La Firma Invitada: Jesús Martínez Caro nos descubre los secretos de “La Soga”

Jesús Martínez Caro se ha encargado de la adaptación teatral de La Soga, que se puede disfrutar en el Teatro Fígaro de Madrid de martes a domingo a las 20h. Él es nuestra Firma Invitada con un artículo titulado “El poder de las palabras”.

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“…letra pequeña, pensamientos elevados… mal negocio” esta frase encierra el significado de casi todo lo que hacemos en el tiempo que nos ha tocado vivir. Lo primero es lo primero, el resto carece de valor si lo primero no se consigue, y con esto justificamos nuestros actos.

El texto de La Soga nos muestra todas nuestras debilidades: la vanidad, la codicia, la envidia, la lujuria… es nuestro afán de ser mejor que el otro, de creernos con poder para decidir sobre los demás. El acto más cruel, el de arrebatar la vida, no es peor que el acto de someter o de despreciar a los demás, pero los personajes de la obra nos lo escupen a la cara. Uno como espectador se horroriza por lo que Brandon y Phillip acaban de hacer, pero si piensa un poco se da cuenta que todos somos capaces de hacer lo mismo que ellos.

Esa desviación del mono, a la que llamamos ser humano, interpreta lo que recibe como una amenaza y actúa en consecuencia; por autodefensa, es la ley de la evolución. Si hemos llegado tan lejos es por el poder de acabar con todo aquello que nos amenaza para conseguir esa calidad de vida a la que todos aspiramos a tener.

Las palabras encierran el poder más difícil de controlar, todo lo que decimos, escribimos y mostramos puede ser interpretado o mal interpretado dependiendo de la persona que lo recibe, por lo que callar en estos tiempos se ha convertido en un don.

Mostrar lo que este texto encierra se convierte en una tentación difícil de controlar y termina siendo una obsesión. Lo que fue una idea de barra de bar, hacer un montaje para una asociación cultural y poder hacer una gira, pasó a convertirse en algo imposible, luego probable, más tarde a un cajón durante varios años y, por fin, cuando estaba olvidada, surgió la posibilidad de hacerla. El año pasado pude ver mi obsesión encima de un escenario acometido por el esfuerzo de personas apasionadas y volcadas en hacer que el teatro siga llenando la vida de la gente del lugar donde vivo. Más tarde, cuando Brandon (Kiko) me llamó todo se convirtió en un sueño, un regalo de los dioses que aún no me acabo de creer. Verlo en el Fígaro de la mano de Nina, el maravilloso trabajo de los actores, Julián, Inge, Markos, Mariano, Aníbal y Kiko y el impresionante esfuerzo y dedicación de los productores Jesús y Edu es más que un sueño, es la esperanza de que el teatro sigue vivo y que las palabras siguen vivas y con todo su poder.

Si todos los años el festival de Cáceres o el de Almagro se llenan de gente que va a ver palabras escritas hace varios siglos es por un motivo, esas palabras encierran un poder de atracción que no entiende de tiempo, llegan al espectador vírgenes, como recién escritas por la mano de Cervantes, Lope, Shakespeare, Rojas…

Hitchcock mostró a mediados del siglo pasado lo decadente de una sociedad acomodada americana basándose en las palabras de Hamilton de principios de siglo. Ahora La Soga muestra a la sociedad corrupta de principios de este siglo el repugnante poder del superhombre en nuestro tiempo, por lo demás sólo tengo palabras de agradecimiento.

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El elenco de
El elenco de “La Soga” al completo.
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Daniel Guzmán: “Si no sueñas, no vives”

Si hay una palabra que se repite cuando Daniel Guzmán habla de su personal ópera prima, A cambio de nada, es la palabra “Sueño”. Y precisamente, su cortometraje Sueños fue el primer pasito hacia este A cambio de nada que acaba de estrenar tras casi una década de esfuerzo. Tras el éxito sin precedentes de Aquí no hay quien viva, que le hizo perder lo que es para él lo más importante: El anonimato, decidió parar en seco y centrarse en su proyecto más personal. Ese sueño por el que ha luchado tanto ha merecido la pena. Premiado en Málaga y con el cariño del público que está acudiendo a las salas a verla: “El mayor premio es ver cómo el público ha conectado con la película y la película ha conectado con el público” dice con una sonrisa de satisfacción. Hablamos con él en el Teatro Fígaro, donde representa Los miércoles no existen, una obra con la que se ha reencontrado con su profesión tras tantos años alejado de los focos. Siéntense en sus butacas y disfruten de este soñador empedernido.

