La Firma Invitada: Doriam Sojo

El actor Doriam Sojo, al que vimos hace unos meses con Cordón Umbilical de Daniel de Vicente, se embarca en la gestión teatral con una sala muy especial, El Burdel a escena. Él es nuestra primera «Firma Invitada» de 2014.

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En el mes de julio  abrí en el barrio de Lavapiés El Burdel a escena. Una antigua casa de citas que he recuperado para representaciones teatrales, ubicado en la calle Sombrerería 3, Metro Lavapiés. Debo mencionar que cuento con el apoyo de Patricia Chavarri. El Burdel a escena abrió sus puertas con la misión de ofrecer una experiencia escénica distinta, intima, que no os dejará indiferente. Este antiguo burdel ha sido recuperado y re-decorado para la exhibición de propuestas escénicas contemporáneas. Las obras que tenemos en cartel son todas de mi colectivo doriamsOjOproduce, y tienen como finalidad haceros sentir y oír a personajes cotidianos que se abren en la intimidad para mostrar sus más sinceros sentimientos, con pinceladas de humor y tragedia. Queremos que te fundas en las historias, a través de unas interpretaciones verosímiles para que vivas en primera persona las emociones de los personajes, y puedas unir el puzzle de cada escena con el fin de hacer de tu paso por la sala una experiencia cognitiva, y puedas cumplir uno de los objetivos del teatro: tener una catarsis.

Doriam Sojo

A partir del 10 de enero podremos ver en el Burdel

CREEP, del cual soy el dramaturgo y director. Es un espectáculo directo repleto sarcasmo e ironía que narra la historia de tres hombres que cruzan sus vidas a través del amor, una tragicomedia directa que no es apta para homofóbicos. Protagonizada por Supremme de Luxe, Héctor Gutiérrez y Javier Sotorres.

HORARIOS: Martes, miércoles y jueves a las 20:30hs

EL Casting para mayores de 18 años, también es de mi propia autoría, la cual dirijo y produzco.

Música, sensualidad, comedia, drama y baile, son algunos de los elementos de esta original obra que muestra las pasiones de tres mujeres encerradas en una jaula de cristal, que te invitan a realizar un particular casting. Las actrices protagonistas son Pilar Minsa, Alexandra Torres y Ainhoa Tato.

HORARIOS: Viernes a las 21hs

Sábados, 20:30hs y 22:30hs

Lo mejor de un año DESDE MI BUTACA (III): Los actores

Seguimos repasando un año DESDE MI BUTACA y en esta ocasión serán los actores los protagonistas. En papeles protagonistas o secundarios, los actores también han destacado en un 2013 que ha estado lleno de TEATRO.

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Fernado Guillén Cuervo, el Adán ideal

Poner en marcha un proyecto tan ligado a Blanca Oteyza y Miguel Ángel Solá como Hoy: El Diario de Adán y Eva parecía un reto titánico, pero otra pareja, Ana Milán y Fernando Guillén han conseguido «el milagro». El Adán de Guillén Cuervo se instala entre la melancolía por un tiempo pasado que ya no volverá y la comicidad que desprende en la representación del Adán con peluquín, Fernando Guillén construye el que quizás sea el mejor personaje de su carrera. Ha conseguido una hondura en la construcción de este entrañable personaje que solo los grandes pueden conseguir. En su voz apesadumbrada y dolorida de la senectud se ven en él atisbos de la grandeza de su padre. 

José Pedro Carrión, historia viva de nuestra escena

En Júbilo Terminal nos ofrece un recital interpretativo de primer orden, donde la palabra y el actor pasan a primer término para conseguir emocionarnos. Y vaya si lo consigue este actor que fue rey, bufón y espadachín. Un trabajo en este 2013 al que se suma su paso por Hécuba, que podremos disfrutar en 2014 en el Teatro Español de Madrid. Un lujo verle por partida doble en este año.

Recibimos la llamada de Richard Collins Moore

Así hablamos del trabajo del actor en La llamada: «Él es Dios. Un ser todo poderoso que canta a la Houston. Su primera y sorprendente aparición deja prendado al público. Desconocía que detrás de ese grandísimo actor característico se escondía un chorro de voz de ese calibre,  de ovación el número de I have nothing».

Las mil caras de Dani Muriel.

Este año le hemos visto en Microteatro, en el Hall del Lara, en el Teatro María Guerrero y ¡Hasta inaugurando El Sol de York!  Si sigues la actualidad teatral de Madrid es imposible que no te hayas topado con él en alguno de los montajes que ha protagonizado. El último reto ha sido Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio: «Dani Muriel está viviendo una etapa dorada en su carrera y eso es gracias a la variedad de trabajos que ha ido encadenando en los últimos meses.Las heridas del viento es un paso hacia adelante en su carrera. Muriel se enfrenta cara a cara a un texto que exige el 200% de implicación del intérprete y él pasa la prueba con nota».

Carlos Hipólito, un imprescindible.

Pocos actores tan versátiles y comprometidos con el teatro como el protagonista de El crédito. Este año le hemos visto de nuevo dando el do de pecho en Sonrisas y lágrimas en el Coliseum antes de volver a sumergirse en el mundo del dramaturgo Jordi Galcerán. Se convierte en el, aparentamente, inquebrantable director de la sucursal a la que pide un crédito Luis Merlo. Él también entra por méritos propios en esta particular lista por sus dos trabajos sobre las tablas: Deseo y la citada obra del autor de Carnaval.

Antonio Dechent, por fin en Madrid

Llevaba años queriendo ver sobre el escenario a Antonio Dechent. Este año, por fin, lo conseguí. La voz interior, espectáculo concebido para una pequeña sala andaluza, llegó al Teatro Bellas Artes de Madrid. El actor no defrauda en las tablas con ese frágil enamorado que se desgarra ante una desasperada última llamada a su enamorada. Un personaje que se aleja de los ‘malotes’ que este actor de mirada  y voz imponentes ha retratado en el cine.

