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La Asociación de Autores de Teatro (AAT) celebra su XXV Aniversario
Será en un acto que tendrá lugar en el Teatro María Guerrero el lunes 1 de junio a las 20H en el que intervendrán entre otros Ignacio del Moral, Presidente de la AAT, Ernesto Caballero, Fernando Cerón y Jesús Campos, anterior Presidente de la Asociación de Autores de Teatro
La Asociación de Autores de Teatro (AAT) conmemora dentro del ciclo ‘Los Lunes con Voz’ del Centro Dramático Nacional su XXV Aniversario el próximo lunes 1 de junio en el Teatro María Guerrero (Calle de Tamayo y Baus, 4) a las 20h. La entrada será gratuita hasta completar aforo.
Durante el acto se harán lecturas dramatizadas de fragmentos de obras de los anteriores presidentes de la AAT interpretadas y dirigidas por dramaturgos: Las meninas de Antonio Buero Vallejo, La camisa de Lauro Olmo, El pájaro solitario de José Mª Rodríguez Méndez y El último dragón del Mediterráneo de Alberto Miralles.
Asimismo, en el acto participarán tanto el actual Presidente de la AAT, Ignacio del Moral, como su predecesor en el cargo, Jesús Campos. El Director del Centro Dramático Nacional, Ernesto Caballero, Fernando Cerón y el actual Presidente de la Asociación presentarán este acto conmemorativo.
Me levanto triste. Se ha ido Amparo Baró, uno de esos nombres imprescindibles en nuestra escena. Yo fui uno de los afortunados que pudo disfrutar de su triunfal regreso a las tablas con Agosto, Condado de Osage. Ese montaje sin duda ha sido el gran acontecimiento teatral de los últimos años. No todos los días se podía ver sobre un escenario a alguien que sabía pisar el escenario con la decisión y la entereza de ‘La Baró’. Grabado en la retina quedará su enfrentamiento con Carmen Machi, otra digna heredera de esta actriz de raza a la que acompañaba mi admirada Irene Escolar. Desde entonces, he soñado con una reposición de Agosto por la posibilidad de volver a verla sobre el escenario. Ya no será posible. Tampoco será posible la entrevista que me hubiese encantado hacerla. Al menos me quedo con ese momento que me hizo vivir en el Teatro Valle Inclán, cuando las luces se apagaron y Amparo Baró mutó en ese personaje al que llenó de vida, ¿Y qué es el teatro más que la narración de la propia vida? Gracias por ese momento, por regalarnos un trocito de tu alma en la piel de Violet. Y recuerda, tenemos una entrevista pendiente, Amparo.
A la salida del Valle Inclán en uno de esos días en que el TEATRO te llena de una forma única.
Muchas veces cuando trascribo una entrevista tengo la sensación de que se pierde un poco de la magia del encuentro. Los descartes, los recortes de las palabras hacen que el texto quede un tanto ‘cojo’. Por eso, cuando volví a escuchar las palabras de Pepe Viyuela y Fernando Cayo decidí que en esta ocasión debía ofrecer la entrevista íntegra a los lectores del blog. En su mirada cómplice se esconde un atisbo de reconocimiento del uno en el otro. Y es que si algo ha marcado la carrera de estos dos intérpretes es el rigor que han puesto en cada una de las propuestas en que han participado. Este año que el blog cumple 10 años, seguiremos apostando DESDE MI BUTACA por personajes que tengan una historia interesante que contar. Y ellos, ¡Vaya si la tienen! Siéntense en esta tarde de domingo y disfruten de sus palabras. Y después, si quieren verlos juntos encima del escenario, acérquense al Teatro María Guerrero para disfrutar de Rinoceronte, en donde les acompaña una actriz de la que uno queda prendado desde que aparece en escena: Fernanda Orazi.
Dos de sus momentos más mágicos. A Fernando Cayo se le ilumina la mirada cuando Pepe Viyuela cuenta emocionado lo que sintió el pasado verano cuando recibió el traje de uno de sus referentes: Pepe Tonetti. Pepe le mantiene la mirada cómplice cuando Cayo le cuenta su experiencia con todo un referente del cine: Ridley Scott.
Ahí va nuestra particular selección de los 14 montajes de este año. Como en todo ranking se quedan fueran montajes que deberían estar, pero a pesar de todo, este año la cosecha teatral ha sido excelente y sólo pueden quedar un puñado de recuerdos, un puñado de experiencias escénicas que por diversos motivos nos han marcado en este 2014 que toca a su fin.
Aunque el espectáculo se estrenó en 2005, hasta este año no había hecho temporada en Madrid. Publicaremos la entrevista con el actor el próximo 2 de enero.
Víctor Clavijo se introduce en el ‘juego’ del siempre controvertido Tomaz Pandur en Fausto, que ultima sus funciones en el Teatro María Guerrero, donde podrá verse hasta el 11 de enero. Compartimos con el actor un ratito de charla en estas fechas navideñas.
¿Cómo es ponerse a las órdenes de un creador como Tomaz Pandur?