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¿Cuáles son las claves del éxito de Los miércoles no existen?

La cercanía de unas historias muy reales, con las que el público se identifica de inmediato. Interactuas con ellos, se convierten en parte activa. Creo que responde a un estilo y a una forma de hacer teatro más cercano al público que el convencional y eso es lo que ha convertido a esta obra en un verdadero fenómeno.

¿Cómo llevas este sistema de varios repartos que os rotáis en las funciones?

Me incorporé ya en el Sol de York, nada más empezar las funciones. Me gusta trabajar con lo que ocurre en el momento. Mi personaje lo hacemos diferente cada actor. Es un proceso muy activo al poder trabajar con otros actores y eso me encanta. Tienes que estar muy vivo. En mi reparto no fijamos las cosas, son diferentes las reacciones, te relacionas de forma diferente con uno u otro reparto.

Has vuelto a las tablas tras casi una década sin actuar…

Llevaba nueve años por la película sin actuar. He estado separado de mi oficio de actor. Volver con Recortes fue una experiencia muy especial. Me daba la réplica el espectador. Algo muy diferente a lo que había hecho. Estar en el Lara con las dos funciones fue un buen reencuentro con mi oficio, además de hacer Velvet.  El teatro me ha hecho volver a reinventarme como actor.

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¿Ha merecido la pena dejarlo todo tanto tiempo por A cambio de nada?

Es muy duro, un camino del que no veía el final. Lo he soportado con mucha paciencia y mucha obstinación y al final lo he conseguido. Encontré cosas muy interesantes escribiéndolo. Es un oficio apasionante. A pesar de haber sido tan difícil, este proyecto ha merecido la pena. El final del viaje está siendo muy bonito. Jurado y crítica han coincidido y eso es muy gratificante. De entrada, me descolocó mucho toda esta repercusión mediática después de estar tantos años alejado de los focos, centrado en este proyecto. Eso creó unas expectativas que a mi me incomodaban ciertamente. Lo bueno es que el final del viaje ha sido maravilloso. En redes sociales, la reacción del público ha sido emocionante, esa es la mayor satisfacción. El mayor premio es ver cómo el público ha conectado con la película y la película ha conectado con el público.

En la película se mezclan actores profesionales con gente que no lo es, ¿Cómo se consigue dar verdad a esa mezcolanza de caracteres?

Hemos hecho un trabajo muy específico para que no se note la diferencia. Necesitaba mucha verdad en los personajes. Creo que la clave ha estado en cómo se han enriquecido los profesionales con los no profesionales y al contrario. Tuve claro que quería esa mezcla, ese neorrealismo con todos los defectos e imperfecciones que pueda llegar a tener. El público valora la autenticidad que hay detrás de la película, más allá de sus imperfecciones.

¿Qué le ha enseñado el mundo del boxeo a Daniel Guzmán?

Si no hay sacrificio encima del ring sufres, al igual que en la vida. Si no te dedicas a tu trabajo, vas a sufrir. Por ejemplo, si no preparas el guión, la película no puede salir bien. Lo bueno es que hay una relación proporcional entre tu sacrificio y tu disciplina con el resultado que puedes llegar a conseguir en el ring y en la vida.

Paraste en seco en mitad del huracán mediático de Aquí no hay quien viva….

Estos años han sido esenciales para encontrar respuestas sobre mi vida. Este oficio es muy contradictorio. Tú necesitas al público y que responda con su cariño, pero si te haces conocido pierdes tu intimidad. Tú no sabes lo que es la intimidad hasta que te la quitan. Perder el anonimato es el mayor peaje que hay que pagar por tener éxito en esta profesión. Lo asumo, pero me molesta haber perdido un poco de libertad en mi vida diaria.

¿En qué han cambiado los Sueños de los que hablaba el adolescente grafitero con los del flamante ganador del Festival de Málaga?

No creo que haya cambiado mucho, si no que creo que sigo soñando incluso más que cuando era un adolescente. De hecho, esta película es un sueño que podría no haberse hecho realidad. Se ha hecho realidad por la capacidad de poder soñar, de creer en tus propios sueños. Si no siguiera soñando, la realidad no me haría feliz. Siempre he apostado por mis sueños hasta el final. Si no sueñas, no vives.

