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Si la vida es una obra de teatro llena de momentos que son mera representación nadie mejor que La Cubana para llevar a escena algo tan ‘teatral’ como ciertos funerales. Adiós Arturo ha llegado al Teatro Calderón de Madrid tras una extensa gira de la que ya os hablamos a su paso por Torrelavega (Cantabria). Esta vez damos la palabra como Firma Invitada a Edu Ferrés, la última incorporación de la compañía.
Mi
relación con La Cubana empieza como espectador, como admirador y
profesionalmente como compañero que algún día sueña con subirse a
las tablas con ellos algún día.
En
2010 realizaron un casting para acceder a un curso completamente
gratuito durante un mes. ¿El objetivo? Enseñar su particular forma
de hacer. A los pocos días entendí lo que significaba ‘’La
Cubana’’, era algo totalmente distinto a lo que conocía como
actor.
Unos
cuantos afortunados aprendimos en aquel curso la importancia de
observar, de mezclar realidad y ficción en entornos muy reales.
Aprendimos a extraer el teatro que hacemos en nuestras vidas
cotidianas y que pasa inadvertido como teatro, para ponerlo sobre un
escenario o en la misma calle.
Pasaron
unos años después de ese curso y yo ya vivía en Madrid, con mi
propia compañía de teatro y mi vida ‘’asentada’’ en la
capital hasta que un buen día Jordi (el director) me llamó y me
preguntó: “¿Hola Edu, qué estás haciendo?’’ Ahí empezó mi
segunda experiencia con La Cubana, ésta vez sería para poner en
práctica todo lo aprendido en aquel curso.
El
montaje empezó con 4 meses de intenso trabajo. Jornadas completas
metidos en la sala de ensayo, probando, proponiendo, descartando,
corrigiendo y aprendiendo a crear desde la paciencia y el detalle. Lo
que más me costó fue adaptar lo que ya sabía como profesional a la
forma de hacer de La Cubana. Es un lenguaje teatral muy específico y
Jordi Milán es muy insistente en ese sentido, hasta que no lo hagas
de esa forma tan específica, no cesará en sus intentos por
conseguirlo. Mezcla situaciones surrealistas con escenas muy
reconocibles por todos, personajes muy humanos pero a su vez
‘’excéntricos’’ que puestos todos en el escenario algún
atrevido podría decir que se trata de una ‘’caricatura’’,
pero no lo es, son personajes que están viviendo de verdad en
situaciones extremas que les obligan a ser extremos.
Una
vez termina el proceso de ensayo, sabes que el espectáculo nunca
dejará de crecer. Cualquier nota puede eliminarse, variar y
evolucionar. Precisamente ésta forma de hacer, hace que estés
siempre alerta y nunca te relajes, en el buen y el mal sentido de la
palabra relajar. Formar parte de La Cubana no significa solamente
interpretar, significa formar parte del artesanal oficio del teatro.
Entramos
en Madrid con 340 funciones a nuestras espaldas, más de 205.000
espectadores y 30 ciudades visitadas. Ha sido un año y medio lleno
de viajes, montajes, horas comiendo techo, paseos por ciudades que no
conocía, aprendiendo la cultura y la gastronomía de cada sitio,
adaptándonos a cada público que es muy variopinto en éste país y
eso es una maravilla… En definitiva, es una experiencia muy
intensa, en ocasiones llegas a pensar que no existe nada más que tu
oficio y te das cuenta que es normal, vives por y para el teatro y es
por eso que es muy importante saber abstraerse de vez en cuando para
poder coger aire y seguir.
Desde
el minuto uno, supe que La Cubana sería una experiencia vital que
quedará para siempre y por eso, toca disfrutarla todo lo que se
pueda y exprimirla, ya no queda nadie que haga lo que se hace en ésta
casa.
Ahora toca disfrutar unos meses en casa (Madrid) y compartir con todo el público lo que llevamos construyendo durante casi dos años. ¡Os esperamos en el Teatro Calderón!
En nuestra nueva entrega de las Entrevistas Desde Mi Butaca nos acercamos al Teatro Rialto para charlar con Àngel Llàcer e Ivan Labanda, protagonistas de La Jaula de las Locas.
Ivan Labanda
¿Cuáles son las claves de La Jaula de las Locas?
Las claves son los temas que trata como el amor, la felicidad, ser uno mismo. La química también se transmite, somos una pequeña gran familia que contagia al espectador, es imposible que no llegue la magia que se crea en escena.
¿Cómo es compartir escena con el director de la función?
Es un privilegio. Es uno de los mejores directores con los que he trabajado y, a la vez, amigo desde hace muchos años. Me alegro de que la gente redescubra al actor de comedia que tiene dentro. Es casi más gamberro que yo, me hace reír.
¿Distingue Àngel Llàcer la faceta de actor de la de director?
Cuando se pone en modo compañero de escena se pone siempre de tu lado. Eso no quita que si va algo que está mal te lo diga.
¿Cuál es el mayor reto al que te has enfrentado con este espectáculo?
Desde luego la edad, siempre lo ha representado gente más mayor. Tiene un hijo de 20 años. La función está por encima de todo y una vez que te pones una peluca y el vestuario, te conviertes en el personaje.
¿Cómo es haber formado parte con tu voz de El regreso de Mary Poppins?
Pasé un casting que llegó a Estados Unidos y me hizo una ilusión tremenda. Poder formar parte de una película original de Disney, cantar las canciones… Le pusimos mucho amor y en el resultado se nota.
Además, interpretas a personajes conocidos en televisión…
Es una noria que va a toda velocidad. El truco está en ni siquiera planteárselo. Yo voy, lo hago lo mejor posible y lo disfruto. Procuro no pensarlo demasiado.
Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro es un gran lugar para contar historias para ti?
Para un actor, el teatro es lo que te mantiene vivo, es como nuestro gimnasio, emocionar al público cada noche es indescriptible, es como si te chutaras vitaminas cada noche. No se puede comparar con nada.
Último llamamiento para que venga el público a veros…
Vengan a ver La Jaula de las Locas. Saldrán felices del teatro, creo que es uno de los lugares más especiales. El hecho escénico te cambia, te modifica, les aseguro que saldrán mucho más felices y emocionados de lo que entraron.
