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El Teatro Sanpol aboga en su 37 temporada por seguir «aprendiendo a ver teatro»

Son muchos «adultos» los que miran con cierta superioridad absurda las producciones de teatro familiar. Ellos se olvidan que un teatro como el Sanpol, con 37 años de historia: «es el que hace que el resto del tiempo los espectadores vayan al teatro y es que aquí se aprende a ver teatro», en palabras de Natalia Jara, directora de Heidi, el musical. El espectáculo se ha presentado dentro de la programación de la temporada 2019-2020 de este espacio escénico que tuvo su puesta de largo ante los medios el pasado viernes. Y es que el buen teatro familiar que se hace en nuestro país -por mucho que algunos medios tiendan a «vetarlo»- merece ser presentado ante los medios. La compañía residente de la Sanpol, La Bicicleta, estrenará su gran espectáculo de la temporada el próximo 21 de septiembre. Será un aperitivo durante dos únicos fines de semanas antes de la temporada que desarrollará Heidi, el musical del 23 de noviembre al 4 de enero.

HEIDI, EL MUSICAL, LA GRAN APUESTA TRAS EL ÉXITO DE CAPERUCITA ROJA

Tras el éxito de la recordada Caperucita Roja que hace unos pocos años estrenó el Sanpol, el público de la sala demandaba un nuevo espectáculo en la misma línea. Y así nació Heidi el musical, que volverá a contar con melodías de Jaume Carreras que quiso destacar en su intervención en la rueda de prensa de presentación que «los intérpretes han puesto todo su nivel interpretativo en el escenario y es que su pasión se ve reflejada en sus voces». Hecho que corrobora Natalia Jara que quiso poner sobre la mesa el nombre de todos los integrantes de un elenco de enorme calidad artística. Empezando por Karmele Aranburu a la que «doy las gracias por estar en mi primer montaje». La veteranía se mezcla con la frescura que dan voces como las de Ainhoa Molina y Gema Bastante, las inseparables Heidi y Clara, y por supuesto Gallo Ryan, como Pedro «que tiene divertido hasta el nombre». Imposible no citar a Blanca Degá, «llena de energía que transmite en el escenario». En el reparto también Javier Ibarz, con el que Natalia ha compartido tantos proyectos y horas del día que «es como si fuera mi marido». Y por último, destacó el privilegio de tener por primera vez en el Sanpol al inolvidable Paco Morales, intérprete de musicales como El diluvio que viene en España o Mary Poppins en México. En fin, un elenco ‘de campanillas’ que hará las delicias de grandes y pequeños.

De El Jorobado de Notre Dame a compañías invitadas en la programación de la temporada

Como avanzó la directora de la sala, Natasha Fischtell, la temporada del Sanpol traerá algunos títulos emblemáticos de su compañía residente como El Jorobado de Notre Dame que se repondrá como un emotivo homenaje a la emblemática catedral parisina. Esta cita, recomendada por el Institut Francés, tendrá lugar del 12 de octubre al 10 de noviembre.

Justo después, los días 16 y 17 de noviembre será el turno de una compañía invitada como es la de La Dama y el Vagabundo, reciente Premio Broadway World Spain 2019.

En Navidades, el plato estrella será como no podía ser de otra forma Heidi, el musical que estará del 23 de noviembre de 2019 al 4 de enero de 2020 en la sala. El espectáculo cuenta con coreografías de Víctor Ramos, la ayudantía de dirección de Enrique Lestón, la producción corre a cargo de Natasha Fischtel, la adaptación del original literario vuelve a ser de Julio Fischtel y las luces de uno de los ‘magos’ de la iluminación, Nicolás Fischtel. La escenografía que nos llevará a todos los espacios de este inolvidable relato será de Chechu García.

EL JOROBADO DE NOTRE DAME

La Bicicleta, 37 años iniciando espectadores

A lo largo de 2020 se sucederán también diferentes espectáculos de producción propia. El primero en llegar será uno de los favoritos por nuestros pequeños grandes espectadores: Rapunzel (11, 12, 18 y 19 de enero). Este divertido y juguetón espectáculo para los más pequeños nos cuenta la historia de la hermosa niña de los cabellos de oro, encerrada en una torre que no tiene escaleras. Durante quince años la única conexión de la joven con el mundo es la visita de la bruja que la secuestró. Todos los días al escuchar la frase: “Rapunzel, Rapunzel, lánzame tu cabellera para subir por ella sin escalera” la larga y dorada cabellera cae desde lo alto. La bruja sube y se asegura de que Rapunzel continué siendo su prisionera. Hasta que un día… Si queréis saber cómo continúa el cuento tendréis que venir al Sanpol a verlo.