Es un esfuerzo creativo, supone saltar a la piscina de alguna manera. Te ofrece la oportunidad de jugar con él, entrando en un terreno de riesgo. Como dice mi compañero Roberto es un abismo y el paraíso al mismo tiempo. La creatividad y la capacidad de jugar a las atmósferas que él propone podría ser la mejor forma de definir su trabajo. He tenido la suerte de entrar muy bien en su particular universo. Él propone, pero nos deja cierta libertad. Él lanza pistas para que crees con ello. De algún modo, te da un material creativo con el que tú juegas. Pandur es un niño que juega con un lienzo en blanco y te pide que colorees con él. Es muy poco analítico racional. Es un Kandinsky, lanza brochazos de muchos colores y surgen cosas muy bonitas en su proceso.
¿Cómo se siente Víctor Clavijo «Tras la emoción compartida» en Fausto?
Se produce un fenómeno curioso. Estás agotado, pero con una gran adrenalina por las emociones vividas. Tiene algo de catarsis. Se necesita mucha energía para sacar adelante a la obra antes de la función, pero una vez que te pones en el carril, la cosa va rodada.
Pandur es un autor de esos que suscitan grandes amores… y odios
Los artistas cuando se atreven a posicionarse en un lugar muy concreto, muy personal, siempre suscitan opiniones encontradas. Él no busca gustar a todo el mundo.
Un momento de «Fausto».
¿Por qué el teatro es un gran lugar para contar historias?
El teatro cuando invita a soñar, cuando no nos da todo mascado, es maravilloso.Es el lugar de la magia. Lo que me más me gusta es la capacidad de viajar con un personaje durante dos horas de nuestra vida.
¿Cómo fue ser parte de la familia televisiva de la serie Mujeres?
Cuando Dunia y Félix me propusieron hacer este personaje no me lo podía creer. La verdad es que se salía de lo que había hecho hasta entonces y les pedí que estuviesen muy encima de mí para que no me pasase de rosca. Son tan creativos que llegó un día en que me vi capacitado de proponer y me empezaron a dejar algunas escenas muy abiertas. Y del reparto, ¿Qué te voy a contar? Ahí estaban Teresa Lozano, Inma Cuevas, Carmen Ruíz, Gracia Olayo, Chiqui Fernández… Todas estas Mujeres tenían unos caracteres muy marcados, eran simplemente irrepetibles, llenas de verdad y de frescura. Creamos una familia alrededor de estos directores maravillosas.
Te hemos visto recientemente en dos producciones como Los tres cerditos y Prim, el asesinato de la calle del turco, ¿Se está quitando por fin esa sensación de espíritu de inferioridad que teníamos con respecto a las series americanas?
Tenemos un sentido de inferioridad a nivel de producción. Falta un poco de riesgo, pero eso no depende de los creadores. Hemos evolucionado en talento, originalidad, dirección… Nos falta apostar unas historias que no busquen gustar al público mayoritario.
¿Cuánto tiene que ver con el origen de tu vocación ese juego infantil de querer ser otro?
Mi origen de actor está en cuando era niño y jugaba a ser otro. Empecé con quince años en una compañía independiente, pero el juego estaba ahí desde siempre. Luego ese juego se transforma en algo a lo que añades.
No todo el mundo conoce tu faceta más fotográfica, ¿Cómo nace esa pasión por la fotografía?
Siempre me ha gustado. Yo jugaba con la cámara de mis padres. De hecho mi madre estudió Fotografía. Cuando estudiaba Derecho, di rienda suelta a la afición de la fotografía para paliar de alguna forma mis necesidades creativas. Cuando dejé la carrera, que no me gustaba nada, y me vine a Madrid a hacer teatro, dejé esta afición por ser demasiado cara la verdad. Hace cuatro años me reencontré con esta afición, que ahora ocupa la mayor parte de mi tiempo libre. No me he propuesto nunca exponer, pero me lo propusieron en Cabra este año. A escasos metros de este Teatro Valle Inclán tengo una exposición llamada Instante, detente… eres tan bello, frase de Fausto, que se puede ver en la sala Argentum. Además estoy preparando otra para el año que viene, que se podrá ver en AISGE.
A pesar de las trabas que se han puesto esta temporada a las artes escénicos, el sector ha seguido luchado por sobrevivir con un puñado de propuestas que han hecho las delicias del público. Antes de continuar haciendo un «Avances del teatro que viene», os presento DESDE MI BUTACA un repaso por algunos de los mejores trabajos de la temporada 2013-2o14.
Misántropo: “En todas partes, la injusticia es la ley”. Miguel del Arco versionando a Moliére. A pesar del pesimismo imperante en el texto- o más bien podríamos decir el realismo- el espectador sale feliz del Español. Sale feliz por ver un montaje que le ha ‘movido’, que le ha hecho plantearse muchas cosas. Nuestro protagonista, en voz y carne de un sobrenaturalmente emocional Israel Elejalde, proclama que “El amor no atiende a razones” y su pasión por la bella Celimena, en la duda entre lo que es y lo que le gustaría que fuese su amada, nos atrapa y nos lleva a lugares de nuestro ser que no nos podríamos imaginar. Todos los kamikazes cumplen con nota. En definitiva, Misántropo es una fiesta, una celebración del teatro en su pura esencia: La palabra. Esa particular compañía de cómicos de la lengua, está arrasando en el Español, ¡Qué siga el éxito!»