Àngel Llàcer
En una semana en que toca darlo todo para vender la criatura escénica que les llevó a ser el musical de la temporada en Barcelona, Àngel Llàcer sabe muy bien lo que quiere trasmitir desde la dirección y el papel protagonista de una obra por la que no parece haber pasado el tiempo: «Habla de las personas, lo que cambia es lo que nos rodea, las preocupaciones son las mismas. Habla de ser uno mismo, que te aceptes y que te acepten los demás». En esa misma línea transcurre el tema principal de la obra, I am what I Am: «Aunque salga vestido de mujer canto diciendo que yo, Ángel, soy lo que soy y que aquí estoy y quien quiera venir conmigo que venga y quien no pues no pasa nada. Nunca la hago como una canción de reivindicación de los derechos. Es lo único que me da miedo de este espectáculo. Después de casi 200 representaciones aún cuando empieza la canción que es sin música lo único que pienso es si voy a coger el tono». Y delante de la prensa se tira a la piscina y atina con el tono al afinar las primeras notas de un número que vuelve a ovacionar el público con este montaje en el que «con mi sola presencia, el teatro se convierte en un cabaret», comenta entre risas el jurado de Tu Cara Me Suena que es a la vez Albin, Zaza, el Tío Albert: «con el que el público se ríe mucho» y la madre del joven protagonista: «que ni tiene nombre».
De vuelta a La tienda de los Horrores. Contaba con solo 25 años cuando Àngel Llàcer se enfrentó a uno de sus primeros grandes retos como actor. Nada menos que el protagonista, Seymour, de uno de los musicales más deliciosos de Alan Menken. Ahora, mientras protagoniza musical en Madrid, su dirección de la nueva producción del musical en Barcelona está cosechando un gran éxito. Para él: «Ha sido como revivir un tiempo pasado. Dirigiendo esta nueva producción me acordaba de las letras de la otra producción y me salían de hecho al ensayar esta vez».
Para el artista, La tienda de los horrores: «Es un musical en mayúsculas. La música es tan importante y cada número es tan brutal y te llega tanto que es como cuando vas a un concierto de música clásica y disfrutas mucho. Algo así pasa con esta obra. Es un MUSICAL. Cada canción tiene su fuerza, está dentro de una historia, pero nos lo planteamos como un concierto. Un numerazo tras otro, sales de ahí convencido de lo poderosa que es la música».
Durante las últimas décadas, la supervivencia de nuestro teatro musical parece estar centrada en buscar nuevas fórmulas para mantener el innegable tesoro musical que esconden las zarzuelas, un género al que es necesario dar una vuelta para atraer nuevos públicos. Para ello es imprescindible contar con profesionales que amen el género, pero no tengan miedo a desempolvar un género que debe permanecer como parte de nuestro patrimonio cultural. Reunimos a Juanma Cifuentes y Beatriz Lanza para charlar sobre ANTOLÓGICA DE ZARZUELA, que presentan los domingos 20 y 27 de octubre y el 3 de noviembre a las 12:30h en el Teatro EDP Gran Vía.
¿Cómo nace este espectáculo?
J.C: Beatriz me llama para que hagamos algo juntos y llevábamos muchos años sin trabajar juntos. Fue muy rápido, me puse con la idea, hice el texto y me pasó el repertorio. Los que hemos hecho zarzuela nos planteamos desde hace tiempo si este género se está quedando obsoleto. A partir de ahí, surgió todo. Los temas que me mandó los metí en una licuadora y desde ahí hablo de lo que representa la zarzuela. Tenemos a los talibanes del género que consideran que no se debe tocar y otros que hay que modificarlo todo. Parece que el término medio no existe en este tema. He intentado normalizar un género que está en un punto muy particular. Nos encontramos a las compañías de toda la vida, que lo hacen como cuando se estrenó, y en el otro extremo tenemos las propuestas más modernas que se pueden ver a veces en el Teatro de la Zarzuela. Ahora mismo, cantar «De España vengo, de España voy» se considera facha. Nadie lo puede ver de una forma más normal. La vía media, la de la tranquilidad… Nuestro espectáculo contradice el género, pero a la vez reivindica la zarzuela que es igual de válida que los musicales o la ópera.
Uno de los grandes problemas es que no hay relevo generacional en los espectadores, ¿Cómo atraernos al género chico?
JC: Tengo una visión muy particular al respecto. Creo que el Teatro de la Zarzuela se ha renovado a base de esnobismos. Está claro que Pan y toros no se puede representar tal cual. El libreto es un panfleto de la época, pero considero que no es necesario sacar a gente en pelotas. Todas estas extravagancias se hacen para alejarnos lo máximo posible de todo lo casposo que puede resultar este género. Opto por el término medio, insisto y esto no se ha conseguido. Damos bandazos en un género que no se ha normalizado a pesar de trabajos tan destacados como los de Jesús Castejón. Hay que modernizar el género, pero esto no significar hacer algo vanguardista. Debemos encontrar una fórmula en contacto con el público de ahora, mucho más naturalista. Si no se rectifica, los nuevos espectadores al ver a los actores interpretar como un chulapo, piensan que esos personajes son extraterrestres. Otro tema importante y aquí ¡Sálvese quien pueda! es que algunos intérpretes se piensan que solo hay que cantar, pero no, esto es teatro. Se te tiene que entender, hay que emocionar. Tengo compañeros que solo les importa que se les escuche por encima de la orquesta. Ellos se olvidan de que el texto lírico tiene que tener una expresión, una emoción, es lo que más le ha apartado creo.
B. L: No podemos olvidar que, como dice Juanma en el texto del montaje, la zarzuela era la voz de la calle, un reflejo de la sociedad. Te das cuenta de que en el fondo, estas obras que dan voz al sentir de la gente en un momento siguen siendo muy actuales. Y es que como dice El Barberillo, son los mismos perros con distintos collares. Es interesante la propuesta de La Gran Vía que hizo el Teatro de la Zarzuela. Se consiguió trasladar la problemática de la creación de esa gran calle a la actualidad. Así es como creo que atraes al público. De alguna forma agarras la esencia de la obra y la traes a la actualidad. Como ejemplo tenemos el Teatro Clásico que se ha adaptado muy bien. Aparte de estas obras que reflejan el latir de la sociedad de un momento, nos encontramos también con las zarzuelas de conflictos amorosos. La ópera ha conseguido adaptarse en ese sentido y la zarzuela debería también ir en esa dirección.