Sin duda este sueño es la más mágica, divertida y enredosa comedia de Shakespeare. Los amores contrariados de cuatro enamorados, Hermia, Lisandro, Helena y Demetrio nos sumergen en los palacios de la Antigua Grecia, con sus severas normas y costumbres pero también en los bosques, mundo fantástico y liberal de los sueños donde reinan la magnifica Titania, el sorprendente Oberón y el travieso Puck rodeados de hadas, duendes, ninfas y gnomos. Esta inmortal historia se contará en el Sanpol del 25 de enero al 23 de febrero. Después llegarán más títulos de la casa como Aladino y la lámpara maravillosa y el cierre de la temporada con El príncipe Rana.

La programación se completará con espectáculos de compañías invitadas como El pequeño conejo blanco y Alas de mariposa.

Vuelve la Muestra de Teatro Escolar

Entre las propuestas destacadas para esta temporada también destaca una muestra «cuyo objetivo principal es que la actividad de
teatro escolar que se desarrolla en los colegios con sus valores
educativos motive el interés por el aprendizaje de una
profesión que desde Sanpol amamos sobre todas las cosas y el
descubrimiento por parte de los grupos del valor del trabajo en
equipo que refuerce la convivencia entre los participantes y también
participar en un intercambio artístico, lúdico y amistoso con
estudiantes de otros centros. Y finalmente dar a conocer y valorar
las posibilidades creativas de las actividades teatrales de los
centros».

Público y crítica se rinden al ‘duende’ de EL LAZARILLO DE TORMES de Antonio Campos y José Luis Montón en el Corral Cervantes de Madrid

Sin categoría

Hay historias y personajes que permanecen en nuestro ADN. Quizás, uno de los más conocidos, con todo esa picaresca que lleva arrastrando el español durante siglos, sea sin duda ese Lazarillo de autor anónimo que todos hemos estudiado en la escuela. Es por eso que todos tenemos una imagen de cómo es en nuestra imaginación el popular personaje de las letras españolas.

Cuando Antonio Campos hace entrada en escena en ese espacio tan curioso como es el Corral Cervantes – que emula a los antiguos Corrales de Comedias en plena Cuesta de Moyano- al instante vemos y sentimos al Lazarillo que teníamos proyectado en nuestra cabeza desde aquel primer encuentro con él a través de las páginas de un libro que nos habían hecho leer por obligación. Y entonces, gracias al humor y a la mirada cómplice de Campos, esa otrora «obligación» se convierte en regocijo aumentado cuando se le añade la guitarra de José Luis Montón.

Y de nuevo, el público ríe cómplice a las hazañas de este pícaro y sí, también la crítica le aplaude de nuevo. Sirvan como ejemplo las palabras de Alberto Morate que destaca a «un actor inmenso y un guitarrista soberbio». No menos entusiastas han sido las palabras de Horacio Otheguy que destaca: «Un actor dúctil, flexible, que se transforma a la vista del público sin cambiar de vestuario, y un músico sabio que se integra con cautela o desparpajo en el recitativo tan antiguo como moderno».

Para Estrella Savirón la clave está en: «Una propuesta ampliamente disfrutable y un buen aliciente para que los espectadores sigan disfrutando de las obras del siglo de Oro».

A este entusiasmo por la obra se ha sumado ayer mismo Programa Piloto que ha destacado: «Ambos, bajo la dirección de Lluís Elías, nos ofrecen una adaptación fresca, con un gran respeto por sus raíces originales, con una gran fluidez y sacando tiempo hasta para interaccionar con el público en los momentos justos».

Quedan poquitas funciones en Madrid de esta obra que poco a poco y con buena letra superó las 100 representaciones hace ya tiempo. Esta producción de Carlos García Navarro de Albacity Corporation estará hasta el 13 de septiembre en el Corral Cervantes de Madrid con funciones de martes a sábado a las 22h. Sin duda, el primer imprescindible de la temporada teatral.

Campanella: «En el teatro el público con sus risas es el director de orquesta»

Cine, Teatro

Toda historia tiene un comienzo y quizás el primer «flechazo» teatral de Juan José Campanella lo tuvo viendo una obra que muchos años después volvería a su vida primero en Argentina y en estos momentos en España. Se trataba de Parque Lezama, una función que ha influido en su carrera mucho más de lo que pudiera parecer a priori. Allí, los personajes se encontraban en un lugar donde se relacionaban con extraños. Algo recurrente en su cine con espacios que van del Tribunal de El secreto de sus ojos al famoso club de Luna de Avellaneda. Es allí, en esos lugares donde se crean «familias que no son de sangre», donde el ganador del Oscar ha encontrado inspiración muchas veces.

