Lo mejor de un año DESDE MI BUTACA (II): Un 2013 a ritmo de musical

Seguimos repasando un año de «puro teatro» DESDE MI BUTACA. En esta segunda entrega fijaremos la mirada en el teatro musical con propuestas y profesionales que llenaron de brillo un año en que Aquellas luces de neón apuntaron con fuerza a nuestra Gran Vía. 
Los Miserables triunfan también en gira

Es una de las cimas del  género y Stage Entertainment decidió recuperarlo esta temporada para una gira en la que ya han pasado por espacios como el Palacio de Festivales de Cantabria o el Palau de las Arts de Valencia, que por primera vez abría sus puertas a un musical. El primer reto que tenía la productora era mantener la calidad de la producción que pudimos ver en Madrid y Barcelona, reto conseguido. El segundo reto era de caracter artístico. Bien es sabido por los amantes del género que el personaje de Valjean exige de unas características vocales muy concretas y que en la elección de un actor adecuado para dicho roll suele estar la clave para que funcione el montaje. Encontrar un nuevo partenaire para el siempre vocal y escénicamente imponente Ignasi Vidal era una tarea difícil. De nuevo se volvió a llevar «el gato al agua» un argentino, Nicolás Martinelli. La prueba de fuego la tenía en el Sálvalo, que defiende con emoción y entrega. Otro reto superado. Del resto del reparto repiten muchos actores como las deslumbrantes Talía del Val y Lydia Fairén, ¿Qué decir de Eva Diago en sus terceros ‘miserables’? Pues que parece que coge a su Mrs Thenardier por primera vez. Lo hace con fuerza, con carisma y con su habitual derroche vocal. Y tiene nuevo ‘marido’, Armando Pita, que se complementa a la perfección con ella, son una pareja que transmite una comicidad encomiable. Fabuloso cuando muestra el lado más ruín del personaje en Mundo cruel, esa partitura de difícil registro que defiende con un gran pulso dramático y vocal. Lleno de fuerza el Enjolras de otro veterano en las barricadas, Carlos Solano, que comparte escenario con su hermano Victor Díaz, de nuevo un impresionante capataz. Más nombres: Elena Medina con su emotivo Soñé una vida, Guido Balzaretti al que es imposible no identificar con Marius, parece que el personaje ha sido escrito para él y más aún cuando interpreta  el desgarrador Sillas y mesas vacías. Otro nombre destacable, aunque hasta el último miembro del cast está impecable, es el roll de obispo que en manos de Rubén Yuste coge una fuerza que en su breve aparición le hace ser el protagonista de la escena.  Un musical que supera cualquier expectativa que se tenga de las giras de musicales en España. Con impecable dirección musical de Arturo Díez Boscovich, otro de los aciertos está en llevar una gran orquesta en la gira. Las notas de estos brillantes intérpretes no sonarían igual sin el buen hacer de una entregada orquesta. Los Miserables vuelve a ser la gran propuesta del año, como ya la fue en Madrid y Barcelona, gracias al empeño de Stage Entertainment por traer la excelencia de las producciones extranjeras a España.

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La llamada, el triunfo del Off Madrid

Bien es sabido por los amantes del musical que se llama Off Broadway al circuito teatral neoyorquino que se sale de las arterias principales y presenta propuestas ‘diferentes’. Podemos hablar de un Off Madrid, ¿Por qué no? Gracias a la proliferación de salas y propuestas alternativas, la capital es todo un hervidero teatral. Y entre las propuestas de teatro musical de este año nos quedamos con La llamada, elegida por los lectores de El País como el mejor montaje del año. Así hablamos de la propuesta DESDE MI BUTACA: «Los Javis han creado unos personajes humanos, a los que terminas cogiendo cariño y esa es una de las claves del éxito del espectáculo. El espectador empatiza con unos personajes que no resultan nunca excesivos. Dudo bastante que alguien pueda salir ofendido por motivos religiosos de esta función. Está escrita con estilo y, sobre todo, con clase, sin entrar en estridencias ni estereotipos maliciosos. Divertida, ingeniosa y plagada de buena música en directo. No tengo ninguna duda de que he tenido una revelación divina. La llamada entra, por derecho propio, en la lista de sucesos teatrales de la temporada».

Y todos nos convertimos en «amigos invisibles» de Asier

Otro fenómeno con nombre propio ha sido Asier Etxeandía con su one-man show, al que le queda una larga vida con gira incluida. Aunque os he hablado varias veces del espectáculo, he  preferido rescatar mis impresiones en la noche del estreno: «Cuando traspasamos las puertas de La Latina nos convertimos en los ‘amigos invisibles’ de Asier, un niño ‘raro’ que nos invita a ser nosotros mismos. En un viaje musical a su infancia, el protagonista de La chunga hace un repaso por temas que van de Puro Teatro a Los Rolling. De la argentina de Gardel a su Bilbao natal. Con una energía irresistiblemente contagiosa nos invita a vivir una noche inolvidable en una suerte de espectáculo que bebe del cabaret, los conciertos al uso y, por supuesto, un poquito del teatro musical convencional. No es ninguna de las tres cosas, pero es simplemente mágico».

La leyenda del unicornio o cómo hacer un buen musical infantil

Javier Muñoz, alma máter de Jana Producciones, firma este musical para todos los públicos con una constante en los musicales de esa factoría, el mensaje positivo. Y es que «Todo tiene un buen final, cuando estás con los que tienes que estar». Heroína femenina, otra seña de identidad de sus espectáculos, que consigue anteponerse a las adversidades. Todo ello con música original y muy pegadiza, unos actores muy solventes, entre los que destaca  Jacobo Muñoz y algunas criaturas fantásticas, ojo a la bellísima imagen de la protagonista con el unicornio, uno de los momentos álgidos de la propuesta. Están girando, mañana sábado están a las 17 y 19h en el Teatro Concha Espina de Torrelavega, mientras continúan con sus representaciones en el Teatro Fígaro.

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Los micromusicales, todo un macroéxito

Aunque os hemos hablado de esta propuesta hace escasas semanas, no podía faltar en este repaso a un año de musicales. Hasta el 29 de diciembre se puede disfrutar de esta iniciativa que coproduce Stage Entertainment con Microteatro por dinero. Si queréis más información, os invito a que leáis uno de los artículos que le dedicamos a la propuesta.

Por último no nos podíamos olvidar de las Sonrisas y lágrimas de esa pareja deliciosa formada por Silvia Luchetti y Carlos Hipólito en el Coliseum y de la interesante A quién le importa.  Por último mencionaré algunas propuestas que están entre lo peor del año o, mejor dicho, entre lo fallido del año: Frankenstein, el musical y Lo que sé del amor.