J.C: El problema es que se sigue pensando en la zarzuela como un género ‘de repertorio’. En la manía de hacer esto como se hacía antes, no permite reinterpretaciones. Marcos Redondo no sería el mejor barítono del momento, pero cantaba desde un sitio muy particular. En los personajes cómicos lo he vivido mucho. A mí me decían que lo hiciera como Miguel Ligero.
Un último llamamiento para ver vuestra Antológica de Zarzuela, ¿Cuáles son vuestros momentos favoritos?
B.L: Mis momentos favoritos son aquellos en que canto lo que no me han dejado cantar en toda mi vida. Yo siempre le he pedido a Emilio Sagi hacer la Clarita en La del manojo de Rosas y me decía que tenía que hacer la Ascensión. Me encanta también poder interpretar el número de El año pasado por agua, La corte del Faraón o el final que es pura revista. Eso es lo que más me divierte y me aporta. Juanma le ha dado una visión muy interesante y necesaria. Tenemos muchos complejos a la hora de hacer Zarzuela. Tú te vas fuera de España y te piden que la cantes gracias a Elina Garanca y su marido que son los mejores embajadores del género fuera de España. No se ha entendido que la Zarzuela tiene una forma de cantarse – marcada además por el uso del español- que es diferente al de la ópera. Se ha querido hacer de una forma demasiado pomposa y debería ser algo mucho más fresco. Incluso dentro del género no puedes cantar igual Sorozabal que otro compositor.
J.C: Se empezó imitando de alguna forma a las óperas italianas y eso se va modificando hasta llegar al género chico, que es el más conocido con su tono frívolo. Por supuesto, hay excepciones como La tabernera del Puerto que tiene una gran seriedad. En cuanto a lo que me gusta cantar en este montaje pues es hacer algo más que los números cómicos que suelo hacer. Me encanta poder hacer El Caserío, El Barberillo de Lavapiés… Lo que más me interesa destacar es el texto y es que hay un juego constante de poner en entredicho y a la vez alabar el género. Este espectáculo nace del respeto más absoluto por el género. En la Escuela de Canto nos decían que no cantáramos Zarzuela. A Beatriz y a mí nos repetían que hacía daño a la garganta… Yo, la verdad, cuando descubrí el género me enamoró. Creo que lo tenemos demasiado olvidado y a veces se interpreta mal, pero bien hecho es algo maravilloso.
LOS QUINTANA cumplen 25 años sobre los escenarios y lo celebran con sus mejores momentos, sus personajes más divertidos y su inconfundible sello de humor. Un espectáculo de antología para disfrutar y reír de principio a fin. Lo hacen en una única velada, el 21 de octubre en el Teatro Calderón. Ellos son LA FIRMA INVITADA para contarnos en primera persona cómo ha sido este cuarto de siglo sobre los escenarios.
Somos los argentinos David y Fernando Quintana. Eran los años 90 y en Buenos Aires se respiraba cultura en todos lados.Las propuestas teatrales se tomaban la ciudad y nosotros queríamos ser parte de ese fenómeno. Comenzamos a estudiar teatro y eran tantas las ganas de hacer cosas que no podíamos esperar a la muestra de fin de año.
Es por eso que decidimos lanzarnos por nuestra cuenta y empezamos como un juego, a crear pequeñas escenas con personajes y situaciones que tenían algo de comedia y que a nuestros amigos cercanos y familiares, les causaba mucha gracia y ahí entendimos que el humor y la comedia era lo nuestro.
Nuestras primeras rutinas eran sketches que nosotros mismos escribíamos y que acompañábamos con canciones las cuales también parodiábamos. De ahí descubrimos la “fonomímica”, el arte de sincronizar perfectamente el movimiento de labios con una banda sonora. Nuestros personajes siempre fueron, en su mayoría, mujeres. El mundo femenino es mucho más rico para nosotros a la hora de contar historias.
Trabajamos mucho en Buenos Aires y en algunas provincias de Argentina. Lo que hacíamos gustaba y nos iba muy bien, pero la situación del país no nos acompañaba y ya cansados de vivir en crisis, decidimos partir.
España siempre fue un destino a conquistar con nuestro producto, pero las cuentas no nos daban; entonces decidimos cruzar la cordillera y llegamos a Chile.
Ahí sucedió todo. Nuestra propuesta gustó ¡y mucho!. Se amplió el elenco y de ahí nacimos Los Quintana como compañía de teatro presentando más de veinte espectáculos en todo Chile y gran parte de Latinoamérica.
Cruzamos el charco y llegamos a España de la mano de nuestro productor, quien nos descubrió en Santiago de Chile.
Nos presentamos en varias ocasiones en distintos teatros de Madrid, y eso dio lugar a convocar a otros artistas y formar un elenco estable en España.
Aquí estrenamos “NOĆ, un auténtico vodevil” y “Las Chicas del Zapping”, ambos espectáculos con buenas críticas y convocatoria de público.
Y así, sin darnos cuenta, estamos cumpliendo 25 años sobre los escenarios y qué mejor motivo para festejarlos que con una función especial, una “Gala”, donde mostraremos nuestras mejores rutinas, el próximo lunes 21 de octubre a las 20:30 horas en el Teatro Calderón de Madrid.
Nos acompañarán en esta única función los talentosos artistas: Carlos Chacón, Ricky Mata, José Cobrana y Joan Salas.
Opening night, it’s opening night It’s Max Bialystock’s latest show Will it flop or will it go? The cast is taking its final bow Here comes the audience now
The doors are open, they’re on their way Let’s hear what they have to say
«Los Productores» de Mel Brooks
Seguro que muchas veces os habéis preguntado cómo son esas noches de estreno (y mañanas, que para algo damos alcance también al teatro familiar). Estrenamos nueva sección en la que prometemos contar el ambiente de los grandes estrenos teatrales en Madrid. En esta primera entrega, teatro musical con Taller de corazones, musical familiar con Heidi y comedia con La función que sale mal.