La venus de las pieles: «Clara Lago se mete al público en el bolsillo nada más pisar las tablas con su frescura y terminamos hipnotizados por el influjo de su mirada al instante, con esa pizca de perversidad y de sadismo que se revela, cosas del personaje, unas escenas después. Diego del Pino, el protagonista masculino de esta verdadera joya de la cartelera, quiere que el público se pregunte quién es realmente Vanda y de alguna forma recibe respuesta en voz y carne de la protagonista de Ocho apellidos vascos. Simplemente, es un actriz jovencísima, que gracias al cuidado trabajo de David Serrano, ha sabido exprimir su talento interpretativo de una forma increíble y da la sensación cuando la ves de que te encuentras ante toda una señora de la escena y, ojo al dato, ¡Con sólo 24 años! Diego del Pino, en la piel de un imponente Diego Martín, sólo puede caer rendido a sus pies y firmar este perverso contrato de sumisión, en el que perdido entre su realidad y la ficción de su obra, se establece este particular juego de seducción. Lo interesante de la apuesta de Serrano son los guiños metateatrales que ha incluido en su versión como guiño cómplice al público. Y así, navegando entre la realidad y la ficción, el espectador cae rendido a los pies de Vanda y firma, cual Diego del Pino, un perverso contrato de sumisión que podréis firmar hasta el 15 de junio en las Naves del Matadero».
El cojo de Inishmaan: «Si hay un adjetivo con el que calificar esta función es simplemente como ‘mágica’. Es asombroso ver la capacidad de un reparto de edades y procedencias tan distintas creando unas sinergias comunes que llegan al público de una forma muy especial. Cuando salen a escena Terele Pávez y Marisa Paredes las creemos hermanas. Esa risa cómplice y chismosa con la que acompaña Terele Pávez a su personaje nos hace quedarnos prendados de su energía, de su vitalidad y de su talento. Esa complicidad entre ambas queda patente en un gesto que puede parecer nimio a una mirada poco ducha, pero que me llamó especialmente la atención. Me refiero a como atusa el pelo a Paredes, ahí en su mirada y en sus gestos se nota una energía especial. Todo el reparto va en el mismo barco como me decía Terele en la entrevista. Y eso se nota y de qué manera. No voy a descubrir nada si digo que Enric Benavent da a cada personaje una seguridad y entrega que solo la gente que ama mucho este oficio puede conseguir. Ni que decir tiene tampoco que la dedicación y el amor por el teatro llevan a Irene Escolar a firmar otro gran trabajo con esa chulería a la que dota a ese ‘chicazo’ que la toca interpretar».
Novecento: «Emotivo, melancólico y desgarradoramente humano, recorremos a través de la mirada de Rellán otros tiempos y lugares, asistiendo a un verdadero recital interpretativo que sólo alguien con la solvencia de este veterano actor podría conseguir y cuando sus ojos ven a los personajes que han desfilado por su vida, el espectador viaja con él y ve la verdad en sus ojos. Gracias a Miguel Rellán y, su director, Raúl Fuertes, por querer compartir con el público este poético viaje, gracias por hacernos redescubrir que el teatro solo necesita de un buen texto y un buen intérprete para hacernos soñar. Vayan a disfrutar de esta virtuosa y evocadora partitura llamada Novecento, les emocionará».
El viaje a ninguna parte: «¿Quién no recuerda el mítico ademán del actor diciendo aquello de “señorito”? Aquí, ese roll cayó en los manos de Miguel Rellán, uno de esos actores que llena de humanidad cada personaje. Entrañable y sumido en un mundo que parece caer ante la llegada del cinematógrafo, ve pasar ante sus ojos una vida de nómada, de vagabundo sin patria, cuyo único refugio son los miserables tablaos que instalan en cada pueblo. Como contrapunto a este entrañable abuelo ya hastiado de la vida de cómico de la legua, un Tamar Novas lleno de matices, adorable, divertido, que sólo se envenena por el teatro cuando va detrás de unas faldas. Como siempre Antonio Gil con el gesto y la emoción medidas nos vuelve a regalar otro trabajo interpretativo sobresaliente. Y sólo de eso, de sobresaliente, o ¡mejor! de cum laude se puede calificar esta puesta en escena respetuosa con el referente cinematográfico, pero que sabe exprimir a la perfección la imagen, que aún tengo guardada en la retina, de esos cómicos apocados a un viaje a ninguna parte ad eternum«.
El baile: «Para contar esta historia, para contar este canto al amor imposible con una inusitada ternura, eran necesarios unos actores capaces de transitar con igual fortuna entre el drama y la comedia y en el caso de los hombres con ese puntito de ternura que despiertan los personajes especialmente en el tercer acto, en el ocaso de sus vidas. Si Pepe Viyuela tiene una cualidad es que sabe dotar de humanidad a los personajes. Sólido en drama y comedia, es un actor versátil, capaz de, como solo los grandes cómicos saben hacer, dotar a cada personaje del gesto justo. No es El baile una comedia de gags, sino de seres humanos que en un momento entre la risa y el llanto, son capaces de reírse de su propio destino, ¿Estaba predestinado Julián a ser el eterno enamorado cuando fue a Filipinas y a la vuelta se encontró a su amigo con el amor de su vida? Carles Moreu y Susana Hernández cumplen a la perfección como este particular matrimonio ideal (con invitado) que rezuman amor por los cuatro costados en este montaje que ha dirigido con acierto Luis Olmos.Esperemos que no sea la única que veamos un Neville en nuestros escenarios en los próximos años».