Descubrimos los secretos de la Carlota de Carmen Maura

El director Mariano de Paco deja por un momento los clásicos del Siglo de Oro para adentrarse en otro clásico, pero contemporáneo. Tras unos años en que Mihura no ha destacado precisamente en la cartelera española, parece que vivimos un resurgimiento del autor en los escenarios de la capital. Ahora es el turno de Carlota, una obra no tan conocida en la que De Paco ha descubierto «un texto de construcción perfectísima». Están en el Teatro María Guerrero y con el aliciente de ver de nuevo en escena a Carmen Maura, de la que el director destaca que «Es la primera que está en el escenario antes de empezar la función». Una vuelta esperada que ya la está dando grandes críticas.
El director durante los ensayos en una foto de David Ruano.
El director durante los ensayos en una foto de David Ruano.

¿Qué sintió al recibir la llamada del CDN?

Tuve la sensación de que se había cumplido un sueño. Un objetivo en mi carrera profesional. La llamada de Ernesto Caballero me llenó de alegría y responsabilidad y me hizo reflexionar acerca de que el esfuerzo, el trabajo y el tesón, a veces, tienen un resultado positivo y satisfactorio. Además me hizo descubrir un texto de Mihura poco conocido y menos representado, con lo que la alegría y la responsabilidad se multiplicaron. Al colgar el teléfono me puse a trabajar y, de ahí, hasta el estreno de Carlota.

Siempre se destaca la dificultad de Mihura, de encontrar el tono adecuado para no «forzar» la risa del espectador, que los personajes no «sobreactúen», ¿Cómo ha trabajado este aspecto en los ensayos?

En primer lugar había que encontrar a un conjunto de actores de grandísima calidad técnica y talento. Ese fue el primer reto. Actores que estuvieran dispuestos a transitar la delgada línea que separa el fino humor, la ironía punzante de la que Mihura hace gala, de la comedia exagerada y grandilocuente. En ese sentido considero que el acierto ha sido pleno. Todo el elenco de Carlota se ha subido a este barco y lo ha impulsado con maestría. Se trataba de hacer muy en serio este texto de humor que había caído en nuestras manos. Decía Adolfo Marsillach que una de las claves para conseguir la buena interpretación en un texto de estas características era que los personajes no deben saber que tienen gracia, no deben conocer su comicidad. Es el espectador el que tiene que descubrirla y disfrutar con ella. Si el actor adelanta el carácter cómico del personaje le estará arrebatando al espectador la posibilidad y el disfrute de descubrirlo y reír con él. Mihura insistió mucho en la idea de encontrar para sus textos una forma especial de decirlos y de interpretarlos que estuviera basada en la poética del texto y no en la exageración paródica del perfil de los personajes.

Carlota no es precisamente uno de los textos más reconocidos del autor, ¿Qué ha descubierto en este texto sobre el teatro de Miguel Mihura?

He descubierto un texto de construcción perfectísima. Un texto divertido, que mantiene la intriga hasta el final, que tiene todos los ingredientes de la novela negra y del más puro cine negro. Un texto lleno de recursos teatrales y de sorpresas que, además, nos presenta una bellísima y complicada historia de amor y misterio. Una verdadera joya de la literatura dramática del siglo XX escrita por Miguel Mihura.

Mihura vuelve a estar presente en la cartelera tras años de cierta «sequía» con títulos como Maribel y la extraña familia o Tres sombreros de copa, ¿Usted también cree que se le ha alejado del circuito comercial por motivos ideológicos?

Creo que Miguel Mihura es un autor al que tenemos que reivindicar y un autor al que tenemos que representar más y considero que esto debe hacerse en todos los circuitos teatrales posibles. En este sentido, me parece acertadísima y necesaria la decisión de Ernesto Caballero de traer al Centro Dramático Nacional tanto a Miguel Mihura como a otros autores olvidados de su generación. Sin duda tanto los motivos ideológicos como las vicisitudes de la propia vida del autor han influido para que sus textos no hayan alcanzado la valoración que se merecen en la escena. Mihura explicó en cada momento y con todo lujo de detalles el por qué de cada una de sus decisiones y de sus opciones políticas, sociales y vitales. La grandeza de sus textos y de sus historias debe estar por encima de todo ello.

¿Cómo está resultando la experiencia de trabajar mano a mano con una actriz de la solvencia de Carmen Maura?

Está siendo una experiencia absolutamente fascinante. He dicho en varias ocasiones que si Mihura hubiese conocido la filmografía de Carmen Maura habría escrito Carlota para ella. Creo que a pesar de no conocerla se adelantó a su tiempo y lo hizo. Carlota es Carmen Maura y Carmen Maura es Carlota. El trabajo con Carmen ha sido intenso y absolutamente enriquecedor. Es nuestra mejor actriz y todo con ella ha sido muy fácil ya que lo ha dado todo en cada ensayo, y ahora en cada representación. Se ha entregado en cuerpo y alma a Carlota y esa forma de trabajar se nota en el espectáculo. Es la primera que está en el escenario antes de empezar la función y aún me sorprendo cuando la escucho entre bambalinas repasando las intervenciones que pronunciará minutos después. La admiro mucho como actriz y como persona y ha sido un auténtico placer trabajar con ella. Como dije antes el resto del reparto no ha desmerecido lo más mínimo y su talento y entrega han brillado en todo momento. Quiero a estos actores en todos mis espectáculos.

Foto de escena de David Ruano.
Foto de escena de David Ruano.

Viene de hacer un clásico como El caballero de Olmedo, ¿Cómo es su visión de este texto?

Considero El Caballero de Olmedo la mejor obra de Lope de Vega y su puesta en escena ha resultado interesante y gozosa. Admiro mucho los versos y el ritmo de este texto. Entiendo que con El Caballero de Olmedo Lope escribe una verdadera tragedia al estilo clásico y he centrado la puesta en escena precisamente en ese destino trágico del héroe. Alonso y Rodrigo son dos héroes a la manera de Héctor o Aquiles. Héroes y uel Mihura como a as obras de ue estuviera Adolfo Marsillach.ue pronto very gozosa. Admiro mucho los versos de este texto. neque aceptan decididos y sin contemplaciones el destino fatal que les llevará a la muerte en pos del amor.

Y si miramos hacia el futuro, ¿Qué proyectos tiene Mariano de Paco?

En estos momentos estoy preparando un interesantísimo proyecto con el pintor Félix de la Concha en el que se entrelaza el teatro y la pintura, que pronto verá la luz (seguramente en el Museo Thyssen) y, si puedo, haré un paréntesis tras Carlota y dedicaré un tiempo a concluir mi Tesis Doctoral sobre Adolfo Marsillach, un trabajo que me está resultando apasionante y muy enriquecedor.

Lo mejor de un año DESDE MI BUTACA (I): Las actrices

Comenzamos nuestro repaso a un 2013 que nos ha traído un puñado de buenos trabajos interpretativos encima de las tablas. Estos son algunos de los trabajos (femeninos) que más  nos han emocionado en este 2013.