El sábado 21, el Teatro Sanpol estrenó Heidi, el musical, su gran producción de esta temporada. Tras el éxito de Caperucita Roja, la sala ha vuelto a contar con las melodías de Jaume Carreras que alternan pasajes musicales de lo más animados al más puro estilo Alan Menken con momentos más introspectivos -especialmente en el caso del abuelo de Heidi, que tiene algunos pasajes musicales realmente memorables- que podrían recordar al mismísimo Stephen Sondheim. Palabras mayores para un espectáculo familiar ante el que el público va a saber responder. Todo ello bajo la sabia dirección de alguien que conoce tanto al público familiar como Natalia Jara. A las 12h se levantó el telón y en ese momento se volvió a sentir la magia que ha hecho durante 37 años del Sanpol todo un referente para el público familiar. Y de nuevo, grandes y pequeños se dejaron llevar por la historia con la que han crecido varias generaciones. El reparto está compuesto por veteranos intérpretes que dan la mano a las nuevas generaciones.
En escena, encontramos la solvencia de cuatro intérpretes con muchas tablas: Javier Ibarz como el abuelo que consigue emocionar al público, Paco Morales, estupendo en su vuelta a los escenarios madrileños tras su extenso periplo escénico mexicano, Karmele Aranburu que parece haber nacido para interpretar a la Señorita Rottenmeier y esa energía contagiosa que imprime Blanca Degá como la Tía Dete. Todo ello entremezclado con la frescura que dan a la escena Ainhoa Molina, Gema Bastante y Gallo Ryan. Al acabar, una gran ovación para la espléndida compañía que este sábado y domingo despedirán la función a modo de previas. La buena noticia es que estarán de nuevo en el Sanpol del 23 de noviembre al 5 de enero y estamos seguros se volverá a repetir la gran ovación.
El lunes 23 tuvo lugar el estreno oficial del nuevo musical original de La Espiral Mágica en los Teatros Luchana. Se trata del primer acercamiento de la compañía al público adulto tras exitosas experiencias como El pequeño conejito blanco. En Taller de Corazones, se han rodeado de un elenco de dos espléndidos intérpretes: Naím Thomas que emocionó al público en su estreno y Anabel García que, en fin, como ha demostrado encima de las tablas del Sanpol precisamente durante años, es pura magia. Georgina Cort- también habitual del Sanpol- es la directora de este proyecto que cuenta con una bellísima partitura original de Josep Ferré que el público aplaudió en su estreno. El lunes 30, última oportunidad de disfrutarla -por ahora- en los Luchana.
Y las huellas del Sanpol nos llevan directos a la que será, sin duda, una de las grandes comedias de la temporada. En el Teatro La Latina se ha estrenado esta semana un título de infalible resultado: La función que sale mal. Y en el elenco nos encontramos más de un intérprete que han hecho teatro musical familiar. Es el caso de Felipe Ansola- habitual en la producciones del Sanpol por ejemplo- que interpreta a un muerto que podríamos decir que no estaba muerto… que estaba de parranda… Y no, no hago mucho spoiler, vean la función y lo sabrán… La gracia cómica de Carla Postigo – a la que hemos visto en las producciones de José Luis Gago y Estrella Blanco como Oliver Twist– se entremezcla con otro estupendo intérprete que tiene su propia compañía de teatro familiar: David Ávila. Otro nombre que siempre es un placer ver en un elenco: César Camino como el regidor amante de Perales… A tenor de lo visto en su estreno, las risas están aseguradas con esta función que, a pesar de las pocas funciones previas que lleva, ya comienza a funcionar como un preciso mecanismo de relojería suiza. Y es que precisamente para que esta función salga ‘mal’ todo tiene que salir muy ‘bien’.
Si os gusta esta nueva sección, esperamos nos acompañéis en una nueva entrega que dedicaremos a los próximos estrenos de la cartelera incluido La jaula de las locas que ya estamos deseando ver el próximo miércoles y Por amor a Gila el viernes 4 de octubre. Presentimos que habrá muchas más Opening Night esta temporada.
El actor argentino homenajea al maestro Gila en un espectáculo que estará los viernes de octubre a las 22h en La Encina Teatro de Madrid.
¿Cómo nace este Por Amor a Gila?
La historia de este espectáculo se crea en el año 2000 que yo voy a Barcelona a hacer El señor del baño. Yo era amigo de Gila de su época en Argentina y de hecho me dirigió en un espectáculo. Cuando llegué a España me regaló sus memorias en las que, además, me menciona. Nos fuimos a cenar y él me pidió que pusiese humor a sus memorias, que no tenían mucho de comedia al tratar temas como la Guerra Civil, y el que perdía pagaba la cena. Aunque Miguel era de Chamberí, llevaba mucho en Barcelona, así que algo de sangre catalana le quedaba y yo soy de origen judío. Por lo que ninguno queríamos pagar. Yo no lo imito, uso una boina y parafraseo lo que él decía en sus memorias. Yo era el ‘ruso’ para él y para nosotros los españoles sois los ‘gallegos’. Llega un momento en que quedamos en pagar a medias, pero yo le cuento un chiste. Y el final del espectáculo acaba con unas palabras muy sentidas de Gila que decía que le gustaría que su nombre estuviese escrito entre los grandes nombres y yo le termino diciendo: «¡Bravo, Miguel! No te has muerto, te has vuelto invisible. ¡Bravo, Miguel! y que se ponga».
¿Cómo fue el recibimiento de Gila en Argentina?
Tuvo tanto o más éxito que en España. Vivió 20 años, hizo teatro, tv, cine y hasta me dirigió en un espectáculo. Dejó un sello muy importante allá. Por supuesto que Gila es español, pero para la gente con más de 40 años todos los conocen. Me encanta coger el metro aquí y que de repente alguien me diga: ¿Está el enemigo? La gente se ha quedado con la parte más cómica de Gila, pero él tuvo mucho sufrimiento como yo cuento en el espectáculo, aunque con humor. La gente muerta de risa se mezcla con alguna lagrimita en este espectáculo. Incluso hago un rap con una frase suya que me dice: «Ruso, la fauna política y militar con el pretexto de defender una bandera mandan a ese matadero que es la guerra, ruso, me cago en la guerra gane quien gane». Precisamente el rap que canto en su honor se llama Me cago en la guerra.
¿Cuál es el mayor legado que ha dejado Miguel Gila?
Que para hacer humor no hace falta ser idiota.
Durante tu carrera has trabajado en muchos espectáculos unipersonales, ¿Cómo te definirías a nivel artístico?
Gila me conoció como monologuista y aquí en España me he dedicado mucho a ese género. También soy actor de comedia. Como dice mi página web, soy un actor todoterreno. He pasado por todo. He participado en la parte de más glamour de este oficio, pero nunca esperé a que me sonase el teléfono para montar un espectáculo. Yo invento un espectáculo y me lo autogestiono. Además, en España tengo que hablar de Pablo Silva que me produce estupendamente aquí. Tengo que confesarte que cuando me puse el traje de productor lo hice sin que se me cayesen los galones, pero prefiero tener un equipo de trabajo.
Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro y en concreto la comedia es la mejor forma para contar historias para ti?
La comedia es una de las maneras más perfectas de explicar este mundo loco. Gila hablaba de la Guerra y decía que no tenían dinero para armas, pero se subían a una bicicleta y se insultaban…. Así era el humor de Gila. Él destripa algo tan terrible como la guerra.
¿Cómo es en pleno 2019 seguir montando en cualquier lugar como hacían los Cómicos de la Legua?
Soy un cómico de la legua y de la lengua… Fíjate que hasta he montado en lugares que no están en el mapa, pero también en grandes teatros. He hecho espectáculos en francés, en italiano, pero me gusta más en español claro. Charles Aznavour dijo que el retiro no era su idioma, yo lo hago mío. Voy a seguir por vocación y la gente que se retira termina muy mal. Yo hasta que el cuerpo aguante, hasta que me desenchufen. Tengo tanta energía que si me desenchufan tendría que seguir a pilas.
¿Cuánto de juego tiene este oficio para Rudy, cuánto de to play como dicen los ingleses? ¿Sientes que de alguna forma es una derivación de ese juego infantil de querer ser el indio de la manada?
Me parece muy buena pregunta. Cada vez que me subo a un escenario soy un niño. Los actores somos niños que hacemos creer que somos Hamlet al público. Cuando me bajo de escena me voy a cenar, pero esto no deja de ser un juego infantil. Es como cuando yo tenía 6 años y jugaba a ser doctor y daba inyecciones y cuando me llamaba mi madre para comer iba para allá.
Un último llamamiento para ir a ver Por amor a Gila…
En los tiempos que corren, la risa y la emoción son muy necesarias. Vengan, es un homenaje a Gila y el espectáculo gusta muchísimo.
Solo un poco antes de saltar a la fama mundial con La Sirenita, Alan Menken y Howard Ashman estrenaron un musical cuanto menos curioso. Basado en una película de auténtica serie B, su adaptación al teatro musical por parte de este tándem musical irrepetible fue un auténtico boom en la escena del Off- Broadway. Desde esta noche que está previsto su estreno oficial, Seymour, Audrey, Mushnik y ¿Cómo no? Audrey 2 llegan dispuestos a arrasar en la cartelera teatral de Barcelona. El teatro elegido, el Coliseum. Mimbres para conseguirlo los tiene y muchos. Os contamos las claves de un musical que llega por tercera vez a nuestro país y si queréis saber quién repite en el equipo con respecto al segundo montaje… pues tendréis que leer nuestro repor hasta el final.
El sol sale a las 7 otro día más, la gente deambula por las calles de SkidRow sin un futuro claro. Muchos no consiguen nada que llevarse a la boca, algunos despiertan desde su poco lujosa cama en el banco del parque… Y en mitad de tanta oscuridad, una noticia centra la atención de los vecinos y de toda la ciudad. En una decadente floristería, un tal Seymour con apellido impronunciable está cuidando una extraña planta que atrae el interés de los clientes. Y de golpe y porrazo, la floristería empieza a subir sus ventas y con ello la fama del protagonista de esta historia. Pero, ¿Qué es lo que hace especial a esta planta? Igual que le guste un tanto… la carne humana. Y bueno hasta aquí podemos leer…
LA TIENDA DE LOS HORRORES EN ESPAÑA
Nuestro país fue uno de los primeros en acoger esta historia de inolvidable partitura. Y es que ya en 1987 el germen de lo que sería la emblemática compañía Dagoll Dagom estrenó su versión de este musical y lo hizo en catalán. Lo más destacable de esta producción es que tuvo una voz de lujo para Audrey 2 y fue la del inolvidable Constantino Romero. Durante 15 días la interpretó en directo y después se le escuchó grabado. Como testimonio de aquella producción se grabó disco de la misma. Tendrían que pasar 13 años para que el musical se pudiese ver por primera vez en castellano. Y bueno, que tendréis que seguir leyendo hasta el final para saber cómo se conecta esta segunda producción con la que se estrena esta noche en Barcelona.
El elenco de esta nueva producción contará con un atractivo elenco. El personaje de Seymour será representado por Marc Pociello, que tras formarse en El Timbal, el Col·legi del Teatro y Escola Eòlia, ha destacado por su doblaje por la voz de Simba joven en la película El Rey León. En el teatro ha protagonizado la obra ABANS, y por lo que hace referencia a los musicales ha formado parte de espectáculos como El Petit Príncep, John&Jen, Tick Tick….Boom, Molt Sorroll Per No Res, Geronimo Stilton el musical del Regne de la Fantasía, Què el nou musical, Generació de Merda, Ojos verdes y Cançons per un nou món entre otros. En el cine, ha aparecido en El Sexo de los Ángeles.
El papel de Audrey lo ejecuta Diana Roig, que ha formado parte de varios musicales como Grease, Los Miserables, Cabaret, El Petit Príncep, Carousel, Lo tuyo y lo mio, Nit de musicals y Geronimo Stilton entre otros. También trabaja de corista en programas televisivos como Operación Triunfo, Tu Cara Me Suena y La Mejor Canción Jamás Cantada. En 2018 estrenó su primera película H0US3, dirigida por Manolo Munguia, nominada a los premios Gaudí y ganadora del premio a mejor película en el festival Algeciras Fantastika.
Completan el reparto intérpretes como el carismático José Corbacho que toma las riendas de un personajes tan sádico como divertido como es ese Orin que tanto le gusta hacer sufrir desde su clínica dental. En el elenco encontramos también a Sylvia Parejo, que nos hizo vibrar hace bien poquito con su espectáculo Musicales dorados en el Teatro de la Zarzuela, y también Natán Segado, del que disfrutamos en La verbena de la Paloma del Proyecto Zarza del coliseo lírico madrileño.
Y no, no me he olvidado, está claro que a Àngel Llàcer le gustó mucho su experiencia como Seymour en la segunda producción del musical en nuestro país. Y es que en esta ocasión, vuelve a La Tienda de los Horrores como director de escena.