Su segundo debut teatral. A pesar del recurrente titular del debut de Campanella en el teatro, lo cierto es que el cineasta ya tuvo una primera experiencia. Eso sí, fue como autor y no como director. Tenía 23 años y en esa aventura lo acompañó Fernando Castets -que se convirtió en su mano derecha creativa desde que se conocieron estudiando cine en 1979- y su inseparable Eduardo Blanco, protagonista de muchas de sus películas y de este Parque Lezama que mañana tendrá su estreno oficial en el madrileño Teatro Fígaro. Ya desde entonces, los tres se han convertido en «hermanos de vida». De hecho, se encontraron recientemente en una cena en la capital española.

Así nos hablaba de Parque Lezama en 2014

Hace cinco años, el director participaba en un curso en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo y aprovechamos para que nos contase un poco sobre Parque Lezama.

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«La vi tres veces en 1985, es mi obra favorita, la leí y vi la película y fue muy influyente en mi carrera. De hecho, llevaba 30 años detrás de los derechos. El autor no quería que se tocase ni una coma del texto, pero gracias al Oscar conseguí que viese mi trabajo y se fiase de mí. Tiene un humor judío americano que tiene mucho que ver con el italiano… Tiene todos los temas que me interesan, ya que logra resumir la vida: La vejez, el balance de nuestra existencia y el conformismo versus el compromiso, hasta qué punto nos implicamos en las cosas que pasan. Todo eso con un texto que te hace reírte y emocionarte. El público está entrando muy bien en la obra. Además, estaba tan metido en la onda tecnología tras Metegol que necesitaba desintoxicarme. Así, me metí a ensayar en un viejo teatro en el que no había ni cobertura. Y por supuesto, volver a trabajar con Eduardo Blanco, que llevábamos 10 años sin trabajar juntos, era un aliciente muy grande también».

Ya de vuelta a este septiembre de 2019 en que tiene lugar este nuevo encuentro, Campanella nos señala que: «Es importante que cada espectador se ilumine con su propio equipaje, que se lleve su propio mensaje de la función». Para él, esta obra habla en el fondo de ese momento en que «uno deja de vivir para sobrevivir, cuando uno se sienta a esperar la muerte». Parece que la experiencia teatral le tiene completamente hechizado cuando nos comenta que: «he abrazado al teatro con locura». Buena fe de ello da que está al frente de un futuro teatro en Argentina y que ya puede avanzar que le tendremos de vuelta en España con otra experiencia escénica en 2021. Todo ello parece que se debe a esa sensación de ‘mirón’ a que somete el teatro al público. Y es que para él, la escena recoge «una situación de vida en la que el espectador elige a quién mirar».

«Llegó un momento en que durante los ensayos necesitamos al público». Si algo ha aprendido Campanella de este Parque Lezama es la importancia del que escucha desde su butaca: «El público con sus risas son el director de orquesta». No podemos olvidar que aunque los actores hagan como que hablan entre sí, en el fondo dirigen sus palabras al público que con sus reacciones marcan el timing de la función. A tenor de los primeros días de previas en el Fígaro, con llenos diarios, el público español ha entrado muy bien en esta historia que han traído a España Smedia y Seda de la mano de la productora argentina El Tío Caracoles. Para ello se ha reformado el teatro para adaptarse a las características del montaje. Para este estreno, Campanella ha vuelto a sentir ese cosquilleo en el estómago al tratarse de un medio como el teatro, pero siempre con la confianza que da una obra de sobrada eficacia a nivel internacional, aunque siempre con su sello.

El cuento de las comadrejas, un canto de amor a los actores. Más allá de la apariencia satírica de la nueva cinta de Campanella se encuentra un guión que pone en valor a los intérpretes. Muy al contrario de la cinta en la que se inspiró – Los muchachos de antes no usaban arsénico– que partió de una cierta desidia hacia el mundo actoral tras una mala experiencia de su creador, Campanella ha querido hacer una versión muy libre de una historia ya existente. Algo habitual en su filmografía con títulos como El secreto de sus ojos, también basado en un original literario y coadaptado con el propio autor de la novela. En defnitiva, se trata de hacer nuevas creaciones a partir del original y «que se puedan disfrutar en un programa doble de manera individual sin necesitarse la una a la otra».

Con la mirada puesta en sus compromisos teatrales y preocupado por la acuciante situación en Argentina, este director que añora el cine de Berlanga que está seguro «se hubiese atrevido con temas que ahora mismo son intocables», nos avanza que siempre tiene puesto un ojo en su productor cinematográfico español, Gerardo Herrero, con el que espera poder seguir dando alegrías cinéfilas en los próximos años. De momento, nos toca acercarnos al madrileño Teatro Fígaro para seguir disfrutando del talento de Campanella con Parque Lezama.