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Sin duda alguna de la multitud de trabajos en los que hemos visto a Inma Cuevas nos quedamos con La nieta del dictador, sin desmerecer claro está a Cerda o True West entre otros montajes. Así hablamos de su trabajo en La nieta del dictador: «Sobre las tablas de la Kubik Fabrik Inma Cuevas, una actriz de capacidad emocional superlativa. En el tránsito entre la risa y la emoción volvemos a reivindicar a esta actriz como uno de los grandes talentos de nuestra escena. No era fácil encarnar a esta ‘excesiva’ nieta sin resultar precisamente… excesiva. Con el gesto justo y la emoción contenida, Inma Cuevas nos regala generosamente un trocito de su talento interpretativo».

Kiti Mánver nos ha ofrecido este año el  que quizás sea uno de los personajes más hondos de su carrera de la mano de Juan Carlos Rubio. Así hablamos de su trabajo en Las Heridas del Viento: «Es el trabajo de esta ACTRIZ un ejercicio de sutileza y buen hacer encima de las tablas. Mánver imprime al personaje un amaneramiento nada forzado, que solo subraya en momentos contados, cual pinceladas de ese gran óleo que es la interpretación de esta gran maga de la escena que llena de emoción y de magia el hall del Lara desde que lo pisa por primera vez».

Blanca Portillo por emocionarnos primero con La vida es sueño y sorprendernos después con un cambio de rumbo teatral de primer orden. De Segismundo a la taxista que va camino de Fisterra junto a una Ángeles Martín también en estado de gracia. La Portillo decidió aparcar por un momento los ‘dramones’ a los que nos tenía acostumbrados y pudimos comprobar que también es una maga de la risa. Y cuando ríe por primera vez en escena, nos contagiamos de su entusiasmo por el teatro… y por la vida.

Irene Escolar por su apuesta decidida y su compromiso por las tablas. Primero en La chunga y después en Capitalismo, Hazles Reír. Independientemente del resultado global de ambas propuestas, Escolar ha vuelto a demostrar este año que por sus venas corre la sangre de una dinastía que lejos de extinguirse encuentra renovación en la mirada de esta actriz magnética a la que no perderemos de vista en El cojo de Inishmann.

Concha Velasco por su extraordinario trabajo como la vengativa Hécuba sobre las tablas del Teatro Romano de Mérida y el Teatro Arriaga de Bilbao entre otros espacios teatrales. Tras contar y cantar su vida en su espectáculo unipersonal, Concha recibió con entusiasmo esta propuesta que la lleva a enfrentarse a un teatro de raíz, a enfrentarse cara a cara con los miedos y rencores del ser humano. Un derroche de energía encomiable a sus 74 años y que llena de emoción a los espectadores allá por donde pasa. Es un lujo que siga encima de los escenarios.

María Garralón por Las Chicas del Calendario. Es una de las actrices más queridas por el gran público desde que la conocimos en Verano Azul. Si la tele ha sido una constante en su carrera, el teatro no lo ha sido menos. Este año la hemos disfrutado sobre las tablas de los Teatros del Canal con una comedia luminosa, que nos da alegría de vivir y ganas de tirar para adelante: «María Garralón  es Annie, la mujer que pierde a su marido e incentiva a las chicas a hacer el calendario en memoria de su esposo Jhon. Una actriz maravillosa que construye un personaje con la emoción a flor de piel, emocionante en la última escena junto a su marido enfermo».

María Isasi por Incrementum y Hécuba. Hace unos meses, el Teatro Galileo recuperó esa joyita para ACTRICES llamada Incrementum. En el reparto, una magnética María Isasi en su roll de jefa de departamento. Y en este año también la hemos  disfrutado compartiendo escenario con «La Velasco» en unas escenas desgarradoras en la Hécuba que dirige José Carlos Plaza.

Valeri Telechea por Júbilo Terminal. Una revelación en toda regla, una actriz llena de temperamento dramático que pudimos descubrir en El Sol de York en este enfrentamiento entre el presente y el pasado del teatro materializado en un veterano de las tablas en batalla dialéctica con una joven promesa de la escena.

Nathalie Poza por A cielo abierto. Una de las actrices con más presencia en el teatro español en los últimos años, nos regaló otro expléndido trabajo en este montaje en el que compartió escenario con el maestro Pou. Hacían una pareja deliciosa, llena de fisuras, pero que en el fondo no podían comprender el mundo el uno sin el otro.

Nacho Guerreros y Jordi Sánchez, Una relación que trasciende la pequeña pantalla

Acaba de regresar a las pantallas La que se avecina, una serie que está reuniendo cada semana a más de 4.500.000 espectadores. Dos de sus protagonistas, Nacho Guerreros y Jordi Sánchez, comparten también labor de maestros de ceremonias en el espectáculo 2×4 Monocrisis que este viernes  13 llega al Palacio de Congresos de Salamanca. Hablamos con ellos en exclusiva y con los cómicos protagonistas del show: Jaime Caravaca, David Domínguez, Javi Chou y Miguel Ángel Ortiz. 

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¿Qué le espera al espectador de Salamanca en 2×4 Monocrisis?

Nacho:

-Les espera una hora y treinta minutos de risas, se van a olvidar de los problemas. Lo pasarán bien.

Jordi:

-Un espectáculo actual y cercano con cuatro monologuistas que saben sacarle punta a todo lo que pasa a su alrededor. Al espectador le espera, sobre todo mucha risa.

¿Qué papel juegan Nacho Guerreros y Jordi Sánchez en 2×4 monocrisis?

Nacho:

-Hacemos una presentación e introducimos de manera graciosa a los compañeros monologuistas, que son verdaderamente buenos. 

Jordi:

-Somos los presentadores, atípicos, del espectáculo. Ya que aunque hacemos de nosotros mismos, en el fondo somos dos personajes.

¿Qué destacarías del humor de cada uno de los monologuistas que participan en el espectáculo?

Nacho: 

David es la serenidad aparente en persona, dice el monólogo recreándose en cada palabra. Parece no tener prisa. Javi hace cantar al unísono a todo el patio de butacas y eso no es nada fácil. Jaime es muy peculiar, como su monólogo, tiene una voz muy potente y una presencia nada convencional y Miguel es el hombre de las mil voces. Os va a sorprender

Jordi:

-Como ya he dicho, todos ellos tienen esa capacidad de acercarse al púbico, de metérselo en el bolsillo con su campechanía, con su empatía. Y darle la vuelta a las cosas hasta provocar la carcajada. 

¿En qué momento se dieron cuenta Nacho Guerreros y Jordi Sánchez que su ‘comunión artística’ iría más allá del trabajo televisivo?