EQUIPO CREATIVO
Dirección – Àngel Llàcer
Dirección musical – Manu Guix
Coreografía – Myriam Benedited
Ayudante de dirección – Daniel J. Meyer
Diseño de escenografía – Enric Planas y Carles Piera
Diseño de vestuario – Míriam Compte
Diseño de iluminación – Albert Faura
Diseño de sonido – Roc Mateu
Diseño de caracterización – Helena Fenoy y Marta Ferrer
El Teatro Sanpol comienza su temporada de la mejor forma posible y es que en Heidi, el musical se ha conseguido un reparto de auténtico lujo como contábamos en la crónica de la presentación. En el reparto aparece un «debutante» en el campo del teatro familiar: Paco Morales. Un actor curtido en las tablas que se enfrenta a este reto «haciéndolo desde la verdad y la honestidad». Tras un periplo por los escenarios mejicanos de 8 años en los que ha tenido experiencias tan gratificantes como dar vida al Señor Banks de Mary Poppins, el intérprete mantiene intacto el entusiasmo por una profesión en la que empezó de una forma fortuita tras dejar el mundo de la Educación Física. Nos sentamos con él en el Teatro Sanpol justo antes de uno de los ensayos finales de Heidi, el musical para repasar una carrera que le ha hecho tocar todos los palos del espectro artístico.
¿Cuáles son las claves de Heidi, el musical?
La historia es un referente en la vida de muchos adultos que ahora son papás, marcó una época esta historia. Ser diferente no debe servir para juzgar a los demás. Heidi es una niña a la que le gusta la montaña y Clara es una persona de clase alta que tiene una supuesta discapacidad con el tema de la silla de ruedas. La historia del abuelo y de la familia pone en alza unos valores que parece están en desuso. Además, es increíble el elenco que se conseguido. Se ha conseguido el reparto perfecto para Heidi.
El reparto de Heidi, el musical durante la presentación de temporada del Sanpol
¿Cómo llega Paco Morales al Sanpol?
Le comenté a mi sobrina política que quería saber lo que se estaba haciendo en el Sanpol. Es un teatro al que no había tenido acceso. No se habían dado las circunstancias para venir a ver alguno de sus musicales. Entonces, mi sobrina me comentó que conocía una persona aquí y que estaban buscando al reparto de Heidi, el musical. Y mira lo que son las cosas, que ahora estoy aquí, en un teatro en el que tenía muchas ganas de trabajar y curiosidad por ver el método de trabajo de este espacio escénico con 37 años de historia.
Paco Morales durante la entrevista en el Teatro Sanpol
Acostumbrado a actuar para el público adulto, ¿Cómo te enfrentas ante el difícil público infantil?
Es un reto, un esfuerzo, un cambio de código, pero los niños son muy receptivos. En el fondo, para mí es un premio después de tantos años de trabajo ponerme delante del público infantil, pero haciéndolo desde la verdad y la honestidad. Desde mi punto de vista, contar a los niños una historia con un tono excesivamente infantil es un error. No digo que un niño de 2 años sea un adulto, pero yo en este trabajo me subo al escenario con los mismos patrones que han marcado mi carrera: Honestidad absoluta y verdad. En definitiva, se trata de creerme lo que estoy haciendo para que los que estén en el patio de butacas se lo crean.
Aquí y ahora, ¿Por qué el teatro es el gran lugar para contar historias para ti?
Es el directo absoluto. De lo que yo disfruto realmente es del contacto con el público. El teatro y los conciertos en directo son la retroalimentación más viva y más directa. Me encanta la adrenalina que supone cada vez que se sube el telón para contar una historia. Cada función de teatro es una continuación de la vida. Cada representación es distinta gracias al público y al propio equipo. Lo que ocurre desde que se levanta el telón hasta que se baja ahí queda y no tienes la oportunidad de borrar y repetir. Nos encontramos ante un lenguaje de comunicación muy directo con el público y es que nos enfrentamos a las emociones a flor de piel.
En los últimos años el grueso de tu carrera se ha desarrollado en México, ¿Fue complicado hacerte un hueco en la escena azteca?
Te voy a ser completamente honesto. Cuando yo iba a comprar la casa que finalmente ha sido mi casa me llamaron de México para audicionar para Mamma Mia!. Les gustó mi prueba y me quedé allí. Iba para 6 meses, pero al final han sido 8 años de mi vida.
Y uno de esos grandes proyectos allí ha sido dar vida al Señor Banks en Mary Poppins bajo la atenta mirada de toda una Disney Leyend, Richard Sherman…
Mary Poppins fue mi tercer musical. Había visto el musical en Broadway y me gustaba más la película. Cuando se me dio la oportunidad de profundizar en la historia me di cuenta de que realmente no es la historia de unos niños infelices a los que Mary Poppins cambia la vida. En realidad, es la historia del Señor Banks, que hacía su trabajo que no le gustaba por mantener el estatus en la época en que le tocó vivir. La niñera le ayuda a descubrir lo que realmente le gusta y a partir de ahí cambia su vida y la de todo su entorno. Nos visitó Richard Sherman y le emocionó mucho lo que vio, la parte más emocional que tenemos los españoles y los latinos. Somos menos fríos que los anglosajones y le fascinó tanto que nos regaló una pequeña muestra con su piano de sus temas inolvidables para Winnie the Pooh, El libro de la selva…
Paco junto al compositor de Mary Poppins, La Bruja Novata…
Y del Señor Banks pasaste a ser El Mago de Oz en Wicked…
Así es, fue justo al acabar Mary Poppins. Fue otro sueño hecho realidad al tratarse de dos musicales que han sido hitos en Broadway. La música, el vestuario, la escenografía, toda la embocadura -similar a la del Sanpol- se convirtió en el mundo mágico de Oz. Es la contrahistoria y eso me llama la atención. Esta historia te plantea otro punto de vista de los personajes con los que todos hemos crecido, aunque es cierto que están mucho más pegados a la cultura anglosajona.
En el año 1981 te viniste a Madrid a estudiar Educación Física e incluso estuviste impulsado por tu padre en el Athletico de Madrid y un día decides colgar las zapatillas de taco y pasarte a las zapatillas de ballet, ¿Cómo fue ese cambio?