Por primera vez en su carrera, aquel niño que quedó hechizado por el arte de su padre cuando solo tenía 7 años, ha participado en una producción del CDN. En Como gustéis, versión musical del clásico de Shakespeare, se ha reunido a un amplio reparto sobre las tablas del Teatro Valle Inclán. El protagonista de Orquesta de señoritas aprendió de sus padres a luchar por aquello en lo que cree y la danza le hizo muy autoexigente. Esa búsqueda de la excelencia artística se convierte en una tarea aún más ardua cuando tienes que tocar varias disciplinas artísticas: Canto, baile e interpretación, un trabajo integral que defienden los actores cuando les toca en suerte interpretar un musical. Con él habló DESDE MI BUTACA hace unos días.
¿Cómo definirías esta versión tan particular de Como gustéis?
Es una versión musical completamente original a partir de la obra de William Shakespeare. Me parece que es una de las obras que más se prestan a convertirla en musical. Este montaje digamos que es una segunda versión del que ya estrenó nuestro director, Marco Carniti, en Italia con música original. Tenía muchas ganas de ser parte de este proyecto. Me seducía la idea de hacer un Shakespeare musical en el Centro Dramático Nacional. Soy Amien, uno de los seguidores del Duque desterrado. Es un papel pequeñito, pero me lo paso muy bien haciéndolo.
También te vamos a ver en los Veranos de la Villas con Canciones para no cortarse las venas…
Es una terapia contra el mal de amores que me encanta hacer. Pasas por muchas emociones cantando esas canciones. Estoy orgulloso de hacer un musical que ha partido de cero. Son las canciones de Manu Berastegui que le habían gustado desde su infancia. Está basado en un libro suyo y creó una dramaturgia para poder llevarlo a escena. Mi personaje dirije esta particular terapia a la que viene una mujer que acaba de vivir el mal de amor.
Llevas muchos años haciendo musicales, ¿Cómo ha evolucionado el género y sus intérpretes durante este tiempo?
Se llevan haciendo musicales desde hace muchos años, pero sí es cierto que no había continuidad. Ahora hay mucha más oferta y los profesionales son mucho más conscientes de que para actuar en el teatro musical hay que ser actor, cantante y bailarín. Hay que trabajar tres veces más. Vivimos en un país de etiquetas. Hay mucha ignorancia, tenemos mucho que aprender de los países que miman su cultura. Estamos más preparados, pero seguimos a la cola con respecto a las grandes potencias del musical.
¿Qué le ha enseñado el mundo de la danza y tener precisamente dos padres de ese mundo a Víctor Ullate Roche?
La danza te hace muy autoexigente. Hasta que llegas a estar contento con tu trabajo pasan muchos años. El proceso es muy largo, vas pasando por frustraciones, pasas por una serie de cosas que te hacen tener una cierta autodisciplina que luego también aplicas a otros campos artísticos. He vivido la lucha por seguir adelante en mi propia familia. Mis padres han luchado como bereberes por sacar adelante sus palabras. Ahora, tras treinta años, le han quitado la subvención a la compañía de mi madre. Es una lucha que nunca descansa. Es terrible, pero vamos a seguir luchando para que cambien las conciencias de la gente. Voy a seguir luchando por lo que mis padres han luchado, por tener unas condiciones óptimas, por poner a la cultura en el lugar que merece. Los gobiernos nunca han entendido que siempre habrá una necesidad de comunicación y ahora nos lo están poniendo más difícil que nunca. Parece una venganza lo del IVA. No hay ningún interés en que eso no cambie. La cultura es sagrada. Es triste, parece que tenemos que volver a empezar una y otra vez.
¿Por qué para ti el teatro es un buen lugar para contar historias?
Trabajamos con los sentimientos, con la magia. Salir cada día al escenario es mágico, tiene algo casi sobrenatural. No puedes dejar de recibir el empuje del público, que te hace sentirte más vivo, crea adicción.
Si tuvieses que buscar un momento ‘mágico’ encima de un escenario en tu carrera, ¿Cuál sería?
Cada día que salgo al escenario me siento afortunado por poder expresarme con personajes como Susanita Delicias en Orquesta de señoritas. Tuve unas sensaciones irrepetibles con unos compañeros de los que aprendí muchísimo.
Para trabajar en un musical decías que se necesita trabajar tres veces más, por lo que imagino que necesitarás más referentes a la hora de afrontar tu trabajo en el escenario…
Creo que he tenido muchos maestros. Corazza me ha enseñado mucho. También he estudiado el método Laban, basado en lo gestual y que me ha servido de mucho para crear personajes. He sido aprendiz siempre para buscar mi propia metodología. Con Strassberg tuve sensaciones que no había tenido nunca, pero no creo en los gurús. Mira lo que dice Mamet sobre el actor: “Tú eres un mero instrumento del autor”. Esta profesión tiene muchos recovecos y nunca dejas de aprender.
¿Cómo fueron tus primeros pasos en el mundo artístico?