Notas desde la Menéndez Pelayo: Ute Lemper

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Desde 2011 cada verano nos sumergimos de lleno en la actividad cultural de la Universidad Interncional Menéndez Pelayo. En esta ocasión, la actriz y cantante Ute Lemper es la primera protagonista con la rueda de prensa de ayer en el Palacio de la Magdalena, que tuve el privilegio de organizar, y su magnífico concierto en el CASYC de Santander.

La artista llegó a la sede de la UIMP y atendió a los fotógrafos que la retrataron en el Salón de Familia justo antes de una extensa rueda de prensa en la que desgranó los detalles del recital y también contó algunos de los aspectos más relevantes de su vida y de su carrera. Una ocasión única de acercarme a una de las artistas europeas más polivalentes que destila elegancia dentro y fuera de escena como demostró ante los objetivos de los abundantes medios que no quisieron perderse el paso de Lemper por Santander.

Lemper recordó su dilatada relación con la ciudad de Santander durante su comparecencia en el Palacio de la Magdalena ayer. Así, desde 1991 sus conciertos han sido habituales en las programaciones culturales de la capital cántabra. Asimismo, la artista ha querido recalcar que “no estoy segura de que haya conservadurismo en el mundo de la música, pero lo que sí es cierto es que existe una escena musical que no plantea retos, aquella que va dirigida al mercado comercial”. No obstante, su visión no es negativa al respecto, ya que “aparecen artistas que encuentran su voz fuera de la música comercial”.

Sin duda, uno de los puntos álgidos de la carrera de la multidisciplinar artista germánica fue la Sally Bowles de Cabaret a las órdenes del desaparecido Jérôme Savary. Ella recuerda a este director franco-argentino, habitual en la escena española durante décadas, como “un director muy visual al estilo de Fellini, muy drástico y sexual”. Un gran contraste con la austeridad de la escuela alemana donde se inició ella. De alguna forma sentía que el director de escena concebía el teatro “como un circo”. Esa experiencia escénica que sin duda ha marcado su carrera la hizo más fuerte para acometer nuevos proyectos. Esta renovadora del cabaret berlinés no ha dejado de lado tampoco en su carrera la musicalización de la poesía como demostró anoche en su cita con la Menéndez Pelayo.

“Mi conversación con Marlene Dietrich será la base de mi nuevo espectáculo”. Cuando Lemper comenzó su carrera, aún con Dietrich viva, todas las críticas pusieron su foco en compararla con esta gran artista, con la que tuvo la oportunidad de charlar tres horas. Esa conversación será la base de un nuevo espectáculo que se verá también en España muy pronto.

Ya por la noche, a las diez en punto la artista hizo su entrada en el escenario del CASYC de Santander ganándose al público desde la primera nota con un viaje emocional por la música que ha marcado su vida. Así paseamos por Berlín con obras como La ópera de los tres centavos de sus admirados Kurt Weill y Bertolt Brecht y de ahí a canciones judías, francesas y, por supuesto, sin olvidarse de Nueva York: “la ciudad donde vivo, aunque no me siento estadounidense”. De la ciudad que nunca duerme llegaron sonidos como los del jazz. La peculiaridad de sus espectáculos reside en que “no cuentan con director musical y tienen un papel importante las improvisaciones”, como pudimos ver anoche con sus improvisaciones junto a sus cómplices músicos que deslumbraron al respetable santanderino con su calidad musical.

Sin duda, una noche mágica para los melómanos que encontramos en la versatilidad de esta formidable intérprete su mayor virtud. El guiño al teatro musical que ha marcado parte de su ecléctica carrera llegó de la mano de All That Jazz del musical Chicago. Sin duda, uno de los temas más aplaudidos fue Lili Marleen, así como su poética interpretación de Ausencia de Pablo Neruda.

Esta cita supone el pistoletazo de salida al ciclo Escénicas en CASYC que cada año trae a la UIMP grandes nombres de la escena. Este año serán La Zaranda o Alfredo Sanzol algunos de ellos, que se complementarán con los otros dos ciclos escénicos que ofrece la institución que apuesta fuerte cada verano por las culturales por las que pasarán nombres como los de Ainhoa Amestoy, Ernesto Arias, Carmelo Gómez, Pedro Casablanc, Héctor Alterio, Fernando Marías, Clara Sanchís… Además, la directora Helena Pimenta será reconocida con el Premio La Barraca. El programa cultural fue desgranado en el último QUICK DESDE MI BUTACA de la temporada. Será un placer volver a abrir un año más estas NOTAS DESDE LA MENÉNDEZ PELAYO para contaros de primera mano la actividad y este año más que nunca como parte del Gabinete de Comunicación de esta prestigiosa institución académica que ha recibido visitas tan ilustres en su dilatada historia como la de La Barraca de Federico García Lorca. Y ahora que lo pienso, quizás esa historia, la de La Barraca en la UIMP tenga unas Notas desde la Menéndez Pelayo próximamente. Ahí lo dejo.

