Square que tanto gusta a todo el mundo. Por un momento, me ha parecido volver a pisar ese asfalto, he soñado que volvía a sentir la magia de la ciudad que nunca duerme. Una actriz hace una prueba con Somewhere over the rainbow, una actuación mágica en la que viajamos a un remoto escenario de la cuna de los musicales. Pero, suena el teléfono de un miembro del equipo de casting y la oportunidad acaba ahí. A Karen la toca ahora enfrentarse a la cruda realidad. Volver a la cafetería donde hace turnos mientras espera la llamada. Mientras, Ivy, una talentosa corista con cierto parecido a la estrella de La tentación vive arriba, es su gran oponente. Y a partir de ahí se suceden los entresijos de la creación de un ficticio musical, Bombshell, que hará las delicias de propios y extraños al mundo de Broadway. Una serie hecha por auténticas estrellas de la meca de los musicales y que depara alguna sorpresita en el reparto como ver a la gran Anjelica Huston en la piel de la entrega productora del musical. «Cuando te mira después de una escena es surrealista, es una leyenda y es tan normal», cuenta un entusiasmado Cristian Borle en el making of que incluye la edición española de la serie. En Smash las peleas internas de esta ficticia compañía teatral no son aparentes cuando se apagan las luces de sala y el espectáculo comienza. Solo entonces surge la magia del teatro, en el que los sueños de público y actores se hacen realidad…
Características DVD.
Duración: 294 Min. Aprox.
Audio: Inglés Dolby Digital 5.1, Castellano Dolby Digital
5.1, Francés Dolby Digital 5.1, DVS Dolby Digital
Surround 2.0.
Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Italiano,
Holandés.
Características especiales DVD.
– Escenas eliminadas.
– Un sueño hecho realidad.
– Canciones y baile.
– Preview del primer episodio de la temporada 2.
Una temporada DESDE MI BUTACA en 20 flashes: "Antígona o en las cocinas de la tragedia" (Crítica inédita)
Todo lo que despierte el alma queda prohibido por Creonte. En mitad de la tormenta surge una voz que nos lleva a Youkali, la del actor David Kammenos. Antígona lucha en contra de su tirano tío Creonte y su forma de insumisión se basa en intentar enterrar a su hermano muerto. La música, como todo aquello que despierta el alma, está prohibida en el reino del tirano más feroz y nauseabundo. Todo ocurre en una suerte de barraca de feria con su mujer barbuda incluida y un militar haciendo las veces de pérfido Joker. Antígona canta Over the rainbow y sueña con un mundo en el que no haya que pagar cualquier precio para ser feliz. Para tan alta campaña, Rubén Ochandiano ha elegido a una debutante en las tablas, pero sobradamente conocida: Najwa Nimri. Su empeño ha valido la pena, la actriz y cantante sufre en su propia piel el peso de la carga de aquellos que luchan por la libertad. A su lado, su nana, una deliciosa Berta Ojea, con o sin barba. Para el pérfido Creón el propio Ochandiano toma el personaje y lo hace suyo. No importa que supuestamente sea anciano y esté débil, en su vitalidad vemos reflejado el rostro de la maldad, esa que le hace ser tirano. Se lleva, sin pretenderlo, la función de calle. Un actor magnético, un marciano, un creador compulsivo maravilloso.
Más nombres del reparto: Toni Costa, Sergio Mur y Nico Romero, todos ellos fantásticos gracias a una acertadísima dirección de Ochandiano. Pocas veces uno sale tan embelesado por la poesía de unas imágenes tan atroces como las que se crean en este espectáculo. Y conocemos las cocinas de la tragedia cuando David Kammenos nos cuenta los entresijos de un género que gracias a montajes como este seguirá vivo. ¿Teatro de museo o teatro vivo? Bienvenidos sean los anacronismos y actualizaciones varias, bienvenido sea el trabajo de CREADORES, y no lo pongo en mayúscula por falta ortográfica alguna, como Rubén Ochandiano. Obras como esta despiertan el alma y son una certera y maravillosa patada a los entrecostales de nuestra sociedad sin hacer de Antígona un panfleto absurdo.