Yo empecé haciendo un curso de interpretación con nueve años. Las clases eran puro juego para mi, me lo pasaba tan bien en esas clases que daban en el estudio de mi madre. Cuando esa profesora se fue lo dejé hasta que decidí a dedicarme al baile. Esa pasión también tuvo un punto de partida cuando vi bailar a mi padre con siete años. Era un ballet en el que hacía de niño pequeño y se transformaba en el escenario. Aquello me atrapó de una forma…
Si miramos hacia el futuro, ¿Con qué tipo de proyectos te gustaría seguir en esta profesión?
Me gustaría trabajar de nuevo con el CDN, hacer texto, verso, poder cantar, actuar, contar historias a través de todas mis armas. La danza cada vez me cuesta más, pero ahí está. Hacer algo de teatro clásico me apetece mucho también.
FINAL FELIZ PARA EL EQUIPO DE COMO GUSTÉIS
Tras las movilizaciones producidas en los últimos días, debidas a que no habían cobrado su sueldo, parece que las aguas han vuelto a su cauce en el CDN. Según ha podido saber DESDE MI BUTACA, finalmente los actores de la función han recibido las nóminas correspondientes al mes de mayo, que les adeudaba el INAEM.
Los actores leyeron un manifiesto a las puertas del teatro.
Javier Gutiérrez deja claro que le gustaría emular otros tiempos en que la palabra era la protagonista: “María Asquerino tuvo la suerte de vivir una época en que las tertulias eran el centro de la vida social y cultural de Madrid”. Él compartió escenas con la desaparecida actriz en uno de sus últimos trabajos, La habitación del niño y recuerda con cariño alguna que otra anécdota de la ya entonces veteranísima actriz. Y de repente, en una castiza taberna a escasos metros del María Guerrero nos trasladamos de alguna forma a aquel tiempo y durante dos horas conversamos, casi sin percatarnos de todo lo contado durante esos 120 minutos, sobre esa profesión que le ha llevado a cumplir uno de sus sueños: “¿Quién no ha soñado alguna vez con pisar el escenario del María Guerrero con un monólogo de Shakespeare a sus espaldas?”
Tras la emoción compartida. Aunque no suele llevarse los personajes a casa, admite que cuando hizo Woyzeck se le “tiñó el alma de negro”. Él estaba hace escasos quince minutos sobre las tablas del María Guerrero, desgarrándose física y emocionalmente con las manos manchadas de sangre. Aunque sale “muy vacío por la intensidad física y emocional de este personaje”, al menos el apetito quedará saciado con unos champiñones, unos taquitos de solomillo y un buen vino.
“Esta versión es Macbeth en estado puro”. Juan Cavestany ha situado la historia del autor bardo en una peculiar Xunta, pero para Gutiérrez la esencia del texto y sus conflictos están ahí. Eso sí, la actualización de la obra ha escocido a más de un espectador. Precisamente, en la función de ese día, desfilaron de una forma estruendosa de golpe cinco espectadores: “Eso no es nada, un día un espectador se levantó de la butaca y nos lanzó que él había pagado una entrada y que con su dinero no quería que se hiciesen obras así”. En realidad, el actor está acostumbrado, ya que los espectáculos de Animalario no suelen dejar indiferente a nadie.
10 montajes a las órdenes de Andrés Lima. Javier Gutiérrez y Lima ya se conocen muy bien tras tantos trabajos a sus espaldas. De él destaca que exige a los actores estar al máximo: “Ha sido un proceso gozoso, pero muy doloroso, te hace tensar la cuerda de tus emociones”. Durante los ensayos se ha reencontrado con Carmen Machi, de la que ya había sido pareja en la serie Aída. Para el actor, que forma parte de la producción del espectáculo en una suerte de cooperativa llamada Los Mácbez UTE, el trabajo con la actriz ha sido uno de los grandes alicientes de esta propuesta: “Domina todas las teclas desde la comedia a la tragedia y te hace subir varios peldaños por encima de tu nivel habitual con una energía irrefrenable que te arrastra”.
ÁGUILA ROJA, UN ENORME REGALO
“Rodar en 12 días cada capítulo supone casi como hacer una película. Los guionistas hacen que mi personaje pase de la comedia al drama y que uno pueda disfrutar como actor del tránsito entre diferentes géneros. Sátur ha sido un enorme regalo, paso de un capítulo en el que soy el graciosete del capítulo al dramón padre y eso es oro puro. Además, es una tabla de ejercicios maravillosa. La televisión es un medio de aprendizaje que te da mucho training, en el que pocas veces se te dirige… Tienes que ser director de ti mismo y estar muy concentrado en el trabajo que haces. En un día haces 6 secuencias, si estás mal un día, se va el trabajo de medio capítulo a la basura”.
Hace un rato, a la salida del María Guerrero unas chicas de unos quince años se acercan a Gutiérrez con ilusión para hacerse una foto con su ídolo: “Si te ven 6.000.000 de personas por televisión eso va a repercutir positivamente en que la gente vaya al teatro”. Por eso, el actor sólo tiene buenas palabras para un público que se acerca con cariño y con respeto reconociendo un trabajo del que sólo puede sentirse orgulloso.