Jorge Usón nos hizo «sentirnos bien»

En unos días pude ver a Jorge Usón por partida doble. Primero en Feelgood y después en Cabaré de caricia y puntapié. Resultado: Un verdadero descubrimiento del que os dijimos a su paso por el Matadero: «Es un camaleónico actor con una vis cómica innegable. Con cada palabra, el público se ríe a pierna suelta».

Asier Etxeandia por «su año»

No podía faltar en este ranking el actor, el cantante, el intérprete Asier Etxeandía que no solo ha «cantado» su vida en su unipersonal, sino que se instaló en el Sagrado Corazón 45 y se sumergió en el universo de Vargas Llosa con La chunga. Ha sido su  gran año, sin ninguna duda.

Sergi  López, ponga un poco de absurdo en su vida

El actor, que acaba de estrenar en cines Ismael, sorprendió al respetable en 30/40 Livingstone, «un espectáculo de humor, tenis y antropología» que pudimos ver en el Teatro de la Abadía. Un ejercicio interpretativo colosal a la altura de uno de nuestros actores más internacionales.

El cuarteto de Israel Elejalde

Y cerramos este particular repaso a los actores de 2013 con Israel Elejalde que demostró su talento para la comedia con Maridos y mujeres y se tiró a la piscina con La Fiebre: «Un tour de force interpretativo que en manos de un actor de superlativo talento como Elejalde coge mucha altura. Un recital in crescendo que acaba con un Elejalde que se desgarra emocionalmente antes de entrar en caída libre». Volvió además con La función por hacer y ya ha estrenado Misántropo, que estamos deseando ver.

El ciudadano José Pedro Carrión

Convertir el teatro en un Parlamento. Ese podría ser perfectamente el resumen de esta entrevista. José Pedro Carrión aspira a un teatro en que el público juegue un papel esencial:  “Mucha mierda, el público es quien realmente hace la función” me dice antes de subirse al escenario. El respetable auditorio cuando aplaude la palabra de Eurípides en Hécuba, de alguna forma da la aprobación a lo que el autor cuenta en su desgarradora tragedia. Y en teatros como el Arriaga, por donde pasó la función hace unas semanas, ocurre algo mágico: “El público y el teatro hacen que la palabra coja una energía especial y el teatro te hace a ti”. Esta temporada ha seguido moviendo sus espectáculos de teatro esencial como Júbilo Terminal, con el que tanto nos emocionamos DESDE MI BUTACA. Hablamos con el actor, pero sobre todo con el ciudadano que ve con ojos críticos la sociedad actual.  

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¿Qué le dice a José Pedro Carrión como actor y como ciudadano una obra como Hécuba?

Me encanta la palabra ciudadano. No quiero olvidar que ante todo soy una persona ciudadana, lo más importante que somos lo somos con el otro. Lo mejor y lo peor de los seres humanos está reflejado en la historia del teatro. Hécuba habla del presente de una forma poderosa, son palabras eternas que dichas por una actriz de la categoría de Concha Velasco, que aprendió el teatro a base de práctica, cogen un gran sentido en el aquí y ahora. Ella pertenece a una generación muy poderosa, que son dominadores del arte de la palabra bien dicha encima de un escenario. Ansiaba trabajar con ella. Estas palabras tan antiguas dichas por su boca se convierten en unos parlamentos que cuando el público los aplaude, expresa no solo su admiración por una gran artista, sino también su acuerdo con Eurípides. El pueblo encuentra en el teatro un parlamento, en el que expresa sus emociones ante lo que está escuchando, unos principios naturales de acuerdo con los cuales el hombre tendría mejor vida. Y esos principios se están viendo pisoteados por una democracia, cuyas instituciones nos demuestran la gran mentira que son.

Entre las próximas paradas de Hécuba está Torrelavega (4 de enero) y el Teatro Español de Madrid (Del 6 al 23 de febrero)
Entre las próximas paradas de Hécuba está Torrelavega (4 de enero) y el Teatro Español de Madrid (Del 6 al 23 de febrero)

El teatro como parlamento, ¿Es ese el verdadero sentido del arte escénico para José Pedro Carrión?

En este terrible contexto que perviva el teatro, que crea una ilusión de la verdad, nos hace mejores personas y mejores ciudadanos. Hécuba se convierte en un acto político para que sintamos que en el teatro nos podemos reconocer. En una época en que hemos hecho tantos teatrillos, es penoso ver que el teatro no esté en la educación de nuestros pequeños. Espero que algún día el teatro se convierta en un lugar para conocerse, reconocerse y para tener una esperanza de que esas posibilidades que tenemos como seres humanos se hagan realidad para conseguir una sociedad más justa y agradable de vivir. Hoy por hoy, el gran público no demanda teatro. Es muy poca la gente que podrá ver por ejemplo Hécuba en el Teatro Español, aunque se llene todos los días. Es lamentable que el teatro sea para las minorías cuando aporta tanto al ser humano. Tiene grandes posibilidades de llegar a muchos espectadores y no lo puede hacer.

¿Qué es el ‘teatro doméstico’ que practicas con Valery Tellechea en obras como Júbilo terminal?

Lo principal para mi en el teatro es que la persona sea la base, llevar el humanismo a primer término. No creo en etiquetas como la de pequeño o gran formato, aunque claro es imposible que nuestros espectáculos lleguen a un teatro como el Arriaga, ya me gustaría a mi… Nuestro ‘teatro doméstico’ es un teatro esencial que vamos a intentar hacer donde nos quieran. Jubilo términal trata sobre las dificultades que os hemos dejado las generaciones anteriores a los jóvenes que estáis empezando. En este caso materializado en el caso de un actor veterano y una actriz joven, pero creo que es extrapolable a cualquier otra profesión. Es complicado ‘colarse’ en los circuitos autonómicos de teatros. En lugar de trabajar unidos, nos ponen barreras para trabajar por ejemplo en un teatro de Alicante. No existe una red nacional de teatros fuerte que cree un cierto intercambio cultural. La generación de Valery ha quemado su vida formándose y ahora se encuentra con la dificultad de conseguir un espacio para poder representar sus proyectos.  