Nacho:

Con Jordi he trabajado muy bien desde el primer día que nos conocimos, ya llevamos siete años y tenemos además muy buena relación personal

Jordi:

-Hay dos cosas, en esta profesión que te llevan a trabajar con un compañero. La primera es que pienses que es bueno, que su trabajo está muy bien. Y la otra es que te entiendas con él, que hables el mismo lenguaje, que te rías. Nacho tiene las dos cosas. 

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Volvéis a la carga con nuevos capítulos de La que se avecina, ¿Qué tiene de especial esta temporada para enganchar al público?

Nacho:

-Tiene un ritmo frenético y unos guiones estupendos, creo que es un humor muy bizarro y muy agradecido aunque hay gente a la que no le gusta, pero claro, nunca llueve a gusto de todos.

Jordi:

-La temporada tiene de especial que el equipo le ha puesto la misma ilusión y esfuerzo que a la temporada uno, pero que además guionistas y actores conocemos a los personajes mucho mejor que cuando empezamos. Eso hace que los capítulos sean mejores. 

En los comienzos de la serie, muchos vaticinaron que no duraría por la inevitable comparación con ANHQV, ¿Fue difícil luchar contra ese hándicap de los inicios?

Nacho:

Bueno, tenía que suceder, pero el tiempo lo pone todo en su sitio.

Jordi:

-¿Difícil luchar? Bueno, lo difícil es encontrar tu propio espacio en la programación. Es normal que la gente opinara. La misma gente que nos criticó, más tarde nos ensalzó. No nos podemos quejar. 

Buena parte de vuestra carrera ha transcurrido encima del escenario- y además Jordi nos sorprende como dramaturgo en obras como Mitad y mitad, ¿Por qué el teatro es un buen lugar para contar historias para vosotros?

Nacho:

Como diría José Luis Gil » el teatro es la madre del cordero», sin el paso por el teatro un actor se pierde muchas cosas. Yo lo recomiendo además como terapia.

Jordi:

Cualquier soporte es bueno para contar historias. El cine, la tele… Yo empecé en el teatro porqué era el que tenía más accesible. Porque estudié en el “Institut del Teatre” de Barcelona, porqué ya hacía teatro aficionado de jovencillo… 

¿Algún proyecto a la vista?

Nacho:

Muchos, tanto personales como profesionales, pero no los cuento por si acaso (toco madera)

Jordi:

-Estoy escribiendo una adaptación de El Eunuco  de Terencio, para el festival de Mérida. Un encargo para Pepón Nieto, Hugo Silva y Asier Etxeandía. Desde el principio siempre he actuado y escrito. Os invito a visitar mi web. Allí está todo. http://www.Jordisanchezweb.com . ¡Nos vemos pronto!

Los monologuistas nos cuentan ¿Por qué es para vosotros especial estar en este espectáculo?

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David Dominguez: Para mi es orgullo formar parte de este espectáculo, no sólo por la gente que lo integra (grandes actores y cómicos experimentados) si no también porque  hayan confiado en mi manera de hacer comedia. Por otro lado también siento responsabilidad porque tenemos la misión de hacer pasar hora y media de risas a público de toda España que en ocasiones no están para muchas risas. Para terminar aprovecho para invitar a todo el mundo a que no se pierda 2×4 si quieren ver a 2 actores presentando de manera magistral a 4 cómicos que con técnicas diferentes llegarán a todo tipo de público.  

Javi Chow: Para mi supone un paso importante en mi carrera profesional. Ya no me refiero solamente a compartir escenario con dos grandes actores del panorama nacional del momento, sino también a ver como, junto a mis otros tres compañeros, hemos consolidado un proyecto profesional que empezó individualmente hace años y grupalmente ha tardado muy poquito en ser una realidad. Una realidad potente, sólida y de gira por todo el país con muchísimas personas deseando ver nuestro trabajo y por supuesto, apreciándolo.

Jaime Caravaca: Formar parte de un espectáculo como 2×4 es personalmente, un claro síntoma de realización profesional. Hemos puesto toda la carne en el asador en esta gira, y sólo puedo expresar satisfacción al ver que el tiempo y el esfuerzo invertidos durante casi un año (que es lo que ha durado la »gestación») están dando sus frutos. Todo ello, ligado al hecho de poder compartir escenario con actores de la talla y clase de Jordi y Nacho, por supuesto con mis tres compañeros de profesión, con los que llevo trabajando codo con codo, desde hace mucho tiempo. Tranquiliza saber que estando tan bien acompañado, las risas estarán servidas durante un tiempo inmenso.

Miguel Ángel Ortiz: Participar en 2×4 es la experiencia mas bonita y gratificante de mi carrera artística. En este corto periodo de tiempo estoy conociendo mejor a mis compañeros, compartiendo escenario con estos dos monstruos escénicos y despertando la magia que albergaba este mundo y llevaba tanto tiempo dormida. Espero que solo sea el principio de un nuevo comienzo.

Richard Collins Moore, Más allá del «Guiri Ideal».

Richard Collins Moore, tras estudiar Moda y Textil en la Universidad de Manchester, decidió trasladarse a un Londres a sus ojos muy gris. Marcado por el Thatcherismo, decidió poner tierra de por medio tras encontrarse con un compañero del instituto que estaba en España dando clases de inglés. Y tras varias intentonas, consiguió un puesto como profesor en una escuela de Sabadell e inesperadamente volvió a encontrarse allí con su amigo del instituto: “Yo no sabía que daba clases allí ni tan siquiera sabía dónde estaba Cataluña la verdad” comenta este actor que tras intentarlo en su país natal, consiguió encontrar un hueco en los escenarios españoles. Ha sido el “guiri ideal” en multitud de series y programas de gran éxito, pero el teatro sigue siendo el mejor lugar para contar historias para él: “Quizás lo es por el morbo de tener a tanta gente pendiente de ti. La magia del teatro reside en que los sentimientos puestos en escena te atrapan, sientes lo que pasa en primera persona”.

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Un día recibió la llamada de ‘Los Javis’, como se les conoce ya en el gremio teatral a Javier Ambrossi y Javier Calvo, para hacer un musical en el que haría de Dios cantando canciones de ¡Whitney Houston!, un reto musical con el que buena parte del público ha descubierto esta faceta suya que, en realidad, ya había explotado en musicales de Dagoll Dagom y en la zarzuela. El resto de la historia es bien conocida. Arrasaron en el hall del Lara, pasaron a la sala principal y se acaban de llevar 9 premios Broadway World. Nos encontramos con él en las inmediaciones del teatro para charlar sobre este fenómeno teatral delante de una humeante taza de café en una gélida mañana madrileña. 

Cuando Ambrossi me dijo que iba a hacer de Dios cantando canciones de Whitney me descojoné de risa”. La primera vez que Richard Coolins Moore leyó La llamada solo pudo preguntarse: “¿De verdad quieren montar esta frikada?” Pensaba que no tenía ningún sentido, pero dejarse guiar por las apariencias no suele ser lo más acertado: “En la primera lectura en casa de ‘Los javis’ ya nos dimos cuenta de que éramos parte de algo especial”.