Tengo que decirte que tú estás tu muy bien informado. Yo creo que lo dejé al ver que no encajaba en el mundo del fútbol de aquella época, era muy cerrado todo. Todo era más precario. Estudiando Educación Física me apunté a un curso de Gym Jazz, la profesora me captó para hacer alguna exhibición y vi que me empezaba a enganchar la danza. De ahí, me propusieron hacer una audición con Norma Duval. Goyo Montero apostó por mi. Empecé fortuitamente como bailarín, pero luego ya con conciencia no quería ser bailarín puro y duro. Quería actuar, cantar y bailar…
De alguna forma, te formaste para un perfil artístico como es el de actor de musical que en aquella época era poco habitual en nuestro país…
Todavía hay gente que se sorprende cuando me ve cantando en un escenario o actuando. Aunque afortunadamente el musical de gran formato está dejando su poso, no hay mucha tradición del artista completo que exige el teatro musical. Es tan diferente a lo que ocurre en Estados Unidos donde las grandes estrellas tienen una formación integral con nociones de danza, canto…
El Diluvio que viene ha sido el musical que más tiempo has representado en España, ¿Qué ha supuesto en tu carrera?
Ha sido un antes y un después en mi carrera, una experiencia increíble. Fue mi primer gran protagonista. Esta obra me ayudó a entender lo que me decía Concha Velasco cuando hicimos juntos Carmen, Carmen. Ser cabeza de cartel no es solo que ponga tu nombre en la marquesina, supone llegar el primero, irte el último y salir al escenario a darlo todo a diario. Además de ser el protagonista, eres la persona a la que todo el elenco toma como referencia. Es un personaje muy exigente a nivel vocal, pero también tiene mucho texto lleno de colores y matices. Es una historia atrevida que a día de hoy creo que sigue teniendo mucha vigencia.
Uno de los bellos temas de El diluvio que viene
Allí coincidiste con Roberto Saiz que considera que vuestra relación casi de padre-hijo en la escena se trasladó también fuera del escenario…
Es un tipo estupendo. En aquel momento era un chaval que empezaba con una energía desbordante, ávido de saber, cualquier cosa que le proponías él lo llevaba a escena. Todo ello ha hecho que en esta profesión que es una carrera de fondo haya conseguido mantenerse y llegar hasta donde ha llegado.
En Karaoke viviste una y mil experiencias curiosas por toda España como la del señor que te pidió que le firmaras la boina…
Sin duda fue uno de los gestos más entrañables que viví en Karaoke. Yo creo que el señor al ver que la gente me coreaba y eso, pues dijo debe ser famoso y se acercó y me dijo que le caía muy bien y se quitó la boina y se la firmé. En Toledo se nos fue la luz y tuve que mantener calentito al público para que no se fueran de la plaza. Hice de todo en esas más de 3 horas: Les canté algo, conté chistes, saqué a gente al escenario y creo que hasta al juego del pañuelito jugamos.
¿Cómo digeriste el éxito de La Década Prodigisosa en tu juventud?
Me fui justo cuando el grupo se convirtió en un exitazo. Y si lo hice fue por la necesidad de formarme que tenía entonces. Al venir del mundo del deporte, la disciplina y la preparación son esenciales para mí. Fue entonces cuando estuve en un espectáculo de music-hall que produjo Moncho Borrajo y que tuvimos que fabricar desde cero. Ahí lo hacíamos todo nosotros y eso fue una gran lección de vida para mí. Así que cuando acabé y volví a la Década Prodigiosa ya me enfrenté de otra forma al éxito. Con 28 años volví y entonces sí era ya un exitazo.
¿Con qué proyectos te gustaría seguir to play en tu profesión?
Me gustaría seguir haciendo musicales y alguna comedia de texto. Hace mucho que no la hago y me apetece mucho. También me gustaría volver a la televisión al ser un medio que realmente me encanta. Siempre he dicho que mi año ideal sería hacer teatro de noche y de día grabar algo de televisión. Y a eso añadiría algún concierto programado en los fines de semana.
HEIDI, EL MUSICAL, DOBLE OPORTUNIDAD DE VERLO ESTA TEMPORADA EN EL SANPOL
Este nuevo espectáculo de la compañía residente del Sanpol, La Bicicleta, tendrá durante dos únicos fines de semanas sus primeras funciones para ir caldeando un espectáculo que será el show estrella de estas Navidades. Así, se podrá disfrutar los días 21,22, 28 y 29 de septiembre y del 23 de noviembre de 2019 al 4 de enero de 2020.
Son muchos «adultos» los que miran con cierta superioridad absurda las producciones de teatro familiar. Ellos se olvidan que un teatro como el Sanpol, con 37 años de historia: «es el que hace que el resto del tiempo los espectadores vayan al teatro y es que aquí se aprende a ver teatro», en palabras de Natalia Jara, directora de Heidi, el musical. El espectáculo se ha presentado dentro de la programación de la temporada 2019-2020 de este espacio escénico que tuvo su puesta de largo ante los medios el pasado viernes. Y es que el buen teatro familiar que se hace en nuestro país -por mucho que algunos medios tiendan a «vetarlo»- merece ser presentado ante los medios. La compañía residente de la Sanpol, La Bicicleta, estrenará su gran espectáculo de la temporada el próximo 21 de septiembre. Será un aperitivo durante dos únicos fines de semanas antes de la temporada que desarrollará Heidi, el musical del 23 de noviembre al 4 de enero.
HEIDI, EL MUSICAL, LA GRAN APUESTA TRAS EL ÉXITO DE CAPERUCITA ROJA
Tras el éxito de la recordada Caperucita Roja que hace unos pocos años estrenó el Sanpol, el público de la sala demandaba un nuevo espectáculo en la misma línea. Y así nació Heidi el musical, que volverá a contar con melodías de Jaume Carreras que quiso destacar en su intervención en la rueda de prensa de presentación que «los intérpretes han puesto todo su nivel interpretativo en el escenario y es que su pasión se ve reflejada en sus voces». Hecho que corrobora Natalia Jara que quiso poner sobre la mesa el nombre de todos los integrantes de un elenco de enorme calidad artística. Empezando por Karmele Aranburu a la que «doy las gracias por estar en mi primer montaje». La veteranía se mezcla con la frescura que dan voces como las de Ainhoa Molina y Gema Bastante, las inseparables Heidi y Clara, y por supuesto Gallo Ryan, como Pedro «que tiene divertido hasta el nombre». Imposible no citar a Blanca Degá, «llena de energía que transmite en el escenario». En el reparto también Javier Ibarz, con el que Natalia ha compartido tantos proyectos y horas del día que «es como si fuera mi marido». Y por último, destacó el privilegio de tener por primera vez en el Sanpol al inolvidable Paco Morales, intérprete de musicales como El diluvio que viene en España o Mary Poppins en México. En fin, un elenco ‘de campanillas’ que hará las delicias de grandes y pequeños.