Lo mejor de un año DESDE MI BUTACA (II): Un 2013 a ritmo de musical

Seguimos repasando un año de «puro teatro» DESDE MI BUTACA. En esta segunda entrega fijaremos la mirada en el teatro musical con propuestas y profesionales que llenaron de brillo un año en que Aquellas luces de neón apuntaron con fuerza a nuestra Gran Vía. 
Los Miserables triunfan también en gira

Es una de las cimas del  género y Stage Entertainment decidió recuperarlo esta temporada para una gira en la que ya han pasado por espacios como el Palacio de Festivales de Cantabria o el Palau de las Arts de Valencia, que por primera vez abría sus puertas a un musical. El primer reto que tenía la productora era mantener la calidad de la producción que pudimos ver en Madrid y Barcelona, reto conseguido. El segundo reto era de caracter artístico. Bien es sabido por los amantes del género que el personaje de Valjean exige de unas características vocales muy concretas y que en la elección de un actor adecuado para dicho roll suele estar la clave para que funcione el montaje. Encontrar un nuevo partenaire para el siempre vocal y escénicamente imponente Ignasi Vidal era una tarea difícil. De nuevo se volvió a llevar «el gato al agua» un argentino, Nicolás Martinelli. La prueba de fuego la tenía en el Sálvalo, que defiende con emoción y entrega. Otro reto superado. Del resto del reparto repiten muchos actores como las deslumbrantes Talía del Val y Lydia Fairén, ¿Qué decir de Eva Diago en sus terceros ‘miserables’? Pues que parece que coge a su Mrs Thenardier por primera vez. Lo hace con fuerza, con carisma y con su habitual derroche vocal. Y tiene nuevo ‘marido’, Armando Pita, que se complementa a la perfección con ella, son una pareja que transmite una comicidad encomiable. Fabuloso cuando muestra el lado más ruín del personaje en Mundo cruel, esa partitura de difícil registro que defiende con un gran pulso dramático y vocal. Lleno de fuerza el Enjolras de otro veterano en las barricadas, Carlos Solano, que comparte escenario con su hermano Victor Díaz, de nuevo un impresionante capataz. Más nombres: Elena Medina con su emotivo Soñé una vida, Guido Balzaretti al que es imposible no identificar con Marius, parece que el personaje ha sido escrito para él y más aún cuando interpreta  el desgarrador Sillas y mesas vacías. Otro nombre destacable, aunque hasta el último miembro del cast está impecable, es el roll de obispo que en manos de Rubén Yuste coge una fuerza que en su breve aparición le hace ser el protagonista de la escena.  Un musical que supera cualquier expectativa que se tenga de las giras de musicales en España. Con impecable dirección musical de Arturo Díez Boscovich, otro de los aciertos está en llevar una gran orquesta en la gira. Las notas de estos brillantes intérpretes no sonarían igual sin el buen hacer de una entregada orquesta. Los Miserables vuelve a ser la gran propuesta del año, como ya la fue en Madrid y Barcelona, gracias al empeño de Stage Entertainment por traer la excelencia de las producciones extranjeras a España.

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La llamada, el triunfo del Off Madrid

Bien es sabido por los amantes del musical que se llama Off Broadway al circuito teatral neoyorquino que se sale de las arterias principales y presenta propuestas ‘diferentes’. Podemos hablar de un Off Madrid, ¿Por qué no? Gracias a la proliferación de salas y propuestas alternativas, la capital es todo un hervidero teatral. Y entre las propuestas de teatro musical de este año nos quedamos con La llamada, elegida por los lectores de El País como el mejor montaje del año. Así hablamos de la propuesta DESDE MI BUTACA: «Los Javis han creado unos personajes humanos, a los que terminas cogiendo cariño y esa es una de las claves del éxito del espectáculo. El espectador empatiza con unos personajes que no resultan nunca excesivos. Dudo bastante que alguien pueda salir ofendido por motivos religiosos de esta función. Está escrita con estilo y, sobre todo, con clase, sin entrar en estridencias ni estereotipos maliciosos. Divertida, ingeniosa y plagada de buena música en directo. No tengo ninguna duda de que he tenido una revelación divina. La llamada entra, por derecho propio, en la lista de sucesos teatrales de la temporada».

Y todos nos convertimos en «amigos invisibles» de Asier

Otro fenómeno con nombre propio ha sido Asier Etxeandía con su one-man show, al que le queda una larga vida con gira incluida. Aunque os he hablado varias veces del espectáculo, he  preferido rescatar mis impresiones en la noche del estreno: «Cuando traspasamos las puertas de La Latina nos convertimos en los ‘amigos invisibles’ de Asier, un niño ‘raro’ que nos invita a ser nosotros mismos. En un viaje musical a su infancia, el protagonista de La chunga hace un repaso por temas que van de Puro Teatro a Los Rolling. De la argentina de Gardel a su Bilbao natal. Con una energía irresistiblemente contagiosa nos invita a vivir una noche inolvidable en una suerte de espectáculo que bebe del cabaret, los conciertos al uso y, por supuesto, un poquito del teatro musical convencional. No es ninguna de las tres cosas, pero es simplemente mágico».