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Foto promocional de «La llamada».

La naturalidad, la pauta a seguir. Tocar un tema como la vocación religiosa no ha dejado de ser un tabú en pleno siglo XXI. Si La llamada ha funcionado es por la intención última de Javier Ambrossi y Javier Calvo: “Los personajes no debían ser paródicos, no hay intención de ofender a nadie con esta obra”, comenta un resfriado Collins Moore. En el fondo, La llamada es una historia sobre la búsqueda personal y todo lo que estamos dispuestos a hacer por conseguir nuestros objetivos.

Es una terapia hacer La llamada, nos hace felices”. En la noche de los Broadway World, donde La llamada arrasó, materializaron una frase que este particular Dios repite recurrentemente: “En esta compañía hay tanto amor que da grima”. Todos van en un mismo barco, transmiten una sensación de equipo muy unido que disfruta con cada función. Y este ‘amoroso’ equipo ha pasado del ‘alternativo’ Hall del Lara a la sala principal. La mayor dificultad con la que se han encontrado en el cambio de espacio ha sido la voz. Y es que, no es lo mismo actuar a tres metros de distancia que ante el público de un teatro al uso como el Lara. Pero eso solo fue en las primeras representaciones, ahora ya se sienten como pez en el agua en la sala grande, donde cada fin de semana “se crea un ambientazo impresionante”.

La llamada llega a las librerías

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El último hito de este atípico musical es su lanzamiento en papel. Ediciones Antígona en su extraordinaria difusión de la dramaturgia española contemporánea acaba de editar la obra que cuenta con prólogo de Miguel del Arco: «Había entusiasmo y energía suficiente como para hacer que no vuelva a pensar en dios como un triángulo ciclópeo sino en un tipo con un traje de lentejuelas y leve  acento británico que canta por Withney Houston». La llamada, todo un grito a ser uno mismo, que ahora también se puede disfrutar en las librerías. 

El personaje de La noche H secuestró mi nombre”. Hizo un casting junto a Fernando Gil, su compañero en el espectáculo de Monthy Phyton, para entrar en el programa de la famosa presentadora. La idea en principio era que hiciese un personaje al estilo de los reporteros del mítico CQC. Finalmente, decidieron que el personaje se llamase como él mismo y tras un año en el programa, se saturó: “No quería que me asociasen con ese gilipollas con pajarita. Eso sí, era facilísimo, lo leía del telepronter”, comenta entre sonoras carcajadas. 

La llamada de Shakespeare. En estos últimos meses, el actor británico ha vuelto a sorprender al respetable como protagonista de una obra del autor bardo. En Tomás Moro, una utopía hacía el personaje de narrador, un trabajo duro a las órdenes de Tamzin Towseand. A pesar de ser padrino de una de las hijas de la directora, Richard no había trabajado nunca con ella hasta ahora: “Es muy exigente, pero no cruel como otros directores. Lo que necesita es entender lo que quieres comunicar, si vas con el piloto automático te para y más en un texto clásico como es el caso, aunque yo hiciese un personaje que hablaba con vocabulario moderno”. Y llegó el momento de elegir y decidió seguir con La llamada, un proyecto para el que solo tiene buenos comentarios. Van a seguir hasta finales de enero y después habrá gira, aunque antes de despedirse hace un llamamiento popular: «Que sepan los jefes de casting que estoy libre entre semana. Aquí tienen a su guiri ideal» comenta con jocoso desparpajo. Más de veinte años encima de los escenarios españoles demuestran que él con su humor tan poco ‘british’ es algo más que ‘el guiri ideal’. 

Aquellas microluces de neón (II): Arriba el telón

Stage Entertaiment y Microteatro por dinero han puesto en marcha una iniciativa pionera en España. Por primera vez, el musical será el protagonista en el espacio de la calle Loreto y Chicote. «Por un micromusical» es el tema programado que nace con la ilusión de fomentar la autoría en el género musical. En esta convocatoria, se ha conseguido reunir 17 microobras, para todo tipo de públicos, que pasan desde la comedia, tan demandada por el público, el musical onírico, la ciencia ficción o el género fantástico. Por supuesto, los peques también pueden disfrutar del especial musical de esta edición los fines de semana y algunos festivos, con cuatro micromusicales infantiles en cartelera, uno de ellos para bebés. Incluso la nueva propuesta de los martes, los microfolletines, se ha musicalizado en su último capítulo. En esta ocasión se añaden también los lunes a la programación.

De esas 17 propuestas escénicas Aquellas luces de neón pondrán su mirada en cinco que pudimos ver el pasado 27 de noviembre, primer día de programación de este nuevo ciclo. Sus protagonistas y artífices nos hablan de ellas en exclusiva.

El sello Ordinas

Abrimos la puerta de la sala 1 y nos encontramos con En un encender y apagar, una micropropuesta musical ideada por David Ordinas. En un encender y apagar es la lucha de un actor por seguir viviendo su sueño en un texto que muestra las luces y las sombras de una profesión de la que algunos solo ven la parte más bonita y no entienden cuánto de esfuerzo y sacrificio conlleva ser actor. El papel se lo alternan el propio Ordinas, Pablo Puyol y Victor Massán. No es la única propuesta de este hombre orquesta de la escena. En la golfa, nos cuenta la historia de La Bella y la Bestia muchos años después con un micromusical corrosivo, Cuento atrás, interpretado por Gonzalo Alcaín, actual concursante de La Voz, y Malia Conde. Así se enfrenta Ordinas a este doble reto: “Pues es la primera vez que estreno algo escrito, compuesto y dirigido por mi… Me siento muy orgulloso primero de haber sido elegido y después por ver la reacción de la gente. Son 2 obras totalmente diferentes aunque creo que ambas llevan mi sello (véase Humor Miserable en Youtube). Debo decir también que se pasa mal… Jejeje ya que ser espectador de una obra propia también es algo nuevo para mi y te preocupas demasiado del que dirán. No puedo estar mejor rodeado tanto por los actores que interpretan mis obras como la gente de microteatro que se están portando genial. Espero que esto sea el principio de algo grande y que en un futuro pueda estrenar un macromusical”.