Nos encontramos un verano más DESDE MI BUTACA en esta particular «península del conocimiento» 😉

Alberto Arcos protagoniza «No hay burlas con el amor» que se estrena mañana en el Festival de Almagro

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No hay burlas con el amor acerca el verso al público con grandes muñecos en Almagro

El espectáculo, de Producciones Esquivas, hará su estreno absoluto los días 19 y 20 de julio a las 20 horas en el Teatro Municipal de Almagro. La versión de la obra de Calderón la firman Karmele Aramburu y Juan Polanco; este último también la dirige. Alberto Arcos, que también asume la producción de este espectáculo, protagoniza esta obra que supone un paso adelante en su faceta como productor tras varios espectáculos familiares como La ratita presumida superstar, que llegará al Teatro Sanpol la próxima temporada con música de Jaume Carreras, compositor también de este No hay burlas con el amor.

No hay burlas con el amor, de Calderón de la Barca en versión de Juan Polanco y Karmele Aranburu, se estrena de forma absoluta los días 19 y 20 de julio a las 20 horas en el Teatro Municipal de Almagro dentro de la 41 edición del Festival Internacional. Bajo la dirección de Polanco, la propuesta aporta una peculiar propuesta escénica que respeta la métrica y el ritmo con que Calderón dotó esta comedia, en la que confluyen de forma divertida y a veces hilarante, toda clase de situaciones que acontecían en las contiendas amorosas y en las relaciones familiares y sociales de aquella época, y que hoy nos invitan a contextualizar y reflexionar sobre la condición humana y la evolución de las relaciones sociales.

Se ha buscado una forma diferente de acercar el verso al público utilizando para ello unos “muñecos” surgidos de meses de investigación del director, de los actores y de la escenógrafa, para que el espectador desde el comienzo de la función disfrute, ría y se emocione con ellos y con la vida con la que les dotan los actores, haciendo que esta singular propuesta confluya con las situaciones y el lenguaje escénico que de manera magistral escribió y propuso Calderón hace ya más de 300 años.

La Firma Invitada: Alberto Trijueque

La Firma invitada, Lo tuyo es puro teatroff, Teatro, Uncategorized

“Un trabajo extraño. Buena carta. Y relevante por su factura; porque hay cuidado en el lenguaje del cuerpo y confianza absoluta entre los intérpretes. Son chamanes que llaman al teatro. Visitan muchos lugares, siempre bien habitados. Pueden llevarnos hasta el fondo de su propuesta porque están bien afinados y dirigidos con mucha poesía. Un teatro con liturgia y que trasciende”

Reseña de Miguel Cubero sobre QUIJANO, Pantomima Don Quijote.

Actor y director de Teatro (Teatro de La Abadía, CNTC, CDN, Teatro Nacional de Luxemburgo)

Realizar una Pantomima sobre Don Quijote de la Mancha para el IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, fue mi primer encargo como director de escena siendo estudiante de arte dramático. Me dieron un texto con unas anotaciones coreográficas-dramáticas de un tal Manuel Rosado, que en el año 1950 realizó una Pantomima sobre Don Quijote en la ciudad de Alcalá de Henares con música de Walter Niemann, y me dijeron que reconstruyese las anotaciones totalmente a mi modo, con carta blanca de creatividad, encargándose Germán Labrador (Profesor en el Departamento de Música de la Universidad Autónoma de Madrid) de realizar una versión instrumentada, partiendo de una selección de obras de Niemann para la puesta en escena, ya que Manuel Rosado no detallaba en su escrito qué obras eran, ni en qué momento sonaban.

Enseguida me puse a ello y armé el mejor equipo posible, con Paula Castellano a la escenografía, Darío Sigco y Elisa Forcano como intérpretes y el músico y creador de espacio sonoro Odin Kaban (de la orquesta se encargo Germán) y realizamos la pieza, haciendo un trabajo de teatro físico respetando en algunos fragmentos el género de la pantomima.