La leyenda del unicornio o cómo hacer un buen musical infantil

Javier Muñoz, alma máter de Jana Producciones, firma este musical para todos los públicos con una constante en los musicales de esa factoría, el mensaje positivo. Y es que «Todo tiene un buen final, cuando estás con los que tienes que estar». Heroína femenina, otra seña de identidad de sus espectáculos, que consigue anteponerse a las adversidades. Todo ello con música original y muy pegadiza, unos actores muy solventes, entre los que destaca  Jacobo Muñoz y algunas criaturas fantásticas, ojo a la bellísima imagen de la protagonista con el unicornio, uno de los momentos álgidos de la propuesta. Están girando, mañana sábado están a las 17 y 19h en el Teatro Concha Espina de Torrelavega, mientras continúan con sus representaciones en el Teatro Fígaro.

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Los micromusicales, todo un macroéxito

Aunque os hemos hablado de esta propuesta hace escasas semanas, no podía faltar en este repaso a un año de musicales. Hasta el 29 de diciembre se puede disfrutar de esta iniciativa que coproduce Stage Entertainment con Microteatro por dinero. Si queréis más información, os invito a que leáis uno de los artículos que le dedicamos a la propuesta.

Por último no nos podíamos olvidar de las Sonrisas y lágrimas de esa pareja deliciosa formada por Silvia Luchetti y Carlos Hipólito en el Coliseum y de la interesante A quién le importa.  Por último mencionaré algunas propuestas que están entre lo peor del año o, mejor dicho, entre lo fallido del año: Frankenstein, el musical y Lo que sé del amor.

Descubrimos los secretos de la Carlota de Carmen Maura

El director Mariano de Paco deja por un momento los clásicos del Siglo de Oro para adentrarse en otro clásico, pero contemporáneo. Tras unos años en que Mihura no ha destacado precisamente en la cartelera española, parece que vivimos un resurgimiento del autor en los escenarios de la capital. Ahora es el turno de Carlota, una obra no tan conocida en la que De Paco ha descubierto «un texto de construcción perfectísima». Están en el Teatro María Guerrero y con el aliciente de ver de nuevo en escena a Carmen Maura, de la que el director destaca que «Es la primera que está en el escenario antes de empezar la función». Una vuelta esperada que ya la está dando grandes críticas.
El director durante los ensayos en una foto de David Ruano.
El director durante los ensayos en una foto de David Ruano.

¿Qué sintió al recibir la llamada del CDN?

Tuve la sensación de que se había cumplido un sueño. Un objetivo en mi carrera profesional. La llamada de Ernesto Caballero me llenó de alegría y responsabilidad y me hizo reflexionar acerca de que el esfuerzo, el trabajo y el tesón, a veces, tienen un resultado positivo y satisfactorio. Además me hizo descubrir un texto de Mihura poco conocido y menos representado, con lo que la alegría y la responsabilidad se multiplicaron. Al colgar el teléfono me puse a trabajar y, de ahí, hasta el estreno de Carlota.

Siempre se destaca la dificultad de Mihura, de encontrar el tono adecuado para no «forzar» la risa del espectador, que los personajes no «sobreactúen», ¿Cómo ha trabajado este aspecto en los ensayos?

En primer lugar había que encontrar a un conjunto de actores de grandísima calidad técnica y talento. Ese fue el primer reto. Actores que estuvieran dispuestos a transitar la delgada línea que separa el fino humor, la ironía punzante de la que Mihura hace gala, de la comedia exagerada y grandilocuente. En ese sentido considero que el acierto ha sido pleno. Todo el elenco de Carlota se ha subido a este barco y lo ha impulsado con maestría. Se trataba de hacer muy en serio este texto de humor que había caído en nuestras manos. Decía Adolfo Marsillach que una de las claves para conseguir la buena interpretación en un texto de estas características era que los personajes no deben saber que tienen gracia, no deben conocer su comicidad. Es el espectador el que tiene que descubrirla y disfrutar con ella. Si el actor adelanta el carácter cómico del personaje le estará arrebatando al espectador la posibilidad y el disfrute de descubrirlo y reír con él. Mihura insistió mucho en la idea de encontrar para sus textos una forma especial de decirlos y de interpretarlos que estuviera basada en la poética del texto y no en la exageración paródica del perfil de los personajes.

Carlota no es precisamente uno de los textos más reconocidos del autor, ¿Qué ha descubierto en este texto sobre el teatro de Miguel Mihura?

He descubierto un texto de construcción perfectísima. Un texto divertido, que mantiene la intriga hasta el final, que tiene todos los ingredientes de la novela negra y del más puro cine negro. Un texto lleno de recursos teatrales y de sorpresas que, además, nos presenta una bellísima y complicada historia de amor y misterio. Una verdadera joya de la literatura dramática del siglo XX escrita por Miguel Mihura.

Mihura vuelve a estar presente en la cartelera tras años de cierta «sequía» con títulos como Maribel y la extraña familia o Tres sombreros de copa, ¿Usted también cree que se le ha alejado del circuito comercial por motivos ideológicos?

Creo que Miguel Mihura es un autor al que tenemos que reivindicar y un autor al que tenemos que representar más y considero que esto debe hacerse en todos los circuitos teatrales posibles. En este sentido, me parece acertadísima y necesaria la decisión de Ernesto Caballero de traer al Centro Dramático Nacional tanto a Miguel Mihura como a otros autores olvidados de su generación. Sin duda tanto los motivos ideológicos como las vicisitudes de la propia vida del autor han influido para que sus textos no hayan alcanzado la valoración que se merecen en la escena. Mihura explicó en cada momento y con todo lujo de detalles el por qué de cada una de sus decisiones y de sus opciones políticas, sociales y vitales. La grandeza de sus textos y de sus historias debe estar por encima de todo ello.

¿Cómo está resultando la experiencia de trabajar mano a mano con una actriz de la solvencia de Carmen Maura?