El Theatrum Mundi de La Cubana
Campanadas de boda es el nuevo montaje de la compañía catalana La Cubana. Llevan treinta años haciendo espectáculos del mismo corte con una premisa clara: Sacar la teatralidad de lo cotidiano. En esta ocasión, se centran en las bodas, ese teatrillo que montamos alrededor del supuesto día más importante de las vidas de los cónyuges. Ahora, la gente no se casa por la iglesia por muchas Tías Franciscas «con teja y mantilla» que haya en la familia, pero en el fondo la representación sigue funcionando de la misma forma. El primer actor y la primera actriz son los novios. Y a partir de ahí se asigna un roll a cada uno de los invitados. Con o sin iglesia, el protocolo nupcial sigue su curso. Todo tiene que estar a punto para el matrimonio, no deseado, entre Violeta, una actriz amateur, y Vickram, una estrella del cine indio. Sí, la compañía sigue jugando con el tópico literario de que todos cumplimos un papel en el teatro del mundo hasta en la definición de sus personajes protagonistas. Y desde esa sencilla premisa dramática desplieguen sus recursos habituales: Humor, música y un pequeño aldabonazo de crítica social. Con sus espectáculos, aún recuerdo la primera vez que les vi hace diez años con Mamá, quiero ser famoso, nos reímos «a pierna suelta», pero dejan un cierto poso de reflexión, ¿Es necesaria tanta parafernalia para un día así o son pura apariencia de cara a la galería? ¿Querremos pregonar todo tipo de bodas de forma tan explícita y grandilocuente o a parte de nuestra sociedad aún le pueden ciertos prejuicios?
Y la compañía sigue ganándose al público con los localismos. Los espectadores de cada ciudad de España disfrutan con las referencias a sus particulares «Confiterías Gómez». Así, siguen ganándose a un público que entregado ríe constantemente, interrumpiendo el curso de la representación en varias ocasiones. Y el público se vuelve a sorprender aún más cuando traspasan la cuarta pared de una forma ingeniosa y nada comprometida para el público, cosa que muchos espectadores «timidillos» agradecerán enormemente. Todo ello con un nivel de producción a destacar. Once inmensos actores que, en algunos casos, interpretan hasta cinco personajes bajo la dirección de Jordi Milán. Es una alegría ver compañías privadas de esta envergadura girando por España, aunque claro ellos ya juegan sobre seguro. Tienen una legión de incondicionales que esperan ávidos sus nuevos espectáculos. Casi dos horas y media sin descanso, pocas compañías se atreven a hacerlo, de diversión asegurada. Resume muy bien el ideario de la compañía uno de los números musicales de este vodevil arrevistado: Como nos gusta hacer teatro. Y en esa teatralidad que encuentran en lo cotidiano nos damos cuenta que todos llevamos dentro un gran actor en el theatrum mundi…
*No les pierdan de vista en las siguientes plazas de la gira: Teatro Jovellanos de Gijón del 1 al 11 de agosto, Teatro Arriaga de Bilbao del 15 de agosto al 15 de septiembre y en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid a partir del 20 de septiembre.
Una electrizante Malú pone a bailar al público del Santander Música en Grande
Un año más, el Santander Música en Grande ha apostado por algunas de las primeras espadas del pop rock nacional. Si en la primera jornada disfrutamos de los veteranos M Clan con su célebre Carolina que demostraron que la veteranía es un grado en su particular lección de rock nacional, en la segunda y tercera jornada pasaron por la Campa artistas como Rulo y Juan Magán, a este último no sabría muy bien si calificarlo como tal, pero para gustos los colores…
Y anoche, estuvimos pendientes, una vez más, del cielo. Desde que se abrieron las puertas del recinto, el público permanecía expectante, ¿Nos amargará la fiesta el tiempo? Y vaya si la amargó… La noche comenzó con el directo de los teloneros, Lagarto Amarillo. Y es que por mucho que se empeñen en los festivales por poner a todos en el mismo tamaño en los carteles y, casi casi, con la misma duración en sus actuaciones, siempre habrá primeras figuras y «relleno». Y el grupo que puso la banda sonora a la teleserie Cuéntame cómo pasó, ni siquiera se dignó a cantar precisamente esa canción. Sí cantaron su Culpable entre gritos apasionados de grupis adolescentes: » Si me acusan de haberme enamorado de Santander solo puedo declararme culpable». Y basta ya de preámbulos. Después del ‘runrún’ de los patrocinadores, que en algunas ocasiones son tantos que duran más las promos que el propio concierto, salió al escenario Malú, una artista con mayúsculas que puso a bailar al respetable a golpe de Vértigo. Tras agradecer a su público la paciencia, más allá del retraso hay que tener en cuenta que seguían cayendo «chuzos de punta» al filo de la madrugada, se propuso un objetivo muy claro: «Espero que salgáis con una sonrisa en la cara». Y la coach de La Voz lo dio todo encima del escenario, demostrando que es una de las mejores solistas femeninas de este país. No faltaron los duetos a miles de voces entre Malú y el público de temas como Devuélveme la vida y Que nadie. La artista parece llevarse bien con todo el ‘artisteo’ patrio y debe ser por esa generosidad y humildad que solo los GRANDES derrochan encima del escenario. Solo el amor nos salvará volvió a poner a bailar al embarrado público de la Magdalena que resistió estoicamente el calvario atmosférico que tuvimos que soportar. Y ella nos salvó y salimos del concierto con la sonrisa prometida y el recuerdo de ese brillante directo cantando bajo la lluvia que terminó a modo de bis con Blanco y Negro y Toda, dos de sus mayores éxitos musicales.