Muchos meses después y gracias al Corral de Comedias de Alcalá de Henares, estuvimos una semana de residencia en el teatro, haciendo que la obra evolucionara radicalmente, profundizando en las ideas, en los movimientos y uniendo totalmente la música electrónica con la de Walter Niemann. Fue maravilloso contemplar en una muestra final del trabajo cómo el público reaccionó ante la nueva propuesta, gracias en parte a sus críticas volvimos a poner las riendas a Rocinante y a cabalgar sobre meses de ensayos e investigación hasta los próximos días 24 y 25 de Julio, donde re-re-estrenaremos nuestro QUIJANO en el festival ClasicOFF de Nave73, con un virtuoso al piano como es Fran Fernández y con muchas miras hacia el futuro con el proyecto.

Para todo el equipo el día 24 supone un estreno total de la obra.

En QUIJANO nos centramos en la figura de Don Alonso Quijano (el hombre cuerdo) partiendo de la premisa de que mientras Don Quijote de la Mancha vivía sus aventuras, Alonso Quijano, como otra entidad, se encontraba encerrado deambulando por un no-espacio, por la materialización psíquica de su total ausencia, debilitado, vagando sin tiempo y privado del mundo externo.

CARTEL, QUIJANO, Pantomima Don Quijote 2018

La obra comienza en el último capítulo de la novela, con Don Quijote enfermo en la cama, y vemos cómo Don Alonso, acompañado de una informe y vaga presencia arrancada de una de sus novelas de caballería, reflejo del dominio exterior de Don Quijote, que se convierte en Dulcinea, Rocinante, Sancho Panza, el Caballero de la Luna, los molinos de viento… debe atravesar por las bodas del rico Camacho, los cueros de vino de la venta, la cueva de Montesinos, el retablo de Maese Pedro… en su débil resistencia a la locura.

Es una manera totalmente nueva de acercarse a la gran novela que es Don Quijote de la Mancha, desde un trabajo físico en el cual los intérpretes no dialogan, aunque contamos con la maravillosa colaboración del actor Javier Lago que pone voz a Don Quijote, pero de una forma en la que se fusiona totalmente con el espacio sonoro, creando sus parlamentos texturas y atmósferas.

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QUIJANO, Pantomima de Don Quijote en el fondo trata de una persona enferma que está a punto de fallecer. La obra no indaga directamente sobre la realidad, pero nos acerca al abismo de la muerte, al umbral de nuestras vidas, y mirar al fondo de ese acantilado es un acto muy humano que nos vuelve más empáticos.

La obra no trata de ilustrar la obra de Cervantes, por lo que cada persona del público, haya leído la novela o no, tendrá un viaje totalmente distinto. En el transcurso de la obra, se le realizarán a cada espectador preguntas muy diferentes, de las cuales, deberá cada uno completar su significado.

DÍAS 24 Y 25 DE JULIO – 20:30
Festival ClasicOFF

Nave73 (C/ Palos de la Frontera, 5)

Entradas:
http://www.nave73.es/portfolio-item/quijano/
https://www.atrapalo.com/entradas/quijano-clasicoff_e4820086/

DIRECCIÓN
Alberto Trijueque Pegalajar

INTÉRPRETES
Darío Sigco, Elisa M. Forcano

ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO
Paula Castellano

ESPACIO SONORO
Odin Kaban

PIANO
Fran Fernández

SELECCIÓN Y ADAPTACIÓN MUSICAL DE WALTER NIEMANN
Germán Labrador

VOZ EN OFF
Javier Lago

CONFECCIÓN VESTUARIO
Aurora Isac Pérez

CONSTRUCCIÓN ESCENOGRAFÍA
Utilería-Atrezzo SL

PRODUCCIÓN
OFF Lírico

La Cubana vuelve a triunfar con «Adiós Arturo» que hace parada en Torrelavega y Bilbao este verano

Blog, Teatro, Uncategorized

Esta nueva pieza de la genial compañía La Cubana va de lo mismo de siempre. De lo único que saben hacer y han hablado en sus anteriores espectáculos: de teatro. Del teatro de la vida. Y es que como ellos admiten se repiten “como los loros”. Pocas compañías llevan una trayectoria tan excelsa y con una marca de la casa tan marcada como la de estos catalanes que llevan la comedia, con reminescencias claras de la revista en muchos de sus espectáculos, a toda la geografía española. Este verano visitarán entre otros teatros dos con cuyo público mantienen una especial relación. La relación de amor con el público de Torrelavega se extiende hasta varias décadas atrás. La compañía se encargó de hecho de inaugurar el Teatro Municipal Concha Espina con un divertido recorrido por el espacio escénico que pude disfrutar en varias ocasiones. Y es que sí, el que aquí escribe se considera un poquito cubanófilo, no me canso de sus canciones, de sus chistes y de esos guiños al público local que hacen que cada plaza sea diferente el show. En la ciudad cántabra, que visitaron hace unos años con Campanadas de boda, estarán del 19 al 22 de julio.