Está siendo una experiencia absolutamente fascinante. He dicho en varias ocasiones que si Mihura hubiese conocido la filmografía de Carmen Maura habría escrito Carlota para ella. Creo que a pesar de no conocerla se adelantó a su tiempo y lo hizo. Carlota es Carmen Maura y Carmen Maura es Carlota. El trabajo con Carmen ha sido intenso y absolutamente enriquecedor. Es nuestra mejor actriz y todo con ella ha sido muy fácil ya que lo ha dado todo en cada ensayo, y ahora en cada representación. Se ha entregado en cuerpo y alma a Carlota y esa forma de trabajar se nota en el espectáculo. Es la primera que está en el escenario antes de empezar la función y aún me sorprendo cuando la escucho entre bambalinas repasando las intervenciones que pronunciará minutos después. La admiro mucho como actriz y como persona y ha sido un auténtico placer trabajar con ella. Como dije antes el resto del reparto no ha desmerecido lo más mínimo y su talento y entrega han brillado en todo momento. Quiero a estos actores en todos mis espectáculos.

Foto de escena de David Ruano.
Foto de escena de David Ruano.

Viene de hacer un clásico como El caballero de Olmedo, ¿Cómo es su visión de este texto?

Considero El Caballero de Olmedo la mejor obra de Lope de Vega y su puesta en escena ha resultado interesante y gozosa. Admiro mucho los versos y el ritmo de este texto. Entiendo que con El Caballero de Olmedo Lope escribe una verdadera tragedia al estilo clásico y he centrado la puesta en escena precisamente en ese destino trágico del héroe. Alonso y Rodrigo son dos héroes a la manera de Héctor o Aquiles. Héroes y uel Mihura como a as obras de ue estuviera Adolfo Marsillach.ue pronto very gozosa. Admiro mucho los versos de este texto. neque aceptan decididos y sin contemplaciones el destino fatal que les llevará a la muerte en pos del amor.

Y si miramos hacia el futuro, ¿Qué proyectos tiene Mariano de Paco?

En estos momentos estoy preparando un interesantísimo proyecto con el pintor Félix de la Concha en el que se entrelaza el teatro y la pintura, que pronto verá la luz (seguramente en el Museo Thyssen) y, si puedo, haré un paréntesis tras Carlota y dedicaré un tiempo a concluir mi Tesis Doctoral sobre Adolfo Marsillach, un trabajo que me está resultando apasionante y muy enriquecedor.

Lo mejor de un año DESDE MI BUTACA (I): Las actrices

Comenzamos nuestro repaso a un 2013 que nos ha traído un puñado de buenos trabajos interpretativos encima de las tablas. Estos son algunos de los trabajos (femeninos) que más  nos han emocionado en este 2013.

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Sin duda alguna de la multitud de trabajos en los que hemos visto a Inma Cuevas nos quedamos con La nieta del dictador, sin desmerecer claro está a Cerda o True West entre otros montajes. Así hablamos de su trabajo en La nieta del dictador: «Sobre las tablas de la Kubik Fabrik Inma Cuevas, una actriz de capacidad emocional superlativa. En el tránsito entre la risa y la emoción volvemos a reivindicar a esta actriz como uno de los grandes talentos de nuestra escena. No era fácil encarnar a esta ‘excesiva’ nieta sin resultar precisamente… excesiva. Con el gesto justo y la emoción contenida, Inma Cuevas nos regala generosamente un trocito de su talento interpretativo».

Kiti Mánver nos ha ofrecido este año el  que quizás sea uno de los personajes más hondos de su carrera de la mano de Juan Carlos Rubio. Así hablamos de su trabajo en Las Heridas del Viento: «Es el trabajo de esta ACTRIZ un ejercicio de sutileza y buen hacer encima de las tablas. Mánver imprime al personaje un amaneramiento nada forzado, que solo subraya en momentos contados, cual pinceladas de ese gran óleo que es la interpretación de esta gran maga de la escena que llena de emoción y de magia el hall del Lara desde que lo pisa por primera vez».

Blanca Portillo por emocionarnos primero con La vida es sueño y sorprendernos después con un cambio de rumbo teatral de primer orden. De Segismundo a la taxista que va camino de Fisterra junto a una Ángeles Martín también en estado de gracia. La Portillo decidió aparcar por un momento los ‘dramones’ a los que nos tenía acostumbrados y pudimos comprobar que también es una maga de la risa. Y cuando ríe por primera vez en escena, nos contagiamos de su entusiasmo por el teatro… y por la vida.

Irene Escolar por su apuesta decidida y su compromiso por las tablas. Primero en La chunga y después en Capitalismo, Hazles Reír. Independientemente del resultado global de ambas propuestas, Escolar ha vuelto a demostrar este año que por sus venas corre la sangre de una dinastía que lejos de extinguirse encuentra renovación en la mirada de esta actriz magnética a la que no perderemos de vista en El cojo de Inishmann.

Concha Velasco por su extraordinario trabajo como la vengativa Hécuba sobre las tablas del Teatro Romano de Mérida y el Teatro Arriaga de Bilbao entre otros espacios teatrales. Tras contar y cantar su vida en su espectáculo unipersonal, Concha recibió con entusiasmo esta propuesta que la lleva a enfrentarse a un teatro de raíz, a enfrentarse cara a cara con los miedos y rencores del ser humano. Un derroche de energía encomiable a sus 74 años y que llena de emoción a los espectadores allá por donde pasa. Es un lujo que siga encima de los escenarios.

María Garralón por Las Chicas del Calendario. Es una de las actrices más queridas por el gran público desde que la conocimos en Verano Azul. Si la tele ha sido una constante en su carrera, el teatro no lo ha sido menos. Este año la hemos disfrutado sobre las tablas de los Teatros del Canal con una comedia luminosa, que nos da alegría de vivir y ganas de tirar para adelante: «María Garralón  es Annie, la mujer que pierde a su marido e incentiva a las chicas a hacer el calendario en memoria de su esposo Jhon. Una actriz maravillosa que construye un personaje con la emoción a flor de piel, emocionante en la última escena junto a su marido enfermo».