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http://www.youtube.com/watch?v=6qcClnhojJI

http://www.youtube.com/watch?v=tW-JNHgnXZ8

La veterana-debutante Eva Diago

Y en la sala 3 nos encontramos con De Espaldas, el primer trabajo como directora y autora de la actriz Eva Diago. La protagonista de musicales como Rocío no habita en el olvido se refiere así a este proyecto desde Valencia, donde representa actualmente Los Miserables: “Ha sido una experiencia mágica y vertiginosa. Mágica por el resultado, que creo es maravilloso. Vertiginosa por el tiempo que ha sido relativamente poco y por el hecho de ser mi primera vez como directora y autora. Verte en el lado opuesto al habitual se hace raro, pero a la vez emocionante. He tenido mucha suerte de que haya sido elegido en micro teatro. Y he tenido mucha suerte de tener dos maravillosos actores que se han acoplado estupendamente entre ellos y con el texto. Sergio Arce y Merche Magro”. ¿Qué harías para conseguir que tu soñado ligue se diese la vuelta y te mirase? Él lo intentará de una y mil maneras. Para Arce: “Volver a Microteatro esta vez con un Micromusical, supone un nuevo reto, cantar y bailar a la vez en un espacio tan pequeño y con la gente tan cerca es más difícil todavía, pero estoy encantado y estaba deseando volver, debido al buen ambiente que hay en la sala, tanto por los actores que estamos en ella como por la gente que lleva la sala que son encantadores. Siempre es un placer trabajar en Microteatro porque con cada función creces como artista”. Otra excelente propuesta en la que volvemos a aplaudir la voz y el carisma de Sergio Arce y descubrimos toda una revelación, Merche Magro, una actriz a la que no perderemos de vista.

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El género fantástico también presente

La sala 4 nos introduce en el género fantástico con una de las propuestas más sorprendentes, La novia de Frank. Frank es un embalsamador que se enamora de un cadáver y milagrosamente lo resucita intentando devolverle el gusto por la vida, ¿Lo conseguirá? Sobre el escenario José Luis Cereijo , Juan Matute y Patricia Arizmendi que habla así del micromusical: “Para mí estar con La Novia de Frank en Microteatro significa presentar al público una propuesta diferente y arriesgada, por el contenido de la micro obra y la propuesta musical, que es electrónica. Saltar al vacío en cierta forma seis veces al día y comprobar después al final de la obra quien del público se ha lanzado con nosotros… Creo necesarias este tipo de propuestas diferentes y por lo que estoy viendo el público también”.

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http://www.youtube.com/watch?v=w_X2dyrSGpI

http://www.youtube.com/watch?v=rcJd6LGx7C4

Una VOZ que gana en las distancias cortas

Nuestra última recomendación, Si quieres dulce no pidas calamares, se enmarca en las sesiones golfas del miércoles y el jueves. Hace un año todo empezó. Hoy han quedado en el parque. ÉL quiere más y ELLA quiere romper. El amor es contradictorio y surrealista. Un juego perverso y divertido. Diego Rodríguez y Lola Dorado son la pareja protagonista en la comedia musical que han escrito y dirigido David Pintó y Marc Sambola. Dorado, a la que muchos recordarán por su paso por un conocido concurso televisivo, es una artista que gana en las distancias cortas del microespacio madrileño. Versátil y con un color de voz apabullante, Dorado habla así de su microexperiencia: “Lo que tiene de especial el microteatro es el contacto tan directo y tan íntimo con el público y disfrutar de sus reacciones. En particular Si quieres dulce, no pidas calamares es especial, primero porque la música es original, compuesta por Marc Sambola (nuestro músico) y David Pintó (nuestro director) y pienso que es muy divertido ver a dos personajes con una línea de sentimientos opuesta, pudiéndote identificar con cualquiera de ellos en distintos momentos como espectador. Es muy especial para mí personalmente trabajar con Diego Rodríguez que actúa y canta con la misma gran calidad, trabajar con David Pintó que es un director apasionado que sabe perfectamente lo que quiere y te guía hasta allí y trabajar con Marc Sambola, un compositor original que también nos sirve de guía a la hora de interpretar sus temas. No puedo estar más feliz”.

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Aquellas luces de neón: La noche «celestial» de los musicales

Un año más, los lectores de Broadway World Spain volvieron a reconocer el trabajo de los profesionales del musical en una noche “celestial” en la que recibimos La llamada de una industria de sobra consolidada en nuestro país. En esta tercera edición, la gala dio el salto a la ansiada Gran Vía Madrileña. Fue una noche de celebración, la gran cita del teatro musical ibérico. Por el photocall pasaron los principales artífices de musicales como Evil Dead, La Llamada o el micromusical Si quieres dulce, no pidas calamares. Una cita única para dar brillo a un género, al que en España por fin parecemos rendirnos en cada nuevo estreno. 

dmb bwTras pasar por la alfombra roja, los nominados e invitados se sentaron en sus asientos para disfrutar de una noche que fue puro Broadway. Con un maestro de ceremonias de primera, Enrique R. del Portal, el show nos adentró en los entresijos del género con ritmo y con un sentido del espectáculo memorable que ya se dejó ver en el tema de apertura, Soy el guardián de los recuerdos, tema original de Chemari Bello y César Belda. Una cita especial en la que participaron activamente los reporteros del reconocido portal, Javier Gabrielssön, Laura Peláez y Fanny Alcázar. Entre los números que llenaron de estilo el escenario está el protagonizado por Germán Torres que valoró así la noche: «He vivido la emoción en estado puro rodeado de grandes artistas y con la ilusión de hacer lo que más nos gusta, el musical. Se hizo la magia y los nervios se trasformaron en espectáculo y todos subimos al escenario de la ilusión. Grande todo el equipo de Bww. Gracias por dejarme ser parte del show».

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La noche recorrió la historia del género en España, con parada obligada en Mar y cielo, el éxito de Dagoll Dagom. Sobre las tablas del Lope de Vega, el elenco de Los Miserables brilló con el tema principal del musical en doble versión castellano-catalán. 

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Rubén Yuste, que participó en el citado número, fue uno de los protagonistas indiscutibles de la noche. Con una carrera envidiable a sus espaldas, su trabajo en Evil Dead le valió el premio a mejor actor en esta mágica noche:  «Este premio es una gran satisfacción porque lo entrega el público, los que se gastan su dinero para ir al teatro (además en un momento muy complicado), por lo que me siento muy afortunado y muy querido. Reconocimientos como estos te dan fuerza para seguir luchando en una profesión tan complicada como la nuestra». Uno de sus compañeros en el musical, Sergio Arce, comentó que «el momento más emocionante de la noche fue cuando Rubén y César Belda se hicieron con sendos premios. Los dos son unos artistas increíbles y se merecían mucho el premio. La noche de los premios Broadway no puede disfrutar más con mi hijita bailando y saltando entre mi butaca y la de mi mujer con cada canción, no me lo pude pasar mejor. La gala fue muy dinámica y divertida , se me hizo muy corta». 