“Suelo leer las críticas de una forma constructiva”. Admite que lee las críticas con atención, especialmente si se tratan de firmas de prestigio como las de Marcos Ordóñez o Javier Villán entre otros. Cuando pongo sobre la mesa el nombre de un crítico que vela su identidad poniendo únicamente las iniciales se le cambia el rostro: “No quiero calentarme la boca. La verdad es que no le considero ni crítico. Tiene un altavoz en una revista y en un blog, pero lo único que hace es imitar de una forma burda al crítico referente de este país”. El supuesto líder de opinión teatral decidió obviar a Javier Gutiérrez en su crítica de Los Mácbez, pero es una historia que por lo visto viene de largo. Siempre suele pegar palos a los trabajos de Animalario y muy especialmente a Javier: “No entiendo a esas personas que utilizan la crítica para mostrar sus filias y sus fobias”. Aún así concluye que, desde luego, las críticas le ayudan a seguir creciendo en su trabajo encima de las tablas, especialmente si vienen de firmas autorizadas: “Ahora bien, hay que saber blindarte si tienes malas críticas, darle la importancia justa, ya que tú tienes que subir al escenario todos los días pase lo que pase”.
Él también jugó con sus amigos invisibles. Como le pasaba a El intérprete Asier Etxeandía, Javier Gutiérrez también era un niño raro que se encerraba en su habitación a jugar con sus amigos invisibles. Era un niño enfermizamente tímido que sólo se soltaba cuando era otro. Y así en las reuniones familiares en las que imitaba a sus vecinos comenzó de alguna forma a desarrollar esa vena dramática que le ha llevado a pisar los mejores escenarios de España.
“En los estrenos se crea un ambiente tóxico”. El actor admite que ya no disfruta los estrenos teatrales como antes. La experiencia sigue siendo maravillosa por poder mostrar el trabajo al público, pero son algunos compañeros los que lo convierten en una mala experiencia. No se atreve a poner sobre la mesa entre bocado y bocado la palabra ‘envidia’, pero algo de eso se intuye en sus palabras: “Vienen y juzgan muy a la ligera sin valorar el trabajo que hay detrás”.
Un futuro abonado a los thrillers. En septiembre estrenará La isla mínima de Alberto Rodríguez junto a su querido Raúl Arévalo. Por primera vez en su carrera, Gutiérrez ha saboreado el proceso en cine: “Hicimos trabajo previo como en el teatro y eso no es habitual en el cine. Alberto es un director meticuloso que cuida mucho a sus actores y es que la base de sus películas son los personajes”. En agosto además rodará otro thriller: El desconocido de Daniel de la Torre junto a Luis Tosar. Nos acompaña en esta charla una joven promesa-realidad de nuestra escena, Daniel de Vicente, que por un momento recobra su faceta periodística y pregunta a Javier sobre sus ambiciones en esta profesión: “Mi ego no se satisface encima de un escenario, es más una necesidad vital de contar historias. Si miro hacia el futuro Hollywood no está en mis planes, me conformo con acabar mis días como José Luis López Vázquez”.
Dos clásicos de Shakespare han coincidido en la cartelera con dos de los creadores escénicos más reputados de nuestra escena: Miguel del Arco y Alfredo Sanzol. Un menú en cuatro platos que degustamos DESDE MI BUTACA en esta nueva entrega de Un Madrid sin teatros, un Madrid sin alma, que demuestra la efervescencia de nuestra escena gracias a los autores de ayer y a los que escriben las páginas de sus obras a pie de escenario en los teatros de toda España.
El eterno Shakespeare. Dos obras del autor bardo de muy distinto calado han coincidido en la cartelera del Centro Dramático Nacional: Los Mácbez y Como gustéis, dos apuestas escénicas tan distantes como igualmente interesantes. En este particular menú escénico hemos preparado como entrante un musical mágico con la firma de Shakespeare. Como gustéis es un espectáculo total, un musical- ¡Qué gusto da ver un gran espectáculo de nuevo en un teatro público- Es sin duda una de las obras menores dentro de la abultada producción dramática del dramaturgo, pero esta puesta en escena tiene una capacidad innegable de crear unas imágenes poderosísimas que atrapan al espectador, pura magia esa primera escena en el bosque de Arden. En el reparto hay ciertas desigualdades. En el verso todos los intérpretes cumplen, pero cuando toca dar el do de pecho sólo cumplen con nota unos pocos. Deliciosa pareja cómica, cual señores Thenardier, la que forman Carmen Barrantes y Alberto Castrillo-Ferrer. Pedro G. De las Heras, Pedro Miguel Martínez, Víctor Ullate y Edu Soto son otros de los actores que también cumplen con nota su papel en esta coralísima propuesta escénica que ha dirigido el italiano Marco Carniti con final reivindicativo: «Sí a la cultura, no al 21%» rezan los telares que han representado de una forma ‘mágica’ los espacios del bosque. Esa capacidad de crear poderosas imágenes también está en el otro Shakespeare que ha producido LOS MÁCBEZ UTE, una suerte de cooperativa- unión de empresas de algunos de los integrantes del equipo de Los Mácbez. Sin duda, Andrés Lima sabe muy bien cómo escenificar las brutales escenas del Shakespeare más vengativo. Poderoso, enérgico y desgarrador Javier Gutiérrez que con las manos manchadas de sangre y empachado de espanto, lleva tatuada la atrocidad en sus carnes. Le acompaña una imponente y segura Carmen Machi en uno de los momentos más fértiles en su carrera sobre las tablas. Una pareja protagonista obscenamente sibilina con la que, sin duda, construyen estos actores dos de las grandes creaciones de personaje de su carrera. Y en el baile de la obscenidad que han creado el tándem Andrés Lima-Juan Cavestany nos rebelamos como adictos a la pasión de los poderosos en esta particular Xunta corrupta en que las Meigas marcan el destino de nuestros protagonistas.