Y hasta aquí la crónica DESDE MI BUTACA del Música en Grande 2013. Finalmente, este blog no estará acreditado para la última cita y plato fuerte del festival por «cuestiones de aforo», pero ya estamos contando los días para la siguiente cita festivalera, el Santander Music que traerá a la capital cántabra a grupos como Fangoria, Keane o Dover. Santander se llena de música en verano gracias a iniciativas como las de la cántabra Mouro Producciones, que año tras año apuesta por lo más «florido» del panorama musical nacional e internacional en ambas citas estivales que apuestan por la heterogeneidad de públicos.
Alicia Hermida y Sonsoles Benedicto: "El teatro es pura comunicación"
Gerardo Vera ha reunido en su visión de Maribel y la extraña familia un reparto de primer nivel. Para las entrañables viejecitas que discuten sobre la diferencia entre la calle Horteleza y la Calle Fuencarral el director ha optado por dos sabias de la escena. Alicia Hermida, actriz y maestra de actores desde hace décadas, y Sonsoles Benedicto forman una pareja deliciosa encima de las tablas del Infanta Isabel, ese teatro que acogió tantos estrenos de Mihura. Sobre la modernidad del autor de El caso de la mujer asesinadita y la pasión por el teatro que aún permanece en sus ojos charlamos DESDE MI BUTACA.
Sorprende que se represente tan poco a un autor tan moderno como Mihura por absurdos condicionantes ideológicos, ¿Qué destacarían de una obra como Maribel y la extraña familia?
Alicia Hermida: Está llena de modernidad, con ese poso de teatro del absurdo que tienen algunos de los personajes. Considero que Maribel y la extraña familia es una de las mejores comedias de Miguel Mihura junto con Sublime decisión.
Sonsoles Benedicto: Sus personajes tienen mucha humanidad y son muy creíbles. Pienso que en todas las familias hay una tía mayor que vive anclada al pasado y no termina de entender un presente al que intenta adaptarse. La historia de amor y amistad es maravillosa. Además de la historia de amor de Maribel y Marcelino, tenemos a unas amigas que lo dejan todo para que a ella no le pase nada. Dudan de esta extraña familia. Ellas siempre están cerca de Maribel con una humanidad y una verdad que te atrapa. Además, la transformación de Maribel y Marcelino es algo con lo que Mihura quiso demostrar que todo lo puede el amor. Es una lección que debemos aprender de la obra.
La Tía Paula y Doña Paula son los personajes más absurdos de la comedia y creo que han trabajado su interpretación fijándose en el buen hacer de los clowns…
A.H: Desde luego. Ahora bien, hay clowns y clowns. Se puede hacer con la mínima expresión. Ya lo decía Shakespeare en Hamlet cuando daba esa lección a los cómicos y les decía que no exagerasen. Los actores no debemos trabajar para conseguir la risa del público, sino para hacer bien nuestro trabajo. Hay que ser muy exigente con nuestra interpretación. No debemos forzar la risa ni, mucho menos, reírnos de nuestra propia ‘gracieta’.
S.B: Los personajes de Mihura son muy ingenuos, pero debíamos tratarlos desde la verdad. Hablan con una naturalidad envidiable, no se dan cuenta de que lo están diciendo es absurdo. Y así todo fluye mucho mejor y la risa surge espontáneamente por su manera de ser, son muy aniñadas. No hay que subrayar nada. Es muy ionesquiano, son personajes muy disparatados, pero dentro de la humanidad y la verdad.