El espectáculo también será el gran protagonista de las fiestas de Bilbao, haciendo temporada en el emblemático Teatro Arriaga del 11 de agosto al 9 de septiembre.

La culpa de que siempre hablen del mismo tema «la tiene nuestra “musa” inspirativa que siempre es la misma y es un rico “pozo sin fondo”: el teatro que hacemos en nuestra vida cotidiana y pasa inadvertido como teatro; ese teatro que hay en la calle, en los mercados, en nuestros trabajos, en la familia, con nuestras amistades y como no, también socialmente, en donde desplegamos nuestras dotes interpretativas en toda clase de actos, “paripés”, fiestas, bodas, bautizos, comuniones y entierros».

-La obra comienza con la muerte a los 101 años de edad de un polifacético artista muy famoso internacionalmente, Arturo Cirera Mompou, nacido en la ciudad en 1917, el público conocerá el verdadero guión de la vida de este conocidísimo escritor, pintor, escultor, coleccionista de arte, poeta, compositor musical, dramaturgo, actor y director en sus citas con ciudades como Torrelavega y Bilbao.

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«En La Cubana siempre nos han atraído los dobles guiones que utilizamos en nuestra vida. El guión que queremos que se conozca y el que no. El que mostramos a la vista de todos y el guión que nos guardamos para nuestra más estricta intimidad.

No podemos desvelar más. El secreto y la sorpresa vuelven a ser los protagonistas del espectáculo y el público lo descubrirá en su momento. Decir, eso sí, que Adiós Arturo es un canto a la vida y de cómo hay que vivirla intensamente, dejando en evidencia todas las convenciones sociales y “las tonterías” que nos dificultan el poder hacerlo. Una loca comedia, con toques surreales y que, como siempre, estará aliñada con las cosas que nos caracterizan y al más puro estilo La Cubana: con participación del público, sorpresas y mucho humor».

Palabra de La Cubana, alabadas sean la risas que a buen seguro se escucharán en Cantabria y Euskadi este verano.

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Yelmo Cines cierra este próximo 28 de junio, la temporada de ópera 2017-2018 con una proyección de El Teatro Real muy especial: LA TRAVIATA, ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dame aux camélias (1852).

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La obra de Verdi marcó un antes y un después en las representaciones operísticas, sobre todo, con un argumento tan controvertido para la época. De hecho, a Verdi le hubiera gustado situar la obra en su época(1853) pero la temática era demasiado controvertida para que pudiera permitirse por lo que tuvo llevar a cabo las primeras representaciones ambientadas en un siglo antes.

El barítono español Ángel Ódena que interpretó al padre del protagonista Alfredo Germont, Giorgio Germont en esta misma versión de David MacVicar en Madrid (2015) y Barcelona (2014) nos comenta que, de todas versiones de La Traviata, ésta podría ser la más cinematográfica con una muy realista y cuidada puesta en escena, y con preciosos detalles en los primeros planos que más son propios del cine y poco se ven en los teatros. El espectador podrá disfrutarlo en pantalla HD desde la butaca de su Yelmo Cine más cercano.

En cuanto al papel que interpreta Ángel Ódena, podríamos decir que es “el malo de la película” dado que es quien se opone al casamiento de su hijo con Violetta la conocida cortesana, aun haciendo caso omiso de los deseos de ambos y el verdadero amor que surge entre ellos, pero si nos pusiéramos en su lugar y en el contexto de la época, podríamos entender que es un padre preocupado por el futuro de su hijo. Hay un momento de la obra, en una de las arias más emotivas, Giorgio Germont va a hablar con Violetta cuando la pareja decide irse a vivir juntos. Quiere persuadirla de sus intenciones de casarse con su hijo dado que esto significará una deshonra para la familia. A partir de esta mágica escena llena de dramatismo, la ópera toma otro cariz dejando entrever un trágico final.

Se podrá disfrutar en las siguientes ciudades de España: A Coruña, Álava, Albacete, Alicante, Almería, Asturias, Barcelona, Cádiz, La Rioja, Las Palmas, Madrid, Málaga, Navarra, Pontevedra, Santa Cruz de Tenerife, Tarragona, Valencia y Zaragoza.