Podréis leer muy pronto entrevistas exclusivas a Víctor Ullate Roche y Javier Gutiérrez DESDE MI BUTACA.
Sanzol y Del Arco, nuestra escena sigue en ebullición. «En todas partes, la injusticia es la ley». Miguel del Arco versionando a Moliére. A pesar del pesimismo imperante en el texto- o más bien podríamos decir el realismo- el espectador sale feliz del Español. Sale feliz por ver un montaje que le ha ‘movido’, que le ha hecho plantearse muchas cosas. Nuestro protagonista, en voz y carne de un sobrenaturalmente emocional Israel Elejalde, proclama que «El amor no atiende a razones» y su pasión por la bella Celimena, en la duda entre lo que es y lo que le gustaría que fuese su amada, nos atrapa y nos lleva a lugares de nuestro ser que no nos podríamos imaginar. Todos los kamikazes cumplen con nota. En definitiva, Misántropo es una fiesta, una celebración del teatro en su pura esencia: La palabra. Esa particular compañía de cómicos de la lengua, está arrasando en el Español, ¡Qué siga el éxito! Alfredo Sanzol ha puesto en escena en los Teatros del Canal Aventura! En esta ocasión, el autor ha apostado por una obra de teatro estructurada de una forma más o menos lineal. No se trata de los sketches con los que sorprendió a propios y extraños en montajes como En la luna. Se vende, Razón: Sandra. Su precio depende de la crisis. La sombra del gigante asiático asola a una empresa española que tiene que tomar una importante decisión: ¿Venderíamos a una de nuestras compañeras por un puñado de euros? Y así, el autor nos enfrenta al «absurdo» de la crisis actual con una comedia más efectiva en la segunda parte de la obra, cuando entra en escena el magnate asiático que revolucionará sus vidas. Un montaje efectivo con un puñado de buenos actores, en el que el espacio sonoro, con esa música de Fernando Velázquez efectivísima vuelve a corroborar que nuestra dramaturgia está en una ebullición constante.
Podéis leer la entrevista que le hicimos a Israel Elejalde con motivo del paso de Misántropo por Santander.
Ya sean clásicos de siempre como el autor bardo o clásicos de hoy como los citados Sanzol y Del Arco, el teatro hoy más que nunca seguirá poniéndonos delante del espejo de la realidad inmediata, llevándonos a indagar en lugares de nosotros mismos que no podríamos imaginar.
Este escenario universal representa escenas más tristes que las que nosotros representamos
Continuamos avanzando algunos de los inminentes estrenos teatrales que llegarán a Madrid antes del verano. La primera (doble) parada la hacemos en los Teatros del Canal. Del 8 al 25 de mayo se podrá disfrutar de la esperada Aventura! de Alfredo Sanzol. Alfredo Sanzol y T de Teatre, el tándem que hizo posible el gran éxito Delicadas, vuelve a unirse para estrenar Aventura!, la historia de seis socios que reciben una oferta de compra por una empresa china y que, en lugar de vender su empresa… acaban vendiendo a una socia. En palabras de Sanzol: «En Aventura! los personajes están atenazados por el miedo y acaban haciendo algo que ‘nunca harían’. Creo que nuestra mayor fragilidad es el miedo, y esta obra intenta reducirlo poniendo delante de los ojos un fantasma colectivo: ‘el de convertirnos en esclavos». Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Jordi Rico y Àgata Roca son los protagonistas de este montaje que también dirige el propio Sanzol.
La segunda cita con los Teatros del Canal será del 29 de mayo al 15 de junio con Mierda de artista, el musical, basado en la vida y obra del artista conceptual Piero Manzoni. Piero Manzoni regenta una galería de arte junto a sus socios Enrico y Bonalumi. Es un artista reconocido pero vive con la insatisfacción de no lograr vender las obras que él desearía. La novia de Piero, Apollonia, trata de servirle de apoyo, mientras su esperpéntica marchante, Sofía, conspira contra él con la complicidad de uno de sus amigos. Cuando el artista está a punto de presentar su última obra, una periodista del Corriere della Sera, Paola, irrumpe en su entorno. Los personajes establecerán un juego de intereses que desencadenarán en hilarantes situaciones llenas de humor. Triángulos amorosos, intereses económicos, traiciones y una animada banda sonora completan el marco en el que Piero desarrolla su obra. En este musical original de Ferran González y Joan Miquel Pérez participan Ferran González, Gemma Martínez, Xènia Reguant, Nanina Rosebud, Frank Capdet, Joan Miquel Pérez, Eloi López y Paco Weht, un elenco dirigido por Alicia Serrat.
El Centro Dramático Nacional estrena dos interesantes propuestas en las próximas semanas: Los Macbez y Como Gustéis.