Toda una vida encima de las tablas, ¿Por qué el teatro es para ustedes un buen lugar para contar historias?
A.H: El teatro y el arte en general son comunicación. Hay muchas formas de trabajar. Los actores somos un poco egocéntricos, pero siento que he sido una afortunada por tener compañeros de los que aprender muchas cosas. He tenido la suerte de viajar mucho además. He conocido a actores rusos, cuya escuela no se basa en uno mismo, sino en todo lo que estás haciendo y para quién lo haces. En los países del este valoran mucho el trabajo del otro, trabajan con mucho amor, con mucha entrega. En el Teatro de Arte de Moscú veías a 1000 niños emocionados con El pájaro azul. Tienen una cultura teatral enorme y un público realmente educado. Además, yo recuerdo que los mayores elogios que he recibido en mi vida han sido por parte de las primeras espadas de la escena rusa. Deberíamos aprender a valorarnos un poquito más.
S.B: Para mi el teatro es una necesidad de comunicación y una ilusión continua. A pesar de llevar tantos años en las tablas, conservo la pasión por mi oficio. Cuando recibo un nuevo proyecto lo hago con la ilusión del primer día.
Fernando Guillén: "Me siento un discípulo de Miguel Ángel Solá"
Miguel Ángel Solá y Blanca Oteyza consiguieron uno de los hitos teatrales más recordados. Más de 1.000.000 de espectadores se «enamoraron» de Adán y Eva. Los derechos de su Hoy: El Diario de Adán y Eva han sido ‘pedidos’ por compañías de todo el mundo, pero nunca han tenido el visto bueno del tándem Solá- Oteyza. Solo una llamada de Fernando Guillén, del que de alguna manera Solá se sintió maestro en los tiempos en que hacían juntos Julio César, ha obrado el milagro de que podamos estar hablando ahora de una nueva producción de esta maravillosa historia de amor radiofónica.
Una historia que sin Solá, que ha ejercido de director del montaje, no hubiese sido lo mismo: «Si la hubiésemos hecho sin él, sería como haberle usurpado algo muy suyo», comenta un visiblemente emocionado con la experiencia Fernando Guillén. Y tras unas cuantas conversaciones telefónicas, se juntaron para comer y Solá pidió un simple café, como rememora divertida Ana Milán. De alguna forma contar con Miguel Ángel Solá en la dirección es «una especie de cadena de transmisión», en palabras de un Fernando Guillén que agradece enormemente «la generosidad de un director que me ha permitido crear el personaje sin tener en cuenta su trabajo anterior como intérprete del mismo personaje».
Y nuestra historia acaba… por el principio. A la vuelta de un viaje a París, ciudad donde parece ser que se perdió el original de Twain, Ana le propuso a Fernando hacer la obra con dirección de Solá. Una cosa cuanto menos «mágica», teniendo en cuenta que ella no vio la obra ni había leído el libro de Mark Twain que andaba por su casa desde siempre. Solo un comentario de su hermana le vino a la cabeza: «Es la obra más bonito que he visto en mi vida». Y a partir de ahí se comenzó a fraguar este proyecto. Solá, todo un veterano de la escena, se presentó el primer día de ensayos diciéndoles que no se preocupasen por memorizar el texto: «Solá sabía que es un texto que se entiende desde la emoción y desde el corazón», recuerda la actriz de Cámera café. El director se propuso un objetivo: Conseguir que Fernando estuviese aún mejor que el propio Solá. El que escribe estas palabras salió realmente impactado por este texto en el Reina Victoria. Siento que de alguna forma fue uno de los motores que me impulsaron a esta pasión teatral que cultivo DESDE MI BUTACA. Y mañana en el Casyc de Santander descubriremos si esta vez surge la magia de nuevo con esta entrañable historia de amor en las ondas. Una apuesta del equipo de Palco Tres por traer espectáculos de primer nivel a la capital cántabra también en la época estival con el ya tradicional ciclo Talía, por el que pasarán nombres propios de la escena como los de Carmen Ruiz, Ara Malikian, Antonio Molero y Aurora Sánchez entre otros. Una apuesta que DESDE MI BUTACA solo podemos aplaudir. Arriba el telón.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 