Café Quijano llega al Madrid Presenta en el Fernán Gómez este sábado

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La 8ª edición del festival Madrid Presenta lleva al Teatro Fernán Gómez una serie de espectáculos para diversos públicos que, esperamos, diviertan y emocionen a los ciudadanos de Madrid y a los que vienen de fuera buscando pasar unos momentos agradables con buena música. Tendremos dos semanas llenas de contenido ecléctico, para todos los públicos, Indie, Rock, Pop, tangos, boleros, flamenco, música para adultos y para niños.

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CAFÉ QUIJANO

Teatro Fernán Gómez · Sábado, 21 de abril de 2018

Cuando se cumplen 20 años desde su debut discográfico, Café Quijano regresa a los grandes escenarios con su nuevo gran trabajo.

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En su nuevo espectáculo recopila dos décadas de éxitos, nuevas creaciones y por supuesto, intensos y sensitivos boleros que les hicieron merecedores de varias nominaciones a los Latin Grammy Awards.

Desde los hits ‘Nada de nada’, ‘Llaves de Raquel’, ‘La Lola’, ‘Tequila’ y ‘Desde Brasil’ hasta su último éxito ‘Perdonarme’ pasando por los boleros ‘Me enamoras con todo’ y ‘Robarle tiempo al tiempo’… el nuevo show de Café Quijano expone cerca de dos horas de historia viva del pop latino junto con los éxitos del momento.

Gerónimo Rauch trae la magia de los musicales en una única noche al Teatro Rialto de Madrid

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El próximo 24 de abril a las 21.00 h. Madrid podrá disfrutar del talento de la estrella internacional de los musicales, en un concierto único, que se celebrará en el Teatro RIALTO (Gran Vía 54).

Allí Gerónimo acompañado por una gran orquesta dirigida por el Maestro Julio Awad, interpretará canciones inolvidables como “María”, “Bring Him Home”, “Music of The Night”, “Roxanne”,

“Gethsemane”, “Somewhere”, “Big Spender”, así como el homenaje a Enio Morricone (“Cinema Paradiso”, “Nella Fantasía”).

Éste concierto será el comienzo de su gira, que lo llevará hasta junio a Montevideo, Santiago de Chile, México, Buenos Aires y una decena de ciudades de Argentina.

Las entradas se encuentran ya a la venta en butacaoro.com, El Corte Inglés, Entradas.com y Ticket Master

Como avanzó Miquel Fernández– que cedió el testigo como Jesucristo a Gerónimo en Jesucristo Superstar– será uno de los artistas que colaboren con Rauch en esta noche que, sin duda, será mágica.

Gerónimo Rauch llegaba a España a finales de 2007 para protagonizar “Jesucristo Superstar” en el teatro Lope de Vega de Madrid. En 2009 y gracias a su increíble registro vocal interpreta el rol de Mary Sunshine en Chicago, ocasión que aprovechamos para entrevistar al actor en nuestra revista digital EL NUEVO DILUVIO MAGAZINE. Fue entonces cuando el intérprete argentino nos confesó que: «Por suerte tengo una familia que me ha impulsado a que estudie canto, me escuchaban cantar
cuando estaba en la ducha y ellos mismos me empujaron a que tomase mis clases. Tengo una familia que esta muy relacionada con lo artístico y ese es nuestro lenguaje».

Poco tardaría en conquistar de nuevo al público español, quienes volvieron a rendirse ante él cuando encarnó a Jean Valjean en “Los Miserables”. Su interpretación sedujo a los productores ingleses, que lo invitaron a protagonizar el musical en Londres. Aclamado por la crítica, despertó la curiosidad de Andrew Lloyd Webber, quien al verlo no dudó en ofrecerle el papel protagónico en “El Fantasma de la Ópera” en el Her Majesty´s Theatre de Londres.

En Madrid pudimos verlo en un espectacular concierto en el Teatro de la Zarzuela con colaboraciones de lujo en el 2016, cita que comentamos en nuestro programa radiofónico, QUICK DESDE MI BUTACA.

Gerónimo sigue sumando éxitos en su carrera. Finalizando 2017 llenó con sus conciertos los míticos Teatro Colón y Luna Park de Buenos Aires; participó en el Concierto de Navidad celebrado en L´Auditori de Barcelona y como broche de oro estrenó junto a Paloma San Basilio la primera versión en castellano de “Sunset Boulevard” en el Auditorio de Tenerife dirigido por Jaime Azpilicueta.

Durante este mes, Gerónimo viajó a Los Angeles para grabar su próximo disco. Su productor, Humberto Gatica, con 16 Grammy´s en su haber, ha puesto su

sello en los discos de los más grandes:

Barbra Streisand, Michael Jackson, Tina Turner, Mariah Carey, Michael Bublé, Shakira o Alejandro Sanz.

Gerónimo Rauch interpretando “Defying Gravity” en el Luna Park._preview

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