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Aunque los pequeños protagonistas de la gala intentaron silenciar a Juanjo González, el maravilloso loco de los musicales que se tiró a la piscina creando estos premios completamente innovadores en España, DESDE MI BUTACA le damos voz para que nos haga balance de esta noche tan esperada por los amantes del musical: «La del lunes pasado fue una noche inolvidable, la meta de un año de esfuerzo tanto para los nominados que participaban como para aquellos que habíamos preparado con mucho mimo todos los detalles para esa reunión familiar anual que queremos mantener como tradición. Volvimos a conseguir el objetivo de reunir a la profesión con el público, y fue increíble ver como los mejores artistas de musicales de nuestro país se volcaban en la gala. Entre cajas pude compartir momentos muy especiales con ellos y ver como, si hay algo que puede sacar adelante este género, es la calidad humana de los equipos que tenemos en nuestros teatros. Es momento de dar las gracias a todos los que lo han hecho posible, sin perder el punto de vista crítico y saber todo aquello que podemos mejorar, pero contentos porque hemos dado un paso muy importante para afianzar los premios del público, nuestros premios». Y tranquilos, al final le dejaron hablar.

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Sin duda fue una noche «celestial» para La llamada que no dejó de acaparar la atención con la interminable lista de premios y su «amorosa» relación. «En esta compañía hay tanto amor que da grima» comentaba un Richard Collins Moore que se mete en la piel de Dios en esta pequeña gran revolución de la temporada. Aunque el actor inglés lamentó entre risas que le daba rabia haberse quedado sin el premio al que optaba, valoró este éxito como un buen reclamo para atraer al público al Lara. Con él hemos hablado ampliamente en un encuentro exclusivo que os ofreceremos dentro de unos días DESDE MI BUTACA. 

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«Menos mal que La llamada no opta a musical en gira, que si no nos lo quitan» comentaba un divertido Juan Carlos Rubio, otro de los protagonistas de la noche. El dramaturgo consiguió el reconocimiento como mejor musical en gira para su Esta noche no estoy para nadie, el musical. Un premio que el autor de Las heridas del viento valora así: «Me siento muy feliz, toda la compañía nos sentimos muy felices, el público nos reconoce como el mejor musical que está girando por España. Y la competencia es mucha. Y con musicales muy buenos. Es un gran estímulo para todos ganar este premio y esperamos que pronto podamos presentar Esta noche no estoy para nadie, el musical  en Madrid y en otras muchas ciudades». Rubio conoce muy bien lo difícil que es sacar adelante una gala de este estilo. De hecho, él se encargo de los Max 2011. Para él, la gala del pasado lunes: «Fue estupenda, rebosante de ritmo, de ingenio ¡Qué maravilla y qué regalo escuchar cantar a gente tan talentosa! Esté nominado o no lo esté no me quiero perder ningún año esta entrega de premios, que es en ella misma un enorme espectáculo musical de primer orden. Enhorabuena a todos los que la hacen posible y sobre todo, gracias a Broadwayworld Spain por crear estos premios».

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Y el mejor musical del año fue La Bella y La Bestia, el mágico musical Disney que ha llevado a recorrer la geografía española Stage Entertaiment. Natalia Millán y Carlos Hipólito dieron el premio a este excelente producción que ha contado con el aplauso del público en toda España. Jon Usabiaga recogió el premio en nombre de la compañía. 

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Otros grandes momentos de la noche fueron el homenaje a Paloma San Basilio que hicieron Marta Valverde y Lorenzo Valverde, convertido en toda una institución en el género desde que fuera el primer protagonista del recordado El diluvio que viene. Toda una dama de la escena, Ana María Vidal, recogió el premio de San Basilio, que lamentablemente tenía concierto ese día. Premio también tuvo el unipersonal de Asier Etxeandia, El intérprete. Una gran noche para nuestro musical en la que profesionales del género como Dulcinea Juárez, Javier Enguix, Laura Enrech o Sara Pérez echaron el resto para que Aquellas luces de neón brillasen más que nunca. Un gran trabajo hecho con pasión y con esfuerzo, con dedicación y mimo por el espectáculo. Estamos ya deseando ver con qué nos sorprenden en la cuarta edición. El show debe continuar.

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Pedro Casablanc: «Es inquietante ver lo poco que hemos evolucionado desde Valle Inclán»

Un día, rodando Policías, Pedro Casablanc se encontraba junto al maestro Pou y le dijo: «Con lo mayores que somos y aquí estamos jugando a policías y ladrones». De eso, de juego, tiene mucho una profesión en la que no es siempre fácil huir del foco mediático. Casablanc es uno de los rostros más reconocibles de la pequeña pantalla, pero ha intentado apartarse de ese falso oropel que suele rodear al show business. Todo lo ha podido una vocación que le ha llevado a interpretar a Valle Inclán sobre las tablas del Español con Tirano Banderas (hasta el 8 de diciembre en el templo escénico de la Plaza de Santa Ana).  El cine también ha llamado a su puerta con proyectos como Viral, que se acaba de estrenar en las salas españolas. Con este actor, crítico con una España en que no se valora demasiado la educación y la cultura, habló DESDE MI BUTACA. 

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¿Por qué cree Pedro Casablanc que Viral puede convertirse en un éxito?

La verdad es que habla de un mundo, el de las redes sociales que no comprendo y no me interesan mucho la verdad, pero el género de terror no muere nunca. Siempre acudiremos a él los que nos gusta pasar un mal rato en el cine. Además, es muy interesante al poner sobre la mesa la relación de la gente joven con las redes sociales, a las que mucha gente vive realmente enganchada.

¿Cómo ha sido el rodaje nocturno en un lugar tan reconocible como la Fnac de Callao?

No ha sido nada cómodo. Rodar de noche no me gusta nada, me cuesta mucho la verdad. Además, tenía todas las tardes una función de teatro, pero en el fondo ha sido un rodaje más, sin nada reseñable.

Estás acabando las representaciones de Tirano Banderas en el Español, ¿Qué le dice a Pedro Casablanc un autor como Valle Inclán en estos tiempos tan inciertos que estamos viviendo?

Me encanta que me hagas esta pregunta, soy un verdadero fanático de Valle. He tenido la suerte de hacer varias obras de este autor. Lo que más me inquieta es que su tiempo es demasiado similar a lo que está ocurriendo en nuestros días. Es alucinante ver como los males que criticaba en los años 20 y 30 se siguen repitiendo en pleno siglo XXI. Seguimos teniendo el mismo tipo de gobernantes y políticas caciquiles. Sus denuncias siguen sirviendo para el aquí y el ahora, eso le hace un autor valiosísimo. Además, es un artesano de la lengua que utiliza la palabra como nadie. Es el heredero de Rubén Darío y del Modernismo, palabras mayores.

¿Qué balance haces de la experiencia en el Teatro del Odéon?

Para mi, trabajar en el Odéon ha sido algo mágico, un sueño. Solo puedo sentir esta experiencia como un regalo. He sido invitado a una producción francesa- afortunadamente yo hablo francés perfectamente- con un director alemán de la categoría de Peter Stein, al que yo admiraba desde hace años…

Se dice que los franceses miman mucho su cultura, ¿Has tenido esa percepción en tu etapa allí?