Esperanza Elipe: “El teatro es insustituible e inabarcable”

El Teatro Cofidis Alcazar estrena el próximo 16 de enero el vodevil Locos por el té, que promete risas con un reparto en el que destacan María Luisa Merlo y Esperanza Elipe, que atiende a DESDE MI BUTACA unos días antes del esperado estreno.

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¿Cuáles son los ingredientes de Locos por el té para enganchar al público?

Un texto divertido, una ágil puesta en escena que a modo de orquesta mantiene a los actores afinados durante la hora y media aproximada de función y una protagonista de lujo como Maria Luisa Merlo que con Juan Antonio Lumbreras de partenaire hacen una pareja cómica cercana a los gloriosos Margaret Dumont y Groucho Marx.

¿Qué papel juega Claire en este vodevil inglés?

Claire es la directora de este vodevil, es inglesa aunque habla perfectamente español (con algo de acento,eso sí) y a dos días del estreno saca fuerzas de flaqueza para que el resultado no sea el desastre irremediable que parece que se anuncia.

¿Cómo está siendo el proceso de ensayos con Quino Falero?

Trabajar con Quino es disfrutar el proceso. Desde el primer día ha tenido muy claro lo que buscaba de cada uno de nosotros y a pesar de eso nos ha dejado probar, proponer y se ha ajustado a nuestro ritmo. Para ser un equipo que no habíamos trabajado antes juntos y en la primera semana ya nos teníamos cogido el pulso. Y eso es gracias a él, a sus propuestas de trabajo previas y a su capacidad de aunarnos manteniendo el grupo por encima de la individualidad. Nos seguimos divirtiendo y riendo muchísimo, la verdad.

Cada estreno siempre es un reto, pero ¿Por qué crees que Locos por el té no será un estreno más en tu carrera? ¿Tienes muchos nervios ante tan esperada fecha?

Cada estreno es especial, nunca lo veo como uno más, son “criaturas” como yo las llamo y están hechos de vida, tiempo y mucho amor; repletos de anécdotas que quedarán como recuerdos para toda la vida, pero si que es verdad que algunos estrenos los tengo marcados como “dolorosos” y en este caso la marca es una sonrisa enorme que la veo extenderse por todo el calendario apenas abierto del 2014. Y sí, tengo nervios, claro que sí, el encuentro con el público es la esencia y el objetivo final de nuestro trabajo, hay que cotejar si lo que estamos encontrando y dando por bueno obtiene el beneplácito del público.

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Y ahora más que nunca, ¿Por qué el teatro es un buen lugar para contar historias para ti?

Es el mejor lugar para contar historias, tiene la cercanía y la respiración del que las recibe. Es algo inmediato que se renueva cada día como verdadero. Desde ese lugar se puede divertir, se puede denunciar, se puede infundir valor y/o ayudar a reflexionar. El teatro es insustituible e inabarcable. Es una rama de la cultura, tan necesario como alimentar el cuerpo.

Combinas la obra con Vive cantando, de la que hablaba hace poco con un entusiasmado Javier Cifrián que alegaba la mezcla de la comedia y el drama, como la vida misma, como la clave del éxito de la serie, ¿Qué significa para ti estar en una serie como ésta?

Significa que soy una privilegiada en estos momentos y me hace consciente de lo mucho que he de agradecer a la vida y a la profesión el que me devuelva la esperanza del trabajo, tras un par de años duros le siguen otros que te reafirman en el camino elegido hace tanto tiempo ya y al que no voy a renunciar.

Y pasado el tiempo, ¿Qué recuerdo guardas de Cámera Café?

Guardo maravillosos recuerdos de aquellos días, hice buenos amigos para toda la vida y la alegría de haber hecho más llevadera la existencia de muchas personas.

Compartiste escenario con Julia Trujillo muy recientemente en De par en par,¿Con qué recuerdo te quedas de ella?

Mi Querida Julia… Me quedo con el entusiasmo e inmenso amor que tenia por el teatro y su valentía a la hora de aceptar proyectos inseguros que ella llenaba de esperanza.

Si miramos hacia el futuro, ¿Con qué proyectos sueña Esperanza Elipe?