María Isasi por Incrementum y Hécuba. Hace unos meses, el Teatro Galileo recuperó esa joyita para ACTRICES llamada Incrementum. En el reparto, una magnética María Isasi en su roll de jefa de departamento. Y en este año también la hemos  disfrutado compartiendo escenario con «La Velasco» en unas escenas desgarradoras en la Hécuba que dirige José Carlos Plaza.

Valeri Telechea por Júbilo Terminal. Una revelación en toda regla, una actriz llena de temperamento dramático que pudimos descubrir en El Sol de York en este enfrentamiento entre el presente y el pasado del teatro materializado en un veterano de las tablas en batalla dialéctica con una joven promesa de la escena.

Nathalie Poza por A cielo abierto. Una de las actrices con más presencia en el teatro español en los últimos años, nos regaló otro expléndido trabajo en este montaje en el que compartió escenario con el maestro Pou. Hacían una pareja deliciosa, llena de fisuras, pero que en el fondo no podían comprender el mundo el uno sin el otro.

En un lugar ronlalero

La comedia tiene que ser un espejo de la vida humana

«El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha» de Miguel de Cervantes Saavedra

En un lugar ronlalero de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho que vivían cinco intrépidos cómicos que decidieron enfrentarse al clásico más universal de nuestra literatura. Una batalla de antemano perdida, pero estos cuatro locos de la palabra cual Quijotes contemporáneos decidieron luchar contra los molinos de la naftalina que suele rodear a los clásicos. Su objetivo, llenar de vida el verbo de Miguel de Cervantes y convertir el humor ronlalero en un espejo de la vida humana.

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“Hemos hecho un acercamiento con respeto, pero sin reverencia”. Álvaro Tato e Íñigo Echevarría coinciden en que lo esencial de esta adaptación era ver al clásico como el referente que es, pero no caer en el error de doblegarse ante la palabra de Cervantes. En el fondo, han intentado “ronlalizar al Quijote y creo que nosotros seremos muy Quijotescos a partir de ahora” en palabras de Michael McMuffin. A ese reto de adaptación se une la responsabilidad de hacerlo con el apoyo de la prestigiosa Compañía Nacional de Teatro Clásico: “Nos sentimos como un segunda B jugando la Champions” comenta Álvaro Tato, entre las risas cómplices de sus compañeros. A lo que añade Echevarría: “Al estar ante un clásico de estas dimensiones, el error hubiese sido intentar cubrir las expectativas de todos los espectadores”.

Y todo comenzó en un simposio sobre el Siglo de Oro. Esa alocada aventura llamada Siglo de Oro, Siglo de Ahora nació en el marco de Calderón en Europa, un simposio del director del Instituto del Teatro de Madrid, Javier Huerta Calvo. Su proyecto, con polémico nombre, fue Folla a Calderón, en homenaje al género de la Folía, mal pensados… Ese fue el germen de un espectáculo que les ha valido un Premio Max entre otros destacados reconocimientos.

Acompañamos a los Ron Lalá en los preparativos del último 'bolo' del año de "Siglo de oro, Siglo de ahora".
Acompañamos a los Ron Lalá en los preparativos del último ‘bolo’ del año de «Siglo de oro, Siglo de ahora».

“Por fin nos han quitado la etiqueta de simples gamberretes graciosos”. Gracias a Siglo de Oro, Siglo Ahora han conseguido que el público y la crítica les viesen como algo más que unos cómicos con atino: “Siempre se ha menospreciado la comedia en este país y parece que por practicar ese género solo se pueden hacer cosas superficiales”, comenta Mcguffin. Según Daniel Rovalher: “Al tocar un tema tan seriote, se nota que la gente te toma más en serio”.

Un humor cítrico-crítico. Varias claves para entender las comedias de estos adictos a las rimas ingeniosas: 1) Es un humor diferente, característico 2) Que invita al espectador a hacerse preguntas 3) Te hace enfrentarte a los males de esta sociedad con una sonrisa 4) La inversión sistemática de los términos, tomarse con humor los temas más serios.

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En dos días estrenan su visión del clásico cervantino.

Este es solo el comienzo de esta aventura, amigo Sancho. Nuestros intrépidos caballeros de la triste figura cabalgarán a lomos de la palabra del Manco de Lepanto desde el 19 de diciembre hasta el 5 de enero en el Teatro Pavón. Y seguro que invocarán a Talía en una posterior gira que les llevará a los confines de La Mancha y de toda España.

Escenario Cantabria: Una navidad muy musical

Las cuatro propuestas que os presentamos para estas fechas tan especiales en Cantabria tienen como ligazón la música. Los conciertos de Los chicos del coro y el New Orleans Gospel Chorale se unen a la propuesta de Trencadís Producciones, Aladin, Un musical genial y al musical solidario La leyenda del unicornio.

La primera parada musical de este Escenario Cantabria la hacemos en el Palacio de Festivales de Cantabria, donde un año más podremos disfrutar de la ración anual de espiritual negro. Los componentes de New Orleans Gospel Chorale, antiguos componentes del prestigioso grupo vocal de Nueva Orleans Moses Hogan Singers, cuyo debut en EMI en 1998 acompañando a la gran soprano Bárbara Hendricks quedó en la memoria de centenares de miles de aficionados como uno de los momentos inolvidables del género, presentarán al público europeo lo mejor de esa tradición en su programa de Navidad: The art of negro spiritual. La cita será este mismo viernes 20 a las 20:30h en la Sala Argenta.

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El sábado 21 regresa a Cantabria La leyenda del unicornio de Javier Muñoz. En esta ocasión, su paso por el Teatro Concha Espina a las 17 y 19h tendrá un caracter solidario. La recaudación irá a  parar a la Asociación Montañesa de Ayuda al Toxicómano (AMAT). Hablamos con Muñoz hace unas semanas, cuando el musical se estrenó en Santander.