Del 8 de mayo al 15 de junio se podrá ver en el Teatro Valle Inclán una versión musical del clásico de Shakespeare Como gustéis (As You Like It), dirigido por Marco Cantini y dirección musical de Miguel Tubía sobre la versión de María Fernández Ache. Una comedia sobre el amor y sobre la búsqueda de la identidad. Un texto ambiguo, mimético, evanescente, filosófico, musical y poético. A medias rápido y repentinamente lento. Cualquier cosa, pero también su opuesto. Una comedia que no se puede o que quizá no se debe definir. Un lugar/contenedor donde todos pueden encontrar cualquier cosa de sí mismos, por sí mismos. Una tragedia que se transforma en una comedia y que ya en la ironía del título desvela su objetivo: ser como a nosotros, público, nos plazca. Un itinerario de conocimiento filosófico, donde la reflexión humanística sobre el tema del Tiempo lleva al descubrimiento de un Nuevo Mundo, un inmenso espacio poético todavía inexplorado. Un viaje a veces oscuro y doloroso para llegar al descubrimiento de otros lugares dentro y más allá de sí mismos. En el amplio reparto destacan nombres como el de Roberto Enríquez, Carmen Barrantes, Pedro Miguel Martínez, Pedro G. De Las Heras, Edu Soto y Víctor Ullate Roche.
Un momento de los ensayos en una foto de Antonio Castro.
En palabras de Andrés Lima: «Los Mácbez es corrupción y ambición, Yin y Yan, hombre y mujer, bien y mal… Parejas. Es muy interesante que la Escocia medieval de Shakespeare encaje tan bien en la Galicia de la actualidad. Acercamos a Macbeth a nuestra tierra y costumbres para ver con claridad cómo el deseo de poder y la superstición siguen siendo motores en el ser humano, cómo la codicia, la violencia y la falta de escrúpulos es escocesa, gallega y universal, cómo hombres y mujeres se corrompen por conseguir el poder y una vez en sus manos siguen corrompiéndose para tener la seguridad de conservar ese poder, y de cómo una vez corruptos del todo sólo quedan la locura y el miedo. ¿Dónde quedó la Vida que se ambicionó? Todo esto tiene un millón de matices… La cantidad de ambición (ambición y deseo de otra buena pareja) que cabe en un cuerpo humano no tiene límites. El Señor Mácbez puede ser un general de las tropas del Rey o un director de sucursal de cualquier oficina bancaria. Sólo basta con querer ser El Jefe. Siempre me han sorprendido, cuando entrevistan en televisión el entorno de un asesino local, los comentarios de la gente: “Pues era una buenísima persona…”, “un chico muy normal y muy educado…”, nuestro lado oscuro se pasea con nosotros y compra periódicos en el mismo kiosko. Allí vamos a llevar al público, a los lugares más oscuros del corazón, donde anida el deseo… para bien y para mal. Un escenario de sangre y tormenta se enmarca en un lienzo blanco. Blanco y sin pintar como el principio esencial de todo, como las posibilidades de la humanidad de ser diferente. Nuestro destino lo marcamos nosotros. Nosotros pintamos el lienzo, lo demás son cuentos de brujas». El montaje que protagonizan Carmen Machi, Javier Gutiérrez y Rulo Pardo se podrá ver del 30 de abril al 15 de junio en el Teatro María Guerrero.
Del 8 de mayo al 8 de junio se podrá ver en el Teatro Pavón Las dos bandoleras. Carme Portacheli dirige a un reparto liderado por Carmen Ruiz, Macarena Gómez, Helio Pedregal y Llorenç González. La directora ha hecho la dramaturgia junto a Marc Rosich: «Se ha hecho a menudo un retrato de las serranas como mujeres matahombres y salteadoras para desfigurarlas, pero en realidad el bandolerismo ha sido siempre un fenómeno sociológico universal, producto de factores relacionados con la miseria y la injusticia en algunos momentos determinados, que propiciaron una rebeldía como única respuesta a una sociedad que sólo defendía los intereses de unos cuantos y, en este caso, de los hombres. Nuestras dos bandoleras, aunque hay muchas más, no son ni terribles, ni deformadas, ni agresivas; sólo tienen rabia de haber sido insultadas y engañadas, sin ninguna oportunidad de restablecer su «honor» que no sea la venganza, la única vía que su entorno les permite. Son listas, graciosas y vitales, pero sobre todo llenas de ilusiones frustradas, de las que se desquitan centrando toda su decepción en el escarnio contra el género masculino. Nuestra idea es, teniendo a las dos bandoleras protagonistas como estandarte, hacer un homenaje a todas las mujeres fuertes, heroínas ejemplares en sagacidad, fuerza y determinación, que transitan por toda la obra de Lope y que son una de las irrefutables aportaciones del dramaturgo al teatro del Siglo de Oro. Y nuestra propuesta reposa ante todo sobre el verso, verdadero motor de las piezas de Lope, un verso maravilloso, vivo y arrollador, y que en esta pieza vuelve a mostrarse orgánico, pragmático y rítmico».
Habrá un tercer post para avanzar los estrenos que llegarán antes del verano con nombres como el de Emilio Gutiérrez Caba que reestrena La mujer de negro…
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Un profesor que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés en la España de 1966, se entera de que John Lennon está en Almería rodando una película. Decidido a conocerle, emprende el camino y en su ruta recoge a un chico de 16 años que se ha fugado de casa y a una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Entre los tres nacerá una amistad inolvidable.
Desde mi butaca comunica... Más que comunicación... pura ¡PASIÓN POR LA ESCENA! 