Yo cogía el metro para ir al teatro y en la parada del Odéon había una estatua de Danton que rezaba: “La primera necesidad del pueblo después del pan es la educación”. Yo creo que eso se tiene muy en cuenta allí en Francia. Aquí, estamos viendo a qué niveles de educación se está llegando. La cultura empieza en el colegio y desde muy pequeños. Tiene que haber una necesidad por parte del país de que culturizar a la población es algo necesario. Yo creo que en Francia eso lo tienen muy claro. Siempre han tenido claro que preservar su cultura es la base, eso hace más libres a los ciudadanos. Más libres para decidir, para pensar, para comportarse cívicamente… Puede que tengan muchos defectos los franceses, pero tienen un mimo por su cultura realmente loable.

A pesar de ser parte de éxitos televisivos muy sonados, has sabido evitar toda esa parte de photocalls y flashes, ¿Ha sido muy difícil evitar la presión mediática o todo lo puede la vocación?

Tengo claro que éste es un trabajo vocacional, yo he querido ser actor toda mi vida. No me han regalado nada en mi carrera, me lo he currado mucho la verdad. La parte ‘mediática’ de mi oficio está ahí, pero no la he necesitado. Empecé haciendo teatro independiente de una forma muy artesanal y la verdad es que me he enfrentado a los proyectos como retos que he sabido aprovechar. El teatro siempre ha sido mi casa, donde más he aprendido y bien es verdad que le debo mucho a la televisión con series como Policías. No he parado de hacer series de un cierto nivel. No me ha interesado nunca estar en el foco mediático, he intentado evitarlo y cuando me invitan a eventos y a festivales no suelo poder, siempre estoy haciendo teatro la verdad. Es una escusa buenísima desde luego. Con la parte vocacional cuentan unos políticos a los que no les interesa el teatro. Está claro que vamos a seguir haciéndolo a pesar de las dificultades, es imposible liberarse de algo tan apasionante como este oficio. 

Has tenido la suerte de To play (jugar) en proyectos históricos donde, imagino, has vuelto a encontrar el sentido último de esta profesión, ¿No?

Está muy bien la reflexión que haces. En francés también se dice jugar. Aquí decimos interpretar o actuar. Son como palabrejas muy grandes para lo que hacemos encima de un escenario, aunque sí es cierto que cada día me doy cuenta que la gente, que el público necesita de nosotros para que le contemos buenas historias. Hacer un histórico como en el caso de la mini serie que estoy haciendo ahora sobre el asesinato de Prim, con vestuario del XIX te da la oportunidad de redescubrir que esta profesión es un juego. Yo recuerdo que cuando hacía Policías con José María Pou, al que admiro muchísimo, le decía mientras estábamos corriendo escaleras abajo con una pistola que mira que somos mayores para jugar a estas cosas… Estamos al servicio de una cámara, pero en el fondo estamos jugando a ser policías deteniendo a unos malos que ni siquiera estaban ahí, ya que rodaban otro día.

Tras una larga carrera, ¿Con qué proyectos sueña Pedro Casablanc?

No tengo grandes sueños con respecto a la profesión. Yo solo le pido a este oficio poder seguir teniendo cierta estabilidad, vivir de esto en definitiva. Quiero que mi familia tenga un futuro. Está todo muy negro, pero no debemos perder la pasión ni la esperanza de que las cosas pueden ir a mejor. Me gustaría poder seguir contando buenas historias en todos los formatos, que no se privaticen los teatros y que la cultura por fin se convierta en un bien de interés nacional. Tengo la esperanza de que en el futuro se enseñe en las escuelas a amar el buen teatro y el buen cine…

¿Podrá el cine español conseguir un éxito «Viral»?

Hoy viernes se estrena una de las películas españolas más atractivas del año. Viral juega con el género mezclado con humor. La premisa es sencilla: Un espacio tan cotidiano como la Fnac de Callao se convierte en el escenario principal. De día, un lugar lleno de bullicio, pero cuando las luces se apagan, una nueva vida comienza en el mítico espacio de compras. Allí habitará por una semana un friki que si supera la prueba ganará 15.ooo euros en compras. Podría ser un éxito viral para nuestro cine. Cuenta con los ingredientes necesarios: Es divertida, inquietante, entretenida y cuenta con un puñado de buenos actores como Pablo Rivero, Pedro Casablanc, Aura Garrido y Juan Blanco. Todo ello hecho con un presupuesto lowcost y un uso del product placement hasta ahora inédito en España, haciendo de la marca la verdadera protagonista de esta película con final abierto y vocación de convertirse en trilogía. DESDE MI BUTACA estuvo en la presentación de la película en Madrid y habló con algunos de sus protagonistas…
Aura Garrido y Juan Blanco.
Aura Garrido y Juan Blanco.
Miguel Ángel Muñoz.
Miguel Ángel Muñoz.
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Escucha la entrevista a Pablo Rivero haciendo click en la foto.
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Lucas Figueroa dirige la cinta.

*Pronto subiremos la entrevista a otro de los protagonistas, Pedro Casablanc.

Escenario Cantabria: Las voces de la Ópera llegan al CASYC

El equipo de Palco Tres Gestión da voz a un género un tanto olvidado en los últimos años en la capital cántabra: La ópera. Gracias al ciclo Tesituras. Las voces de la Ópera pasarán por el CASYC de Santander destacados nombres de la lírica como Manuel Lanza, Aquiles Machado y Marina Pardo.

Una de las razones por las que cualquier aficionado se acercó, se acerca y se acercará a la lírica es sin duda, el hecho de haber escuchado y haberse emocionado con alguna de las arias inmortales de este genero. Las arias son los pilares sobre los que se asienta toda la obra, son los momentos más esperados de una representación, son las piezas más conocidas, y también las más hermosas. Son además, los momentos de lucimiento del intérprete. En un aria el compositor exhibe toda su maestría con la seguridad de que va a quedar grabada en la mente y el corazón del público. Las arias son en definitiva, los momentos culminantes de cualquier representación operística. El aficionado sabe, que las voces tanto masculinas como femeninas, no son todas iguales y que además los compositores crean y componen los personajes destinándolos a ser cantados e interpretados por un cantante o una cantante con unas características vocales especificas. Hemos diseñado este Ciclo, para todos. Para los aficionados y para un público nuevo, para que todos podamos disfrutar de algunos de esos momentos culminantes de diversas óperas.Este ciclo parte de la idea de acercarnos a la ópera a través de las distintas voces de la lírica. Serán seis recitales con piano. Una soprano, una mezzosoprano, un bajo, un barítono, un tenor y un contratenor recorrerán las distintas tesituras que dan vida a los más variados personajes del repertorio operístico.

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