La tercera parada de este recorrido navideño por los escenarios cántabros la hacemos en el Pabellón Mies del Corro (Solares), que el próximo 28 de diciembre a las 19:3oh acogerá la representación de Aladín, un musical genial.  Encabeza el reparto de este musical de producción española el actor y cantante Naím Thomas que en una reciente entrevista para DESDE MI BUTACA admitía que se lo pasaba muy bien en cada función: «Creo que es algo que el personaje lo pide, vivir el ahora». Con esta propuesta teatral  han pretendido preservar el encanto de las aventuras de Las mil y una noches, con sus lujosos palacios y bulliciosos bazares impregnados de ese aroma oriental que invade la escena desde que se levanta el telón. Y al mismo tiempo, han querido contar la historia desde el más puro lenguaje musical, creando espectáculo y sorprendiendo al público con números inesperados en este montaje con música original de José Doménech y dirección de José Tomás Cháfer.

La última propuesta musical de este Escenario Cantabria es la vuelta de Los chicos del coro a la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria el próximo 3 de enero de 2o14 a las 20:30h. En esta ocasión, el coro que se dio a conocer gracias a la inolvidable película francesa Les choristes presentará De cine, su último álbum de estudio en el que versionan algunos temas muy reconocibles del Séptimo Arte como Somewhere over the rainbow o Singing in the rain. Seguro que tampoco faltarán los temas de la película como Vois Sur Le Chemin, una de las canciones más recordadas de la misma.

Juan Cavestany: «El teatro es el verdadero refugio de la palabra»

Juan Cavestany vuelve a estar de actualidad. Ese “Viaje emocional que va de la risa a la oscuridad y la continua sorpresa” que es Gente en sitios no deja de darle alegrías. Como la que sintió en el Festival de Toronto donde descubrió que “lo que a mi me parecía un humor muy local conectaba muy bien con todo tipo de públicos”. El próximo viernes 20 se estrena en Madrid y Barcelona, pero antes ha pasado por ciudades como Santander, donde este fin de semana se puede ver en la Filmoteca de Cantabria. Una película extraña, oscura y luminosa a la vez que te hace enfrentarte a la vida con otra mirada. Pero, por supuesto no deja de lado el teatro “El refugio de la palabra”, donde nos ha regalado esta temporada esa joyita llamada El traje. Y apunta maneras su adaptación de Macbeth para el CDN, que transcurre en la Galicia contemporánea y tiene a dos de sus habituales compinches, Andrés Lima a la dirección y Javier Gutiérrez como protagonista.
Con parte del equipo en una foto del rodaje.
Con parte del equipo en una foto del rodaje.

¿Cuáles son las claves de este rara habis que es Gente en Sitios?

Es una película normal, pero con personajes y tramas sin continuación. El espectador se queda a la expectativa de si se resolverán las escenas más adelante. Representa una serie de vivencias fragmentadas, con cantidad de estímulos para el espectador.

El género de su cine es etiquetado por la crítica como “post humor”, ¿Qué significa para usted esa etiqueta?

En efecto, yo no he creado esa etiqueta y cuando pregunto nadie se hace responsable de ella. A base de oirla, creo que entiendo a qué se refiere. Es algo como una ramificación de la comedia que se hace aquí y ahora con una mirada al humor desde la extrañeza, el desconcierto y la rareza. Es un humor que no siempre provoca la carcajada, pero provoca cosas ambiguas, difíciles de explicar. Es un humor identificable, creo que está entroncado con series como The Office.

Una película coral, llena de grandes nombres del cine y el teatro, ¿Cómo ha conseguido que cuadrasen sus agendas?

La película está hecha a lo largo de seis meses, rodando un par de días por semana. Se ha ido forjando poco a poco, como una especie de mosaico en el que me he ido adaptando a las agendas de los actores. He puesto todas las facilidades del mundo para que la película haya sido posible. Hubiese sido imposible rodarla en unas pocas semanas. La he hecho compatible con mi propia vida y la de los actores, que estaban enfrascados en otros proyectos. Se ha creado por cruces de ideas, que van apareciendo de una forma viva, lo que le da a la película una frescura que creo que es la seña de identidad de la película.

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Cavestany se ha rodeado de un elenco de lujo con nombres como el de Nuria Gallardo o Maribel Verdú entre otros.

Hace cine, pero sobre todo ha trabajado para la escena, ¿Por qué el teatro es un buen lugar para contar historias para Juan Cavestany?

Yo era periodista y empecé a escribir ficción en el teatro gracias a mis amigos de Animalario. Empecé con la vista puesta en la escena, en el diálogo. De hecho, Los lobos de Washington era una obra de teatro, aunque luego se convirtiese en película. He terminado en el cine accidentalmente. El teatro me ha dado grandísimas alegrías y la oportunidad de valorar y poner en primer término el texto frente a lo audiovisual. Ante todo me considero escritor y el teatro es el verdadero refugio de la palabra.

Sin duda, El traje ha sido uno de los mejores montajes de la temporada, ¿Cómo surgió este texto?

Queríamos hacer algo desde hace mucho tiempo Luis Bermejo, Javier Gutiérrez y yo. La verdad es que sintonizamos mucho y llevábamos un tiempo dándole vueltas a un posible proyecto. Llegó un momento en que tenían la agenda un poco más libre y me pidieron que les escribiera una obra de temática libre, me dieron carta blanca para contar lo que quisiese. Fue muy liberador, pero daba vértigo. Hice varios intentos dramatúrgicos hasta que di con estos personajes. Tuvo mucho que ver también que Javi estaba un tanto obsesionado con la trama Gurtel, pero no quería hacer una obra sobre corrupción política. Está claro que lo de los trajes me sirvió de inspiración, pero para nada tiene que ver con la citada trama, como me han intentado ‘hacer ver’ en algunas críticas. Mi intención última era apostar por un teatro de palabra y personajes. Muy loca, pero creíble. Rara, pero pegada a la realidad. Esas serían por así decirlo las premisas que seguí a la hora de escribir esta obra. Es una combinación de elementos que me gusta hacer y con la que mis actores conectan muy bien. Ellos llevan muy adentro este texto.