Elenco de Heidi, el musical
De El Jorobado de Notre Dame a compañías invitadas en la programación de la temporada
Como avanzó la directora de la sala, Natasha Fischtell, la temporada del Sanpol traerá algunos títulos emblemáticos de su compañía residente como El Jorobado de Notre Dame que se repondrá como un emotivo homenaje a la emblemática catedral parisina. Esta cita, recomendada por el Institut Francés, tendrá lugar del 12 de octubre al 10 de noviembre.
Justo después, los días 16 y 17 de noviembre será el turno de una compañía invitada como es la de La Dama y el Vagabundo, reciente Premio Broadway World Spain 2019.
En Navidades, el plato estrella será como no podía ser de otra forma Heidi, el musical que estará del 23 de noviembre de 2019 al 4 de enero de 2020 en la sala. El espectáculo cuenta con coreografías de Víctor Ramos, la ayudantía de dirección de Enrique Lestón, la producción corre a cargo de Natasha Fischtel, la adaptación del original literario vuelve a ser de Julio Fischtel y las luces de uno de los ‘magos’ de la iluminación, Nicolás Fischtel. La escenografía que nos llevará a todos los espacios de este inolvidable relato será de Chechu García.
A lo largo de 2020 se sucederán también diferentes espectáculos de producción propia. El primero en llegar será uno de los favoritos por nuestros pequeños grandes espectadores: Rapunzel (11, 12, 18 y 19 de enero). Este divertido y juguetón espectáculo para los más pequeños nos cuenta la historia de la hermosa niña de los cabellos de oro, encerrada en una torre que no tiene escaleras. Durante quince años la única conexión de la joven con el mundo es la visita de la bruja que la secuestró. Todos los días al escuchar la frase: “Rapunzel, Rapunzel, lánzame tu cabellera para subir por ella sin escalera” la larga y dorada cabellera cae desde lo alto. La bruja sube y se asegura de que Rapunzel continué siendo su prisionera. Hasta que un día… Si queréis saber cómo continúa el cuento tendréis que venir al Sanpol a verlo.
Sueño de una noche de verano, uno de los platos fuertes para el 2020
Sin duda este sueño es la más mágica, divertida y enredosa comedia de Shakespeare. Los amores contrariados de cuatro enamorados, Hermia, Lisandro, Helena y Demetrio nos sumergen en los palacios de la Antigua Grecia, con sus severas normas y costumbres pero también en los bosques, mundo fantástico y liberal de los sueños donde reinan la magnifica Titania, el sorprendente Oberón y el travieso Puck rodeados de hadas, duendes, ninfas y gnomos. Esta inmortal historia se contará en el Sanpol del 25 de enero al 23 de febrero. Después llegarán más títulos de la casa como Aladino y la lámpara maravillosa y el cierre de la temporada con El príncipe Rana.
La programación se completará con espectáculos de compañías invitadas como El pequeño conejo blanco y Alas de mariposa.
Vuelve la Muestra de Teatro Escolar
Entre las propuestas destacadas para esta temporada también destaca una muestra «cuyo objetivo principal es que la actividad de teatro escolar que se desarrolla en los colegios con sus valores educativos motive el interés por el aprendizaje de una profesión que desde Sanpol amamos sobre todas las cosas y el descubrimiento por parte de los grupos del valor del trabajo en equipo que refuerce la convivencia entre los participantes y también participar en un intercambio artístico, lúdico y amistoso con estudiantes de otros centros. Y finalmente dar a conocer y valorar las posibilidades creativas de las actividades teatrales de los centros».
Hay historias y personajes que permanecen en nuestro ADN. Quizás, uno de los más conocidos, con todo esa picaresca que lleva arrastrando el español durante siglos, sea sin duda ese Lazarillo de autor anónimo que todos hemos estudiado en la escuela. Es por eso que todos tenemos una imagen de cómo es en nuestra imaginación el popular personaje de las letras españolas.
Cuando Antonio Campos hace entrada en escena en ese espacio tan curioso como es el Corral Cervantes – que emula a los antiguos Corrales de Comedias en plena Cuesta de Moyano- al instante vemos y sentimos al Lazarillo que teníamos proyectado en nuestra cabeza desde aquel primer encuentro con él a través de las páginas de un libro que nos habían hecho leer por obligación. Y entonces, gracias al humor y a la mirada cómplice de Campos, esa otrora «obligación» se convierte en regocijo aumentado cuando se le añade la guitarra de José Luis Montón.
Y de nuevo, el público ríe cómplice a las hazañas de este pícaro y sí, también la crítica le aplaude de nuevo. Sirvan como ejemplo las palabras de Alberto Morate que destaca a «un actor inmenso y un guitarrista soberbio». No menos entusiastas han sido las palabras de Horacio Otheguy que destaca: «Un actor dúctil, flexible, que se transforma a la vista del público sin cambiar de vestuario, y un músico sabio que se integra con cautela o desparpajo en el recitativo tan antiguo como moderno».
Para Estrella Savirón la clave está en: «Una propuesta ampliamente disfrutable y un buen aliciente para que los espectadores sigan disfrutando de las obras del siglo de Oro».
A este entusiasmo por la obra se ha sumado ayer mismo Programa Piloto que ha destacado: «Ambos, bajo la dirección de Lluís Elías, nos ofrecen una adaptación fresca, con un gran respeto por sus raíces originales, con una gran fluidez y sacando tiempo hasta para interaccionar con el público en los momentos justos».
Quedan poquitas funciones en Madrid de esta obra que poco a poco y con buena letra superó las 100 representaciones hace ya tiempo. Esta producción de Carlos García Navarro de Albacity Corporation estará hasta el 13 de septiembre en el Corral Cervantes de Madrid con funciones de martes a sábado a las 22h. Sin duda, el primer imprescindible de la temporada teatral.
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Un profesor que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés en la España de 1966, se entera de que John Lennon está en Almería rodando una película. Decidido a conocerle, emprende el camino y en su ruta recoge a un chico de 16 años que se ha fugado de casa y a una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Entre los tres nacerá una amistad inolvidable.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 