Pues mira puestos a soñar y después de 25 años saltando del teatro alternativo al comercial y al revés (siempre encantada por cierto) creo que solo me falta probar las mieles del teatro institucional y protegido aunque sólo sea para tener una panorámica personal desde todos los frentes posibles.

Microcrítica tuitera: Hay un extraño en mi casa

Alicia Hermida y Sonsoles Benedicto: "El teatro es pura comunicación"

Gerardo Vera ha reunido en su visión de Maribel y la extraña familia un reparto de primer nivel. Para las entrañables viejecitas que discuten sobre la diferencia entre la calle Horteleza y la Calle Fuencarral el director ha optado por dos sabias de la escena. Alicia Hermida, actriz y maestra de actores desde hace décadas, y Sonsoles Benedicto forman una pareja deliciosa encima de las tablas del Infanta Isabel, ese teatro que acogió tantos estrenos de Mihura. Sobre la modernidad del autor de El caso de la mujer asesinadita y la pasión por el teatro que aún permanece en sus ojos charlamos DESDE MI BUTACA.

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Sorprende que se represente tan poco a un autor tan moderno como Mihura por absurdos condicionantes ideológicos, ¿Qué destacarían de una obra como Maribel y la extraña familia?

Alicia Hermida: Está llena de modernidad, con ese poso de teatro del absurdo que tienen algunos de los personajes. Considero que Maribel y la extraña familia es una de las mejores comedias de Miguel Mihura junto con Sublime decisión.

Sonsoles Benedicto: Sus personajes tienen mucha humanidad y son muy creíbles. Pienso que en todas las familias hay una tía mayor que vive anclada al pasado y no termina de entender un presente al que intenta adaptarse. La historia de amor y amistad es maravillosa. Además de la historia de amor de Maribel y Marcelino, tenemos a unas amigas que lo dejan todo para que a ella no le pase nada. Dudan de esta extraña familia. Ellas siempre están cerca de Maribel con una humanidad y una verdad que te atrapa. Además, la transformación de Maribel y Marcelino es algo con lo que Mihura quiso demostrar que todo lo puede el amor. Es una lección que debemos aprender de la obra.

La Tía Paula y Doña Paula son los personajes más absurdos de la comedia y creo que han trabajado su interpretación fijándose en el buen hacer de los clowns

A.H: Desde luego. Ahora bien, hay clowns y clowns. Se puede hacer con la mínima expresión. Ya lo decía Shakespeare en Hamlet cuando daba esa lección a los cómicos y les decía que no exagerasen. Los actores no debemos trabajar para conseguir la risa del público, sino para hacer bien nuestro trabajo. Hay que ser muy exigente con nuestra interpretación. No debemos forzar la risa ni, mucho menos, reírnos de nuestra propia ‘gracieta’.

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S.B: Los personajes de Mihura son muy ingenuos, pero debíamos tratarlos desde la verdad. Hablan con una naturalidad envidiable, no se dan cuenta de que lo están diciendo es absurdo. Y así todo fluye mucho mejor y la risa surge espontáneamente por su manera de ser, son muy aniñadas. No hay que subrayar nada. Es muy ionesquiano, son personajes muy disparatados, pero dentro de la humanidad y la verdad.

Toda una vida encima de las tablas, ¿Por qué el teatro es para ustedes un buen lugar para contar historias?

A.H: El teatro y el arte en general son comunicación. Hay muchas formas de trabajar. Los actores somos un poco egocéntricos, pero siento que he sido una afortunada por tener compañeros de los que aprender muchas cosas. He tenido la suerte de viajar mucho además. He conocido a actores rusos, cuya escuela no se basa en uno mismo, sino en todo lo que estás haciendo y para quién lo haces. En los países del este valoran mucho el trabajo del otro, trabajan con mucho amor, con mucha entrega. En el Teatro de Arte de Moscú veías a 1000 niños emocionados con El pájaro azul. Tienen una cultura teatral enorme y un público realmente educado. Además, yo recuerdo que los mayores elogios que he recibido en mi vida han sido por parte de las primeras espadas de la escena rusa. Deberíamos aprender a valorarnos un poquito más.

S.B: Para mi el teatro es una necesidad de comunicación y una ilusión continua. A pesar de llevar tantos años en las tablas, conservo la pasión por mi oficio. Cuando recibo un nuevo proyecto lo hago con la ilusión del primer día.