El momento más dulce de Inma Cuevas

Inma Cuevas está viviendo un año frenético. Sus domingos no son precisamente para descansar. A las 13:00h actúa en la Pensión de las Pulgas y de camino al Teatro Alfil, donde representa por las tardes No son maneras de tratar a una dama, se come un sandwich del chino: “La verdad es que es duro, pero merece la pena. Me encuentro con salud y hay que aprovechar las oportunidades que van viniendo”. Y tiene tiempo para más: True West, hoy última función del año en el hall del Lara, La nieta del dictador, Cerda y algo de televisión. Vamos, la vocación hecha carne en esta actriz de gran abanico dramático a la que vemos igual de suelta en comedia, drama y sí, también afinando en un par de musicales.

Inma posa para DESDE MI BUTACA frente al Teatro Lara.
Inma posa para DESDE MI BUTACA frente al Teatro Lara.

True West es un proyecto que nace del amor por el trabajo y por mis compañeros”. La actriz decidió con sus compañeros de Los últimos días de Judas Escariote que necesitaban un espacio para crear, sin tener que esperar la llamada de un teatro. En ese espacio nació True West, que ha dirigido nada menos que José Carlos Plaza: “Me encanta que sea uno más del equipo y que nos regale su sabiduría” comenta con una amplia sonrisa Cuevas. Le ha tocado un personaje mucho mayor que ella, pero admite que “como es un personaje que no se sabe si es real o una ensoñación de los hijos cuadraba que pudiese hacerlo una actriz más joven como yo”.

Cerda, punto y aparte en este frenético año. Una de las ofertas más diferentes, por no decir ‘raras’ que recibió Inma en los últimos meses fue este texto que se representa en La Casa de la Portera: “No tenía ni idea de lo que estaba leyendo, pero en la primera lectura se demostró que cada palabra tenía su sentido dentro de la historia”. Aceptó por el texto y por la naturalidad con que se acercó a ella su autor, Juan Mairena: “Además, me ha servido para que muchos espectadores me descubran y para que José Martret me llamase para trabajar en el MBIG”.

La obra ha ido creciendo a la vez que el espacio”. La pensión de las pulgas es un nuevo espacio escénico en Madrid que nace como prolongación de La casa de la portera. Inma se encontró con un espacio ‘desnudo’ cuando comenzaron los ensayos de MBIG: “Ha sido muy emocionante ver cómo se iba creando la sala, nuestra escenografía real. Un día descubrías una pared y otro la casa de la protagonista y eso ayudaba mucho a nuestros personajes”.

Reparto de "MCBIG"
Reparto de «MCBIG»

Cantando copla en Londres. No muchos saben que Inma Cuevas debutó en el teatro musical en los escenarios londinenses y ¡Cantando copla en inglés! The Copla Musical le llegó cuando estaba pasando un mes en Londres para desconectar. Empezó ayudando con los castings y se terminó haciendo con el personaje de la madre, para lo que tuvo que regresar unos meses después a la capital británica. Una experiencia inolvidable que la ha servido para hacer contactos en Inglaterra: “Ya me han llamado para hacer una lectura del Siglo de Oro en inglés de hecho” comenta agradecida por haber podido ser parte de un espectáculo así.

Gracias a la experiencia en Londres me he atrevido con No son maneras de tratar a una dama”. Cuando Pablo Muñoz- Chápuli la preguntó si tenía algo para demostrar sus dotes musicales, Inma le enseñó la grabación del espectáculo y por eso está ahora trabajando con él: “Está viniendo todo rodado. Una experiencia me ayuda a conseguir la siguiente. Soy una afortunada, la verdad” dice esta actriz todoterreno que aprecia «Poder estar aprendiendo tanto sobre el teatro musical con un compañero en escena del calibre de David Ordinas».

El sello Bambú. En los últimos años, Inma se ha convertido en un rosto habitual de las series de Bambú Producciones. Para ella, hay varias claves de su éxito: 1- Juegan con la intriga: “Nosotros no sabíamos quién era el asesino en Desaparecida” 2- Un gran mimo en la realización y en el trabajo con los actores. Ahora trabaja con ellos en Galerías Velvet: “El personaje es pequeño y no sabemos aún qué pasará con él, pero todo es posible”.

Hay que destapar cosas del pasado, aunque respeto que haya gente que no quiera removerlo”. La nieta del dictador, uno de los mejores montajes de la temporada, agitó las conciencias en la Sala Kubik Fabrik. Un texto de David Desola que “fue duro por hablar de cosas que nos tocan como seres humanos”. Aunque en principio ideado como monólogo, Roberto Cerdá lo convirtió en un diálogo en donde la clave está “en mostrar al personaje con el gesto justo, sin pecar de hieratismo ni mucho menos de sobreactuación”.

Las salas alternativas son la oportunidad idónea para dar voz a creadores que tienen cerradas las puertas del circuito comercial y de los teatros públicos”. Para la actriz, las salas off de Madrid, en las que se ha convertida en la reina indiscutible en los últimos meses, dan voz a artistas que no tendrían cabida en los espacios convencionales. Y algo de razón tiene, ¿Sería concebible Cerda en un teatro comercial? Den por seguro que no. Sea en una sala pequeñita o en una grande, estamos seguros que el teatro seguirá siendo su prioridad en el futuro. Y es que no nada más satisfactorio para ella que «sentir al público delante tuyo, casi como si le pudieses leer los pensamientos». Un espacio para la reflexión y también para reirnos y emocionarnos, ¿Por qué no? Nada más palpable que el llanto contenido de un espectador en el Mcbig:  «Me dijo que se había sentido ‘tocado’ por una frase del texto».